수채화
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1. 개요
수채화는 물을 용매로 사용하여 안료를 종이 등의 지지체에 칠하는 회화 기법이다. 프레스코화에서 유래되었으며, 르네상스 시대부터 독립적인 미술 기법으로 발전했다. 수채 물감은 투명 수채와 불투명 수채로 나뉘며, 안료, 아라비아 고무, 글리세린, 첨가제, 물로 구성된다. 붓, 종이, 팔레트, 붓통, 스펀지 등 다양한 재료와 워시, 리프팅, 스크래칭 등 여러 기법이 사용된다. 수채화는 18세기 영국에서 크게 유행했으며, 19세기 미국에서도 인기를 얻었다. 20세기에는 다양한 화가들이 수채화를 통해 독창적인 작품을 선보였으며, 현재까지도 많은 예술가들이 수채화를 사용하고 있다.
수채화는 종이의 발명 이후 시작되었으며, 젖은 회벽에 그림을 그리는 프레스코화에서 유래되었다. 프레스코화에 쓰이는 템페라 물감은 물을 타서 쓰는 수채화 물감의 한 종류이다. 유럽에서는 르네상스 화가 라파엘로(1483년 - 1520년)가 테피스트리 그림을 그리기 위해 사전 작업에 수채화를 이용하였다. 15세기 독일에서는 알브레히트 뒤러(1471년-1528년)의 수채화 작품이 유명하다.
2. 역사
수채화는 구석기 시대 유럽의 동굴 벽화[17]로 거슬러 올라가며, 적어도 이집트 시대부터 사본 삽화에 사용되었고, 유럽 중세 시대에 특히 두드러졌다.[18] 하지만, 하나의 미술 기법으로서 수채화의 ''지속적인'' 역사는 르네상스부터 시작된다. 여러 훌륭한 식물, 야생 동물, 풍경 수채화를 그린 독일 북부 르네상스 화가 알브레히트 뒤러(1471–1528)는 일반적으로 가장 초기의 수채화 예술가 중 한 명으로 여겨진다.[19] 독일의 중요한 수채화 화파는 한스 볼(1534–1593)이 이끌었으며, 이는 뒤러 르네상스의 일부였다.
이러한 초기 시작에도 불구하고, 수채화는 바로크 시대의 화가들에게는 스케치, 모사 또는 카르통(실제 크기의 디자인 도면)[20]으로 주로 사용되었다. 수채화의 주목할 만한 초기 실천자로는 반 다이크[21](영국 체류 기간 동안), 클로드 로랭, 조반니 베네데토 카스티글리오네, 그리고 많은 네덜란드와 플랑드르 화가들이 있다.[22] 그러나 식물 삽화와 야생 동물 삽화는 아마도 수채화에서 가장 오래되고 가장 중요한 전통을 형성한다. 식물 삽화는 책이나 넓은 판의 손으로 색칠한 목판 삽화와 벨룸이나 종이에 색칠한 잉크 그림으로 르네상스 시대에 유행했다. 식물 화가들은 전통적으로 가장 정확하고 능숙한 수채화가들 중 일부였으며, 오늘날에도 수채화는 고유한 요약, 명료화, 이상화 능력을 통해 완전한 색상으로 과학 및 박물관 간행물을 삽화하는 데 사용되고 있다. 야생 동물 삽화는 존 제임스 오듀본과 같은 화가들에 의해 19세기에 절정에 달했으며, 오늘날에도 많은 자연주의자 현장 안내서가 수채화 그림으로 삽화되어 있다.
18세기, 특히 영국에서 수채화가 널리 퍼지게 된 데에는 여러 요인이 작용했다.[23] 엘리트 계층과 귀족 계급 사이에서는 수채화가 좋은 교육의 부수적인 장식 중 하나였으며, 지도 제작자, 군 장교, 기술자들은 부동산, 지형,[24] 요새, 야외 지질학을 묘사하고 공공 사업이나 의뢰받은 프로젝트를 묘사하는 데 유용성 때문에 수채화를 중요하게 여겼다. 수채화가들은 1733년에 설립된 딜레탄티 학회의 지원을 받아 지중해, 아시아, 신대륙의 발견을 기록하기 위해 지질학적 또는 고고학적 탐험에 자주 참여했다. 이러한 탐험은 당시 모든 유행을 좇는 젊은이들이 떠났던 그랜드 투어에서 유명한 장소(및 광경)의 기념 그림을 쏟아내는 지형화가들에 대한 수요를 자극했다.[25]
18세기 후반, 영국 성직자 윌리엄 길핀(William Gilpin)은 영국 시골 전역을 여행하면서 쓴 매우 인기 있는 책들을 여러 권 집필했으며, 강 계곡, 고대 성, 버려진 교회 등을 감상적으로 묘사한 자체 제작의 단색 수채화로 책을 삽화했다.[26] 이러한 예는 수채화를 개인적인 여행 일지의 형태로 대중화시켰다. 이러한 문화적, 공학적, 과학적, 관광적, 아마추어적 관심의 결합은 수채화를 독특한 영국의 "국민 예술"로 기념하고 홍보하는 결과를 가져왔다. 윌리엄 블레이크(William Blake)는 손으로 색칠한 여러 권의 판화 시집을 출판하고 단테의 ''신곡'''에 삽화를 제공했으며, 수채화로 대형 모노타이프 작품도 실험했다.[27] 이 시대의 다른 많은 중요한 수채화가들로는 토마스 게인즈버러(Thomas Gainsborough),[28] 존 로버트 코즌스(John Robert Cozens), 프랜시스 타운(Francis Towne),[29] 마이클 앤젤로 루커(Michael Angelo Rooker), 윌리엄 파스(William Pars),[30] 토마스 헌(Thomas Hearne),[31] 및 존 워릭 스미스(John Warwick Smith)가 있다.[32]
18세기 후반부터 19세기까지 인쇄된 책과 가정 예술에 대한 시장은 이 매체의 성장에 상당히 기여했다.[33] 수채화는 수집 가능한 풍경이나 관광 판화가 만들어지는 기본적인 자료로 사용되었으며, 유명한 그림의 손으로 그린 수채화 원본이나 사본은 많은 상류층의 미술 포트폴리오에 기여했다. 토마스 로랜드슨(Thomas Rowlandson)의 풍자적인 대중 시트는 루돌프 아커먼(Rudolph Ackermann)이 출판한 것들이 많았는데, 매우 인기가 있었다.
수채화를 독립적이고 성숙한 회화 매체로 확립하는 데 기여한 세 명의 영국 예술가는 "영국 수채화의 아버지"라고 불리는 폴 샌드비(Paul Sandby, 1730–1809), 대형 포맷의 낭만적이거나 그림 같은 풍경화에 수채화를 사용하는 것을 개척한 토마스 거틴(Thomas Girtin, 1775–1802), 그리고 수채화를 최고의 힘과 세련됨으로 끌어올리고[34] 수백 점의 훌륭한 역사적, 지형적, 건축적, 신화적 수채화를 제작한 조지프 맬러드 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner, 1775–1851)이다.[35] 젖은 종이에 큰, 흐릿한 색 영역을 먼저 설정한 다음, 일련의 워시와 유약을 통해 이미지를 개선하는 단계별로 수채화를 개발하는 그의 방법[36]은 그가 "작업장 효율성"[37]으로 많은 수의 그림을 제작할 수 있게 해주었고, 그의 개인 미술관(최초의 미술관)의 판매를 통해 그를 백만장자로 만들었다. 터너와 거틴의 중요하고 재능 있는 동시대 예술가들로는 존 바를리(John Varley), 존 셀 코트먼(John Sell Cotman),[38] 앤서니 코플리 필딩(Anthony Copley Fielding), 새뮤얼 팔머(Samuel Palmer),[39] 윌리엄 헤벨(William Havell),[40] 및 새뮤얼 프라우트(Samuel Prout)가 있다. 스위스 화가 아브라함-루이-로돌프 뒤크로(Abraham-Louis-Rodolphe Ducros) 또한 대형 포맷의 낭만적인 수채화로 널리 알려져 있다.
아마추어 활동, 출판 시장, 중산층 미술품 수집, 그리고 19세기 기법의 결합은 영국 수채화 미술 협회의 결성으로 이어졌다. "수채화 화가 협회"(Society of Painters in Water Colours, 1804년 설립, 현재 왕립 수채화 협회(Royal Watercolour Society)로 알려짐)와 "신 수채화 협회"(New Water Colour Society, 1832년 설립, 현재 왕립 수채화가 협회(Royal Institute of Painters in Water Colours)로 알려짐)이다. (1878년에 설립된 "스코틀랜드 수채화 화가 협회"(Scottish Society of Painters in Water Colour)는 현재 왕립 스코틀랜드 수채화가 협회(Royal Scottish Society of Painters in Watercolour)로 알려져 있다.)[41] 이러한 협회는 많은 예술가에게 연례 전시회와 구매자 소개를 제공했다. 또한, 특히 전통적인("투명한") 수채화의 옹호자들과 불투명 수채화 또는 구아슈("불투명한" 수채화)로 가능한 더 짙은 색을 조기에 채택한 사람들 사이에서 사소한 지위 경쟁과 미적 논쟁을 벌였다. 후기 조지 왕조 시대와 빅토리아 시대는 가장 인상적인 19세기 종이 작품 중 하나인 영국 수채화의 절정을 이루었는데,[42] 그 이유는 터너, 바를리, 코트먼,[43] 데이비드 콕스(David Cox), 피터 드 윈트(Peter de Wint),[44] 윌리엄 헨리 헌트(William Henry Hunt), 존 프레더릭 루이스(John Frederick Lewis),[45] 마일스 버킷 포스터(Myles Birket Foster),[46] 프레더릭 워커(Frederick Walker),[47] 토마스 콜리어(Thomas Collier), 아서 멜빌(Arthur Melville) 등 많은 예술가들 때문이다. 특히, 리처드 파크스 보닝턴(Richard Parkes Bonington)의 우아하고 간결하며 분위기 있는 수채화("장르화")는 특히 1820년대 영국과 프랑스에서 수채화에 대한 국제적인 유행을 만들어냈다. 19세기 후반에는 초상화가 프레더릭 해빌(Frederick Havill)이 영국에 수채화를 확립하는 데 중요한 역할을 했다. 미술 평론가 헌틀리 카터(Huntly Carter)는 해빌을 "수채화 화파의 창시자"라고 묘사했다.[49]
수채화의 인기는 더 무겁고 더 사이징된 직조지와 수채화를 위해 특별히 제작된 브러시("연필"이라고 함)를 포함한 많은 혁신을 자극했다. 수채화 강좌는 이 시대에 바를리, 콕스 등이 처음 출판하여 오늘날에도 여전히 장르를 특징짓는 단계별 그림 지침을 확립했으며, 영국 미술 평론가 존 러스킨(John Ruskin)의 수채화 강좌인 ''드로잉의 요소''는 1857년에 처음 출판된 이후 단 한 번만 절판되었다. 상업용 수채화 브랜드가 판매되었고, 안료는 금속 튜브에 포장되거나 건조한 케이크 형태로 포장되어 스튜디오 도자기에서 "갈아서"(녹여서) 사용하거나 현장에서 휴대용 금속 페인트 상자에 사용할 수 있었다. 화학 분야의 혁신으로 인해 합성 울트라마린 블루, 코발트 블루, 비리디안, 코발트 바이올렛, 카드뮴 옐로, 아우레올린(칼륨 코발트니트라이트), 아연 화이트, 그리고 다양한 카르민과 매더 레이크를 포함한 많은 새로운 안료가 사용 가능하게 되었다. 이러한 안료는 차례로 모든 회화 매체에서 색상 사용을 더욱 자극했지만, 특히 라파엘 전파 형제단(Pre-Raphaelite Brotherhood)의 영국 수채화에서 그러했다.
수채화는 19세기 미국에서도 인기를 얻었는데, 초기 주요 작가로는 존 제임스 오듀본(John James Audubon)과 초기 허드슨 강파(Hudson River School) 화가들인 윌리엄 H. 바틀릿(William H. Bartlett)과 조지 하비(George Harvey (painter))가 있다. 19세기 중반에는 존 러스킨(John Ruskin)의 영향으로 수채화에 대한 관심이 높아졌고, 특히 존 W. 힐 헨리(John W. Hill Henry), 윌리엄 트로스트 리처즈(William Trost Richards), 로데릭 뉴먼(Roderick Newman), 피델리아 브리지스(Fidelia Bridges) 등의 작가들이 상세한 "러스키니안(Ruskinian)" 스타일을 사용하는 데 주목했다. 1866년에는 미국 수채화가 협회(American Society of Painters in Watercolor)(현재 미국 수채화 협회(American Watercolor Society)])가 설립되었다. 19세기 후반 미국의 수채화 대가로는
2. 1. 세계의 수채화
수채화는 종이의 발명 이후 시작되었다. 수채화는 젖은 회벽에 그림을 그리는 프레스코화에서 유래되었다. 프레스코화에 쓰이는 템페라 물감은 물을 타서 쓰는 수채화 물감의 한 종류이다. 유럽에서는 르네상스 화가 라파엘로(1483년 - 1520년)가 테피스트리 그림을 그리기 위해 사전 작업에 수채화를 이용하였다. 15세기 독일에서는 알브레히트 뒤러(1471년-1528년)의 수채화 작품이 유명하다.
18세기, 특히 영국에서 수채화가 널리 퍼지게 된 데에는 여러 요인이 작용했다.[23] 엘리트 계층과 귀족 계급 사이에서는 수채화가 좋은 교육의 부수적인 장식 중 하나였으며, 지도 제작자, 군 장교, 기술자들은 부동산, 지형,[24] 요새, 야외 지질학을 묘사하고 공공 사업이나 의뢰받은 프로젝트를 묘사하는 데 유용성 때문에 수채화를 중요하게 여겼다. 수채화가들은 1733년에 설립된 딜레탄티 학회(Society of Dilettanti)의 지원을 받아 지중해, 아시아, 신대륙의 발견을 기록하기 위해 지질학적 또는 고고학적 탐험에 자주 참여했다. 이러한 탐험은 당시 모든 유행을 좇는 젊은이들이 떠났던 그랜드 투어에서 유명한 장소(및 광경)의 기념 그림을 쏟아내는 지형화가들에 대한 수요를 자극했다.[25]
18세기 후반, 영국 성직자 윌리엄 길핀(William Gilpin)은 영국 시골 전역을 여행하면서 쓴 매우 인기 있는 책들을 여러 권 집필했으며, 강 계곡, 고대 성, 버려진 교회 등을 감상적으로 묘사한 자체 제작의 단색 수채화로 책을 삽화했다.[26] 이러한 예는 수채화를 개인적인 여행 일지의 형태로 대중화시켰다. 이러한 문화적, 공학적, 과학적, 관광적, 아마추어적 관심의 결합은 수채화를 독특한 영국의 "국민 예술"로 기념하고 홍보하는 결과를 가져왔다. 윌리엄 블레이크(William Blake)는 손으로 색칠한 여러 권의 판화 시집을 출판하고 단테의 ''신곡'''에 삽화를 제공했으며, 수채화로 대형 모노타이프 작품도 실험했다.[27] 이 시대의 다른 많은 중요한 수채화가들로는 토마스 게인즈버러(Thomas Gainsborough),[28] 존 로버트 코즌스(John Robert Cozens), 프랜시스 타운(Francis Towne),[29] 마이클 앤젤로 루커(Michael Angelo Rooker), 윌리엄 파스(William Pars),[30] 토마스 헌(Thomas Hearne),[31] 및 존 워릭 스미스(John Warwick Smith)가 있다.[32]
18세기 후반부터 19세기까지 인쇄된 책과 가정 예술에 대한 시장은 이 매체의 성장에 상당히 기여했다.[33] 수채화는 수집 가능한 풍경이나 관광 판화가 만들어지는 기본적인 자료로 사용되었으며, 유명한 그림의 손으로 그린 수채화 원본이나 사본은 많은 상류층의 미술 포트폴리오에 기여했다. 토마스 로랜드슨(Thomas Rowlandson)의 풍자적인 대중 시트는 루돌프 아커먼(Rudolph Ackermann)이 출판한 것들이 많았는데, 매우 인기가 있었다.
수채화를 독립적이고 성숙한 회화 매체로 확립하는 데 기여한 세 명의 영국 예술가는 "영국 수채화의 아버지"라고 불리는 폴 샌드비(Paul Sandby, 1730–1809), 대형 포맷의 낭만적이거나 그림 같은 풍경화에 수채화를 사용하는 것을 개척한 토마스 거틴(Thomas Girtin, 1775–1802), 그리고 수채화를 최고의 힘과 세련됨으로 끌어올리고[34] 수백 점의 훌륭한 역사적, 지형적, 건축적, 신화적 수채화를 제작한 조지프 맬러드 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner, 1775–1851)이다.[35] 젖은 종이에 큰, 흐릿한 색 영역을 먼저 설정한 다음, 일련의 워시와 유약을 통해 이미지를 개선하는 단계별로 수채화를 개발하는 그의 방법[36]은 그가 "작업장 효율성"[37]으로 많은 수의 그림을 제작할 수 있게 해주었고, 그의 개인 미술관(최초의 미술관)의 판매를 통해 그를 백만장자로 만들었다. 터너와 거틴의 중요하고 재능 있는 동시대 예술가들로는 존 바를리(John Varley), 존 셀 코트먼(John Sell Cotman),[38] 앤서니 코플리 필딩(Anthony Copley Fielding), 새뮤얼 팔머(Samuel Palmer),[39] 윌리엄 헤벨(William Havell),[40] 및 새뮤얼 프라우트(Samuel Prout)가 있다. 스위스 화가 아브라함-루이-로돌프 뒤크로(Abraham-Louis-Rodolphe Ducros) 또한 대형 포맷의 낭만적인 수채화로 널리 알려져 있다.
아마추어 활동, 출판 시장, 중산층 미술품 수집, 그리고 19세기 기법의 결합은 영국 수채화 미술 협회의 결성으로 이어졌다. "수채화 화가 협회"(Society of Painters in Water Colours, 1804년 설립, 현재 왕립 수채화 협회(Royal Watercolour Society)로 알려짐)와 "신 수채화 협회"(New Water Colour Society, 1832년 설립, 현재 왕립 수채화가 협회(Royal Institute of Painters in Water Colours)로 알려짐)이다. (1878년에 설립된 "스코틀랜드 수채화 화가 협회"(Scottish Society of Painters in Water Colour)는 현재 왕립 스코틀랜드 수채화가 협회(Royal Scottish Society of Painters in Watercolour)로 알려져 있다.)[41] 이러한 협회는 많은 예술가에게 연례 전시회와 구매자 소개를 제공했다. 또한, 특히 전통적인("투명한") 수채화의 옹호자들과 불투명 수채화 또는 구아슈("불투명한" 수채화)로 가능한 더 짙은 색을 조기에 채택한 사람들 사이에서 사소한 지위 경쟁과 미적 논쟁을 벌였다. 후기 조지 왕조 시대와 빅토리아 시대는 가장 인상적인 19세기 종이 작품 중 하나인 영국 수채화의 절정을 이루었는데,[42] 그 이유는 터너, 바를리, 코트먼,[43] 데이비드 콕스(David Cox), 피터 드 윈트(Peter de Wint),[44] 윌리엄 헨리 헌트(William Henry Hunt), 존 프레더릭 루이스(John Frederick Lewis),[45] 마일스 버킷 포스터(Myles Birket Foster),[46] 프레더릭 워커(Frederick Walker),[47] 토마스 콜리어(Thomas Collier), 아서 멜빌(Arthur Melville) 등 많은 예술가들 때문이다. 특히, 리처드 파크스 보닝턴(Richard Parkes Bonington)의 우아하고 간결하며 분위기 있는 수채화("장르화")는 특히 1820년대 영국과 프랑스에서 수채화에 대한 국제적인 유행을 만들어냈다. 19세기 후반에는 초상화가 프레더릭 해빌(Frederick Havill)이 영국에 수채화를 확립하는 데 중요한 역할을 했다. 미술 평론가 헌틀리 카터(Huntly Carter)는 해빌을 "수채화 화파의 창시자"라고 묘사했다.[49]
수채화의 인기는 더 무겁고 더 사이징된 직조지와 수채화를 위해 특별히 제작된 브러시("연필"이라고 함)를 포함한 많은 혁신을 자극했다. 수채화 강좌는 이 시대에 바를리, 콕스 등이 처음 출판하여 오늘날에도 여전히 장르를 특징짓는 단계별 그림 지침을 확립했으며, 영국 미술 평론가 존 러스킨(John Ruskin)의 수채화 강좌인 ''드로잉의 요소''는 1857년에 처음 출판된 이후 단 한 번만 절판되었다. 상업용 수채화 브랜드가 판매되었고, 안료는 금속 튜브에 포장되거나 건조한 케이크 형태로 포장되어 스튜디오 도자기에서 "갈아서"(녹여서) 사용하거나 현장에서 휴대용 금속 페인트 상자에 사용할 수 있었다. 화학 분야의 혁신으로 인해 합성 울트라마린 블루, 코발트 블루, 비리디안, 코발트 바이올렛, 카드뮴 옐로, 아우레올린(칼륨 코발트니트라이트), 아연 화이트, 그리고 다양한 카르민과 매더 레이크를 포함한 많은 새로운 안료가 사용 가능하게 되었다. 이러한 안료는 차례로 모든 회화 매체에서 색상 사용을 더욱 자극했지만, 특히 라파엘 전파 형제단(Pre-Raphaelite Brotherhood)의 영국 수채화에서 그러했다.
20세기 수채화 분야에서 중요한 작품들을 남긴 많은 예술가들 중에는 바실리 칸딘스키(바실리 칸딘스키), 에밀 놀데(에밀 놀데), 파울 클레(파울 클레), 에곤 실레(에곤 실레), 라울 뒤피(라울 뒤피) 등이 있다. 미국에서는 찰스 버치필드(찰스 버치필드), 에드워드 호퍼(에드워드 호퍼), 조지아 오키프(조지아 오키프), 찰스 데뮤스(찰스 데뮤스), 존 마린(존 마린)(전체 작품의 80%가 수채화) 등이 주요 대표자였다. 이 시기 미국의 수채화는 종종 유럽 인상주의와 후기 인상주의를 모방했지만,[53] 1920년대부터 1940년대까지 "지역적"[54] 수채화 양식에서 중요한 개성이 꽃을 피웠다. 특히 클리블랜드 미술관(클리블랜드 미술관)을 중심으로 한 "클리블랜드 학파(예술 공동체)"(클리블랜드 학파 또는 오하이오 학파) 화가들과 캘리포니아 풍경화(캘리포니아 풍경화)[55] 화가들은 종종 할리우드 애니메이션 스튜디오 또는 주이너드 예술학교(주이너드 예술학교 (현재 캘리포니아 예술대학(캘리포니아 예술대학)))와 관련이 있었다. 캘리포니아 화가들은 그들의 주의 다양한 지리, 지중해성 기후, 그리고 "자동차 문화"(자동차 문화)를 활용하여 야외 또는 "플랭에르" 전통을 되살렸다. 그들 중 가장 영향력 있는 사람들은 필 다이크(필 다이크), 밀러드 시츠(밀러드 시츠), 렉스 브랜트(렉스 브랜트), 동 킹맨(동 킹맨), 밀포드 조네스(밀포드 조네스)였다. 1921년에 설립되어 나중에 미국 수채화 협회로 이름이 바뀐 캘리포니아 수채화 협회는 그들의 작품에 대한 중요한 전시회를 후원했다. 현재 세계에서 가장 큰 수채화 그림 (높이 9 피트, 너비 16 피트)는 ''Building 6 Portrait: Interior''이다.[56] 미국 예술가 바바라 프레이(바바라 프레이)가 MASS MoCA(MASS MoCA)[57] 의 의뢰로 제작한 이 작품은 MASS MoCA의 로버트 W. 윌슨 빌딩에서 볼 수 있다.[58]
추상 표현주의의 부상과 아마추어 화가들과 광고 또는 작업장 중심의 그림 스타일의 사소화하는 영향으로 인해 1950년경 이후 수채화의 인기가 일시적으로 감소했지만,[59] 마사 버치필드(마사 버치필드), 조셉 라파엘(조셉 라파엘), 앤드류 와이어스(앤드류 와이어스), 필립 펄스타인(필립 펄스타인),[60] 에릭 피슐(에릭 피슐), 게르하르트 리히터(게르하르트 리히터), 안젤름 키퍼(안젤름 키퍼), 프란체스코 클레멘테(프란체스코 클레멘테)와 같은 예술가들은 계속해서 수채화를 사용하고 있다. 스페인에서는 세페리 올리베(세페리 올리베)가 그의 제자들인 라파엘 알론소 로페스-몬테로(라파엘 알론소 로페스-몬테로)와 프란세스크 토르네 가발다(프란세스크 토르네 가발다) 등과 같은 혁신적인 스타일을 만들었다. 멕시코에서는 이그나시오 바리오스(이그나시오 바리오스), 에드가르도 코글란(에드가르도 코글란), 안헬 마우로(안헬 마우로), 비센테 멘돌라(비센테 멘돌라), 파스토르 벨라스케스(파스토르 벨라스케스) 등이 주요 대표자들이다. 이 회화 기법이 많은 추종자를 가진 카나리아 제도에서는 프란시스코 보닌 게린, 호세 코마스 케사다(호세 코마스 케사다), 알베르토 만리케와 같은 뛰어난 예술가들이 있다.
수채화의 역사는 매우 오래되어, 구석기 시대 유럽의 동굴 벽화까지 거슬러 올라갈 것으로 추정된다. 적어도 고대 이집트 왕조 시대부터 사본 채색에 수채화가 사용되었으며, 특히 중세 유럽에서도 계속 사용되었다. 중세의 채색 사본은 원래 양피지나 벨럼(송아지 가죽)에 달걀흰자 템페라로 그려졌지만, 점차 종이에 아라비아 검의 전색제로 그려지게 되었다.[70] 벨럼에서는 종이와 같은 번짐 효과를 기대할 수 없었고, 기법적으로 현재의 수채화와는 차이가 있었다. 예술적 수단으로서의 지속적인 역사는 르네상스 시대부터 시작된다. 독일의 화가 알브레히트 뒤러(1471-1528)는 식물, 동물, 풍경을 그린 뛰어난 수채화를 남겼으며, 수채화 초기의 대표적인 화가로 여겨진다.[71] 뒤러 르네상스의 일부로서 하인리히 홀베인 (1534-1593)을 중심으로 한 중요한 수채화 화파가 존재했다.
이처럼 오랜 역사를 가지고 있으면서도 수채화는 바로크 시대의 유화 화가들에게는 스케치나 모사 또는 만화(크기가 작은 디자인 그림) 도구로 사용되는 것이 일반적이었다. 초기 수채화에서 두각을 나타낸 화가로는 (영국 체류 당시의) 안토니 반 다이크, 클로드 로랭, 조반니 베네데토 카스틸리오네 외에 네덜란드, 플랑드르의 화가들을 들 수 있다. 그러나 수채화 역사에서 오래되고 중요한 전통은 식물화, 생물화일 것이다. 식물화는 르네상스 시대에 인기를 얻어 책이나 신문의 목판화에 채색을 하거나, 양피지나 종이에 그린 드로잉에 채색을 한 것이었다. 식물화는 초기부터 정교하고 완성도 높은 수채화 분야였으며, 오늘날에도 대상을 풀 컬러로 이상화하고 명확하게 포착하여 정리할 수 있는 특징으로 과학적인 출판물이나 박물관 출판물의 일러스트레이션에 사용되고 있다. 생물화는 19세기에 존 제임스 오듀본 등에 의해 최성기를 맞이했다. 오늘날에도 많은 필드 가이드는 수채화로 채색되어 있다.
여러 요인이 복합적으로 작용하여 수채화는 특히 18세기에 영국에서 널리 보급되었으며, 귀족 자녀, 특히 여성에게는 교양의 한 부분이 되었다.[72] 한편, 수채화는 감정가, 측량사, 군인, 기술자 등이 현장에서 지형, 방어 시설, 지세를 기록하거나 공공 사업이나 의뢰받은 프로젝트의 삽화를 제작하는 데 편리성 때문에 높이 평가되었다.
디레탄티 협회(1734년 결성)가 자금을 지원한 지질학 및 고고학 탐험에는 아시아, 아메리카 대륙, 지중해 연안의 발견을 기록하기 위해 수채화가가 동행했다. 이러한 배경에서 지리적 풍경화가의 수요가 높아졌다. 그들은 당시 젊은이들에게 인기 있던 이탈리아로의 그랜드 투어 명소의 기념품 그림을 대량 생산했다. 18세기 후반, 영국의 목사 윌리엄 길핀은 영국의 시골 여행을 기록한 매우 인기 있는 "피크처레스크" 여행기를 썼다. 그 책에는 그 자신이 그린 교회 폐허, 고성, 계곡을 흑백 수채화로 그린 그림이 수록되어 있었다.[73] 그의 책은 개인적인 여행기에서 수채화의 인기를 높였다. 이러한 문화적, 기술적, 과학적 요구, 여행자, 아마추어의 관심이 결합됨으로써 영국 수채화는 "국민 미술"이라고 할 수 있을 정도로 발전하고 보급되었다. 당시 활동했던 위대한 수채화가로는 토마스 게인즈버러, 존 로버트 코즌스, 프랜시스 타운, 마이클 앤젤로 루커, 윌리엄 퍼스, 토마스 헌, 존 워릭 스미스가 있다. 윌리엄 블레이크는 판화와 시를 함께 판각하여 수채 채색을 한 책을 여러 권 출판하거나, 단테의 『신곡』 삽화를 제작하고, 큰 수채화 모노타입[74]을 시도하기도 했다.
18세기 말부터 19세기에 걸쳐 인쇄된 책과 영국 내에서 생산되는 미술 작품의 수요가 수채화의 수요를 급격히 높였다. 수채화는 풍경화집이나 여행자의 기념품이 되는 판화의 자료로 사용되었다. 또한, 수채화 원화나 유명 작품의 모사를 소장하는 상류층도 증가했다. 루돌프 아커만이 출판한 토마스 로랜드슨의 풍자화도 매우 인기가 있었다.
수채화를 성숙하고 독립적인 회화 매체로 확립하는 데 세 명의 영국인에게 공헌이 있었다고 여겨진다. "영국 수채화의 아버지"라고 불리는 폴 샌드비 (1730-1809), 대형 낭만파적 또는 피크처레스크한 수채화 풍경화의 선구자 토마스 거틴 (1775-1802), 그리고 수채화에 최고의 세련됨과 완성된 작품으로서의 지위를 부여하고 수백 점의 뛰어난 역사, 지리, 건축, 신화 분야의 그림을 수채화로 제작한 조지프 말로드 윌리엄 터너 (1775-1851)이다. 그는 단계적으로 수채화를 제작했다. 먼저 젖은 종이에 옅은 색으로 대략적으로 색면을 나눈 후, 워시나 그레이즈로 이미지를 정돈하는 순서로, 수공업적 공장과 같은 효율성으로 대량의 작품 제작이 가능했다.[75] 이 때문에, 그러한 최초의 것 중 하나라고 할 수 있는 그의 개인 갤러리의 판매도 한몫하여 억만장자가 될 수 있었다. 터너와 거틴의 동시대인으로 매우 재능 있고 중요한 작가로는 존 벌리, 존 셀 코트먼, 코플리 필딩, 사뮤엘 파머, 윌리엄 하벨, 사뮤엘 프라우트 등이 있다. 스위스의 화가 뒤크로도 대형의 낭만파적인 수채화로 널리 알려져 있다.
아마추어의 활동, 출판의 수요, 중산층의 미술 수집, 19세기 회화 기법이 합류하여 현재의 영국 왕립 수채화가 협회 (the Royal Watercolour Society)의 전신인 수채화가 협회 (the Society of Painters in Water Colours (1804))와 신수채화 협회 (New Water Colour Society (1832)), 스코틀랜드 수채화가 협회가 설립되었다. 이러한 협회는 매년 전람회를 열어 많은 아티스트를 수집가에게 소개하는 한편, 시시한 미술적 지위 다툼이나 미학적 논쟁(특히 전통적인 투명 수채화와 바디 컬러 또는 가슈라고 불리는 불투명 수채화 사이)의 무대가 되었다. 조지 왕조 시대 후기부터 빅토리아 시대는 수채화로 가장 인상적인 작품이 제작된 영국 수채화의 절정기라고 할 수 있다. 그 당시 대표적인 화가로는 위에 언급된 터너, 벌리, 코트먼과 데이비드 콕스, 피터 드 윈트, 윌리엄 헨리 헌트, 존 프레데릭 루이스, 마일스 버켓 포스터, 프레데릭 워커, 토마스 콜리어 등이 있다. 특히 리처드 파크스 보닝턴의 운치 있는 보석 세공 같은 풍속화는 1820년대에 국제적인(특히 프랑스와 영국) 수채화 붐을 일으켰다.
대한민국에는 일본화 등 판화 이외에도 오랜 회화의 역사가 있다. 유화를 포함한 서양 회화가 전래되면서, 기존 일본의 기법을 계승한 국산 회화는 일본화로 불리게 되었다.
수채화는 막말에서 메이지 초기 무렵에 전래되어 메이지 30년대 후반에 큰 붐을 이루었다. 미즈에(水絵)라고도 불렸다.[76] 보급에 큰 공헌을 한 화가 오시모토 토지로는 메이지 34년(1901년)에 입문서 『수채화의 지침』(水彩画之栞)을 간행하여 베스트셀러가 되었고, 메이지 38년(1905년)에는 전문 잡지 『미즈에』(みづゑ)(미술출판사)를 창간하였다.[77]
2. 1. 1. 미국
수채화는 19세기 미국에서도 인기를 얻었는데, 초기 주요 작가로는 존 제임스 오듀본(John James Audubon)과 초기 허드슨 강파(Hudson River School) 화가들인 윌리엄 H. 바틀릿(William H. Bartlett)과 조지 하비(George Harvey (painter))가 있다. 19세기 중반에는 존 러스킨(John Ruskin)의 영향으로 수채화에 대한 관심이 높아졌고, 특히 존 W. 힐 헨리(John W. Hill Henry), 윌리엄 트로스트 리처즈(William Trost Richards), 로데릭 뉴먼(Roderick Newman), 피델리아 브리지스(Fidelia Bridges) 등의 작가들이 상세한 "러스키니안(Ruskinian)" 스타일을 사용하는 데 주목했다. 1866년에는 미국 수채화가 협회(American Society of Painters in Watercolor)(현재 미국 수채화 협회(American Watercolor Society)])가 설립되었다. 19세기 후반 미국의 수채화 대가로는
2. 1. 2. 유럽 대륙
수채화는 종이의 발명 이후 시작되었다. 수채화는 젖은 회벽에 그림을 그리는 프레스코화에서 유래되었다. 프레스코화에 쓰이는 템페라 물감은 물을 타서 쓰는 수채화 물감의 한 종류이다. 유럽에서는 르네상스 화가 라파엘로(1483년 - 1520년)가 테피스트리 그림을 그리기 위해 사전 작업에 수채화를 이용하였다. 15세기 독일에서는 알브레히트 뒤러(1471년-1528년)의 수채화 작품이 유명하다.
수채화는 유럽 대륙에서는 인기가 덜했다. 18세기에는 구아슈가 이탈리아 화가 마르코 리치(Marco Ricci)와 프란체스코 주카렐리(Francesco Zuccarelli)에게 중요한 매체였으며, 그들의 풍경화는 널리 수집되었다.[51] 프랑스의 많은 화가들도 구아슈를 사용했다. 19세기에는 영국 화파의 영향으로 프랑스에서 "투명한" 수채화가 대중화되었고, 외젠 들라크루아(Eugène Delacroix), 프랑수아 마리우스 그라네(François Marius Granet), 앙리 조제프 아르피니(Henri-Joseph Harpignies), 그리고 풍자화가 오노레 도미에(Honoré Daumier)에게 중요한 매체가 되었다. 수채화로 자주 작업한 다른 유럽 화가로는 독일의 아돌프 멘젤(Adolph Menzel)과 폴란드의 스타니스와프 마스워프스키(Stanisław Masłowski)가 있다.
밝은 색상의 석유에서 추출한 아닐린 염료(그리고 그 염료로 배합된 안료)의 채택과 1857년 영국 박물관이 상속받은 2만 점의 J. M. W. 터너(J. M. W. Turner) 그림을 적절히 보존하려는 노력은 수채화 안료의 영구성에 대한 부정적인 재평가로 이어졌다.[52] 이로 인해 수채화의 지위와 시장 가치가 급격히 하락했다. 그럼에도 불구하고 소수의 화가들은 20세기까지 수채화 기법을 선호하고 발전시켰다. 폴 시냐크(Paul Signac)는 풍경과 해양 수채화를 제작했고, 폴 세잔(Paul Cézanne)은 순수한 색상의 작은 유약을 겹쳐 쌓는 수채화 기법을 개발했다.
2. 2. 한국의 수채화
수채화는 종이의 발명 이후 시작되었으며, 젖은 회벽에 그림을 그리는 프레스코화에서 유래되었다. 프레스코화에 쓰이는 템페라 물감은 물을 타서 쓰는 수채화 물감의 한 종류이다. 유럽에서는 르네상스 화가 라파엘로(1483년 - 1520년)가 테피스트리 그림을 그리기 위해 사전 작업에 수채화를 이용하였다. 15세기 독일에서는 알브레히트 뒤러(1471년-1528년)의 수채화 작품이 유명하다.
3. 재료 및 기법
수채 물감은 크게 네 가지 성분으로 구성된다.[61] 안료, 안료를 현탁액 상태로 유지하는 결합제인 아라비아 고무,[62][63] 점도, 은폐력, 내구성 또는 안료와 매체 혼합물의 색상을 변경하기 위한 글리세린, 쓸개즙,[64] 꿀 및 보존제와 같은 첨가제, 그리고 안료를 희석하거나 묽게 하여 바르는 데 사용되는 용제인 증발성 물이다.
보다 일반적인 용어인 ''수채화 기법''은 물을 용제로 사용하고 붓, 펜 또는 분무기로 바를 수 있는 모든 그림 기법을 말한다. 여기에는 대부분의 잉크, 수채화, 템페라, 카세인, 구아슈, 그리고 현대 아크릴 물감이 포함된다.
"수채화"라는 용어는 수용성 복합 탄수화물을 결합제로 사용하는 안료를 가리킨다. 원래(16세기에서 18세기) 수채화 결합제는 설탕 및/또는 가죽 접착제였지만, 19세기 이후로는 천연 아라비아 고무가 선호되는 결합제가 되었으며, 결합제의 가소성과 용해도를 향상시키기 위해 글리세린 및/또는 꿀을 첨가제로 사용하고, 제품의 저장 수명을 향상시키기 위해 다른 화학 물질이 첨가된다.
"보디 컬러"라는 용어는 투명하지 않고 불투명한 안료를 가리킨다. 일반적으로 구아슈로 알려진 불투명 수채화를 말한다.[65] 현대 아크릴 물감은 결합제로 아크릴 수지 분산액을 사용한다.
== 재료 ==
수채 물감은 '''투명 수채 물감'''(워터 컬러)과 '''불투명 수채 물감'''(구아슈)으로 분류된다. 형태별로는 튜브나 병에 든 練り絵具(네리에구)와 고체 물감이 있으며, 고체 물감에는 반건조시킨 팬 컬러(카라멜 컬러)와 건조 분말을 굳힌 케이크 컬러가 있다.[78]
투명 수채, 불투명 수채 모두 주원료는 안료와 바인더인 아카시아고무(아라비아 검)이며, 그 외 보습제와 방부제 등을 포함한다.[79] 전통적인 제법에서는 보습제로 꿀이나 엿이 사용되었으나,[80][81] 산업혁명 이후 공업적으로 생산되기 시작하면서 글리세린이 널리 사용되고 있다.[82] 보습제의 도움으로 아라비아 검은 고화해도 다시 물에 녹기 때문에 수채 물감은 건조 후에도 재사용할 수 있다.
투명 수채는 아라비아 검을 많이 함유하여 분산되는 안료의 틈새로 지지체(종이 등)의 색이 비쳐 얇은 덧칠에 적합하다. 불투명 수채는 안료와 증점제를 많이 함유하여 지지체의 색을 덮어 가리고 두꺼운 덧칠에 적합하다. 외관상으로도 투명 수채는 광택이 있고 불투명 수채는 무광택이다. 굴절률이 높은 기름으로 일관되게 덮이는 유채 물감과는 달리, 수채 물감은 물을 용매로 사용하기 때문에 착색 안료와 바인더의 굴절률 일치로 인한 투명성은 활용되지 않는다.[82] 그러나 굴절률이 높은 흰색을 섞어 불투명도를 높이는 기법은 고전적인 구아슈(바디 컬러라고도 불림)의 처방으로 사용되어 왔다.[83]
일반적으로 단순히 수채라고 하면 투명 수채를 가리키는 경우가 많고,[84][85] 불투명 수채는 구아슈(구아쉬)라고 불리며, 기법상으로도 다른 발전을 해왔지만, 병용하는 것은 드물지 않다. 상업 미술용 포스터 컬러나 일본의 학생용 수채 물감도 불투명 수채에 분류되지만, 이들은 작품의 장기 보존을 고려한 전문가용 물감과는 달리 더 저렴한 안료, 체질 안료, 아라비아 검의 대체물인 덱스트린을 많이 사용한다.[82] 또한 일본의 학생용 수채 물감은 진하게 사용하면 불투명하고 묽게 사용하면 투명성을 나타내는 중간적인 성질로 조정되어 있으며, '''반투명 수채 물감'''이라고도 불린다.[86]
수채화의 보존성은 물감뿐만 아니라 지지체와 액자를 포함하여 고려되어야 하지만,[87] 수채화의 내광성은 결코 높지 않으며, 미술관 전시에서는 50룩스·3000시간/년 정도의 제한 조도가 권장된다(유화는 150-200룩스·3000시간/년 정도).[88] 전문가용 물감에서는 색상별 사용 안료와 내광성 등급의 표시가 관례이며, ASTM D5067／D5724에는 품질·표시 기준이 정해져 있다.[89] 수채 물감에 사용되는 안료는 광물 등을 원료로 하는 무기 안료와 석유 등 유기 화합물을 원료로 하는 유기 안료로 크게 나뉘며, 일반적으로 유기 안료의 내광성은 떨어지는 경향이 있다.[90][91][92] 그러나 전통적인 무기 안료에는 중금속을 포함하는 것이 많기 때문에(#주의사항 참조), 고내구성을 갖춘 새로운 고급 유기 안료의 이용·개발이 진행되고 있다. 또한 퇴색의 원인이 되는 산 등의 오염 가스에 대해서는 바인더인 아라비아 검이 어느 정도의 보호 효과가 있다고 생각된다.[93]
제조업체에 따라 물감 입자가 거칠거나 고운 것, 같은 색 이름이라도 흄이나 친트(대체 안료)를 중심으로 안료가 다르거나,[94] 색상도 다르고,[95] 내광성이나 발색성 등 특징이 있으며, 용도에 따라 다양한 제조업체의 제품을 사용하는 경우도 있다.
국내 제조업체로는 홀베인, 쿠사카베, 춘장화구[96], 마치[97], 터너, 테라시화학공업 등의 화구 전문 제조업체 외에 대형 문구 제조업체인 사쿠라 크레파스, 펜텔도 제조·판매하고 있다.
해외 제조업체로는 윈저 앤 뉴턴(Winsor & Newton), 슈민케, 다니엘 스미스(Daniel Smith), 펠리칸 등이 알려져 있다.
=== 붓 ===
수채화 붓에 사용되는 짐승의 털 종류는 족제비나 다람쥐, 소, 말, 돼지 등이 있으며, 그 외 소재로는 나일론 제품 등 다수가 있다. 최근에는 나일론에 특수한 가공을 하여 동물의 털에 가깝게 만든 것도 판매되고 있다. 특히 족제비나 다람쥐 털을 사용한 붓이 적합하다고 여겨진다. 족제비나 담비의 털 중 최고급을 콜린스키라고 부른다. 비용 대비 효과가 높다고는 할 수 없지만, 훌륭한 효과를 낸다. 프랑스의 "라파엘"(Raphaël)이나 영국의 윈저 뉴턴 시리즈 7 등의 평가가 높다. 짧은 자루의 붓이 "수채화용"으로 판매되고 있지만, 제작 현장에서는 긴 자루의 붓이 사용되는 경우도 있다. 유화붓 중에서도 수채화에 적합한 것이 있다. 다만 유화붓 중에서도 돼지털은 뻣뻣하고 탄력이 있어 종이를 손상시킬 위험이 있으므로 사용을 피하는 것이 좋다. 하지만 돼지털 수채화붓도 존재하며, 표현 기법에 따라 그렇지 않은 경우도 있다. 몽구스 붓을 사용하는 사람도 있지만, 돼지털보다는 부드럽더라도 사용은 피하는 것이 좋다.
=== 종이 ===
수채화에 사용하는 종이는 일반적으로 수채화 용지라고 불리는 전용 용지를 사용한다. 불투명 수채화에서는 제도용 켄트지도 사용된다. 극단적인 예로는 흡수성이 좋은 종이로 수묵화처럼 그릴 수 있는 종이도 있다. 수채화 기법에서는 미묘한 번짐을 위해, 그림을 그리기 전에 종이를 적시는 경우도 있다. 그 외에 캔버스에 수張り한 것, 블록 형태의 것, 보드 형태의 것 등이 사용된다. 얇은 용지는 뒤틀려서 그리기 어려운 경우가 있으므로, 300g 정도의 두꺼운 종이를 사용하는 것이 좋다. 아르쉬(Arches), 워터포드(Waterford), 스트라스모어(Strathmore), 랭턴(Langton), 왓슨(Whatman) 등이 알려져 있다.
원료는 목화(면]),
3. 1. 재료
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수채 물감은 '''투명 수채 물감'''(워터 컬러)과 '''불투명 수채 물감'''(구아슈)으로 분류된다. 형태별로는 튜브나 병에 든 練り絵具(네리에구)와 고체 물감이 있으며, 고체 물감에는 반건조시킨 팬 컬러(카라멜 컬러)와 건조 분말을 굳힌 케이크 컬러가 있다.[78]
투명 수채, 불투명 수채 모두 주원료는 안료와 바인더인 아카시아고무(아라비아 검)이며, 그 외 보습제와 방부제 등을 포함한다.[79] 전통적인 제법에서는 보습제로 꿀이나 엿이 사용되었으나,[80][81] 산업혁명 이후 공업적으로 생산되기 시작하면서 글리세린이 널리 사용되고 있다.[82] 보습제의 도움으로 아라비아 검은 고화해도 다시 물에 녹기 때문에 수채 물감은 건조 후에도 재사용할 수 있다.
투명 수채는 아라비아 검을 많이 함유하여 분산되는 안료의 틈새로 지지체(종이 등)의 색이 비쳐 얇은 덧칠에 적합하다. 불투명 수채는 안료와 증점제를 많이 함유하여 지지체의 색을 덮어 가리고 두꺼운 덧칠에 적합하다. 외관상으로도 투명 수채는 광택이 있고 불투명 수채는 무광택이다. 굴절률이 높은 기름으로 일관되게 덮이는 유채 물감과는 달리, 수채 물감은 물을 용매로 사용하기 때문에 착색 안료와 바인더의 굴절률 일치로 인한 투명성은 활용되지 않는다.[82] 그러나 굴절률이 높은 흰색을 섞어 불투명도를 높이는 기법은 고전적인 구아슈(바디 컬러라고도 불림)의 처방으로 사용되어 왔다.[83]
일반적으로 단순히 수채라고 하면 투명 수채를 가리키는 경우가 많고,[84][85] 불투명 수채는 구아슈(구아쉬)라고 불리며, 기법상으로도 다른 발전을 해왔지만, 병용하는 것은 드물지 않다. 상업 미술용 포스터 컬러나 일본의 학생용 수채 물감도 불투명 수채에 분류되지만, 이들은 작품의 장기 보존을 고려한 전문가용 물감과는 달리 더 저렴한 안료, 체질 안료, 아라비아 검의 대체물인 덱스트린을 많이 사용한다.[82] 또한 일본의 학생용 수채 물감은 진하게 사용하면 불투명하고 묽게 사용하면 투명성을 나타내는 중간적인 성질로 조정되어 있으며, '''반투명 수채 물감'''이라고도 불린다.[86]
수채화의 보존성은 물감뿐만 아니라 지지체와 액자를 포함하여 고려되어야 하지만,[87] 수채화의 내광성은 결코 높지 않으며, 미술관 전시에서는 50룩스·3000시간/년 정도의 제한 조도가 권장된다(유화는 150-200룩스·3000시간/년 정도).[88] 전문가용 물감에서는 색상별 사용 안료와 내광성 등급의 표시가 관례이며, ASTM D5067／D5724에는 품질·표시 기준이 정해져 있다.[89] 수채 물감에 사용되는 안료는 광물 등을 원료로 하는 무기 안료와 석유 등 유기 화합물을 원료로 하는 유기 안료로 크게 나뉘며, 일반적으로 유기 안료의 내광성은 떨어지는 경향이 있다.[90][91][92] 그러나 전통적인 무기 안료에는 중금속을 포함하는 것이 많기 때문에(#주의사항 참조), 고내구성을 갖춘 새로운 고급 유기 안료의 이용·개발이 진행되고 있다. 또한 퇴색의 원인이 되는 산 등의 오염 가스에 대해서는 바인더인 아라비아 검이 어느 정도의 보호 효과가 있다고 생각된다.[93]
제조업체에 따라 물감 입자가 거칠거나 고운 것, 같은 색 이름이라도 흄이나 친트(대체 안료)를 중심으로 안료가 다르거나,[94] 색상도 다르고,[95] 내광성이나 발색성 등 특징이 있으며, 용도에 따라 다양한 제조업체의 제품을 사용하는 경우도 있다.
국내 제조업체로는 홀베인, 쿠사카베, 춘장화구[96], 마치[97], 터너, 테라시화학공업 등의 화구 전문 제조업체 외에 대형 문구 제조업체인 사쿠라 크레파스, 펜텔도 제조·판매하고 있다.
해외 제조업체로는 윈저 앤 뉴턴(Winsor & Newton), 슈민케, 다니엘 스미스(Daniel Smith), 펠리칸 등이 알려져 있다.
수채화 붓에 사용되는 짐승의 털 종류는 족제비나 다람쥐, 소, 말, 돼지 등이 있으며, 그 외 소재로는 나일론 제품 등 다수가 있다. 최근에는 나일론에 특수한 가공을 하여 동물의 털에 가깝게 만든 것도 판매되고 있다. 특히 족제비나 다람쥐 털을 사용한 붓이 적합하다고 여겨진다. 족제비나 담비의 털 중 최고급을 콜린스키라고 부른다. 비용 대비 효과가 높다고는 할 수 없지만, 훌륭한 효과를 낸다. 프랑스의 "라파엘"(Raphaël)이나 영국의 윈저 뉴턴 시리즈 7 등의 평가가 높다. 짧은 자루의 붓이 "수채화용"으로 판매되고 있지만, 제작 현장에서는 긴 자루의 붓이 사용되는 경우도 있다. 유화붓 중에서도 수채화에 적합한 것이 있다. 다만 유화붓 중에서도 돼지털은 뻣뻣하고 탄력이 있어 종이를 손상시킬 위험이 있으므로 사용을 피하는 것이 좋다. 하지만 돼지털 수채화붓도 존재하며, 표현 기법에 따라 그렇지 않은 경우도 있다. 몽구스 붓을 사용하는 사람도 있지만, 돼지털보다는 부드럽더라도 사용은 피하는 것이 좋다.
수채화에 사용하는 종이는 일반적으로 수채화 용지라고 불리는 전용 용지를 사용한다. 불투명 수채화에서는 제도용 켄트지도 사용된다. 극단적인 예로는 흡수성이 좋은 종이로 수묵화처럼 그릴 수 있는 종이도 있다. 수채화 기법에서는 미묘한 번짐을 위해, 그림을 그리기 전에 종이를 적시는 경우도 있다. 그 외에 캔버스에 수張り한 것, 블록 형태의 것, 보드 형태의 것 등이 사용된다. 얇은 용지는 뒤틀려서 그리기 어려운 경우가 있으므로, 300g 정도의 두꺼운 종이를 사용하는 것이 좋다. 아르쉬(Arches), 워터포드(Waterford), 스트라스모어(Strathmore), 랭턴(Langton), 왓슨(Whatman) 등이 알려져 있다.
원료는 목화(면]),
3. 1. 1. 수채 물감
수채 물감은 '''투명 수채 물감'''(워터 컬러)과 '''불투명 수채 물감'''(구아슈)으로 분류된다. 형태별로는 튜브나 병에 든 練り絵具(네리에구)와 고체 물감이 있으며, 고체 물감에는 반건조시킨 팬 컬러(카라멜 컬러)와 건조 분말을 굳힌 케이크 컬러가 있다.[78]
투명 수채, 불투명 수채 모두 주원료는 안료와 바인더인 아카시아고무(아라비아 검)이며, 그 외 보습제와 방부제 등을 포함한다.[79] 전통적인 제법에서는 보습제로 꿀이나 엿이 사용되었으나,[80][81] 산업혁명 이후 공업적으로 생산되기 시작하면서 글리세린이 널리 사용되고 있다.[82] 보습제의 도움으로 아라비아 검은 고화해도 다시 물에 녹기 때문에 수채 물감은 건조 후에도 재사용할 수 있다.
투명 수채는 아라비아 검을 많이 함유하여 분산되는 안료의 틈새로 지지체(종이 등)의 색이 비쳐 얇은 덧칠에 적합하다. 불투명 수채는 안료와 증점제를 많이 함유하여 지지체의 색을 덮어 가리고 두꺼운 덧칠에 적합하다. 외관상으로도 투명 수채는 광택이 있고 불투명 수채는 무광택이다. 굴절률이 높은 기름으로 일관되게 덮이는 유채 물감과는 달리, 수채 물감은 물을 용매로 사용하기 때문에 착색 안료와 바인더의 굴절률 일치로 인한 투명성은 활용되지 않는다.[82] 그러나 굴절률이 높은 흰색을 섞어 불투명도를 높이는 기법은 고전적인 구아슈(바디 컬러라고도 불림)의 처방으로 사용되어 왔다.[83]
일반적으로 단순히 수채라고 하면 투명 수채를 가리키는 경우가 많고,[84][85] 불투명 수채는 구아슈(구아쉬)라고 불리며, 기법상으로도 다른 발전을 해왔지만, 병용하는 것은 드물지 않다. 상업 미술용 포스터 컬러나 일본의 학생용 수채 물감도 불투명 수채에 분류되지만, 이들은 작품의 장기 보존을 고려한 전문가용 물감과는 달리 더 저렴한 안료, 체질 안료, 아라비아 검의 대체물인 덱스트린을 많이 사용한다.[82] 또한 일본의 학생용 수채 물감은 진하게 사용하면 불투명하고 묽게 사용하면 투명성을 나타내는 중간적인 성질로 조정되어 있으며, '''반투명 수채 물감'''이라고도 불린다.[86]
수채화의 보존성은 물감뿐만 아니라 지지체와 액자를 포함하여 고려되어야 하지만,[87] 수채화의 내광성은 결코 높지 않으며, 미술관 전시에서는 50룩스·3000시간/년 정도의 제한 조도가 권장된다(유화는 150-200룩스·3000시간/년 정도).[88] 전문가용 물감에서는 색상별 사용 안료와 내광성 등급의 표시가 관례이며, ASTM D5067／D5724에는 품질·표시 기준이 정해져 있다.[89] 수채 물감에 사용되는 안료는 광물 등을 원료로 하는 무기 안료와 석유 등 유기 화합물을 원료로 하는 유기 안료로 크게 나뉘며, 일반적으로 유기 안료의 내광성은 떨어지는 경향이 있다.[90][91][92] 그러나 전통적인 무기 안료에는 중금속을 포함하는 것이 많기 때문에(#주의사항 참조), 고내구성을 갖춘 새로운 고급 유기 안료의 이용·개발이 진행되고 있다. 또한 퇴색의 원인이 되는 산 등의 오염 가스에 대해서는 바인더인 아라비아 검이 어느 정도의 보호 효과가 있다고 생각된다.[93]
제조업체에 따라 물감 입자가 거칠거나 고운 것, 같은 색 이름이라도 흄이나 친트(대체 안료)를 중심으로 안료가 다르거나,[94] 색상도 다르고,[95] 내광성이나 발색성 등 특징이 있으며, 용도에 따라 다양한 제조업체의 제품을 사용하는 경우도 있다.
국내 제조업체로는 홀베인, 쿠사카베, 춘장화구[96], 마치[97], 터너, 테라시화학공업 등의 화구 전문 제조업체 외에 대형 문구 제조업체인 사쿠라 크레파스, 펜텔도 제조·판매하고 있다.
해외 제조업체로는 윈저 앤 뉴턴(Winsor & Newton), 슈민케, 다니엘 스미스(Daniel Smith), 펠리칸 등이 알려져 있다.
3. 1. 2. 붓
수채화 붓에 사용되는 짐승의 털 종류는 족제비나 다람쥐, 소, 말, 돼지 등이 있으며, 그 외 소재로는 나일론 제품 등 다수가 있다. 최근에는 나일론에 특수한 가공을 하여 동물의 털에 가깝게 만든 것도 판매되고 있다. 특히 족제비나 다람쥐 털을 사용한 붓이 적합하다고 여겨진다. 족제비나 담비의 털 중 최고급을 콜린스키라고 부른다. 비용 대비 효과가 높다고는 할 수 없지만, 훌륭한 효과를 낸다. 프랑스의 "라파엘"(Raphaël)이나 영국의 윈저 뉴턴 시리즈 7 등의 평가가 높다. 짧은 자루의 붓이 "수채화용"으로 판매되고 있지만, 제작 현장에서는 긴 자루의 붓이 사용되는 경우도 있다. 유화붓 중에서도 수채화에 적합한 것이 있다. 다만 유화붓 중에서도 돼지털은 뻣뻣하고 탄력이 있어 종이를 손상시킬 위험이 있으므로 사용을 피하는 것이 좋다. 하지만 돼지털 수채화붓도 존재하며, 표현 기법에 따라 그렇지 않은 경우도 있다. 몽구스 붓을 사용하는 사람도 있지만, 돼지털보다는 부드럽더라도 사용은 피하는 것이 좋다.
3. 1. 3. 종이
수채화에 사용하는 종이는 일반적으로 수채화 용지라고 불리는 전용 용지를 사용한다. 불투명 수채화에서는 제도용 켄트지도 사용된다. 극단적인 예로는 흡수성이 좋은 종이로 수묵화처럼 그릴 수 있는 종이도 있다. 수채화 기법에서는 미묘한 번짐을 위해, 그림을 그리기 전에 종이를 적시는 경우도 있다. 그 외에 캔버스에 수張り한 것, 블록 형태의 것, 보드 형태의 것 등이 사용된다. 얇은 용지는 뒤틀려서 그리기 어려운 경우가 있으므로, 300g 정도의 두꺼운 종이를 사용하는 것이 좋다. 아르쉬(Arches), 워터포드(Waterford), 스트라스모어(Strathmore), 랭턴(Langton), 왓슨(Whatman) 등이 알려져 있다.
원료는 목화(면]),
3. 1. 4. 기타
; 팔레트[98]
: 물감을 놓고, 또 혼합하는 도구이다. 수채화용 팔레트는 물감이 흘러나오지 않을 정도의 깊이와 칸막이를 가지고 있다. 練り絵具(練り絵の具, 튜브형 물감)를 놓는 것, 고체 물감 용기를 놓는 것, 포스터 컬러에 적합한 디자인 팔레트 등이 있다. 일본화용 평접시·매접시도 사용된다. 범용 접시나 트레이 등으로 대체할 수 있다.
; 붓통[99]
: 붓에 물을 보충하거나, 붓을 씻는 물통이다. 일반적으로 여러 개의 통을 갖추고 있어, 씻는 물과 깨끗한 물을 구분하여 사용할 수 있다. 범용 바구니나 넓은 입구 병 등으로 대체할 수 있다.
; 스펀지[100]
: 리프팅(색 빼기)이나 수분 조절, 넓은 면의 도포 등에 사용한다. 천이나 위생용 종이 등으로 대체할 수 있다.
; 화판
: 스케치 등의 경우 받침대로 사용하는 판이다. 수장하여 목재 패널을 사용하기도 한다.
; 연필
: 경도는 다양하다. 밑그림이나 주선을 넣는 데 사용하는 사람도 있다. 종이의 표면을 손상시키지 않도록 반죽 지우개를 사용한다.
; 긁기 막대
: 긁기 자를 사용하여 선을 그을 때 사용된다.
; 메디엄
: 물감에 첨가하여 성질을 바꾸는 약품이다. 물감의 퍼짐을 좋게 하는 옥스골(계면활성제)이나, 투명성·광택을 높이는 아라비아 고무 용액, 반짝임을 주는 이리데센트 메디엄(운모와 아라비아 고무 용액의 혼합물) 등이 있다.
; 마스킹액
: 나중에 칠할 부분, 번짐을 싫어하는 부분, 원래 칠하지 않을 부분에 색을 막는 데 사용한다. 크레파스나 양초, 아라비아 고무를 이용하는 사람도 있지만, 크레파스·양초는 영구적인 마스킹, 아라비아 고무는 미묘한 번짐 등 장단점이 있다.[101]
; 칼, 줄, 주걱 등
: 긁어내거나 파내는 데 이용한다.[101] 손톱이나 붓의 자루도 사용된다.[112][102]
3. 2. 기법
수채화는 투명 기법과 불투명 기법(구아슈)으로 나뉘며, 화가에 따라 사용 방식과 병용 정도가 다르다.[104] 투명 기법은 워시를 기본으로 하여 덧칠을 통해 색이 깊어지는 중첩 효과를 이용하며, 흰색이나 연한 색은 종이 색을 활용하여 표현한다.[104] 로렌스 알마-타데마는 흰색 물감을 사용하지 않는 순수한 투명 수채화를 지향했다.[103] 불투명 기법(구아슈)은 은폐력이 있는 색으로 칠하며, 모든 색이 안료 자체의 색으로 표현될 수 있다.[105] 구아슈는 투명 기법에 비해 수정이 용이하며, 색종이나 유화용 붓이 사용되기도 한다.[106]
수채화는 종이에 따라서도 질감이 크게 달라진다.[101] 워시 기법에서는 수분이 많고 유동성이 있는 안료를 사용하지만, 종이가 이를 제어하는 데 영향을 미친다.[101] 거친 종이는 안료가 요철에 남아 입체감 있는 효과를 내기 쉽고,[107][108] 사이징(번짐 방지)이 강한 종이는 마르는 시간이 길어져 작업에 여유가 생기며, 발색이 선명해진다.
주요 기법은 다음과 같다:[109][110][111]
이 외에도 다양한 기법이 존재하며, 수채화는 주변의 물건이 안료가 될 수 있다는 특징을 가진다.[101]
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4. 주의사항
물감은 기본적으로 인체에 사용해서는 안 되며, 특히 붓 끝을 핥아서 적시는 행위는 피해야 한다. 카드뮴계(카드뮴 옐로우 등), 코발트계(코발트 바이올렛 등), 크롬계(크롬 옐로우 등), 바륨계(크롬산바륨(레몬 옐로우) 등), 수은계(주사(버밀리온) 등) 안료를 사용한 물감은 중금속을 포함하고 있어 독성이 있으므로 주의해야 한다. 다만, 최근 외국산 안료에서는 안료 순도가 저하되어 상대적으로 독성도 저하된 카드뮴 안료나, 유해 물질을 상당히 줄이는 데 성공한 코발트 안료 등이 등장하였고, 안전하고 고품질의 새로운 안료가 개발되어 기존의 유해한 안료를 대체하는 등 안전성이 향상되고 있다. 방부제로 페놀 등의 유해 물질이 사용되어 왔는데, 페놀은 공기 중에 방산되는 휘발성 유기 화합물(VOC)로, 독특한 자극적인 냄새와 점막·피부에 대한 자극성이 있으므로 충분한 환기가 바람직하다. 냄새가 없는 제품을 위해 대체도 진행되고 있다.
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