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윤형근

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목차

1. 개요

윤형근은 1928년 충청북도 청원군(현 청주시)에서 태어난 대한민국의 화가이다. 일제강점기와 한국 전쟁 시기를 겪으며 고초를 겪었으며, 학생 운동 참여, 북한군 초상화 제작 등으로 수감되기도 했다. 홍익대학교를 졸업하고, 김환기의 영향을 받아 예술 활동을 시작했다. 1973년 출소 후 자신만의 독특한 화풍을 구축하여, 직사각형 캔버스에 하늘색과 암갈색을 사용하여 '천지문' 연작을 제작했다. 단색화 그룹의 원로로서, 단순하고 엄격한 형태와 색상을 통해 동양 정신을 표현했으며, 1995년 베니스 비엔날레 한국관 개관 전시 참여를 통해 서구에서도 작품성을 인정받았다. 주요 전시로는 국립현대미술관 회고전, 베니스 팔라초 포르투니 순회 전시 등이 있으며, 한국미술대상전 대상, 김수근 문화상 미술부문을 수상했다. 국립현대미술관, 테이트 모던 등 국내외 여러 미술관에 작품이 소장되어 있다.

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윤형근 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
출생일1928년 4월 12일
출생지일제강점기 조선 충청북도 청원군
사망일2007년 12월 28일
국적대한민국
직업화가
학력홍익대학교
작품 활동
활동 시기
알려진 작품
기타
영향

2. 생애

윤형근은 1928년 오늘날 대한민국의 중서부에 위치한 대전시 인근, 충청북도 청원군(현재 청주시)에서 태어났다.[1] 일제강점기 절정기에도 윤형근은 청주상업학교에서 오동명과 안승학의 지도 아래 미술 교육을 받을 기회를 얻었으며, 1945년 졸업했다.[1]

안승학의 영향을 받아 윤형근은 1946년 청주사범학교에서 반년 동안 그림 공부를 하는 단기 과정에 등록했다.[1] 이후 1947년, 가족의 반대에도 불구하고 새로 설립된 서울대학교 미술대학에 진학했다.[1] 서울대학교에서 윤형근은 입시를 감독했던 교수 김환기를 처음 만났으며, 김환기의 지도 아래 예술 경력을 시작했다. 김환기는 1960년 윤형근의 장인이 되었다.[1]

하지만 서울대학교 입학 직후 윤형근은 어려움을 겪기 시작했다. 1948년과 1949년, 그는 전교생이 참여한 시위에 가담했다는 이유로 체포되어 고문을 당하고 부상을 입었으며, 학교에서 퇴학당했다.[1] 한국 전쟁이 발발한 1950년에는 이전 체포 경력으로 인해 구금되었고, 총살형을 선고받았으나 마지막 순간에 탈출했다.[1] 1956년 윤형근은 서대문형무소에 6개월 동안 다시 수감되었는데, 서울대학교 재학 중 학생 운동에 참여했을 뿐만 아니라 서울이 점령되었을 때 북한군을 위해 초상화를 그렸기 때문이었다.[1]


  • 하위 레벨 제목(sub-sectionTitle): 예술 경력의 시작과 발전 (1957-1960년대)
  • 하위 레벨 본문(sub-content):

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석방 후 윤형근은 김환기가 미술학과를 이끌고 있던 홍익대학교로 편입하여 1957년 졸업했다.[1] 이듬해 그는 고등학교에서 미술을 가르치기 시작했고, 제2회와 제3회 “관념”전(1962년, 1963년, 서울 중앙공보관)에 작품을 출품했다. 그는 1966년 서울 프레스센터 갤러리에서 첫 개인전을 열었고, 1969년에는 제10회 상파울루 비엔날레에 작품을 선보였다.[1] 1960년대 윤형근의 초기 작품들은 대체로 푸른 배경의 서정적이고 환상적인 추상화로 구성되어 있다.[1] 1960년대 작품 중 일부만 남아 있지만, 단순한 형태, 뛰어난 색채 사용, 미묘한 질감으로 김환기의 영향을 분명히 볼 수 있다.[1]

2. 1. 초기 생애와 교육 (1928-1956)

윤형근은 1928년 오늘날 대한민국의 중서부에 위치한 대전시 인근, 충청북도 청원군(현재 청주시)에서 태어났다.[1] 일제강점기 절정기에도 윤형근은 청주상업학교에서 오동명과 안승학의 지도 아래 미술 교육을 받을 기회를 얻었으며, 1945년 졸업했다.[1]

안승학의 영향을 받아 윤형근은 1946년 청주사범학교에서 반년 동안 그림 공부를 하는 단기 과정에 등록했다.[1] 이후 1947년, 가족의 반대에도 불구하고 새로 설립된 서울대학교 미술대학에 진학했다.[1] 서울대학교에서 윤형근은 입시를 감독했던 교수 김환기를 처음 만났으며, 김환기의 지도 아래 예술 경력을 시작했다. 김환기는 1960년 윤형근의 장인이 되었다.[1]

하지만 서울대학교 입학 직후 윤형근은 어려움을 겪기 시작했다. 1948년과 1949년, 그는 전교생이 참여한 시위에 가담했다는 이유로 체포되어 고문을 당하고 부상을 입었으며, 학교에서 퇴학당했다.[1] 한국 전쟁이 발발한 1950년에는 이전 체포 경력으로 인해 구금되었고, 총살형을 선고받았으나 마지막 순간에 탈출했다.[1] 1956년 윤형근은 서대문형무소에 6개월 동안 다시 수감되었는데, 서울대학교 재학 중 학생 운동에 참여했을 뿐만 아니라 서울이 점령되었을 때 북한군을 위해 초상화를 그렸기 때문이었다.[1]

2. 2. 작품 활동과 시련 (1957-1972)

2. 3. 천지문(天地門) 연작과 국제적 인정 (1973-2007)

3. 예술적 특징

윤형근은 1973년 출소 후 그림에 전념하며 자신만의 독특한 화풍을 구축하기 시작했다.[2] 1974년 후반부터 1980년대 중반까지 제작된 작품들은 직사각형 캔버스에 넓은 여백을 두고, 양쪽(때로는 세 개)에 캔버스 전체 높이를 따라 뻗어 내려오는 기둥 모양의 어두운 부분을 배치한 형태가 주를 이룬다.[3] 그는 두꺼운 면이나 삼베 캔버스를 바닥에 놓고 위에서 아래로 굵은 선을 그은 후, 유채 물감을 여러 겹 덧칠하여 캔버스 가장자리가 짙은 검은색에 가까운 깊은 색으로 빛나도록 했다.[4]

초기 작품에 대해 윤형근은 "천지문(天地門)"이라는 주제를 설명했다. 파랑영어은 하늘의 색이고, 암갈색영어은 땅의 색이기에 '천지'라 부르고, 문은 구성을 나타낸다고 말했다.[4] 시드 삭스(Sid Sachs)는 "처음에는 무심해 보이는 비관계적이고 비구성적인 요소들이 알고 보면 명확한 감각, 완전히 의식적이고 완벽하게 형성된 것임을 알 수 있다"고 평했다.[5] 윤형근은 이러한 예술적 기법을 약 40년 동안 거의 변화 없이 유지했다.

윤형근은 단색화 그룹의 원로 회원이었다.[6] 하지만, 단순히 '단색화 화가'로 자신을 분류하는 것을 선호하지 않았고, 예술 자체보다 인간, 사회, 자연에 더 큰 중요성을 부여했다.[6] "이론으로는 예술을 만들 수 없다. 순수하고 순진한 사람에게서만 영원하고 향기로운 예술이 나온다고 진심으로 믿는다"는 그의 말처럼, 그는 자신의 개성에 맞는 독특한 삶의 방식에 충실했다.[7] 따라서 그의 작품에서는 강한 자기 수련의 기운이 묻어난다고 흔히 말한다.[8] 윤형근의 추가적인 붓놀림과 반복적인 과정은 어떤 목표를 향한 노력이나 개선을 의미하는 것이 아니라, 삶을 살아가는 것과 같은 지속적인 일상과 반복이다.[9] 윤형근의 말처럼, "[그의] 그림은 [그가] 매일 기록하는 일기와 같다."[10] 숙련된 몸과 마음으로 이루어진 윤형근의 무게 있는 붓놀림은 캔버스의 물리적 표면에 보이지는 않지만 존재하는 실제 에너지장으로 이루어진 특별한 존재감을 만들어낸다.[11]

어떤 면에서 윤형근의 후기 작품들은 형태, 색상, 과정 면에서 더욱 단순하고 엄격해졌다. 색조의 미묘한 차이가 사라지고 색상은 거의 순수한 검정색에 가까워졌다. 또한 유채 사용량 감소로 인해 표면이 더 건조해졌다. 윤형근의 후기 작품 대부분은 더 구체적인 형태로 제작되었다. 자와 연필로 캔버스에 직사각형을 그린 후, 직사각형 가장자리에 테이프를 붙이고 테이프 안쪽을 칠한 후 테이프를 제거하는 방식이다.[12] 그러나 이러한 단순해 보이는 작품들은 윤형근의 모든 작품이 그렇듯이 숨겨진 깊이를 지니고 있다. 넓은 검은색 공허를 응시하는 것은 깊은 심연으로 뛰어드는 것과 같다.[13]

이러한 '존재'는 서구에서 인정받기 시작했고, 1995년 베니스 비엔날레 한국관 개관 전시에 참여했다. 도널드 저드(Donald Judd)는 윤형근의 작품에 깊은 인상을 받아 뉴욕 도널드 저드 재단(1993), 마르파 키나티 재단(1994, 1996)에서 전시를 초청했다.[14]

3. 1. 천지문(天地門)

윤형근은 1973년 출소 후 본격적으로 그림에 전념하며 자신만의 독특한 화풍을 구축하기 시작했다.[2] 1974년 후반부터 1980년대 중반까지 제작된 작품들은 직사각형 캔버스에 넓은 여백을 두고 양쪽에 캔버스 전체 높이를 따라 뻗어 내려오는 기둥 모양의 어두운 부분을 배치한 형태가 주를 이룬다.[3] 그는 두꺼운 면이나 삼베 캔버스를 바닥에 놓고 위에서 아래로 굵은 선을 그린 후 유채 물감을 여러 겹 덧칠하여 캔버스 가장자리가 짙은 검은색에 가까운 깊은 색으로 빛나도록 했다.[4]

초기 작품에 대해 윤형근은 "천지문(天地門)"이라는 주제를 설명하며, 파랑(하늘)과 암갈색(땅) 두 가지 색을 사용하여 '천지'를 표현하고, 문은 구성을 나타낸다고 말했다.[4] 시드 삭스(Sid Sachs)는 "처음에는 무심해 보이는 비관계적이고 비구성적인 요소들이 알고 보면 명확한 감각, 완전히 의식적이고 완벽하게 형성된 것임을 알 수 있다"고 평했다.[5] 윤형근은 이러한 예술적 기법을 약 40년 동안 거의 변화 없이 유지했다.

윤형근은 단색화 그룹의 원로 회원이었다.[6] 그는 자신의 작품이 강한 자기 수련의 기운이 묻어난다고 평가받는 것을 언급하며, 추가적인 붓놀림과 반복적인 과정은 어떤 목표를 향한 노력이나 개선이 아니라 삶을 살아가는 것과 같은 지속적인 일상과 반복이라고 설명했다.[8][9] 그의 말처럼, "[그의] 그림은 [그가] 매일 기록하는 일기와 같다."[10]

후기 작품들은 형태, 색상, 과정 면에서 더욱 단순하고 엄격해졌다. 색조의 미묘한 차이가 사라지고 색상은 거의 순수한 검정색에 가까워졌으며, 유채 사용량 감소로 표면이 더 건조해졌다. 대부분의 후기 작품은 자와 연필로 캔버스에 직사각형을 그린 후, 직사각형 가장자리에 테이프를 붙이고 테이프 안쪽을 칠한 후 테이프를 제거하는 방식으로 제작되었다.[12]

윤형근의 작품은 서구에서 인정받기 시작하여, 1995년 베니스 비엔날레 한국관 개관 전시에 참여했다.[14] 도널드 저드는 윤형근의 작품에 깊은 인상을 받아 뉴욕 도널드 저드 재단(1993), 마르파 키나티 재단(1994, 1996)에서 전시를 초청했다.[14]

3. 2. 단색화와의 관계

윤형근은 단색화 그룹의 원로 회원이었다.[6] 1973년 출소 후 그림에 전념하기 시작하여 자신만의 독특한 화풍을 구축했다.[2] 1974년 후반부터 1980년대 중반까지 제작된 작품들은 직사각형 캔버스에 넓은 여백을 두고, 양쪽에 캔버스 전체 높이를 따라 뻗어 내려오는 기둥 모양의 어두운 부분을 배치한 형태가 주를 이룬다.[3] 그는 두꺼운 면이나 삼베 캔버스를 바닥에 놓고 위에서 아래로 굵은 선을 그은 후, 유채 물감을 여러 겹 덧칠하여 캔버스 가장자리가 짙은 검은색에 가까운 깊은 색으로 빛나도록 했다.[4]

초기 작품에 대해 윤형근은 "천지의 문"이라는 주제를 설명하며, 파랑은 하늘, 암갈색은 땅의 색을 의미하며, 문은 구성을 나타낸다고 말했다.[4] 그는 약 40년 동안 이러한 예술적 기법을 거의 변화 없이 유지했다.

윤형근은 자신을 단순히 '단색화 화가'로 분류하는 것을 선호하지 않았으며, 예술 자체보다 인간, 사회, 자연에 더 큰 중요성을 부여했다.[6] 그는 "순수하고 순진한 사람에게서만 영원하고 향기로운 예술이 나온다"고 믿으며, 자신의 개성에 맞는 독특한 삶의 방식에 충실했다.[7] 그의 작품에서는 강한 자기 수련의 기운이 묻어나며, 반복적인 붓놀림은 삶을 살아가는 것과 같은 지속적인 일상과 반복을 의미한다.[8][9] 윤형근은 "[그의] 그림은 [그가] 매일 기록하는 일기와 같다"고 말했다.[10]

후기 작품들은 형태, 색상, 과정 면에서 더욱 단순하고 엄격해졌다. 색조의 미묘한 차이가 사라지고 색상은 거의 순수한 검정색에 가까워졌으며, 유채 사용량 감소로 인해 표면이 더 건조해졌다.[12]

그의 작품은 서구에서 인정받기 시작하여, 1995년 베니스 비엔날레 한국관 개관 전시에 참여했다. 또한, 도널드 저드(Donald Judd)는 윤형근의 작품에 깊은 인상을 받아 뉴욕 도널드 저드 재단(1993), 마르파 키나티 재단(1994, 1996)에서 전시를 초청했다.[14]

3. 3. 서예적 필치와 동양 정신

윤형근은 1973년 출소 후 그림에 전념하며 자신만의 독특한 화풍을 구축하기 시작했다.[2] 1974년 후반부터 1980년대 중반까지 제작된 작품들은 직사각형 캔버스에 넓은 여백을 두고, 양쪽에 캔버스 전체 높이를 따라 뻗어 내려오는 기둥 모양의 어두운 부분을 배치한 형태가 주를 이룬다.[3] 두꺼운 면이나 삼베 캔버스를 바닥에 놓고 위에서 아래로 굵은 선을 그은 후, 유채 물감을 여러 겹 덧칠하여 캔버스 가장자리가 짙은 검은색에 가까운 깊은 색으로 빛나도록 했다.[4]

초기 작품에 대해 윤형근은 "천지의 문"이라는 주제를 설명하며, 파랑은 하늘, 암갈색은 땅의 색을 의미하며, '천지'는 구성을 나타낸다고 말했다.[4] 그는 단색화 그룹의 원로 회원이였지만, 단순히 '단색화 화가'로 분류되는 것을 선호하지 않았으며, 예술 자체보다 인간, 사회, 자연에 더 큰 중요성을 부여했다.[6] 그의 작품에서는 강한 자기 수련의 기운이 묻어나며, 추가적인 붓놀림과 반복적인 과정은 어떤 목표를 향한 노력이나 개선이 아닌, 삶을 살아가는 것과 같은 지속적인 일상과 반복을 의미한다.[8][9] 윤형근의 말처럼, "[그의] 그림은 [그가] 매일 기록하는 일기와 같다."[10]

후기 작품들은 형태, 색상, 과정 면에서 더욱 단순하고 엄격해졌다. 색조의 미묘한 차이가 사라지고 색상은 거의 순수한 검정색에 가까워졌으며, 유채 사용량 감소로 인해 표면이 더 건조해졌다.[12] 자와 연필로 캔버스에 직사각형을 그린 후, 직사각형 가장자리에 테이프를 붙이고 테이프 안쪽을 칠한 후 테이프를 제거하는 방식으로 제작되었다.[12]

이러한 윤형근의 작품은 서구에서 인정받기 시작했고, 1995년 베니스 비엔날레 한국관 개관 전시에 참여했다. 도널드 저드는 윤형근의 작품에 깊은 인상을 받아 뉴욕 도널드 저드 재단(1993), 마르파 키나티 재단(1994, 1996)에서 전시를 초청했다.[14]

4. 주요 전시

윤형근의 작품들은 단색화 운동을 이끈 주요 인물로 평가받으며, 그의 사후에도 여전히 단색화와 함께 이해되는 경향이 강하다. 윤형근의 작품은 동시대 단색화 작가들과 함께 다양한 단체전에 출품되었다. 서울시립미술관의 "한국 추상회화: 10가지 시각"(2011), 국립현대미술관과 전북도립미술관의 "단색화: 한국의 단색 회화"(2012), 국제갤러리의 "단색화의 예술"(2014), 파리 세르뉘시 미술관의 "서울 파리 서울"(2016), 도쿄 오페라시티 아트 갤러리의 "단색의 리듬: 한국 추상회화"(2017), 에라르타 현대미술관의 "금욕의 길: 한국 단색화"(2017) 등 다수의 전시에 참여했다.

2010년대 후반, PKM 갤러리[15](유족 대표)가 개최한 개인전들을 통해 윤형근의 독특한 화풍을 재해석하고 재정의하는 다양한 중요 전시들이 있었다. 그의 작품은 블룸 앤 푸, 악셀 베르보르트 갤러리, 사이먼 리 갤러리, 데이비드 즈위르너와 같은 저명한 갤러리에서도 전시되었다. 2018년 국립현대미술관 서울에서 열린 윤형근의 사후 첫 번째 대규모 회고전은 그의 삶과 예술적 스타일을 종합적으로 이해할 수 있는 기회를 제공했다.[16][17] 이 전시는 4개월 동안 약 10만 명의 관람객을 모았으며, 전시 기간이 2개월 더 연장되었다. 이후 이 회고전은 베니스의 팔라초 포르투니로 순회하며 제58회 베니스 비엔날레와 동시에 개최되었고, 비엔날레 기간 중 최고의 오프사이트 및 병행 전시 중 하나로 평가받았다.[18][19]

5. 수상 내역


  • 1978년 한국미술대상전 대상을 수상하였다.
  • 1990년 제1회 김수근 문화상 미술부문을 수상하였다.

6. 작품 소장처

윤형근의 작품은 국립현대미술관, 리움, 삼성미술관, 서울시립미술관, 광주시립미술관, 대구미술관, 서울대학교미술관, 홍익대학교미술관, 가천대학교, 도쿄도 미술관, 후쿠오카시 미술관, 히로시마 시립현대미술관, 미에현립미술관, M+ 미술관, 치나티 재단, 시카고 아트 인스티튜트, 글렌스톤, 테이트 모던, 슈티프퉁 퓌어 콘크레테 쿤스트, 그리고 조지 에코노무 컬렉션 등 여러 공공 컬렉션에 소장되어 있다.

참조

[1] 서적 "Yun Hyong-keun: Eternally in the Realm of Old Age," Yun Hyong-keun(MMCA Catalog) The National Museum of Modern and Contemporary Art
[2] 서적 Contemporary Korean Art: Tansaekhwa and the Urgency of Method University of Minnesota Press
[3] 서적 "The Work of Yun, Hyong-keun," Yun, Hyong-keun(Inkong Gallery catalog) Inkong Gallery
[4] 일기 Artist's Diary 1977-01-00
[5] 학술지 Hyong-keun Yun at LOCKS Gallery
[6] 서적 "Yun Hyong-Keun's Footsteps and His Universe," Yun Hyong Keun(Artsonje Museum catalog) Artsonje Museum
[7] 일기 Artist's Diary 1979-00-00
[8] 서적 "The Work of Yun, Hyong-keun," Yun, hyong-keun(Inkong Gallery catalog) Inkong Gallery
[9] 서적 "Language of Dansaekhwa: Thinking in Material," Fracturing Conceptual Art: The Asian Turn Art Platform Asia
[10] 일기 Artist's Diary 1984-12-21
[11] 서적 "Yun Hyong-keun's Painting as an Embodiment of the Spirit of Daam," Yun Hyong-keun: Selected Works 1972-2007 PKM Gallery
[12] 서적 "Yun is Painting," Hyong-keun Yun at Paris(Jean Brolly catalog) Jean Brolly Gallery
[13] 서적 Yun Hyong-Keun Hatze Cantz
[14] 서적 "A Conversation," Hyong-Keun Yun(Jean Brolly Gallery) Jean Brolly Gallery
[15] 웹사이트 PKM Gallery https://www.pkmgalle[...] 2023-10-02
[16] 웹사이트 National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea https://www.mmca.go.[...] 2023-10-02
[17] Youtube ARTIST DOCUMENTARY | Yun Hyong Keun | 윤형근 | 작가 다큐멘터리 https://www.youtube.[...] 2023-10-02
[18] 웹사이트 YUN HYONG-KEUN. A retrospective | Museo Fortuny | MUVE Contemporaneo https://fortuny.visi[...] 2019-03-06
[19] 웹사이트 Beyond the Biennale: The Shows to See Around Venice https://www.frieze.c[...] 2019-05-13


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