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앰비언트

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목차

1. 개요

앰비언트는 1970년대 중반 브라이언 이노가 처음 사용한 용어로, 특정 분위기를 조성하는 음악을 의미한다. 에릭 사티의 '가구 음악'과 존 케이지의 '4분 33초'와 같은 실험적인 음악에서 기원했으며, 1960년대부터 다양한 음악가들이 앰비언트 음악의 선구적인 시도를 했다. 1990년대에는 앰비언트 하우스, 앰비언트 테크노 등 하위 장르가 등장했고, 유튜브를 통해 대중적인 인기를 얻었다. 앰비언트 음악은 영화 사운드트랙, 휴식, 명상 등 다양한 분야에서 활용되며, 앰비언트 덥, 앰비언트 팝 등 다양한 하위 장르를 포함한다.

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앰비언트
개요
브라이언 이노의 "Ambient 1: Music for Airports"
설명브라이언 이노는 "앰비언트"라는 단어를 듣는 이를 다른 의식 상태로 만드는 분위기를 조성하는 음악을 설명하는 데 사용했다.
음악적 특징
스타일 기원전자 음악
이지 리스닝
배경 음악
경음악
인상주의 (가구 음악)
미니멀
실험 음악
드론
크라우트록
덥
문화적 기원1960년대–1970년대, 영국, 자메이카 (덥) 및 일본
파생 장르생체 음악
칠아웃
다운템포
IDM
뉴에이지
포스트 록
우주 음악
트랜스
트립 합
하위 장르다크 앰비언트
드론
로어케이스
융합 장르앰비언트 덥
앰비언트 하우스
앰비언트 테크노
앰비언트 팝
앰비언트 블랙 메탈
일비언트
애트모스페릭 드럼 앤 베이스
사이비언트
관련 항목
기타앰비언트 아티스트
전자 음악 장르
노이즈 음악

2. 역사

앰비언트 음악은 여러 시대를 거쳐 발전해왔다.

20세기 초, 프랑스의 작곡가 에릭 사티는 다다이즘에서 영감을 받아 "가구 음악"(Musique d'ameublement)이라는 초기 형태의 앰비언트/배경 음악을 만들었다. 그는 이 음악을 식사 중에 배경으로 연주되어, 주의를 끌기보다는 환경의 일부가 되는 음악으로 묘사했다.[16] 사티는 "환경 소음의 일부가 되어 그것을 고려하는 음악"을 만들고자 했다.[17][18]

1948년, 피에르 셰페르는 구체 음악이라는 용어를 만들었다. 이는 자연의 소리를 녹음, 수정, 조작하여 작곡하는 실험적인 음악이었다.[19] 그의 테이프 루프와 접합 기술은 현대 샘플링의 선구자로 여겨진다. 1952년, 존 케이지는 ''4분 33초''를 발표했는데, 이 곡은 4분 33초 동안 완전한 침묵을 유지하는 연주였다.[20] 이 곡은 공연 장소의 앰비언트 사운드를 포착하여 그것이 연주되는 음악이 되도록 의도되었다.[21]

1960년대에는 많은 음악 그룹들이 독특한 방식을 실험했으며, 이 중 일부는 앰비언트 음악으로 불리게 될 음악을 만들었다. 1962년, 라몬 센더와 모턴 서보트닉은 샌프란시스코 테이프 뮤직 센터를 설립했다.[22] 폴린 올리베로스, 테리 라일리, 스티브 라이히 등이 참여한 이들의 작품은 미니멀 음악 발전에 기여했으며, 앰비언트 음악과 유사한 개념을 공유한다.[23] 1960년대 후반, 엘리안 라디그는 테이프 루프를 이용한 곡들을 작곡했다.[25]

1970년대에는 브라이언 이노가 "앰비언트 음악"이라는 용어를 처음 사용했다. 그는 뮤직과 같은 '캔 음악'과는 다른 음악을 묘사하기 위해 이 용어를 사용했다.[40][41] 1978년 앨범 ''앰비언트 1: 뮤직 포 에어포트''에서 이노는 앰비언트 음악에 대한 자신의 생각을 밝혔다.[42] ARP 2500 신시사이저를 사용하여 드론 음악과 비교되는 길고 느린 작품들을 만들었다.[26][27]

브라이언 이노 (1974년 사진)


1970년대에는 로리 스피겔, 수잔 시아니 등의 여성 작곡가들도 앰비언트 음악에 기여했다. 킹 터비와 같은 자메이카의 덥 음악가,[69] 토미타 이사오[35][36]와 사카모토 류이치와 같은 일본의 전자 음악 작곡가, Popol Vuh, Cluster, Kraftwerk, Harmonia, Ash Ra Tempel 및 Tangerine Dream과 같은 독일 실험 밴드들도 앰비언트 스타일에 영향을 주었다.[37]

1980년대에는 샘플링 기술의 발전과 컴퓨터의 사용 증가로 앰비언트 음악 제작 방식에 변화가 일어났다.[45] 미도리 타카다와 엘리안 라디그는 각각 독특한 방식으로 앰비언트 음악을 탐구했다.[46][47] 폴린 올리베로스는 "''딥 리스닝''"이라는 개념을 만들었다.[48]

1990년대 초, 더 오브, 에이펙스 트윈, 시필 등의 아티스트들이 상업적 성공을 거두면서 앰비언트 하우스, 앰비언트 테크노 등의 용어가 등장했다. 칠아웃이라는 용어는 영국 엑스터시(MDMA) 문화에서 유래했다.[49][50]

2000년대 이후, 앰비언트 음악은 유튜브 등 온라인 플랫폼에서 인기를 얻고 있다. 많은 앰비언트 비디오는 자연의 소리를 활용하며, 바이오뮤직의 영향을 받았다.[52] 아이튠즈와 스포티파이에는 앰비언트 음악을 다루는 디지털 라디오 방송국이 있다.[2] 맥스 리히터(Max Richter), 줄리아나 바윅(Julianna Barwick), Grouper, 윌리엄 바신스키(William Basinski), Oneohtrix Point Never, the Caretaker 등이 이 시대에 주목받는 앰비언트 음악가들이다.[58][59][60][61]

2. 1. 기원

에릭 사티는 현대 앰비언트 음악의 중요한 선구자이자 브라이언 이노에게 영향을 준 인물로 인정받고 있다.


에릭 사티는 20세기 초 프랑스의 작곡가로, 다다이즘에서 영감을 받아 "가구 음악"(Musique d'ameublement)이라는 초기 형태의 앰비언트/배경 음악을 만들었다. 그는 이 음악을 저녁 식사 중에 배경 분위기를 조성하기 위해 연주될 수 있는 종류로, 주의를 끌기보다는 환경의 일부가 되는 음악으로 묘사했다.[16]

사티는 "환경의 소음의 일부가 되어 그것을 고려하는 음악...을 만들고자 했다. 나는 그것을 멜로디가 있고, 저녁 식사에서 칼과 포크의 소음을 부드럽게 하며, 그것을 지배하거나 강요하지 않는 것으로 생각한다. 그것은 함께 식사하는 친구들 사이에 때때로 생기는 무거운 침묵을 채울 것이다. 또한, 대화의 흐름에 무신경하게 들어오는 거리의 소음을 중화시킬 것이다. 그러한 음악을 만드는 것은 필요에 응답하는 것이다."라고 설명했다.[17][18]

1948년, 프랑스 작곡가이자 엔지니어인 피에르 셰페르는 구체 음악이라는 용어를 만들었다. 이 실험적인 음악은 자연의 소리를 녹음하여 수정, 조작, 효과를 주어 작곡하는 방식이었다.[19] 셰페르의 테이프 루프와 접합 기술은 현대 샘플링의 선구자로 여겨진다.

1952년, 존 케이지는 4분 33초 동안 완전한 침묵을 유지하는 연주를 하는 ''4분 33초''를 발표했다.[20] 이 곡은 공연 장소의 앰비언트 사운드를 포착하여 그것이 연주되는 음악이 되도록 의도되었다.[21] 케이지는 브라이언 이노와 같은 중요한 예술가들에게 영향을 준 것으로 인용되었다.[21]

2. 2. 1960년대

1960년대에는 많은 음악 그룹들이 독특한 방식을 실험했으며, 이 중 일부는 나중에 앰비언트 음악이라고 불리게 될 음악을 만들었다.

1962년 여름, 작곡가 라몬 센더와 모턴 서보트닉은 전자 음악 스튜디오이자 콘서트 장소로 기능하는 샌프란시스코 테이프 뮤직 센터를 설립했다.[22] 폴린 올리베로스, 테리 라일리, 스티브 라이히를 포함한 다른 작곡가들이 테이프 레코더 작업을 하면서 회원으로 참여하고 협력했다. 그들의 작품들은 미니멀 음악(미니멀리즘이라고도 함)의 발전에 기여했으며, 반복적인 패턴이나 맥박, 꾸준한 드론, 협화음과 같은 앰비언트 음악과 유사한 개념을 공유한다.[23]

1960년대 중반부터 1990년대 중반까지 유럽과 미국에서 앰비언트 장르의 관례를 앵글로폰 대중 음악 시장에 확립하는 많은 음반들이 발매되었다.[24] 앰비언트 요소가 있는 1960년대 음반으로는 토니 스콧의 ''요가 명상 및 기타 즐거움을 위한 음악''과 ''선 명상을 위한 음악'', 레이몬드 스콧의 ''아기를 위한 부드러운 소리'', 어빈 테이벨의 ''환경'' 앨범 시리즈의 첫 번째 음반 등이 있다.

1960년대 후반, 프랑스 작곡가 엘리안 라디그는 두 대의 테이프 레코더와 마이크 사이의 피드백에서 테이프 루프를 처리하여 여러 곡을 작곡했다.[25] 1970년대에는 ARP 2500 신시사이저를 사용하여 유사한 음악을 거의 독점적으로 작곡했으며, 그녀의 길고 느린 작품들은 종종 드론 음악과 비교되었다.[26][27] 1969년, 그룹 COUM Transmissions는 영국 예술 학교에서 음향 실험을 수행했다.[28] 펄스 비포 스와인의 1968년 앨범 ''발라클라바''는 새소리와 바다 소리를 특징으로 하며, 이는 앰비언트 음악의 전형적인 요소가 되었다.[29]

2. 3. 1970년대

브라이언 이노는 1970년대 중반 "앰비언트 음악"이라는 용어를 처음 사용한 것으로 알려져 있다. 그는 "나는 단지 이름을 붙였을 뿐이다. 그것이 정확히 필요한 것이었다... 무언가에 이름을 붙임으로써 차이를 만들어낸다. 이것이 이제 현실이라고 말하는 것이다. 이름은 매우 중요하다."[40]라고 말하며, 뮤직과 같은 일종의 '캔 음악'과는 다른 음악을 묘사하기 위해 이 용어를 사용했다.[41]

1978년 앨범 ''앰비언트 1:'' ''뮤직 포 에어포트''의 라이너 노트에서 이노는 다음과 같이 적었다.[42]

이노는 자신을 "비음악가"라고 묘사하며, 자신의 실험을 전통적인 연주가 아닌 "트리트먼트"라고 칭했다.[42][43] 그는 에릭 사티의 뮈지크 다메블망에 대한 인용구를 언급하며,[34] 1975년 ''Discreet Music''을 "가청 임계치 아래로 떨어지는 경우도 있을 정도로 비교적 낮은 수준"으로 청취할 것을 제안했다.[17]

1974년과 1976년 사이 미국의 작곡가 로리 스피겔은 GROOVE라는 컴퓨터-아날로그 하이브리드 시스템으로 획기적인 작품 ''The Expanding Universe''를 만들었다.[30] 1977년, 그녀의 작곡 'Music of the Spheres'는 보이저 1호와 보이저 2호의 골든 레코드에 수록되었다.[31]

1975년 4월, 수잔 시아니는 Buchla 신시사이저로 두 번의 공연을 가졌다. 한 번은 WBAI 프리 뮤직 스토어에서, 다른 한 번은 필 니블록의 로프트에서였다.[32] 이 공연들은 2016년에 "Buchla Concerts 1975"라는 아카이브 앨범으로 발매되었다. 음반 레이블에 따르면 이 콘서트는 라이브 프레젠테이션, 보조금 신청, 교육 시연의 일부였다.[33]

당시 앰비언트 스타일의 음악을 창작한 다른 동시대 음악가들로는 킹 터비와 같은 자메이카의 덥 음악가,[69] 토미타 이사오[35][36]와 사카모토 류이치와 같은 일본의 전자 음악 작곡가, Irv Teibel의 심리 음향 사운드스케이프 ''Environments'' 시리즈, Popol Vuh, Cluster, Kraftwerk, Harmonia, Ash Ra Tempel 및 Tangerine Dream과 같은 독일 실험 밴드가 있었다. ''Stylus Magazine''의 마이크 오르메는 베를린 스쿨 음악가들의 작품이 앰비언트의 "기초를 다졌다"고 설명한다.[37]

현대 음악에서 신시사이저의 부상은 앰비언트라는 장르에 큰 영향을 주었다. 초기 전자 음악 개척자인 Kraftwerk의 랄프 휘터는 1977년 ''Billboard''와의 인터뷰에서 "전자 공학은 국가와 색상을 초월합니다... 전자 공학으로 모든 것이 가능합니다. 유일한 제한은 작곡가에게 있습니다."[38]라고 말했다. 옐로 매직 오케스트라는 나중에 앰비언트 하우스 음악으로 발전할 앰비언트 전자 음악의 독특한 스타일을 개발했다.[39]

2. 4. 1980년대

1970년대 후반, 뉴에이지 뮤지션 라라지는 워싱턴 스퀘어 파크를 포함한 뉴욕 공원과 길거리에서 버스킹을 시작했다. 브라이언 이노는 그곳에서 라라지의 연주를 듣고 앨범을 녹음할 의향이 있는지 물었다. 1980년에 발매된 ''데이 오브 레이디언스''는 이노의 앰비언트 시리즈 중 세 번째 앨범이었다. 라라지는 이미 여러 앨범을 녹음했지만, 이 앨범으로 국제적인 인정을 받았다.[44] 시리즈의 다른 앨범들과 달리, ''데이 오브 레이디언스''는 전자 악기 대신 주로 어쿠스틱 악기를 사용했다.

1980년대 중반, 샘플링의 사용을 통해 음향 환경을 만들 수 있는 가능성이 증가했다. 1980년대 후반에는 레코드의 작곡 및 녹음 과정에서 컴퓨터의 사용이 급증했다. 사운드가 내장된 16비트 매킨토시 플랫폼과 비슷한 IBM 모델은 음악가와 음반 제작자의 스튜디오와 가정에서 사용되었다.[45]

그러나 많은 아티스트들은 여전히 아날로그 신디사이저와 어쿠스틱 악기로 앰비언트 작품을 제작했다.

1983년, 미도리 타카다는 자신의 첫 번째 솔로 LP ''거울 속으로''를 이틀 만에 녹음했다. 그녀는 앨범의 모든 파트를 연주했으며, 타악기, 마림바, 징, 리드 오르간, 종, 오카리나, 비브라폰, 피아노 및 유리 코카콜라 병 등 다양한 악기를 사용했다.[46]

1988년과 1993년 사이에 엘리안 라디그는 ARP 2500을 사용하여 세 개의 1시간 분량의 작품을 제작했으며, 이후 ''죽음의 삼부작''으로 함께 발매되었다.[47]

또한 1988년, 샌프란시스코 테이프 뮤직 센터의 창립 멤버이자 디렉터인 폴린 올리베로스는 워싱턴의 거대한 지하 저수조 안에서 앨범을 녹음한 후 "''딥 리스닝''"이라는 용어를 만들었는데, 이 저수조는 45초의 잔향 시간을 가지고 있었다. 딥 리스닝의 개념은 이후 "즉흥 연주, 전자 음악, 의식, 가르침 및 명상의 원리에 기반한 미학"이 되었다.[48]

2. 5. 1990년대

1990년대 초, 더 오브, 에이펙스 트윈, 시필, 더 이리스티블 포스, 바이오스피어, 하이얼 인텔리전스 에이전시와 같은 아티스트들이 상업적인 성공을 거두면서, 대중음악 언론에서는 이들을 앰비언트 하우스, 앰비언트 테크노, IDM 또는 단순히 "앰비언트"로 지칭하기 시작했다. 칠아웃이라는 용어는 영국 엑스터시(MDMA) 문화에서 유래했으며, 본래 앰비언트, 덥, 다운템포 비트가 연주되어 환각 경험을 완화하는 메인 댄스 플로어 밖의 느긋한 다운템포 "칠아웃 룸"에 적용되었다.[49][50]

에이펙스 트윈(특히: ''Selected Ambient Works Volume II'', 1994), 글로벌 커뮤니케이션 (''76:14'', 1994), 더 퓨처 사운드 오브 런던 (''Lifeforms'', 1994, ''ISDN'', 1994), 블랙 도그 (''Temple of Transparent Balls'', 1993), 오테커 (''Incunabula'', 1993, ''Amber'', 1994), 보즈 오브 캐나다, 더 KLF의 ''Chill Out''(1990)과 같은 영국 아티스트들은 당시 유행했던 레이브(rave#United Kingdom)와 테크노의 강렬함으로부터 벗어나 평온함을 느낄 수 있는 앰비언트 음악을 대중화하고 다양화하는 데 기여했다.[49]

1990년대의 다른 세계적인 앰비언트 아티스트로는 미국의 작곡가 스타스 오브 더 리드(Stars of the Lid)(이들은 이 10년 동안 5개의 앨범을 발매했다)와 일본의 아티스트 요코타 스스무가 있으며, 그의 앨범 ''사쿠라''(1999)는 피치포크 잡지에서 "몽환적이고 가공된 기타를 독특한 사운드 도구로 사용했다"고 평가했다.[51]

2. 6. 2000년대 이후

2000년대 후반부터 현재까지 앰비언트 음악은 유튜브에서 광범위하게 인정받고 있으며, 1시간에서 8시간에 이르는 곡들은 수백만 건의 조회수를 기록하고 있다. 이러한 비디오들은 "휴식 음악"으로 불리며, 다른 음악 장르의 영향을 받을 수 있다. 앰비언트 비디오는 온라인 청취자들이 요가, 공부, 수면(음악과 수면 참조), 마사지, 명상을 하고 낙관주의를 얻으며, 영감을 얻고, 방이나 다른 환경에서 평화로운 분위기를 조성하는 데 도움을 준다.[52]

많은 앰비언트 비디오는 바이오뮤직의 영향을 받아 자연의 소리를 포함하지만, 리버브와 딜레이 유닛을 적용하여 공간감 있는 소리를 만들어낸다. 이러한 자연의 소리에는 해변, 열대 우림, 뇌우, 강우 등이 있으며, 새소리와 같은 동물 소리도 사용된다. 이진수 비트를 포함하는 곡도 흔하고 인기 있으며, 청취자에게 음악 치료와 스트레스 관리를 제공한다.[53][54]

자연 서식지의 소리는 유튜브 업로드에 흔하게 사용되며, 청취자를 끌어들이기 위해 자연 풍경 이미지를 섬네일로 사용한다.


아이튠즈와 스포티파이에는 앰비언트 음악을 다루는 디지털 라디오 방송국이 있으며, 대부분 인디 레이블에서 제작한다.[2]

''피치포크''지에 따르면, 이 시대에 호평받는 앰비언트 음악으로는 맥스 리히터(Max Richter), 줄리아나 바윅(Julianna Barwick), Grouper, 윌리엄 바신스키(William Basinski), Oneohtrix Point Never, the Caretaker의 작품이 있다.[58][59][60][61]

3. 하위 장르 및 관련 장르

앰비언트 음악은 다양한 하위 장르와 관련 장르를 가지고 있다.


  • 앰비언트 덥 (Ambient Dub): 덥과 앰비언트 음악을 융합한 장르로, 1990년대 초 버밍엄의 "Beyond Records" 레이블에서 시작되었다. 빌 라스웰 등 많은 아티스트들에게 영감을 주었다.[69] 킹 터비와 같은 자메이카 사운드 아티스트들의 덥 스타일을 차용하여, 드롭아웃, 에코, 이퀄라이제이션 및 사이키델릭 전자 효과를 사용한다.[69] 데이비드 툽은 "덥 음악은 시간 속에서 루핑되는 긴 에코 딜레이와 같으며... 음악 시퀀스의 합리적인 순서를 감각의 바다로 바꾼다"고 묘사했다.[70]
  • 앰비언트 하우스 (Ambient House): 1980년대 후반에 시작된 장르로, 애시드 하우스에 앰비언트 음악 요소와 분위기를 더한 것이다.[73] 4/4 박자, 신스 패드, 보컬 샘플을 분위기 있게 통합하는 것이 특징이다.[73]
  • 앰비언트 테크노 (Ambient Techno): 테크노의 리듬과 멜로디 요소에 앰비언트 음악의 분위기를 결합한 장르로 1980년대 후반에 등장하였다.[74]
  • 앰비언트 인더스트리얼 (Ambient Industrial): 인더스트리얼 음악과 앰비언트 음악을 결합한 장르이다.[75] 금속성 드론, 공명하며 진화하는 불협화음, 극저주파 럼블, 기계 소리 등으로 구성될 수 있다.[75]
  • 앰비언트 팝 (Ambient Pop): 1980년대와 1990년대에 포스트 록과 동시대에 발전한 스타일로, 드림 팝과 슈게이징의 분위기 있는 스타일의 연장선으로 간주되기도 한다. 인디 록 구조에 전자적인 질감과 분위기를 탐구한다.[76] 데이비드 보위가 브라이언 이노와 함께 한 ''베를린 삼부작''이 영향을 미친 것으로 여겨진다.[77]
  • 다크 앰비언트 (Dark Ambient): 1990년대에 등장한 앰비언트 음악의 어두운 면을 표현하는 장르이다. 불안한 키보드 멜로디, 기괴한 샘플, 처리된 기타 효과 등이 특징이다.[83]
  • 스페이스 뮤직 (Space Music): "스페이스뮤직"으로도 표기하며, 앰비언트 장르뿐만 아니라, 사색적인 공간감을 조성하는 다양한 장르의 음악을 포함한다.[84][85][86] "공간적 이미지와 감정의 연속체"[89], 자기 성찰, 깊이 있는 듣기[90], 떠다니는 듯한 감각을 불러일으킨다.[91][92]

3. 1. 앰비언트 덥 (Ambient Dub)

앰비언트 덥은 덥과 앰비언트 음악을 융합한 음악 장르이다. 이 용어는 1990년대 초 버밍엄의 "Beyond Records" 레이블에서 처음 만들어졌다. 이 레이블은 앰비언트 덥 볼륨 1부터 4까지의 앨범 시리즈를 발매했는데, 이는 빌 라스웰을 포함한 많은 아티스트들에게 영감을 주었다.[69] 빌 라스웰은 자신의 음악 프로젝트 Divination에서 같은 구절을 사용했으며, 이 프로젝트에서 이 장르의 다른 아티스트들과 협업했다.

앰비언트 덥은 1960년대부터 1970년대 초까지 킹 터비와 다른 자메이카 사운드 아티스트들이 유명하게 만든 덥 스타일을 차용한다.[69] DJ에서 영감을 받은 앰비언트 일렉트로니카를 사용하여 고유한 드롭아웃, 에코, 이퀄라이제이션 및 사이키델릭 전자 효과를 갖추고 있다. 종종 레이어링 기법을 특징으로 하며 월드 뮤직, 딥 베이스 라인 및 하모닉 사운드 요소를 통합한다. 데이비드 툽에 따르면, "덥 음악은 시간 속에서 루핑되는 긴 에코 딜레이와 같으며... 음악 시퀀스의 합리적인 순서를 감각의 바다로 바꾼다."[70]

이 장르의 주목할 만한 아티스트로는 드레드존, 하이얼 인텔리전스 에이전시, 더 오브, 가우디,[71] 오트, 루프 구루, 우브 및 트랜스글로벌 언더그라운드,[72] 반코 데 가이아, 레일랜드 커비가 있다.

3. 2. 앰비언트 하우스 (Ambient House)

앰비언트 하우스는 1980년대 후반에 시작된 음악 장르로, 애시드 하우스에 앰비언트 음악 요소와 분위기를 더한 것을 묘사하는 데 사용된다.[73] 앰비언트 하우스 장르의 트랙은 일반적으로 4/4 박자, 신스 패드, 보컬 샘플을 분위기 있는 스타일로 통합하는 것이 특징이다.[73] 앰비언트 하우스 트랙은 일반적으로 으뜸음계 중심이 없고, 합성된 코드와 함께 많은 무조성을 특징으로 한다. 네덜란드 출신 브레인보이저(Brainvoyager)가 이 장르의 예시이다. 일비언트(Illbient)는 앰비언트 하우스 음악의 또 다른 형태이다.

3. 3. 앰비언트 테크노 (Ambient Techno)

테크노의 리듬과 멜로디 요소에 앰비언트 음악의 분위기를 결합한 음악 장르로 1980년대 후반에 등장하였다.[74] 대표적인 아티스트로는 Aphex Twin, B12, Autechre, The Black Dog 등이 있다.

3. 4. 앰비언트 인더스트리얼 (Ambient Industrial)

앰비언트 인더스트리얼은 인더스트리얼 음악과 앰비언트 음악을 결합한 장르이다.[75] 전형적인 앰비언트 인더스트리얼 작품은 금속성 드론, 공명하며 진화하는 불협화음, 극저주파 럼블, 기계 소리 등으로 구성될 수 있다. 또한 꽹과리, 타악 리듬, 불로러, 왜곡된 목소리, 또는 아티스트가 샘플링하고자 하는 모든 것(종종 원래 샘플을 더 이상 인식할 수 없을 정도로 처리됨)으로 보완될 수 있다.[75] 전체 작품은 전파 망원경 녹음, 갓 태어난 아기의 재잘거림, 전신 전선에 접촉 마이크를 통해 녹음된 소리 등을 기반으로 할 수 있다.[75]

3. 5. 앰비언트 팝 (Ambient Pop)

'''앰비언트 팝'''은 1980년대와 1990년대에 포스트 록과 동시대에 발전한 스타일로, 드림 팝 운동과 슈게이징의 분위기 있는 스타일의 연장선으로 간주되기도 한다. 인디 록에 공통적으로 나타나는 구조를 포함하지만, "앰비언트 음악의 최면적이고 명상적인 특징을 반영하는 전자적인 질감과 분위기"를 광범위하게 탐구하며, 이는 또한 인디 일렉트로닉 음악의 핵심이기도 하다.[76] 앰비언트 팝은 사이키델릭 음악의 음악적 실험과 미니멀 음악, 크라우트 록, 테크노의 반복적인 특징을 주요 영향으로 활용한다. 드림 팝의 연장선임에도 불구하고, "샘플링을 포함한 현대적인 전자적 표현을 채택한다는 점에서 차별화되지만, 대부분 라이브 악기가 사운드를 정의한다."[76]

데이비드 보위가 앰비언트 음악의 선구자인 브라이언 이노와 함께 한 ''베를린 삼부작''은 독일의 ''코스미셰 무지크'' 밴드와 미니멀리스트 작곡가들에게 영감을 받아 제작되었으며,[77] 앰비언트 팝에 영향을 미친 것으로 여겨진다. 삼부작의 세 번째 앨범인 ''Lodger''(1979)의 "Red Sails"는 음악 저널리스트 데이비드 버클리가 그의 저서 ''데이비드 보위: 음악과 변화''에서 모터릭 드럼 리듬, 전자적으로 처리된 기타, 단순한 멜로디를 두드러지게 사용하여 "앰비언트 팝의 한 조각"으로 회고적으로 묘사했다.[78]

드림 팝 밴드 슬로우다이브의 1995년 앨범 ''Pygmalion''은 밴드의 기존 사운드에서 크게 벗어나, 앰비언트 일렉트로니카와 사이키델리아의 요소를 최면적이고 반복적인 리듬과 함께 대거 포함하여, 많은 앰비언트 팝 밴드에게 영향을 미쳤으며, 그 후 장르의 랜드마크 앨범으로 간주되었다.[80] 피치포크의 비평가 니츠 아베베는 앨범의 곡들을 "디스코 인페르노와 같은 포스트 록 [밴드]보다 라이드와 같은 슈게이저와 더 많은 공통점을 가진 앰비언트 팝 드림"이라고 묘사했다.[81] 이 장르는 스위트 트립, Múm, 브로드캐스트, Dntel과 그의 프로젝트 the Postal Service를 포함한 밴드들과 함께 2000년대에도 스타일적으로 발전했다.[82]

3. 6. 다크 앰비언트 (Dark Ambient)

브라이언 이노(Brian Eno)가 처음 제시한 앰비언트 음악은 듣는 이를 거슬리지 않는 배경 음악과 같았다. 이후 1990년대에는 따뜻한 하우스 리듬과 결합하여 The Orb에 의해 유쾌한 특징을 부여받았지만, 다크 앰비언트는 정반대의 양상을 띠게 되었다. 다크 앰비언트는 Scorn의 Mick Harris, Current 93의 David Tibet, Nurse with Wound의 Steven Stapleton과 같은 초창기 인더스트리얼 및 메탈 실험가에서부터, 전자 음악 전문가인 Kim Cascone/PGR, Psychick Warriors Ov Gaia, 일본 노이즈 아티스트인 K.K. Null, Merzbow, 그리고 최근의 인디 록 밴드인 Main, Bark Psychosis에 이르기까지 다양한 인물들이 참여하고 있다. 다크 앰비언트는 톤 다운되거나 완전히 사라진 비트와 함께, 불안한 키보드 멜로디, 기괴한 샘플, 그리고 처리된 기타 효과를 특징으로 한다. 1990년대 전자/댄스 음악과 관련된 대부분의 스타일과 마찬가지로, 다크 앰비언트 역시 매우 모호한 용어이며, 많은 아티스트들이 앨범을 낼 때마다 이 스타일에 포함되거나 벗어나곤 한다.[83] 관련 스타일로는 앰비언트 인더스트리얼과 아이솔레이셔니스트 앰비언트가 있다.

3. 7. 스페이스 뮤직 (Space Music)

스페이스 뮤직(Space music)은 "스페이스뮤직"으로도 표기하며, 앰비언트 장르의 음악뿐만 아니라, 사색적인 공간감을 조성하기 위해 공통적인 특성을 가진 광범위한 다른 장르의 음악을 포함한다.[84][85][86]

스페이스 뮤직은 단순한 음향 텍스처에서 복잡한 음향 텍스처까지 다양하며, 때로는 전통적인 멜로디, 리듬, 또는 보컬 요소가 부족하기도 하다.[87][88] 일반적으로 "공간적 이미지와 감정의 연속체"[89], 유익한 자기 성찰, 깊이 있는 듣기[90], 그리고 떠다니거나, 항해하거나, 비행하는 듯한 감각을 불러일으킨다.[91][92]

스페이스 뮤직은 개인의 배경 음악 강화와 전면적인 감상, 특히 헤드폰을 사용하여, 휴식, 성찰, 영감, 그리고 일반적으로 평화롭고 확장된 분위기[93] 및 음향 풍경을 자극하기 위해 사용된다. 스페이스 뮤직은 또한 많은 영화 사운드트랙의 구성 요소이며, 플라네타리움, 이완 보조 및 명상에 일반적으로 사용된다.[94]

4. 주요 음악가

브라이언 이노는 앰비언트 음악의 선구자로 꼽히며, 마이크 올드필드, 장미셸 자르, 반젤리스, 에이펙스 트윈 등 다양한 음악가들이 앰비언트 음악 발전에 기여했다.

영국의 프로듀서 브라이언 이노는 1970년대 중반에 "앰비언트 음악"이라는 용어를 처음 사용한 것으로 알려져 있다. 그는 "나는 단지 이름을 붙였을 뿐이다. 그것이 정확히 필요한 것이었다... 무언가에 이름을 붙임으로써 차이를 만들어낸다. 이것이 이제 현실이라고 말하는 것이다. 이름은 매우 중요하다."[40] 라고 말했다. 그는 이 용어를 뮤직과 같은 일종의 '캔 음악'과는 다른 음악을 묘사하기 위해 사용했다.[41] 1978년 그의 앨범 ''앰비언트 1: 뮤직 포 에어포트''의 라이너 노트에서, 이노는 앰비언트 음악이 침착함과 생각을 위한 공간을 유도하기 위한 것이라고 설명했다.[42] 자신을 "비음악가"라고 묘사하는 이노는 자신의 실험을 전통적인 연주가 아닌 "트리트먼트"라고 칭했다.[42][43]

4. 1. 해외 음악가

4. 2. 한국 및 동아시아

사카모토 류이치는 일본의 작곡가 겸 연주자로, 영화음악과 전자음악 등 다양한 분야에서 활동했다. 토미타 이사오는 일본의 작곡가 겸 신시사이저 연주자로, 신시사이저 음악의 선구자로 불린다. 기타로는 일본의 뉴에이지 음악가로, 동양적인 분위기의 음악을 선보인다.

5. 영화 사운드트랙

앰비언트 음악은 영화의 분위기를 조성하고, 감정을 증폭시키는 데 효과적으로 사용된다. 앰비언트 음악을 활용한 대표적인 사운드트랙으로는 ''블레이드 러너''(1982),[95] ''듄''(1984),[95] ''소셜 네트워크''(2010),[95] ''인터스텔라''(2014), ''레버넌트: 죽음에서 돌아온 자''(2015), ''체르노빌''(2019)[101], ''듄''(2021)[102] 등이 있다.

6. 관련 프로그램


  • 시리우스 XM 칠(Sirius XM Chill)은 앰비언트, 칠아웃, 다운템포 일렉트로니카를 방송한다.
  • 시리우스 XM 스파(Spa)는 앰비언트와 뉴에이지 기악 음악을 XM 채널 68에서 혼합하여 방송한다.
  • 에코스(Echoes)는 존 딜리베르토가 진행하는 매일 2시간 분량의 음악 라디오 프로그램으로, 앰비언트, 스페이스뮤직, 일렉트로니카, 뉴 어쿠스틱, 뉴 뮤직 방향의 사운드스케이프를 특징으로 한다. 1989년에 시작되었으며, 미국 내 130개 라디오 방송국에서 방송된다.
  • BBC 라디오 1 릴렉스(BBC Radio 1 Relax)는 영국 방송 공사(BBC)에서 제공하는 라디오 방송국으로, 앰비언트 음악을 방송한다. 이 채널은 전자 음악과 기악 작곡을 포함한 다양한 앰비언트 장르를 다룬다.
  • 하츠 오브 스페이스(Hearts of Space)는 1973년부터 미국 NPR에서 스티븐 힐이 진행하는 프로그램이다.
  • 뮤지컬 스타스트림스(Musical Starstreams)는 1981년부터 포레스트가 제작, 프로그래밍, 진행하는 미국 기반의 상업 라디오 방송국이자 인터넷 프로그램이다.
  • 스타스 엔드(Star's End)는 필라델피아, 펜실베이니아의 88.5 WXPN에서 방송되는 라디오 쇼이다. 1976년에 시작되어 세계에서 두 번째로 오래된 앰비언트 음악 라디오 쇼이다.
  • 울티마 툴레 앰비언트 뮤직(Ultima Thule Ambient Music)은 1989년부터 호주 전역의 커뮤니티 라디오에서 방송되는 주간 90분 쇼이다.
  • Avaruusromua는 "우주 잔해"를 의미하며, 1990년부터 핀란드 공영 방송 YLE의 다양한 방송국에서 방송되는 60분 분량의 앰비언트 및 아방가르드 라디오 프로그램이다.

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