극작가
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1. 개요
극작가는 연극, 뮤지컬, 영화, 텔레비전 드라마 등을 위해 희곡을 쓰는 작가를 의미한다. 고대 그리스 시대부터 극작은 존재했으며, 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스, 아리스토파네스와 같은 극작가들이 다양한 형식을 확립했다. 중세 시대에는 세속극이 발달했고, 르네상스 시대에는 신고전주의의 영향으로 극작에 대한 새로운 기준이 제시되었다. 현대에는 극장 관객 감소와 예술 재정 지원의 어려움 속에서도 극작가들은 다양한 형태로 활동하며, 콜드 리딩과 극작가 협동조합 등을 통해 작품을 개발하고 있다.
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극작가 | |
---|---|
역할 | |
직업 | 연극을 쓰는 사람 |
관련 직업 | 극작가, 시나리오 작가 |
설명 | |
정의 | 연극을 쓰는 사람 |
분야 | 문학 및 공연 예술 |
활동 | 희곡 창작 극본 집필 연극 관련 창작 활동 |
기타 | |
영문 표기 | playwright |
관련 어휘 | 극작가 극본 희곡 |
2. 어원
"play"라는 단어는 중세 영어 pleye|플레이enm에서 유래했으며, 고대 영어 plæġ, pleġa, plæġa|플레이, 플레가, 플래가ang("놀이, 운동; 스포츠, 게임; 극, 박수갈채")에서 비롯되었다.[1] "wright"라는 단어는 장인이나 건축가를 뜻하는 고풍스러운 영어 용어이다 (수레바퀴 제작자(wheelwright)나 수레 제작자(cartwright)처럼).[2] 이 두 단어가 결합하여 극적인 형태로 단어, 주제 및 기타 요소를 "만든" 사람, 즉 극작가를 나타낸다. ("write"와의 동음이의는 우연의 일치이다.)
서양 문학에서 오늘날까지 전해지는 가장 오래된 극작가들은 고대 그리스의 극작가들이다. 이들은 기원전 5세기경 아테네에서 매년 열렸던 극작가 경연을 위해 희곡을 썼다.[36] 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스, 아리스토파네스와 같은 유명한 극작가들은 오늘날에도 계승되고 있는 여러 형식들을 확립했다.
"playwright"라는 용어의 최초 기록은 1605년으로 거슬러 올라간다.[3] 이는 "dramatist"라는 용어의 최초 기록보다 73년 앞선다.[4] 이 용어는 처음에는 벤 존슨[5]이 극장을 위한 작품을 만드는 단순한 장인을 암시하는 경멸적인 의미로 사용한 것으로 보인다.
존슨은 그의 짧은시 49편에서 이 단어를 사용하는데, 이는 존 마스턴[6] 또는 토마스 데커[7]를 가리키는 것으로 여겨진다.
:''짧은시 XLIX — 극작가에 대하여''
:극작가는 내 글을 읽고, 늘 내 시를 헐뜯네,
:그는 내게 짧은시의 재주가 없다고 하네 ;
:나는 맛도, 음탕함도 없다고 하네 ;
:그의 말로는, 재치 있는 것은 음란한 것이네.
:극작가여, 내 순수한 책에 네 행실이 알려지는 것을 싫어하네 ;
:나는 네 자신의 책에서 그것을 고백하네.
존슨은 당시 희곡이 운율로 쓰였고 따라서 시인의 영역으로 간주되었기 때문에 자신을 시인이지 극작가라고 칭했다. 이러한 견해는 19세기 초까지 유지되었다. 이후 "playwright"라는 용어는 이러한 부정적인 의미를 잃었다.
3. 역사
3. 1. 고대
서구 문학에서 기록이 남아 있는 가장 초기 희곡 작가들은 고대 그리스인들이다. 이 초기 희곡들은 기원전 5세기경에 열린 극작가들 간의 연례 아테네 경연을 위해 쓰여졌다.[8] 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스, 아리스토파네스와 같은 유명한 작가들은 현대의 작가들이 여전히 의존하는 형식들을 확립했다. 아테네 비극의 기원은 불분명하지만, 5세기가 되면 디오니소스를 기념하는 축제의 일부로 열리는 경연(아곤)에서 제도화되었다.[10] 디오니시아 축제 경연의 참가자로서 극작가들은 일반적으로 세 편의 비극과 한 편의 사티로스극으로 구성된 4부작을 발표해야 했다.[11]
고대 그리스인들에게 극작은 '포이에시스', 즉 "만드는 행위"를 의미했다. 이것이 영어 단어 "poet"(시인)의 어원이다.
아리스토텔레스는 그의 저서 『시학』에서 비극의 기본으로서 행위 또는 '프락시스'(praxis)의 원리를 분석했다.[15] 그는 이어서 플롯, 등장인물('에토스'), 사상('디아노이아'), 어법('렉시스'), 음악('멜로디아'), 그리고 볼거리(''opsis'')와 같은 극의 요소들을 고려했다.[15] 그는 주인공 또는 주인공의 판단 오류인 하마르티아 또는 비극적 결함이라는 개념을 발전시켰는데, 이는 "갈등 중심적" 연극의 기초를 제공한다.[15]
서구 세계 밖에는 인도 고전 연극이 있으며, 가장 오래된 것으로 알려진 극작가 중 한 명은 수드라카로, 그의 작품은 기원전 2세기로 거슬러 올라갈 수 있다.[13]
3. 2. 중세
중세 시대에는 수많은 세속극이 공연되었는데, 그중 가장 초기의 작품은 1276년 아담 드 라 알레의 『그린우드의 연극』이다. 이 작품에는 풍자적인 장면과 요정 및 초자연적인 사건 등 민속적인 소재가 포함되어 있다.[16] 13세기 이후로는 희극(Farce)의 인기가 급격히 높아졌다. 이러한 희극의 대부분은 프랑스와 독일에서 나왔으며, 성과 신체 배설물을 강조하는 등 유사한 어조와 형식을 취하고 있다.[16]
희극 작가 중 가장 잘 알려진 인물은 198편의 희곡을 쓴 한스 자크이다. 잉글랜드에서는 웨이크필드 순회극의 『두 목자의 연극』이 가장 잘 알려진 초기 희극이다. 그러나 희극은 존 헤이우드의 작품을 통해 16세기가 되어서야 잉글랜드에 독자적으로 등장하였다.
윌리엄 셰익스피어는 영어권에서 가장 영향력 있는 작가로 여겨지며, 그의 작품은 계속해서 연구되고 재해석되고 있다. 당시 대부분의 극작가들은 어느 시점에서 다른 작가들과 협업했는데, 비평가들은 셰익스피어도 주로 경력 초창기와 말기에 협업했다는 데 동의한다.[17] 그의 희곡들은 모든 주요 현대 언어로 번역되었고(번역 목록), 다른 어떤 극작가의 희곡보다 더 자주 공연된다.[18]
3. 3. 르네상스 및 신고전주의
이탈리아 르네상스는 15세기 후반에 오랫동안 잊혀졌던 아리스토텔레스의 작품이 세상에 알려지면서 아리스토텔레스에 대한 더욱 엄격한 해석을 가져왔다. 17세기 프랑스에서 절정에 달했던 신고전주의 이상은 행위, 장소, 시간의 세 일치(unities)에 중점을 두었다. 즉, 극작가는 극의 "가상" 시간이 24시간을 초과하지 않고, 단일 배경으로 제한되며, 부차적인 줄거리가 없도록 극을 구성해야 했다. 진실성(verisimilitude)과 예의범절(decorum)과 같은 다른 용어들은 주제를 상당히 제약했다. 예를 들어, 진실성은 세 일치의 한계를 정한다. 예의범절은 무대에서 행동과 언어에 대한 적절한 규칙을 적용했다.[22]
프랑스에서는 너무 많은 사건과 행위가 포함되어 시간의 일치라는 24시간 제한을 위반했다. 신고전주의는 영국에서는 그다지 영향력이 없었고, 셰익스피어의 희곡은 이러한 모델과 정반대인 반면, 이탈리아에서는 즉흥적이고 음탕한 코메디아 델라르테와 오페라가 더 인기 있는 형태였다.
오늘날에도 극작가들에게 유용한 구조적 단위 중 하나는 "프랑스식 장면"인데, 이는 극에서 조명이 켜지거나 꺼지거나 무대가 바뀌는 것이 아니라 무대 위 배우들의 구성이 바뀌는 것으로 시작과 끝이 표시되는 장면을 말한다.[22]
1660년 잉글랜드에서는 국왕정치 복고와 국왕정치 중간기 이후 신고전주의 극작술로 전환이 있었다. 1660년 왕정 복고부터 17세기 말까지 고전적인 사상이 유행하였다. 그 결과 당시 비평가들은 대부분 셰익스피어를 존 플레처와 벤 존슨보다 낮게 평가하였다.[19] 이 시대에 최초의 여성 전문 극작가인 아프라 벤이 등장하였다.
주목할 만한 극작가는 다음과 같다.
3. 4. 근대
이탈리아 르네상스는 15세기 후반에 오랫동안 잊혀졌던 아리스토텔레스의 작품이 세상에 알려지면서 아리스토텔레스에 대한 더욱 엄격한 해석을 가져왔다. 17세기 프랑스에서 절정에 달했던 신고전주의 이상은 행위, 장소, 시간의 세 일치(unities)에 중점을 두었다. 즉, 극작가는 극의 "가상" 시간이 24시간을 초과하지 않고, 단일 배경으로 제한되며, 부차적인 줄거리가 없도록 극을 구성해야 했다.[22] 진실성(verisimilitude)과 예의범절(decorum)과 같은 다른 용어들은 주제를 상당히 제약했다. 예를 들어, 진실성은 세 일치의 한계를 정한다. 예의범절은 무대에서 행동과 언어에 대한 적절한 규칙을 적용했다.
프랑스에서는 너무 많은 사건과 행위가 포함되어 시간의 일치라는 24시간 제한을 위반했다. 신고전주의는 영국에서는 그다지 영향력이 없었고, 셰익스피어의 희곡은 이러한 모델과 정반대인 반면, 이탈리아에서는 즉흥적이고 음탕한 코메디아 델라르테와 오페라가 더 인기 있는 형태였다.
오늘날에도 극작가들에게 유용한 구조적 단위 중 하나는 "프랑스식 장면"인데, 이는 극에서 조명이 켜지거나 꺼지거나 무대가 바뀌는 것이 아니라 무대 위 배우들의 구성이 바뀌는 것으로 시작과 끝이 표시되는 장면을 말한다.[22]
주목할 만한 극작가들은 다음과 같다.
크레타 섬에서는 그리스 극이 활기차게 번영하고 있었다. 크레타 르네상스 시대인 16세기 후반에는 주목할 만한 그리스 극작가인 게오르기오스 호르차치스와 비첸조스 코르나로스가 활동했다.[23]
3. 5. 현대
미국의 현대 극작가들은 극장 관객 감소의 영향을 받고 있다.[25] 극장이 더 이상 진지한 드라마나 재미있는 코미디의 유일한 통로가 아니게 되면서, 티켓 판매를 수입원으로 삼아야 했고, 이로 인해 많은 극장에서 새로운 작품 제작 수를 줄였다. 예를 들어, 플레이라이트 호라이즌스는 1973-74 시즌에는 31편의 연극을 제작했지만, 2002-03 시즌에는 6편만 제작했다.[26] 극작가들은 일반적으로 자신의 작품을 제작하는 데 어려움을 겪고 있으며, 연극만으로 생계를 유지할 수 없어 다른 직업을 갖는 경우가 많다.[27]
많은 극작가들은 영화 제작자이기도 하다. 예를 들어, 영화 제작자 모건 스퍼락은 극작가로 경력을 시작하여 1999년 뉴욕 국제 프린지 페스티벌과 2000년 루트 66 미국 희곡 경연 대회에서 그의 연극 ''피닉스''로 상을 수상했다.[28] 현대 미국의 극작가들은 명성이나 문화적 지위 면에서 과거 선배들에 필적할 만한 수준에 이르지 못하는 경우가 많다. 더 이상 연극은 심각한 드라마나 즐길 수 있는 코미디를 관객에게 제공하는 유일한 수단이 아니며, 영화, 텔레비전, 인터넷과 관객을 놓고 경쟁해야 한다. 게다가 미국에서 예술에 대한 재정 지원의 심각한 상황과 비영리 단체가 운영하는 극장에 의존하여 티켓 판매 수익으로 생계를 유지해야 하는 현실은 많은 극작가들에게 새로운 작품을 만들기 어려운 상황을 초래하고 있다. 예를 들어, 뉴욕의 오프브로드웨이에 있는 비영리 극장 Playwrights Horizons는 1973년-1974년 시즌에는 31편의 연극을 공연했지만, 2002년-2003년 시즌에는 6편만 공연할 수 있었다.[37]
하지만 가장 성공한 극작가들은 연극계에서 높은 지위를 차지하는 경우가 많다. 이는 할리우드 등 영화계에서 각본가가 차지하는 지위와는 대조적이다. 미국극작가협회는 극작가가 연극 상연에 대한 결정권을 가지고 있다고 주장한다. 영화에서는 이와는 대조적으로 감독이 "작가"로서 자유롭게 각본을 변경할 수 있다.
아가사 크리스티는 살인 미스터리 연극인 ''쥐덫''을 썼는데, 이 연극은 웨스트엔드에서 가장 오랫동안 공연된 작품이며, 2024년 2월 기준으로 29,500회 공연을 기록하며 세계에서 가장 오랫동안 공연된 연극이다.[24]
4. 한국의 극작가
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5. 극작가의 역할과 권리
하지만 가장 성공한 극작가들은 연극계에서 높은 지위를 차지하는 경우가 많다. 이것은 할리우드 등 영화계에서 각본가가 차지하는 지위와는 대조적이다. 미국 극작가 협회(Dramatists Guild of America|드라마티스트 길드 오브 아메리카영어)는 극작가가 연극 상연에 대한 결정권을 가지고 있다고 주장한다. 영화에서는 이와는 대조적으로 감독이 "작가"로서 자유롭게 각본을 변경할 수 있다.[37]
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