인체 소묘
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1. 개요
인체 소묘는 선사 시대부터 예술의 중요한 주제로, 인체의 해부학적 세부 묘사를 탐구하는 드로잉 기법이다. 고대부터 르네상스 시대를 거쳐 근대에 이르기까지 인체 소묘는 예술가들의 중요한 훈련 과정이었으며, 특히 18세기 후반 자크 루이 다비드의 스튜디오에서 엄격한 교육 과정을 통해 숙련도를 높였다. 19세기 후반까지 여성의 인체 소묘 참여가 제한되었으나, 현대에는 다양한 기법과 접근 방식으로 발전하여 모든 연령, 체형, 민족의 모델을 활용하고 있다. 모델, 사진, 해부학, 기하학, 상상력 등 다양한 접근 방식을 통해 인체의 비례와 구조를 이해하고, 콩테, 목탄, 흑연 연필, 잉크 등 다양한 용구를 사용하여 표현한다. 현대 미술 교육에서는 스튜디오 환경에서 모델을 활용하여 인체 소묘를 진행하며, 동작 소묘를 통해 인체의 동세를 익히는 훈련도 이루어진다.
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| 인체 소묘 | |
|---|---|
| 개요 | |
 | |
| 유형 | 시각 예술 |
| 기술 | 드로잉 |
| 매체 | 다양함 |
| 설명 | |
| 정의 | 일반적으로 옷을 입지 않은 인간 형태의 그림 |
| 목적 | 예술가의 기술 향상, 인체에 대한 이해 증진, 예술 작품 제작 |
| 특징 | 인체의 비례, 해부학적 구조, 움직임, 자세 등을 정확하게 표현하는 것이 중요함 다양한 재료와 기법을 사용하여 표현 가능함 |
| 역사 | 고대 그리스 시대부터 존재 르네상스 시대에 크게 발전 현대 미술에서도 중요한 장르로 자리 잡음 |
| 중요성 | 예술가의 기본 훈련 과정 중 하나 인체에 대한 이해를 높이는 데 필수적 다양한 예술 작품의 기초 자료로 활용됨 |
| 기법 | 윤곽선 드로잉 명암 드로잉 제스처 드로잉 크로키 |
| 추가 정보 | |
| 관련 용어 | 누드 크로키 인체 해부학 미술 |
2. 역사
인체 소묘는 선사 시대부터 존재해 왔으며, 시대와 문화에 따라 다양한 방식으로 발전해 왔다.
인체는 선사 시대부터 소묘의 대상이었다. 대 플리니우스가 전하는 제욱시스에 대한 일화에는 제욱시스가 완벽한 이미지를 만들기 위해 아그리젠토의 나체 여성 다섯 명을 골랐다는 이야기가 있다.[15] 체니노 체니니의 글은 중세 미술가의 작업실에서 누드 모델을 사용했음을 암시하며, 빌라르 도네쿠르의 원고는 인체 스케치가 13세기에 확립된 관행이었음을 보여준다.[15] 1580년대 카라치는 볼로냐에 아카데미아 델리 인카미나티를 열고 실물 드로잉을 훈련 중심으로 삼아 이후 미술 학교의 패턴을 세웠다.[5]
18세기 후반, 자크 루이 다비드의 작업실 학생들은 엄격한 교육 과정을 따랐다. 소묘 숙련은 회화의 전제 조건이었다. 학생들은 매일 6시간씩, 한 주 동안 같은 자세를 취하는 모델을 그렸다.[16] 19세기 후반 이전에는 일반적으로 여성이 인물 드로잉 수업에 들어갈 수 없었다.[8][10]
2. 1. 고대
인체는 선사 시대부터 소묘의 대상이었다. 고대 미술가들의 작업실에서 인체 소묘가 이루어졌다는 것은 대부분 추측이지만, 작품의 해부학적 정교함을 볼 때 누드 모델을 이용하여 그림을 그리고 모델링했음을 알 수 있다. 대 플리니우스가 전하는 일화에 따르면, 제욱시스는 이상적인 이미지를 그리기 위해 아그리젠토의 젊은 여성들을 알몸으로 검토하여 다섯 명을 선택했다.[15][4]2. 2. 중세
첸니노 첸니니의 저술에는 중세 미술가의 작업실에서 누드 모델을 사용했다는 내용이 암시되어 있으며, 빌라르 드 온느쿠르의 필사본은 13세기에 실생활에서 스케치를 하는 것이 확립된 관행이었음을 보여준다.[15]2. 3. 르네상스
인체는 선사 시대부터 드로잉의 대상이었다. 고대 예술가들의 작업실 관행은 대부분 추측에 불과하지만, 그들이 누드 모델을 사용하여 그림을 그리고 모델링했다는 것은 그들의 작품의 해부학적 정교함에서 시사된다. 플리니우스가 전하는 일화에 따르면, 제욱시스는 이상적인 이미지를 그리기 위해 자신의 특징을 결합할 다섯 명을 선택하기 전에 아그리젠토의 젊은 여성들을 알몸으로 검토했다.[4] 첸니노 첸니니의 저술은 중세 시대 예술가의 작업실에서 누드 모델을 사용했음을 암시하며, 빌라르 드 온느쿠르의 필사본은 13세기에 실생활에서 스케치를 하는 것이 확립된 관행이었음을 확인해 준다.[4] 1580년대에 카라치는 볼로냐에 아카데미아 델리 인카미나티를 열고 실물 드로잉을 중심적인 훈련으로 삼음으로써 후대 미술 학교의 패턴을 세웠다.[5] 훈련 과정은 판화 복사, 석고상 드로잉, 실물 모델 드로잉 훈련 순으로 진행되었다.2. 4. 근대
18세기 후반, 자크 루이 다비드의 작업실에서는 엄격한 인체 소묘 훈련이 이루어졌다. 소묘 실력은 회화의 필수 조건으로 여겨졌으며, 학생들은 매일 약 6시간 동안 일주일 내내 같은 자세를 취하는 모델을 그렸다.[6]19세기에 아카데미 미술에서 인체 소묘는 중요한 교육 과정으로 자리 잡았다. 그러나 19세기 후반 이전에는 일반적으로 여성이 인체 소묘 수업에 참여하는 것이 허용되지 않았다.[8][10] 역사적 기록에 따르면, 여성 예술가 지망생들은 누드 모델을 구하는 데 어려움을 겪었다. 당시 여성들은 누드 모델을 대상으로 공부하는 것이 부적절하거나 위험하다고 여겨져 금지되었기 때문이다.[10] 남성은 남성과 여성 누드 모델 모두에게 접근할 수 있었지만, 여성은 석고상과 모형을 통해서만 해부학을 배울 수 있었다. 1893년이 되어서야 런던의 왕립 미술원에서 여성 학생들이 인체 소묘를 할 수 있게 되었지만,[11] 이마저도 모델은 부분적으로 가려야 했다.[12]
이러한 누드 인물에 대한 제한적인 접근은 여성 예술가들의 경력과 발전을 저해했다. 가장 권위 있는 회화 형식은 여성에게 체계적으로 금지된 해부학에 대한 깊이 있는 지식을 요구했고,[12] 이로 인해 여성들은 풍속화, 정물화, 풍경화, 초상화와 같이 덜 중요하게 여겨지는 회화 형식으로 밀려났다. 린다 노클린은 자신의 에세이 "왜 위대한 여성 예술가들은 없었는가"에서 여성들이 누드 인물 소묘에 접근할 수 없었던 것이 여성의 예술적 발전에 역사적으로 중요한 장벽이었다고 지적한다.[12]
2. 5. 현대
현대에 이르러 인체 소묘는 다양한 기법과 접근 방식으로 발전하고 있다. 19세기 후반 이전에는 여성이 인체 소묘 수업에 참여하는 것이 일반적으로 어려웠다.[8][10] 역사적 기록에 따르면, 여성 예술가 지망생들은 누드 모델을 구하는 것 자체가 매우 어려웠으며, 부적절하고 위험하다는 이유로 누드 모델을 대상으로 공부하는 것이 금지되었다.[10] 남성은 남성과 여성 누드 모델 모두에게 접근할 수 있었지만, 여성은 석고상과 모형을 통해 해부학을 배우는 데 제한되었다. 1893년에 이르러서야 런던의 왕립 미술원에서 여성 학생들이 인체 소묘를 할 수 있게 되었고,[11] 그마저도 모델은 부분적으로 가려야 했다.[12]누드 인물에 대한 제한적인 접근은 여성 예술가들의 경력과 발전을 저해했다. 가장 권위 있는 형태의 회화는 여성에게 체계적으로 금지된 해부학에 대한 깊이 있는 지식을 요구했고,[12] 이로 인해 여성들은 풍속화, 정물화, 풍경화, 초상화와 같이 덜 중요하게 여겨지는 회화 형식으로 밀려났다. 린다 노클린은 그녀의 에세이 "왜 위대한 여성 예술가들은 없었는가"에서 여성들이 누드 인물 소묘에 접근할 수 없었던 것이 여성의 예술적 발전에 역사적으로 중요한 장벽이었다고 지적한다.[12] 이처럼 여성 예술가들의 참여가 확대되면서 인체 소묘는 더욱 다양하고 포용적인 예술 형식이 되고 있다.
3. 접근 방식
미술가들은 인체를 그릴 때 다양한 방식으로 접근한다. 실제 모델을 보거나, 사진술의 발달로 사진 자료를 사용하기도 하지만, 모델을 직접 보고 그리는 방식을 선호한다.[2] 마네킹을 활용하거나, 기억과 상상력을 통해 그림을 그리기도 한다.
인체를 표현할 때, 일부 미술가들은 몸 표면의 빛과 어둠이 만드는 형태에 집중한다. 반면, 골격을 그리고, 근육과 내부 장기를 덮은 다음 피부를 씌우는 해부학적 접근을 하기도 한다. 두개골은 구, 몸통은 원기둥 등으로 표현하는 기하학적 접근 방식도 활용된다.[2]
인체 소묘에서 일반적으로 권장되는 비율은 다음과 같다:[3]
| 유형 | 비율 (머리 높이 기준) | 특징 |
|---|---|---|
| 일반인 | 7.5등신 | 몸의 길이를 시각적으로 표현할 때 사용 |
| 이상적인 인물 | 8등신 | 고귀함이나 우아함의 인상을 줌 |
| 영웅적인 인물 | 8.5등신 | 더 큰 가슴과 더 긴 다리로 신과 슈퍼히어로를 묘사 |
이러한 비율은 서 있는 자세의 모델에 유용하며, 다양한 자세에서는 단축법에 따라 비율이 다르게 보일 수 있다.
3. 1. 모델 사용
미술가들은 실제 모델을 보고 인체를 그리는 방식을 선호한다. 대부분의 교육 과정에서도 모델 사용을 강조한다. 사진술의 발달 이후 사진 자료를 사용하는 경우도 많지만, 사진은 대상의 역동적인 면을 포착하지 못하고 "평평한" 이미지를 만들기 때문에 비판을 받거나 권장되지 않는다.[2]3. 2. 사진 자료 사용
사진 자료는 모델을 직접 구할 수 없는 경우 유용하게 사용될 수 있다.[2] 그러나 사진은 평면적인 이미지를 제공하므로, 입체감과 역동성을 표현하는 데 한계가 있어 비판을 받거나 일반적으로 추천되지는 않는다.[2]3. 3. 해부학적 접근
몇몇 미술가들은 해부학적 접근을 하는데, 인체 내부의 골격의 근삿값을 내는 것으로 시작하여, 체내 기관들과 근육을 입히고, 형태에 피부를 덮고, 의상(만약 그린다면)을 입혀 마무리한다.[2] 체내 해부학의 학습은 이 기술과 관련된다.3. 4. 기하학적 접근
몇몇 미술가들은 기하학적 형태를 통해 인체를 구성한다. 두개골은 구, 몸통은 원기둥 등으로 몸을 느슨하게 구성하고, 인간 형태를 더 닮도록 형태를 조정하는 방식이다.[2] 이러한 기하학적 접근 방식은 인체의 비례와 균형을 파악하는 데 유용하며, 추상적인 표현에도 활용될 수 있다.3. 5. 상상에 의한 접근
미술가들은 실제 모델, 사진, 골격 모델, 기억, 상상 등 다양한 방법으로 인체를 그릴 수 있다. 대부분의 교육에서는 모델 사용을 강조한다. 사진술의 발달 이후 사진 자료를 사용하는 것이 일반화되었지만, 대상의 역동적인 면을 포착하지 못하는 "평평한" 이미지를 만들기 때문에 비판받으며, 일반적으로 권장되지 않는다. 상상을 통해 그리는 것은 표현주의적인 면에서 칭찬받지만, 미술가의 해부학적 지식 부족이나 불완전한 기억으로 인해 부정확한 묘사가 나타날 수 있다는 비판도 있다.[2] 다른 방식으로 작업한 미술가의 경험은 상상을 통한 접근의 효과에 많은 영향을 미친다.4. 인체 비율
인체 소묘에서 인체 이미지를 표현할 때, 몇몇 미술가들은 몸 표면의 음영으로 나타나는 형태에 집중한다. 다른 미술가들은 해부학적 접근을 하는데, 인체 내부의 골격을 먼저 그리고, 체내 기관들과 근육을 추가한 후, 피부를 덮고, 옷을 입히는(그린다면) 방식으로 마무리한다. 또 다른 접근으로는 기하학적 형태를 이용하여 두개골은 구, 몸통은 원기둥 등으로 몸을 구성하고 인간 형태에 가깝게 조정하는 방법이 있다.
4. 1. 일반적인 인체 비율
미술가들은 인체를 그릴 때 실제 모델, 사진, 골격 모델, 기억, 상상 등 다양한 방식으로 접근한다. 대부분의 교육에서는 모델 사용을 강조한다. 사진술의 발달 이후 사진 자료 사용이 일반화되었지만, 재제의 역동적인 면을 포착하지 못하고 "평평한" 이미지를 만든다는 비판이 있어 추천되지는 않는다. 상상을 통해 그리는 것은 표현주의적인 면에서 칭찬받지만, 인체 시각화에 있어 불완전한 기억으로 인한 부정확함에 대한 비판이 있다.인체 소묘에서 주로 추천되는 신체 비율은 다음과 같다.
- 일반인의 표준형은 보통 (머리를 포함해) 7과 1/2등신이다. 이 비율은 학생들이 몸의 길이를 시각적으로 표현할 때 사용된다.
- 이상형은, 고귀하고 우아한 인상을 줄 때 사용되며, 8등신으로 그려진다.
- 영웅형은 서양 신화나 영웅 묘사에 사용되며, 8과 1/2등신이다. 추가되는 길이는 흉부와 다리의 확대를 통해 보충된다.
이러한 비율은 서 있는 자세의 모델에 가장 유용하다. 다양한 몸의 부위에 원근법이 적용되는 자세는 비율이 다르게 보이게 한다.
4. 2. 이상적인 인체 비율
미술가들은 고귀하고 우아한 느낌을 표현하기 위해 이상적인 인체 비율을 사용하기도 한다. 이때 8등신 비율이 사용된다. 인체 소묘에서 주로 추천되는 신체 비율은 다음과 같다.| 구분 | 설명 |
|---|---|
| 일반인 | 표준형은 보통 7과 1/2등신이다. |
| 이상형 | 고귀하고 우아한 인상을 줄 때 사용되며, 8등신이다. |
| 영웅형 | 서양 신화나 영웅 묘사에 사용되며 8과 1/2등신이다. 추가되는 길이는 흉부와 다리의 확대를 통해 보충된다. |
이러한 비율은 서 있는 자세의 모델에 가장 유용하며, 다양한 몸의 부위에 원근법이 적용되는 자세에서는 비율이 다르게 보일 수 있다.
4. 3. 영웅적인 인체 비율
일반인은 7.5등신, 이상적인 인물은 8등신으로 표현한다. 영웅적인 인물은 8.5등신으로 묘사하며, 흉부와 다리를 확대하여 표현한다.[1] 이러한 비율은 서 있는 자세에 적합하며, 다른 자세에서는 원근법에 따라 다르게 보인다.[1]5. 용구
인체 소묘에는 콩테, 목탄, 흑연 연필, 잉크 등 다양한 용구가 사용되며, 각 용구는 고유한 질감과 표현 효과를 낸다. 19세기 프랑스에서는 콩테가 사용되었고, 현대에는 목탄이 가장 널리 쓰인다. 흑연 연필은 다양한 경도로 판매되며, 앙리 마티스는 연필 스케치 없이 바로 잉크로 작업하기도 했다.[1] 앙투안 바토 등 17, 18세기 바로크와 로코코 시대 미술가들은 펜과 잉크, 크레용을 사용해 흑백의 명암을 더하는 방법을 선호했다.[1]
5. 1. 콩테
19세기 프랑스에서는 왁스, 오일, 안료를 혼합하여 만든 콩테를 사용했다. 지우는 것은 허용되지 않았고, 짙은 형태를 그리기 전에 얇은 획으로 인체를 묘사해야 했다.5. 2. 목탄
현대에 가장 널리 쓰이는 기법은 특정한 나무로 만들어진 숯과 거친 종이를 사용하는 것이다. 목탄은 종이에 얇게 스며들어 쉽게 지울 수 있게 해주지만, 소묘가 완성된 후에는 목탄이 번지는 것을 막기 위해 스프레이 정착액으로 보존한다. 더 단단한 목탄은 더욱 정밀하고 정확한 효과를 낼 수 있으며, 색조는 손가락이나 종이를 말아 만든 찰필(擦筆)로 문질러서 표현할 수 있다.5. 3. 흑연 연필
흑연 연필은 인체 소묘에 자주 사용되는 재료이다. 미술가들을 위해 9B(매우 무름)부터 1B(중간 무름), 1H(중간 단단함)부터 9H(매우 단단함)까지 다양한 경도의 연필이 판매된다. 흑연 연필은 찰필을 이용해 지우거나 농담을 조절할 수 있다.5. 4. 잉크
잉크는 미술가들이 많이 사용하는 용구이다. 보통 소묘의 스케치나 윤곽을 그릴 때 흑연 연필을 이용하고, 최종 선화는 펜과 붓, 잉크로 그린다. 잉크는 그라데이션을 주기 위해 희석될 수도 있는데, 이를 잉크 워시 기법이라고 한다. 잉크로 그린 후에는 연필 자국을 지우거나, 짙은 잉크만 강조하고 남겨둘 수도 있다.몇몇 미술가들은 실수를 고치기 어렵다는 단점에도 불구하고 지속성을 중시하여 연필 스케치 없이 바로 잉크로 그리기도 한다.[1] 앙리 마티스가 이러한 방식으로 작업한 대표적인 미술가이다.[1]
6. 현대 스튜디오 교육
현대 미술 교육에서 인체 소묘는 중요한 위치를 차지하고 있으며, 대부분의 순수미술 및 일러스트레이션 프로그램의 필수 요소이다.
대학교육 수준에서 인체 소묘는 종종 나체로 진행된다 (작은 장신구 등의 눈에 띄지 않는 소품은 제외). 모델은 포즈를 취하는 동안 완벽하게 정지된 자세를 유지해야 하며, 긴 시간 동안 자세를 취하는 부담 때문에, 긴 강의나 어려운 자세에서는 휴식과 스트레칭을 위한 시간이 포함된다.
해부학은 수업의 첫 단계일 뿐이며, 형태와 배경 사이의 관계, 구성의 다른 요소들도 고려된다. 구성의 균형은 점차 중요해지며 인체 소묘를 통해 배운다. 자세에 대한 미술가의 운동 감각적 반응과 이것이 미술 매체를 통해 표현되는 방식은 더 상위의 고려 사항이다.
6. 1. 미술학교와 아카데미
미술학교와 아카데미에서 인체 소묘는 필수적인 연습 과목이다.[17] 인체 소묘 교육은 대부분의 순수미술과 삽화 과정의 요소이다. 이탈리아의 순수미술 아카데미 중에는 학위 수업의 일환이자 외부 학생들에게도 공개된 '''자유 누드 학교'''('''scuola libera del nudo''')가 있다.[18] 몇몇 인체 소묘 스튜디오 강의에서는 학생들이 모델 주위에 반원형이나 원형으로 둘러앉는다. 서로 같은 시선에서 바라보는 학생이 없기에, 그들의 소묘에는 모델과 상대적이고 개별적인 위치에 따른 미술가의 시선이 드러나게 된다. 모델은 보통 학생들의 시선이 방해받지 않도록 서 있는 자세를 취한다.6. 2. 스튜디오 환경
학생들은 모델 주위에 반원형이나 원형으로 둘러앉아 각자의 위치에서 모델을 관찰하고 묘사한다. 이때문에 학생들은 서로 다른 시점에서 모델을 그리게 되며, 각자의 그림에는 모델에 대한 개별적인 시각이 반영된다.[18] 모델은 학생들이 방해받지 않고 관찰할 수 있도록 주로 받침대 위에 서 있는 자세를 취한다. 자세에 따라 가구나 소품이 사용될 수 있으며, 이러한 요소들은 그림에 포함되기도 한다. 그러나 배경은 인물 배치를 배우는 것이 목적이 아니라면 일반적으로 그리지 않는다. 많은 스튜디오에는 다양한 조명 환경을 조성할 수 있는 장치가 갖추어져 있다.[18]6. 3. 모델
인체 소묘 수업에서는 다양한 연령, 체형, 인종의 모델을 섭외한다. 동작 소묘(제스처 드로잉)는 많은 미술가들의 몸풀기이며, 몇몇 미술가들은 인체 소묘를 할 때마다 동작을 스케치하기도 한다.[19] 인체 소묘 강의의 목적은 모든 종류의 사람을 그리는 방법을 배우는 것이기에, 이상적인 인체나 아름다운 모델만이 아니라, 모든 나이, 용모, 인종의 남녀 모델들이 골라진다. 몇몇 교육자들은 특히 패션 사진작가들이 좋아하는 유형의 모델을 피해, 더 현실적인 예를 찾고 성적 대상화의 영향을 막고자 한다. 고용된 모델의 다양성은 모델이 (가만히 있지 못하는 어린이들과 약한 노인들을 제외하고) 긴 시간 동안 자세를 고정하고 있어야 할 필요와, 나체 모델의 자세에 대한 도덕적 및 법적 우려로 인해 제한될 수 있다.6. 4. 동작 소묘
동작 소묘는 짧은 시간 동안 빠르게 변화하는 모델의 자세를 포착하는 연습이다. 인체 소묘 수업이 시작될 때, 모델은 1분에서 3분 사이의 짧은 자세를 빠르게 연속해서 취한다.[19] 이러한 동작 소묘는 많은 미술가들의 몸풀기 과정이 되며, 인체의 동세와 흐름을 파악하고 표현하는 능력을 향상시킨다.[19]동작을 잡아내기 위해서는 손목뿐만 아니라 팔 전체를 사용하여 큰 획을 그려야 한다.[19] 이는 미술가가 종이가 아닌 모델에 집중하도록 돕는다. 현대 미술가들은 동작이나 모델의 자세에서 나타나는 분위기를 강조하기 위해 비율을 과장하거나 왜곡하기도 한다.
참조
[1]
서적
Drawing the Human Form: A Guide to Drawing from Life
Van Nortrand Reinhold Co.
[2]
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Art Models: Life Nudes for Drawing, Painting, and Sculpting
Live Model Books
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2014-01-19
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The Invention of the Model: Artists and Models in Paris, 1830-1870
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Paris, Panckoucke
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웹사이트
The Art Model's Handbook
http://www.artmodelb[...]
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