자화상
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1. 개요
자화상은 예술가 자신의 초상화이거나, 단체 초상화의 일부로, 예술가의 자기 표현 수단으로 활용되어 왔다. 고대 이집트, 고대 그리스 시대부터 자화상의 역사가 시작되었으며, 중세와 르네상스 시대를 거치며 채색 필사본, 프레스코화, 유화 등 다양한 형태로 발전했다. 알브레히트 뒤러, 렘브란트, 빈센트 반 고흐 등 많은 예술가들이 자화상을 통해 자신의 내면을 탐구하고, 시대의 사회상을 반영했다. 여성 예술가들은 자화상을 통해 자신의 정체성을 드러내고, 사회적 역할을 표현했으며, 현대에는 사진, 비디오 등 다양한 매체를 활용한 자화상 제작이 이루어지고 있다. 자화상은 예술가의 심리 상태를 보여주는 의학적 자료로도 활용된다.
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| 자화상 | |
|---|---|
| 자화상 정보 | |
 | |
| 범주 | 초상화 |
| 하위 범주 | 자화상 |
| 설명 | |
| 자화상 | 예술가가 자신을 그린 초상화 |
| 같이 보기 | |
| 관련 항목 | 초상화 셀카 |
| 기타 | |
| 관련 프로젝트 | 위키미디어 공용 |
2. 역사
채색 필사본에는 다수의 자화상이 포함되어 있으며, 특히 성 던스턴과 매튜 파리의 자화상이 두드러진다. 이들은 대부분 예술가가 작업하는 모습, 또는 완성된 책을 기증자나 성스러운 인물에게 제시하거나, 그러한 인물을 숭배하는 모습을 보여준다.[15] 오르카냐는 1359년의 프레스코에 자신의 모습을 그린 것으로 여겨지며, 이는 적어도 미술사학자들—바사리는 이러한 전통을 여러 차례 기록했다—의 견해에 따르면 예술가들의 일반적인 관행이 되었다. 그러나 다른 초상화가 없는 초기 예술가들의 경우 이러한 설명은 필연적으로 다소 추측에 의존하게 된다. 가장 초기의 자화상 중에는 또한 요하네스 아킬라의 두 개의 프레스코가 있는데, 하나는 헝가리 서부의 벨레메르 (1378)에, 다른 하나는 슬로베니아 북동부의 마르찬치 (1392)에 있다.[16] 이탈리아에서는 조토 디 본도네 (1267–1337)가 나폴리 성의 "저명한 인물" 연작에 자신을 포함시켰고, 마사초 (1401–1428)는 브란카치 예배당의 그림에서 사도들 중 한 명으로 자신을 묘사했으며, 베노초 고촐리는 메디치 궁전의 ''동방 박사의 행렬'' (1459)에 다른 초상화들과 함께 자신을 포함시켰으며, 모자에는 그의 이름이 적혀 있다. 이는 몇 년 후 산드로 보티첼리가 ''동방 박사의 경배'' (1475)의 관람객으로, 장면에서 우리를 바라보는 모습으로 모방되었다.
14세기에 프라하 성당의 파를러 가문의 조각된 초상 흉상에는 자화상이 포함되어 있으며, 이는 왕족이 아닌 인물의 가장 초기의 흉상 중 하나이다. 로렌초 기베르티는 가장 유명한 작품에 자신의 작은 머리를 포함시켰다.
특히, 사본 외에 영국에서 그려진 가장 초기의 자화상은 1554년 독일 예술가 게를라흐 플리케가 패널에 유채로 그린 소형 초상화이다.
알브레히트 뒤러는 자신의 대중적 이미지와 명성에 매우 신경 썼던 예술가로, 최소 열두 점의 자화상을 제작했다.[17] 가장 초기의 작품은 그가 열세 살 때 제작한 은필 드로잉이다.[17] 스물두 살 때 뒤러는 ''엉겅퀴를 든 자화상''(1493, 루브르)을 그렸고, 마드리드 자화상(1498, 프라도 미술관)은 그를 유행하는 이탈리아 의상을 입은 멋쟁이로 묘사한다.[17] 그의 마지막 자화상은 예수 그리스도와 유사성을 보이도록 자신을 묘사했다.[17]
르네상스 시대 이탈리아 화가들은 비교적 적은 수의 공식적인 자화상을 그렸지만, 더 큰 작품에 자신을 포함시키는 경우가 많았다.[18] 피에트로 페루지노의 초상화(1500년경), 파르미자니노가 볼록 거울 속 풍경을 그린 초상화, 레오나르도 다 빈치의 드로잉(1512년),[18] 미켈란젤로가 시스티나 성당의 ''최후의 심판''(1536–1541)에서 성 바르톨로메오의 피부에 자신의 얼굴을 부여한 것, 라파엘로가 1510년의 ''아테네 학당''의 등장인물이나 그의 어깨를 잡고 있는 친구와 함께 나타나는 자화상 등이 있다.[18] 1560년대 티치아노가 노년의 모습으로 그린 두 점의 초상화도 주목할 만하다.[18] 파올로 베로네세는 ''가나의 결혼''에서 바이올리니스트로 등장한다.[19] 북유럽 예술가들은 개별 초상화를 계속해서 제작했다.[19] 요한 그레고어 판 데어 샤르트는 자신의 모습을 그린 테라코타 흉상(1573년경)을 제작했다.[19]
티치아노의 ''신중함의 알레고리''(1565–70년경)는 티치아노, 그의 아들 오라치오, 그리고 어린 사촌 마르코 베첼리오를 묘사한 것으로 생각된다.[20] 티치아노는 1567년에 후기 자화상을 그렸다.[20] 아르테미시아 젠틸레스키의 ''라 피투라 (회화의 알레고리로의 자화상)''는 회화의 고전적인 알레고리적 표현을 구현한다.[21] 카라바조는 ''바쿠스 (카라바조)''에 자신을 그렸고, 골리앗의 머리(1605–10, 보르게세 미술관)는 카라바조 자신의 모습이다.
17세기 플랑드르와 네덜란드 화가들은 이전보다 자화상을 더 자주 그렸다. 많은 예술가들이 가족을 포함시켰는데, 이는 중산층의 일반적인 관행을 따랐다.[21] 메리 빌, 안토니 반 다이크, 페테르 파울 루벤스는 자신들의 모습을 수없이 제작했으며, 루벤스는 종종 가족을 그리기도 했다. 렘브란트는 아내, 아들, 정부의 초상화뿐만 아니라 수십 점의 자화상을 그리고 그렸다. 한때 약 90점의 그림이 렘브란트의 자화상으로 여겨졌지만, 현재는 그의 제자들의 훈련으로 자신의 자화상을 모사하게 했다는 것이 알려져 있다. 현대 학문은 그의 진품을 40점 이상의 그림, 몇 점의 드로잉, 31점의 에칭으로 줄였다.[22] 그의 유화는 불안정한 젊은이에서 1630년대의 성공적인 초상화가, 노년의 고뇌에 찬 초상화로 발전하는 과정을 보여준다.[22]
스페인에는 바르톨로메 에스테반 무리요와 디에고 벨라스케스의 자화상이 있었다. 프란시스코 데 수르바란은 십자가에 못 박힌 그리스도의 발치에 있는 누가 복음서에서 자신을 묘사했다(1635년경). 19세기에는 고야가 여러 번 자화상을 그렸다. 니콜라 푸생 이후의 프랑스 자화상은 예술가의 사회적 지위를 보여주는 경향이 있지만, 장 바티스트 시메옹 샤르댕과 몇몇 다른 화가들은 대신 실제 작업복을 매우 사실적으로 묘사했다. 18세기 자화상 화가들은 공식적인 복장과 비공식적인 복장을 모두 입은 자신을 그렸다. 사진술의 등장으로 초상화가 쇠퇴한 후에도 대부분의 중요한 화가들이 적어도 하나의 자화상을 남겼다. 귀스타브 쿠르베는 19세기의 가장 창의적인 자화상 화가였으며, ''화가의 아틀리에''와 ''안녕, 쿠르베 씨''는 지금까지 그려진 가장 큰 자화상일 것이다.
가장 유명하고 다작의 자화상 화가 중 한 명은 1886년에서 1889년 사이에 43번 이상 자신을 그림과 그림으로 그린 빈센트 반 고흐였다.[23][24] 이 모든 자화상에서 화가의 시선은 보는 사람을 거의 향하지 않는다는 점이 눈에 띈다. 시선이 고정되어 있을 때조차 그는 다른 곳을 보는 듯하다. 이 그림들은 강렬함과 색상에서 다양하며, 일부는 붕대로 감긴 화가를 묘사하는데, 이는 그가 귀를 자른 사건을 나타낸다.[25]
에곤 실레의 많은 자화상은 새로운 수준의 솔직함, 또는 아마도 노출증을 보여주며, 그는 많은 자세로, 때로는 자위하거나 발기한 상태로 누드로 묘사되어 있는데, 이는 ''에로스''(1911)에서 볼 수 있다. 스탠리 스펜서는 다소 이와 비슷한 경향을 따랐다. 막스 베크만은 자화상을 많이 그린 화가였으며,[26] 에드바르 뭉크 역시 평생 동안 많은 수의 자화상 (70점), 판화 (20점) 및 드로잉 또는 수채화 (100점 이상)를 제작했으며, 그 중 많은 작품에서 그는 삶, 특히 여성에게 부당한 대우를 받는 모습을 보여주었다.[27] 자화상을 개인적이고 자기 성찰적인 예술적 표현으로 집요하게 사용한 사람은 호르스트 얀센으로, 그는 질병, 변덕, 죽음과 관련된 다양한 맥락에서 자신을 묘사한 수백 점의 자화상을 제작했다.[28] 2004년 빈의 레오폴드 박물관에서 열린 "실레, 얀센. 자아 연출, 에로스, 죽음" 전시회는 에곤 실레와 호르스트 얀센의 작품을 병치했는데, 두 사람 모두 끊임없는 자화상과 함께 에로티시즘과 죽음의 주제를 많이 활용했다.[29] 끔찍한 사고로 인해 오랫동안 병상에 누워 있었고 자신 외에는 모델이 없었던 프리다 칼로는 자화상에서 육체적 고통뿐만 아니라 정신적 고통까지 묘사한 또 다른 화가였다. 그녀의 55점 가량의 자화상에는 허리 위로 그린 자화상과 육체적 고통을 상징하는 악몽 같은 묘사가 많이 포함되어 있다.[30][31]
파블로 피카소는 오랜 경력 동안 자화상을 사용하여 자신의 자전적 예술적 인물의 다양한 모습, 변장 및 화신을 묘사했다. 젊은 무명의 "나, 피카소" 시기부터 "미노타우르와 미궁" 시기, "늙은 기사" 및 "음탕한 늙은 예술가와 모델" 시기에 이르기까지. 종종 피카소의 자화상은 예술가의 내면 상태와 안녕에 대한 개인적이고 심오한 복잡한 심리적 통찰력을 묘사하고 드러냈다. 평생 동안 개인적이고 솔직한 자화상을 그린 또 다른 예술가는 피에르 보나르였다. 보나르는 평생 동안 아내 마르트의 초상화도 수십 점 그렸다. 특히 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 에곤 실레 및 호르스트 얀센은 경력 전반에 걸쳐 강렬하고 (때로는 불안할 정도로) 자기 폭로적인 자화상을 그렸다.
2. 1. 고대
예술가들이 작업하는 모습은 고대 이집트 회화와 조각[14]에서, 그리고 고대 그리스의 도기에서도 발견된다. 최초의 자화상 중 하나는 기원전 1365년 파라오 아크나톤의 수석 조각가인 Bak에 의해 만들어졌다.[14] 플루타르코스는 고대 그리스 조각가 피디아스가 파르테논의 "아마존족과의 전투"에 등장하는 여러 인물에 자신의 모습을 포함시켰다고 언급했으며, 자화상에 대한 고전적인 언급이 있지만, 현재까지 남아있는 것은 없다.[14] 예술 작품 속 예술가 자신의 모습은, 고대 이집트의 벽화나, 고대 그리스의 암포라 (항아리)의 그림 등에 나타난다. 특정 예술가의 자화상에 관한 최초의 언급은, 고대 그리스의 철학자이자 전기가 작가인 플루타르코스의 저서에서 찾아볼 수 있다. 조각가 페이디아스는, 파르테논 신전에 안치될 여신 아테나의 거상을 제작했는데, 아테나가 든 방패에 그려진 "아마존족과의 싸움" 속에 자신과 닮은 인물을 조각했다는 이야기가 있다. "아마존족과 그리스인의 싸움"의 모티프는 아테나 신상 외에도, 신전 서벽에도 부조로 새겨져 있었다.2. 2. 중세 및 르네상스
중세와 르네상스 시대에는 채색 필사본에 많은 자화상이 포함되었는데, 특히 성 던스턴과 매튜 파리의 자화상이 두드러진다.[15] 이들은 대부분 예술가가 작업하는 모습이나, 완성된 책을 기증자나 성스러운 인물에게 바치거나, 그러한 인물을 숭배하는 모습을 묘사한다.[15]오르카냐는 1359년 프레스코화에 자신의 모습을 그린 것으로 알려져 있으며, 이는 예술가들의 일반적인 관행이 되었다.[16] 가장 초기의 자화상 중에는 요하네스 아킬라의 두 개의 프레스코화가 있는데, 하나는 헝가리 서부 벨레메르 (1378), 다른 하나는 슬로베니아 북동부 마르찬치 (1392)에 있다.[16] 조토 디 본도네(1267–1337)는 나폴리 성의 "저명한 인물" 연작에 자신을 포함시켰고, 마사초(1401–1428)는 브란카치 예배당 그림에서 사도 중 한 명으로 자신을 묘사했다.[16] 베노초 고촐리는 메디치 궁전의 ''동방 박사의 행렬''(1459)에 다른 초상화들과 함께 자신을 포함시켰으며, 산드로 보티첼리는 ''동방 박사의 경배''(1475)의 관람객으로 자신을 그려 이러한 경향을 이어나갔다.[16]
14세기 프라하 성당의 파를러 가문의 조각된 초상 흉상은 자화상을 포함하고 있으며, 이는 왕족이 아닌 인물의 가장 초기의 흉상 중 하나이다.[16] 로렌초 기베르티는 가장 유명한 작품에 자신의 작은 머리를 포함시켰다.[16] 영국에서 그려진 가장 초기의 자화상은 1554년 독일 예술가 게를라흐 플리케가 패널에 유채로 그린 소형 초상화이다.[16]
알브레히트 뒤러는 자신의 대중적 이미지와 명성에 매우 신경 썼던 예술가로, 최소 열두 점의 자화상을 제작했다.[17] 가장 초기의 작품은 그가 열세 살 때 제작한 은필 드로잉이다.[17] 스물두 살 때 뒤러는 ''엉겅퀴를 든 자화상''(1493, 루브르)을 그렸고, 마드리드 자화상(1498, 프라도 미술관)은 그를 유행하는 이탈리아 의상을 입은 멋쟁이로 묘사한다.[17] 그의 마지막 자화상은 예수 그리스도와 유사성을 보이도록 자신을 묘사했다.[17]
르네상스 시대 이탈리아 화가들은 비교적 적은 수의 공식적인 자화상을 그렸지만, 더 큰 작품에 자신을 포함시키는 경우가 많았다.[18] 피에트로 페루지노의 초상화(1500년경), 파르미자니노가 볼록 거울 속 풍경을 그린 초상화, 레오나르도 다 빈치의 드로잉(1512년),[18] 미켈란젤로가 시스티나 성당의 ''최후의 심판''(1536–1541)에서 성 바르톨로메오의 피부에 자신의 얼굴을 부여한 것, 라파엘로가 1510년의 ''아테네 학당''의 등장인물이나 그의 어깨를 잡고 있는 친구와 함께 나타나는 자화상 등이 있다.[18] 1560년대 티치아노가 노년의 모습으로 그린 두 점의 초상화도 주목할 만하다.[18] 파올로 베로네세는 ''가나의 결혼''에서 바이올리니스트로 등장한다.[19] 북유럽 예술가들은 개별 초상화를 계속해서 제작했다.[19] 요한 그레고어 판 데어 샤르트는 자신의 모습을 그린 테라코타 흉상(1573년경)을 제작했다.[19]
티치아노의 ''신중함의 알레고리''(1565–70년경)는 티치아노, 그의 아들 오라치오, 그리고 어린 사촌 마르코 베첼리오를 묘사한 것으로 생각된다.[20] 티치아노는 1567년에 후기 자화상을 그렸다.[20] 아르테미시아 젠틸레스키의 ''라 피투라 (회화의 알레고리로의 자화상)''는 회화의 고전적인 알레고리적 표현을 구현한다.[21] 카라바조는 ''바쿠스 (카라바조)''에 자신을 그렸고, 골리앗의 머리(1605–10, 보르게세 미술관)는 카라바조 자신의 모습이다.
2. 3. 바로크 및 근대
채색 필사본에는 성 던스턴과 매튜 파리의 자화상이 다수 포함되어 있으며, 이들은 예술가가 작업하는 모습, 완성된 책을 기증자나 성스러운 인물에게 제시하거나 숭배하는 모습을 보여준다.[15] 오르카냐는 1359년 프레스코에 자신의 모습을 그린 것으로 알려져 있으며, 미술사학자 바사리는 이러한 전통을 여러 차례 기록했다.[16] 가장 초기의 자화상 중에는 벨레메르 (1378)와 마르찬치 (1392)에 있는 요하네스 아킬라의 프레스코화가 있다.[16] 조토 디 본도네 (1267–1337)는 나폴리 성의 "저명한 인물" 연작에, 마사초 (1401–1428)는 브란카치 예배당의 그림에서 사도들 중 한 명으로 자신을 묘사했다.[16] 베노초 고촐리는 메디치 궁전의 ''동방 박사의 행렬'' (1459)에, 산드로 보티첼리는 ''동방 박사의 경배'' (1475)의 관람객으로 자신을 포함시켰다.[16]14세기 프라하 성당의 파를러 가문의 조각된 초상 흉상은 왕족이 아닌 인물의 가장 초기의 흉상 중 하나이며 자화상을 포함한다.[16] 로렌초 기베르티는 가장 유명한 작품에 자신의 작은 머리를 포함시켰다.[16] 영국에서 그려진 가장 초기의 자화상은 1554년 독일 예술가 게를라흐 플리케가 패널에 유채로 그린 소형 초상화이다.[16]
알브레히트 뒤러는 자신의 대중적 이미지와 명성에 신경 썼던 예술가로, 그의 주요 수입원은 고대 거장 판화였다. 그는 최소 열두 점의 이미지를 제작했고, 네 점의 제단화에 인물을 그렸다. 가장 초기의 작품은 열세 살 때 제작한 은필 드로잉이다.[17] ''엉겅퀴를 든 자화상'' (1493, 루브르)은 그의 약혼녀 아그네스 프레이에게 보내기 위해 그려졌다.[17] 마드리드 자화상 (1498, 프라도)은 뒤러를 유행하는 이탈리아 의상을 입은 멋쟁이로 묘사한다.[17] 그의 마지막 자화상은 뉘른베르크 시에 판매되거나 기증되었으며, 예수 그리스도와 유사성을 보이도록 자신을 묘사했다 (뮌헨, 알테 피나코테크).[17] 그는 베로니카의 수건 (B.25)을 묘사한 종교적인 판화에 이 얼굴을 다시 사용했다.[17] 목욕탕의 목판화와 드로잉에는 거의 누드 자화상이 나타난다.[17]
르네상스 시대 이탈리아 화가들은 적은 수의 공식적인 자화상을 그렸지만, 더 큰 작품에 자신을 포함시키는 경우가 많았다. 조르조네의 자화상으로 추정되는 "다윗으로 분장한 자화상"이 있다. 피에트로 페루지노의 초상화(페루자의 콜레지오 델 캄비오)와 파르미자니노가 볼록 거울 속의 풍경을 그린 초상화가 있다. 레오나르도 다 빈치의 드로잉(1512년)[18], 미켈란젤로가 시스티나 성당의 ''최후의 심판''(1536–1541)에서 성 바르톨로메오의 피부에 자신의 얼굴을 부여했다.[18] 라파엘로는 1510년의 ''아테네 학당''의 등장인물이나 그의 어깨를 잡고 있는 친구와 함께 나타나는 자화상도 있다 (1518).[18] 1560년대 티치아노가 노년의 모습으로 그린 두 점의 초상화가 있다.[18] 파올로 베로네세는 ''가나의 결혼''에서 바이올리니스트로, 베이스 바이올을 연주하는 티치아노와 함께한다 (1562). 북유럽 예술가들은 개별 초상화를 계속해서 제작했다. 요한 그레고어 판 데어 샤르트는 테라코타 흉상(1573년경)을 제작했다.[19]
티치아노의 ''신중함의 알레고리''(1565–70년경)는 티치아노, 그의 아들 오라치오, 그리고 어린 사촌 마르코 베첼리오를 묘사한 것으로 생각된다.[20] 티치아노는 1567년에 후기 자화상을 그렸다. 바로크 시대의 예술가 아르테미시아 젠틸레스키의 ''라 피투라 (회화의 알레고리로의 자화상)''는 회화의 고전적인 알레고리적 표현을 구현하고 있다.[21] 카라바조는 경력 초기에 ''바쿠스 (카라바조)''에 자신을 그렸고, 몇몇 대형 그림의 스태파지에 등장한다. 다윗이 들고 있는 골리앗의 머리(1605–10, 보르게세 미술관)는 카라바조 자신의 모습이다.
17세기 플랑드르와 네덜란드 화가들은 이전보다 자화상을 더 자주 그렸다. 많은 예술가들이 가족을 포함시켰는데, 이는 중산층의 일반적인 관행을 따랐다.[21] 메리 빌, 안토니 반 다이크, 페테르 파울 루벤스는 자신들의 모습을 수없이 제작했으며, 루벤스는 종종 가족을 그리기도 했다. 렘브란트는 아내, 아들, 정부의 초상화뿐만 아니라 수십 점의 자화상을 그리고 그렸다. 한때 약 90점의 그림이 렘브란트의 자화상으로 여겨졌지만, 현재는 그의 제자들의 훈련으로 자신의 자화상을 모사하게 했다는 것이 알려져 있다. 현대 학문은 그의 진품을 40점 이상의 그림, 몇 점의 드로잉, 31점의 에칭으로 줄였다.[22] 그의 유화는 불안정한 젊은이에서 1630년대의 성공적인 초상화가, 노년의 고뇌에 찬 초상화로 발전하는 과정을 보여준다.[22]
스페인에는 바르톨로메 에스테반 무리요와 디에고 벨라스케스의 자화상이 있었다. 프란시스코 데 수르바란은 십자가에 못 박힌 그리스도의 발치에 있는 누가 복음서에서 자신을 묘사했다(1635년경). 19세기에는 고야가 여러 번 자화상을 그렸다. 니콜라 푸생 이후의 프랑스 자화상은 예술가의 사회적 지위를 보여주는 경향이 있지만, 장 바티스트 시메옹 샤르댕과 몇몇 다른 화가들은 대신 실제 작업복을 매우 사실적으로 묘사했다. 18세기 자화상 화가들은 공식적인 복장과 비공식적인 복장을 모두 입은 자신을 그렸다. 사진술의 등장으로 초상화가 쇠퇴한 후에도 대부분의 중요한 화가들이 적어도 하나의 자화상을 남겼다. 귀스타브 쿠르베는 19세기의 가장 창의적인 자화상 화가였으며, ''화가의 아틀리에''와 ''안녕, 쿠르베 씨''는 지금까지 그려진 가장 큰 자화상일 것이다.
2. 4. 현대
스페인에는 바르톨로메 에스테반 무리요와 디에고 벨라스케스의 자화상이 있었다. 프란시스코 데 수르바란은 십자가에 못 박힌 그리스도의 발치에 있는 누가 복음서에서 자신을 묘사했다(1635년경). 19세기에는 고야가 여러 번 자화상을 그렸다. 니콜라 푸생 이후의 프랑스 자화상은 예술가의 사회적 지위를 보여주는 경향이 있지만, 장 바티스트 시메옹 샤르댕과 몇몇 다른 화가들은 대신 실제 작업복을 매우 사실적으로 묘사했다. 이는 18세기 모든 자화상 화가들이 내려야 했던 결정이었지만, 많은 화가들은 서로 다른 그림에서 공식적인 복장과 비공식적인 복장을 모두 입은 자신을 그렸다. 그 이후, 사진술의 등장으로 초상화가 쇠퇴한 후에도 대부분의 중요한 화가들이 적어도 하나의 자화상을 남겼다. 귀스타브 쿠르베는 19세기의 가장 창의적인 자화상 화가였으며, ''화가의 아틀리에''와 ''안녕, 쿠르베 씨''는 지금까지 그려진 가장 큰 자화상일 것이다. 두 작품 모두 많은 인물을 포함하고 있지만, 예술가의 영웅적인 모습에 확고하게 초점을 맞추고 있다.가장 유명하고 다작의 자화상 화가 중 한 명은 1886년에서 1889년 사이에 43번 이상 자신을 그림과 그림으로 그린 빈센트 반 고흐였다.[23][24] 이 모든 자화상에서 화가의 시선은 보는 사람을 거의 향하지 않는다는 점이 눈에 띈다. 시선이 고정되어 있을 때조차 그는 다른 곳을 보는 듯하다. 이 그림들은 강렬함과 색상에서 다양하며, 일부는 붕대로 감긴 화가를 묘사하는데, 이는 그가 귀를 자른 사건을 나타낸다.[25]
에곤 실레의 많은 자화상은 새로운 수준의 솔직함, 또는 아마도 노출증을 보여주며, 그는 많은 자세로, 때로는 자위하거나 발기한 상태로 누드로 묘사되어 있는데, 이는 ''에로스''(1911)에서 볼 수 있다. 스탠리 스펜서는 다소 이와 비슷한 경향을 따랐다. 막스 베크만은 자화상을 많이 그린 화가였으며,[26] 에드바르 뭉크 역시 평생 동안 많은 수의 자화상 (70점), 판화 (20점) 및 드로잉 또는 수채화 (100점 이상)를 제작했으며, 그 중 많은 작품에서 그는 삶, 특히 여성에게 부당한 대우를 받는 모습을 보여주었다.[27] 자화상을 개인적이고 자기 성찰적인 예술적 표현으로 집요하게 사용한 사람은 호르스트 얀센으로, 그는 질병, 변덕, 죽음과 관련된 다양한 맥락에서 자신을 묘사한 수백 점의 자화상을 제작했다.[28] 2004년 빈의 레오폴드 박물관에서 열린 "실레, 얀센. 자아 연출, 에로스, 죽음" 전시회는 에곤 실레와 호르스트 얀센의 작품을 병치했는데, 두 사람 모두 끊임없는 자화상과 함께 에로티시즘과 죽음의 주제를 많이 활용했다.[29] 끔찍한 사고로 인해 오랫동안 병상에 누워 있었고 자신 외에는 모델이 없었던 프리다 칼로는 자화상에서 육체적 고통뿐만 아니라 정신적 고통까지 묘사한 또 다른 화가였다. 그녀의 55점 가량의 자화상에는 허리 위로 그린 자화상과 육체적 고통을 상징하는 악몽 같은 묘사가 많이 포함되어 있다.[30][31]
파블로 피카소는 오랜 경력 동안 자화상을 사용하여 자신의 자전적 예술적 인물의 다양한 모습, 변장 및 화신을 묘사했다. 젊은 무명의 "나, 피카소" 시기부터 "미노타우르와 미궁" 시기, "늙은 기사" 및 "음탕한 늙은 예술가와 모델" 시기에 이르기까지. 종종 피카소의 자화상은 예술가의 내면 상태와 안녕에 대한 개인적이고 심오한 복잡한 심리적 통찰력을 묘사하고 드러냈다. 평생 동안 개인적이고 솔직한 자화상을 그린 또 다른 예술가는 피에르 보나르였다. 보나르는 평생 동안 아내 마르트의 초상화도 수십 점 그렸다. 특히 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 에곤 실레 및 호르스트 얀센은 경력 전반에 걸쳐 강렬하고 (때로는 불안할 정도로) 자기 폭로적인 자화상을 그렸다.
3. 한국의 자화상
아시아(주로 중국) 미술에서 자화상은 유럽보다 더 긴 역사를 가지고 있을 수 있다. 문인화가 전통의 많은 자화상은 매우 작으며, 커다란 풍경 속에 예술가를 묘사하고, 그 장면을 경험한 그의 서예로 쓴 시를 보여준다. 다른 전통은 선불교와 관련되어, 생동감 있는 반-캐리커처 자화상을 만들어냈으며, 다른 작품들은 공식적인 초상화의 관례에 더 가깝게 남아있다.
3. 1. 조선 시대
3. 2. 근현대
4. 유형
자화상은 예술가 자신의 초상화이거나, 단체 초상화의 일부일 수 있다. 많은 화가들은 종교적 또는 다른 유형의 구도에서 특정 개인을 묘사할 때 자신을 포함시켰다고 한다. 이러한 그림들은 실제 인물을 공개적으로 묘사하기 위한 것은 아니었지만, 그 사실은 예술가와 후원자에게 당시 알려졌을 것이고, 예술가의 기술에 대한 공개적인 시험뿐만 아니라 이야기 소재를 제공했다.[4]
중세와 르네상스 시대의 자화상은 역사적 또는 신화적 장면(성경 또는 고전 문학)을 묘사할 때 여러 실제 인물을 모델로 사용했으며, 종종 예술가를 포함하여 초상화, 자화상 및 역사/신화 그림으로서 다중 기능을 수행했다. 이러한 작품에서 예술가는 대개 군중이나 그룹의 얼굴로 나타나며, 작품의 가장자리나 구석, 그리고 주요 등장인물 뒤에 위치한다. 루벤스의 ''네 명의 철학자''(1611–12)[6]가 좋은 예이며, 이는 17세기에 얀 데 브레이의 작품으로 절정에 달했다. 회화 외에도 드로잉과 판화가 특히 중요했다.
얀 반 에이크는 ''아르놀피니 부부의 초상''(1434)에서 거울에 비치는 인물 중 한 명일 가능성이 있는데, 이는 놀랍도록 현대적인 발상이다. 반 에이크의 그림은 디에고 벨라스케스가 시녀들(1656)에서 화가로서 자신을 전면적으로 묘사하도록 영감을 주었을 수 있다.[7] 알브레히트 뒤러는 1484년에 13세 소년으로서 자연주의적인 스타일로 자신을 묘사했으며, 후년에는 성경 장면의 배경에 상인으로, 그리고 그리스도로 다양하게 등장한다.[8] 레오나르도 다 빈치는 1512년경 60세의 나이에 자신의 그림을 그렸을 것이다.
17세기에 렘브란트는 다양한 자화상을 그렸다. ''선술집의 탕아''(c1637)는 가족과 함께 있는 가장 초기의 자화상 중 하나로, 이 그림에는 렘브란트의 아내인 사스키아가 포함되었을 가능성이 있다. 20세기 후반부터 비디오가 자화상에서 점점 더 큰 역할을 하며, 오디오의 차원을 더하여, 사람이 자신의 목소리로 청중에게 말할 수 있게 되었다.
미술 평론가 갈리나 바실리예바-슐랴피나는 자화상을 작가가 작업하는 모습을 그린 "전문적인" 자화상과 도덕적, 심리적 특징을 드러내는 "개인적인" 자화상으로 구분한다.[33] 또한 (1) 작가가 자신의 초상화를 삽입하는 "삽입형" 자화상, (2) 역사적 인물이나 종교적 영웅의 모습으로 자신을 묘사하는 "명예로운 또는 상징적인" 자화상, (3) 작가가 가족 구성원 또는 다른 실제 인물과 함께 묘사되는 "단체 초상화", (4) 작가가 혼자 묘사되는 "개별 또는 자연스러운" 자화상으로 분류를 세분화했다.[33]
5. 기법 및 의미
많은 중세 초상화들은 작업 중인 화가를 보여주며, 얀 반 에이크는 그의 차페롱 모자의 헐렁한 부분들을 머리에 묶어 터번을 쓰고 있는 듯한 인상을 주는데, 이는 그가 그림을 그리는 동안 편의를 위한 것으로 보인다.[32] 근세 시대에는 자신을 작업하는 모습으로 그린 남성 및 여성 화가들이 가장 좋은 옷을 입고 가장 좋은 방에 있을지, 아니면 현실적으로 아틀리에의 모습을 묘사할지를 선택해야 했다.
이론적으로 자화상은 거울의 사용을 가정한다; 유리 거울은 15세기에 유럽에서 사용 가능해졌다. 사용된 최초의 거울은 볼록했으며, 예술가는 때때로 이러한 변형을 보존했다. 파르미자니노의 1524년 그림인 ''거울 속의 자화상''은 이 현상을 보여준다. 거울은 요하네스 검프의 ''삼중 자화상''(1646)이나, 최근 살바도르 달리의 작품(1972-73)처럼 아내인 갈라를 뒤에서 그리며 자신을 보여주는 것과 같은 놀라운 구성을 가능하게 한다.
이러한 거울의 사용은 종종 오른손잡이 화가가 자신을 왼손잡이로 묘사하는 결과를 낳는다(그 반대도 마찬가지). 일반적으로 그려진 얼굴은 세상의 나머지 사람들이 본 것의 거울 이미지이며, 두 개의 거울이 사용되지 않는 한 그렇다. 렘브란트의 1660년 이전의 대부분의 자화상은 손 하나만 보여준다 – 그림을 그리는 손은 칠해지지 않았다.[35] 그는 1652년경에 더 큰 거울을 구입한 것으로 보이며, 그 이후 그의 자화상은 더 커졌다. 1658년에는 나무 틀에 담긴 큰 거울이 그의 집으로 운송되던 중 깨졌다. 그럼에도 불구하고, 그는 이 해에 그의 가장 큰 작품인 프릭 자화상을 완성했다.
1688년 프랑스에서 베르나르 페로가 기술적 발전을 이루기 전까지는 단일 시트 거울의 크기가 제한되었다. 또한 매우 깨지기 쉬웠고, 큰 거울은 작은 거울보다 훨씬 더 비쌌다 – 파손된 것은 작은 조각으로 다시 잘렸다. 그때까지는 약 80cm 또는 2피트 반 정도가 최대 크기였던 것으로 보인다 – Las Meninases(시녀들)에 있는 궁정 거울의 크기와 거의 같다.[36] 주로 이러한 이유로, 초기 자화상 대부분은 화가들이 상반신 정도만 보이도록 묘사한다.
위에서 언급했듯이, 화가가 작업하는 자화상은 중세 자화상의 가장 일반적인 형태였으며, 이는 계속 인기를 얻었으며, 특히 18세기 이후에 많은 수가 나타났다. 중세와 르네상스 시대에 한 특정 유형은 화가가 루카 (예술가의 수호 성인)로 묘사되어 성모 마리아를 그리는 것이었다. 이 중 다수는 지역 성 루카 길드에 전달되어 그들의 예배당에 배치되었다. 화가가 그의 작업실에 있는 유명한 큰 그림은 귀스타브 쿠르베의 ''화가의 아틀리에''(1855)로, 화가가 앉아 있는 물건과 등장인물들의 거대한 "알레고리"이다.
많은 현대 미술가와 모더니즘 작가의 자화상은 강한 내러티브로 특징지어지며, 종종 예술가의 삶의 이야기를 담은 삽화로 제한되지만 반드시 그렇지는 않다. 때로는 내러티브가 환상, 역할 놀이, 허구와 유사하다. 디에고 벨라스케스 (그의 그림 ), 렘브란트 판 레인, 얀 데 브레이, 귀스타브 쿠르베, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱 외에도 복잡한 내러티브를 드러내는 자화상을 그린 다른 작가로는 피에르 보나르, 마르크 샤갈, 루시안 프로이드, 아르쉴 고르키, 앨리스 닐, 파블로 피카소, 루카스 사마라스, 제니 사빌, 신디 셔먼, 앤디 워홀, 길버트 앤 조지 등이 있다.
자화상은 예술가, 특히 초상화가에게 매우 효과적인 광고 수단이 될 수 있다. 알브레히트 뒤러는 상업적인 초상화에는 그다지 관심이 없었지만, 뛰어난 자화상을 활용하여 예술가로서의 자신을 홍보하는데 능숙했다. 소포니스바 앙귀솔라는 숙련된 솜씨를 광고하는 동시에 진귀한 품목으로 여겨지는 정교한 미니어처를 제작했는데, 이는 여성 화가의 성공 사례가 드물었기 때문에 특이한 특징을 부여했기 때문이다.[40] 렘브란트는 가장 성공적인 시기에 초상화로 생계를 유지했으며, 안토니 반 다이크나 조슈아 레이놀즈처럼 그의 초상화 중 상당수는 그의 기량을 광고하기 위한 의도도 있었다. 정기적인 아카데미 전시회가 시작되면서 많은 예술가들이 예술계에 깊은 인상을 남기기 위해 기억에 남을 자화상을 제작하려 했다. 최근 런던 내셔널 갤러리에서 열린 "반항과 순교자" 전시에서는 때때로 나타나는 코믹한 비극도 기꺼이 다루었다.[41]
6. 현대적 응용
사진 자화상을 얻는 방법으로는 크게 두 가지가 널리 사용된다. 하나는 거울에 비친 모습을 촬영하는 것이고, 다른 하나는 카메라를 손에 들고 자신을 촬영하는 것이다. 엘레아자르 랑만은 니켈 도금된 찻주전자의 표면에 비친 자신의 모습을 촬영하기도 했다.[21]
또 다른 방법으로는 삼각대나 표면에 카메라 또는 촬영 장치를 설치하고, 카메라의 타이머를 설정하거나 원격 셔터 릴리스를 사용하는 방법이 있다. 마지막으로, 카메라를 설치하고 장면에 들어가 조수가 셔터를 누르는 방식도 사진 자화상으로 간주될 수 있다.[21] 이러한 기술 발전은 사진 자화상 제작 속도를 빠르게 하여 기존 방식보다 "놀이" 분위기가 더 많은 다양한 이미지를 얻을 수 있게 하였다. 프랜시스 벤자민 존스턴의 ''자화상, 1896년경''은 젠더 역할로 사진 자화상의 능력을 보여주는 예시 중 하나이다.[21]
7. 여성 예술가와 자화상
거의 모든 주요 여성 화가들은 카테리나 반 헤메센에서부터 엘리자베스 비제 르 브룅, 프리다 칼로, 앨리스 닐, 파울라 모더존-베커, 제니 사빌에 이르기까지 자화상을 남겼다. 특히 비제 르 브룅은 총 37점의 자화상을 그렸으며, 그 중 많은 작품은 판매를 위해 그린 이전 작품의 복사본이었다.[12] 20세기까지 여성은 일반적으로 누드 드로잉 훈련을 받을 수 없었기 때문에 대형 인물 구성을 그리는 데 어려움을 겪었고, 많은 예술가들이 초상화 작업에 특화하게 되었다. 여성 예술가들은 역사적으로 자화상 안에서 여러 역할을 구현해 왔는데, 가장 흔한 것은 작업 중인 예술가로, 그림을 그리는 모습, 또는 적어도 붓과 팔레트를 들고 있는 모습을 보여주는 것이다. 종종, 시청자는 의상을 평소에 입고 그렸는지 궁금해하는데, 많은 앙상블의 정교한 특성은 그녀의 세부 묘사 기술을 보여주기 위한 예술적 선택이었다.
8. 의학적 관점
신경학적 또는 신체적 질병을 앓았던 일부 예술가들은 자화상을 남겼으며, 이를 통해 후대 의사들은 정신 과정의 장애를 분석하려 시도했다. 이러한 분석의 많은 부분이 신경학 교과서에 실렸다.[3]
정신 질환을 앓았던 예술가들의 자화상은 심리적, 정신과적 또는 신경학적 장애가 있는 사람들의 자기 인식을 조사할 수 있는 독특한 기회를 의사들에게 제공한다.
러시아 성학자 이고르 콘은 자위에 관한 자신의 논문에서 자위 습관이 특히 그림과 같은 예술 작품에 묘사될 수 있다고 지적한다. 에곤 실레는 자신의 자화상 중 하나에서 이와 같은 모습을 묘사했다.[3] 콘은 이 그림이 자위 행위로부터의 쾌락이 아닌 고독의 감정을 묘사한다고 관찰한다. 실레의 작품은 성 행동, 특히 소아성애 측면에서 다른 연구자들에 의해 분석된다.
- 티엘쉬 AH, 앨런 PJ (2005) ''그들이 그림 그리는 소리를 들어보세요: 인물화 그리기를 통한 1차 진료 아동 선별''. 소아간호 31(4): 320–327. 에서는 진단 방법으로서의 인물화 그리기에 초점을 맞추고 있다. 아동의 그림은 정신 장애를 인식할 수 있다. 저자들은 6세에서 12세 사이 아동의 정서 장애 진단을 위한 자화상 활용을 설명한다.
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Image—full description and credit: Frida Kahlo, Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird, 1940, oil on canvas on Masonite, 24½ × 19 inches, Nikolas Muray Collection, Harry Ransom Center, The University of Texas at Austin, 2007. Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust, Av. Cinco de Mayo No. 2, [[Historic center of Mexico City|Col. Centro]], [[Del. Cuauhtémoc]] 06059, México, D.F.
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This drawing in red chalk is widely (though not universally) accepted as an original self-portrait. The main reason for hesitation in accepting it as a portrait of Leonardo is that the subject is apparently of a greater age than Leonardo ever achieved. But it is possible that he drew this picture of himself deliberately aged, specifically for Raphael's portrait of him in the [[School of Athens]]. A case has also been made, originally by novelist [[Dmitry Merezhkovsky]], that Leonardo based his famous picture [[Mona Lisa]] on his own self-portrait.
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