짐 다인
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1. 개요
짐 다인은 미국의 화가, 조각가, 판화가, 시인, 무대 디자이너로, 1950년대 후반 해프닝을 통해 미술계에 등장하여 팝 아트와 연결되었으나, 주관적인 표현에 집중하며 팝 아트와 거리를 두었다. 그는 개인적인 경험을 반영한 일상적인 사물을 활용하여 자화상, 하트, 피노키오, 고대 조각상, 도구 등 다양한 모티프를 발전시켰다. 다인은 다양한 예술가 및 기관과의 협업을 통해 작품 활동을 이어가고 있으며, 드로잉, 조각, 판화, 시 낭독 등 다방면에서 활동하며 주요 미술관에 작품이 소장되어 있다.
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| 짐 다인 - [인물]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
 | |
| 본명 | 제임스 루이스 다인 |
| 출생 | 1935년 6월 16일 |
| 출생지 | 미국 오하이오주 신시내티 |
| 국적 | 미국 |
| 배우자 | 낸시 리 민토 |
| 직업 | |
| 분야 | 회화 드로잉 조각 판화 사진 해프닝 아상블라주 시 |
| 교육 | |
| 학력 | 오하이오 대학교 신시내티 대학교 |
2. 초기 생애 및 교육
다인은 1952년 16세에 월넛 힐스 고등학교를 다니면서 신시내티 미술 아카데미 야간 강좌에 등록하여 처음으로 정규 미술 교육을 받았다.[8][9] 그는 고등학교에서 적절한 미술 교육을 받지 못해 예술적 표현 욕구를 충족시키기 위해 이 길을 선택했다.[10] 1954년에는 파울 J. 삭스의 『현대 판화와 드로잉』(1954)을 보고 독일 표현주의 목판화, 특히 에른스트 루트비히 키르히너, 에밀 놀데, 막스 베크만의 작품에 큰 감명을 받아 외조부모의 지하실에서 목판화를 제작하기 시작했다.[11]
1960년대 초, 다인은 일상용품을 소재로 한 팝 아트 작품을 통해 비평적, 상업적 성공을 거두었지만, 이에 만족하지 않았다. 1967년 그는 화상 로버트 프레이저의 지원을 받아 런던으로 이주하여 4년간 자신의 예술을 발전시켰다. 1971년 미국으로 돌아온 후에는 소묘 시리즈에 집중했으며, 1980년대에는 조각이 그의 작품 세계에서 중심적인 위치를 차지하게 되었다. 이후 다인의 작품은 인공물에서 자연물로 그 주제가 변화해 갔다.
고등학교 졸업 후 신시내티 대학교에 입학했지만, 미술 학교가 아닌 디자인 학교라는 점에 만족하지 못하고 반년 만에 그만두었다.[12] 1955년, 오하이오 대학교에서 연극을 전공하던 친구의 추천으로 오하이오 대학교에 입학하여, 예술가로서 성장할 수 있는 자유로운 분위기에 매료되었다.[12] 그곳에서 판화 교사 도널드 로버츠 (1923–2015)에게 석판화, 에칭, 인타글리오, 드라이 페인트 및 목판화를 배웠다.[8] 이후 보스턴 미술관 미술 학교에서 투레 벵츠에게 6개월 동안 가르침을 받은 후, 오하이오 대학교로 돌아와 1957년에 미술 학사 학위를 받았다.[8]
오하이오주 신시내티 출신으로, 신시내티 대학교를 거쳐 1957년 오하이오 대학교에서 미술 학사 학위를 취득했다.
3. 경력
록 뮤지컬 『헤어』의 작가 제임스 라도 (제롬 라그니와 공동 집필)는 『헤어』라는 제목이 다인의 작품 『Hair』에서 영감을 받은 것이라고 밝혔다.
1984년 미네소타주미니애폴리스의 워커 아트 센터에서 "Jim Dine: Five Themes" 전시회가 개최되었고, 1989년에는 미니애폴리스 미술관에서 "Jim Dine Drawings: 1973-1987"이 열렸다. 2004년 워싱턴의 내셔널 갤러리는 "짐 다인의 드로잉" 전시회를 개최했다. 2007년 여름, 다인은 시카고에서 열린 공공 미술 전시회 "쿨 글로브: 더 시원한 지구를 위한 뜨거운 아이디어"에 참여했다. 그는 "나에게 드로잉은 전부입니다. 모든 것을 알려주기 때문입니다. 나의 시조차도 알려줍니다. 그것이 내가 모든 것을 시작하는 방식입니다."라고 말했다.[50]
2008년 5월 16일, 다인의 신작 '보로스로 걷다'가 공개되었다. 스웨덴 보로스에 전시된 이 작품은 9m 높이의 청동상으로, 걷는 피노키오를 묘사하고 있다.[51] 다인은 이전에 피노키오를 주제로 한 서적, 회화, 조각을 발표한 바 있다. 그는 "소년이 되는 말하는 나무라는 개념은 미술의 메타포와 같은 것으로, 궁극의 연금술적 변신이다"라고 말했다.[50]
3. 1. 초기 경력과 해프닝
1958년 다인은 뉴욕으로 이주하여 로즈 스쿨에서 가르쳤다.[13] 같은 해 그는 클래스 올덴버그와 마커스 래틀리프와 함께 그리니치 빌리지의 Judson 교회에 Judson 갤러리를 설립했고, 앨런 캐프로와 밥 휘트먼을 만나 함께 해프닝과 퍼포먼스의 개척자가 되었다. 1959년 다인의 ''The Smiling Workman''을 포함하여 여러 해프닝이 있었다.[14] 다인의 첫 번째 전시는 Reuben 갤러리에서 열렸으며, 그는 정교한 퍼포먼스 ''Car Crash''(1960)를 무대에 올렸는데,[14] 그는 이를 "동물 으르렁거림과 나의 울부짖음과 함께, 거대한 백색 비너스가 말하는 소리와 단어들의 혼돈"이라고 묘사했다.[15] 또 다른 중요한 초기 작품은 Judson 갤러리에 설치된, 발견된 물건과 거리의 잔해를 포함하는 환경 작품인 ''The House''(1960)였다.[16]
다인은 자신의 작품에 일상적인 물건(개인 소지품 포함)을 계속 포함시켰고,[3] 이는 그를 팝 아트와 연결시켰다. 이러한 연관성은 월터 홉스가 큐레이팅하고, 후에 미국 팝 아트의 첫 번째 기관 조사로 언급된 파사데나 미술관에서 열린 영향력 있는 1962년 전시 "New Painting of Common Objects"에 그의 작품이 포함되면서 더욱 강화되었다. 이 전시에는 로버트 다우드, 조 구드, 필립 헤퍼턴, 로이 리히텐슈타인, 에드워드 루샤, 웨인 티보 및 앤디 워홀의 작품도 포함되었다.[17][18] 그러나 다인은 팝 아트와 지속적으로 거리를 두었다. "나는 팝 아티스트가 아닙니다. 나는 너무 주관적이기 때문에 이 운동의 일부가 아닙니다. 팝은 외부에 관심이 있습니다. 나는 내부에 관심이 있습니다. 나는 물건을 사용할 때, 그것들을 감정의 어휘로 봅니다. […] 내 작품에서 내가 하려고 하는 것은 육체적인 측면에서 나 자신을 탐구하는 것입니다. 즉, 나의 감성을 통해 무언가를 설명하는 것입니다."라고 다인은 말했다.[19]
오하이오주 신시내티 출생. 신시내티 대학교에 진학하여, 1957년에는 오하이오 대학교에서 미술 학사(BFA) 학위를 취득했다. 다인은 그가 참여한 "해프닝"으로 처음 미술계의 찬사를 받았다. 클래스 올덴버그, 앨런 캐프로에 의해 창시되었고, 음악가 존 케이지도 연계한 "해프닝"은 뉴욕 미술계에서 인기가 있던 추상표현주의자들의 무거운 분위기와 완전히 대조되는 혼돈스러운 퍼포먼스였다.
3. 2. 팝 아트와의 관계
다인은 자신의 작품에 일상적인 물건(개인 소지품 포함)을 포함시켜 팝 아트와 연결되었다.[3] 1962년 월터 홉스가 기획하고 노턴 사이먼 미술관에서 열린 "New Painting of Common Objects" 전시는 미국 팝 아트의 첫 번째 기관 조사로 평가받는데, 이 전시에 다인의 작품이 포함되면서 팝 아트와의 연관성이 더욱 강화되었다. 이 전시에는 로버트 다우드, 조 구드, 필립 헤퍼턴, 로이 리히텐슈타인, 에드워드 루샤, 웨인 티보, 앤디 워홀의 작품도 포함되었다.[17][18]
그러나 다인은 팝 아트와 거리를 두었다. 그는 "나는 팝 아티스트가 아닙니다. 나는 너무 주관적이기 때문에 이 운동의 일부가 아닙니다. 팝은 외부에 관심이 있습니다. 나는 내부에 관심이 있습니다. 나는 물건을 사용할 때, 그것들을 감정의 어휘로 봅니다. […] 내 작품에서 내가 하려고 하는 것은 육체적인 측면에서 나 자신을 탐구하는 것입니다. 즉, 나의 감성을 통해 무언가를 설명하는 것입니다."라고 말했다.[19] 1960년대 초, 다인은 일상생활의 아이템으로 팝 아트를 만들었지만, 상업적 성공에도 불구하고 이에 만족하지 않았다.
3. 3. 다양한 모티프의 발전
1960년대 초부터 짐 다인은 다양한 형태와 매체를 통해 자신의 자아를 탐구해왔다. 그는 런던(1968–71), 버몬트 주 푸트니 (1971–85), 워싱턴 주 왈라왈라 (1983년부터), 파리 (2001년부터), 슈타이들의 건물에 인접한 스튜디오가 있는 괴팅겐 (2007년부터) 등 다양한 작업 공간에서 일하며 일련의 모티프들을 다듬어왔다.[20]
다인은 1964년 "자화상을 그리는 것은 유행이 아니었던" 시대에 새로운 형태의 자화상을 찾던 중 처음으로 목욕 가운을 묘사했다.[21] 그는 이로써 자신의 얼굴을 표현하지 않는 접근 방식을 고안했다.[22] 다인은 이후 ''뉴욕 타임스 매거진''의 광고에서 목욕 가운 이미지를 보고 이를 대리 자화상으로 채택했으며, 이후 다양한 정도의 사실주의와 표현주의로 이를 묘사했다.
1965–66년 샌프란시스코 액터스 워크숍에서 윌리엄 셰익스피어의 ''한여름 밤의 꿈''을 제작할 때, 다인은 퍽의 캐릭터 위에 걸린 붉은 새틴으로 채워진 커다란 하트 형태로 이 모티프를 처음 표현했다. 그는 이 작품의 세트 디자인을 맡았는데, 그가 이 모티프를 처음 접하게 된 것은 학생 시절에 본 흰색 배경에 그려진 일련의 붉은 하트였다.[23] 시간이 지나면서 하트는 다인에게 "페인트를 칠할 수 있는 보편적인 상징"이 되었고, "자연에서 찾을 수 있는 지리적으로 훌륭한 구조물이 되었다. 일종의 풍경이고 그 풍경 안에서 나는 무엇이든 키울 수 있었고, 그렇게 했다고 생각한다"라고 말했다.[24] 하트의 형식적인 단순함은 그가 전적으로 자신의 것으로 주장할 수 있는 대상, 즉 끊임없이 변화하는 자아를 투영할 수 있는 빈 용기로 만들었다. 사랑의 보편적인 상징으로서의 하트의 지위는 창작 행위에 대한 다인의 헌신을 더욱 반영한다. "…내가 사랑했던 것은 내가 이 하트, 즉 이 예술을 만들기 위해 여기 있다는 사실이었다. 이 방식, 이 예술 행위에는 비슷한 사랑의 감각이 있다…"[25]
"이 꼭두각시를 생명으로 탄생시키려는 시도는 훌륭한 이야기입니다. 그것은 당신이 어떻게 예술을 만드는가에 대한 이야기입니다." - 짐 다인.[26] 다인이 카를로 콜로디의 ''피노키오의 모험'' (1883)에 나오는 소년 주인공 피노키오 캐릭터에 매료된 것은 어린 시절, 여섯 살 때 어머니와 함께 월트 디즈니의 애니메이션 영화 ''피노키오'' (1940)를 보면서 시작되었다. "그것은 영원히 내 마음을 사로잡았습니다!"[27] 1964년 다인이 도구를 사다가 피노키오의 정교한 인형을 발견하면서 이러한 형성적 경험은 더욱 깊어졌다. "그것은 손으로 칠해졌고, 종이 반죽 머리와 아름다운 작은 옷, 관절이 움직이는 팔다리가 있었습니다. 나는 그것을 집에 가져와서 25년 동안 선반에 두었습니다. 그것으로 아무것도 하지 않았습니다. 무엇을 해야 할지 몰랐지만 항상 나와 함께 있었습니다. 이사를 갈 때마다 그것을 가져다가 책장에 두거나 서랍에 넣어 꺼내 놀곤 했습니다."[28] 1990년대에 이르러서야 다인은 자신의 예술 작품에 피노키오를 묘사하기 시작했는데, 처음에는 이부작으로 표현했으며, 그 다음 피노키오는 1997년 베네치아 비엔날레와 시카고의 리처드 그레이 갤러리 전시회에서 선보였다.[26] 그 이후 주목할 만한 묘사로는 2006년 파리의 아틀리에 마이클 울워스에서 인쇄된 41개의 컬러 석판화,[29] 콜로디의 텍스트와 다인의 삽화를 결합한 책 ''피노키오'' (슈타이들, 2006), 높이 9m의 기념비적인 청동 조각 두 점인 스웨덴 보라스의 ''보라스로 가는 길'' (2008)과 대한민국 부산의 ''부산 피노키오'' (2013), 그리고 신시내티 미술관에 있는 약 3.66m 크기의 청동 조각 ''피노키오 (감정)'' (2012) 등이 있다.[30] 최근 몇 년 동안 다인이 피노키오라는 캐릭터에 대해 스스로 동일시하는 대상은 소년 꼭두각시를 만드는 재능 있는 목각 장인 제페토로 바뀌었다.[31]
"나는 고대 세계에 대한 경외심을 가지고 있습니다. 즉, 그리스-로마 사회를 말하는 것이죠. 이것은 항상 저에게 흥미를 끌었고 그 결과물, 문학, 역사적 문학도 흥미롭습니다. 저는 제 방식대로 과거와 연결될 필요가 있습니다..." - 짐 다인.[32] 피노키오와 마찬가지로, 다인의 고대 조각에 대한 매료는 그의 어린 시절로 거슬러 올라간다. "저는 어린 시절부터 '고대'에 항상 관심이 많았습니다. 어머니가 저를 신시내티 미술관에 데려가셨는데, 그곳에 몇 점의 아름다운 조각들이 있었습니다."[33]
고대는 그의 초기 작품부터 존재해 왔다. 예를 들어, 시카고 미술 연구소 소장품인 ''무제 (날개 달린 니케 이후)'' (1959)는, 사모트라케의 니케 (기원전 200년경)에서 영감을 얻어, 발견된 램프 프레임에 걸린 칠해진 로브와 철사로 묶인 조각품으로 구성되어 있는데, 다인은 이를 "아웃사이더 아트와 거의 같다"고 묘사하며, 루벤 갤러리에서 처음 전시했다.[34] 그는 고대를 가장 자주 밀로의 비너스 (기원전 100년경)의 형상을 통해 표현하는데, 그는 파리에서 작은 석고상을 구입했다. 그는 처음에는 1970년대 정물화에 그 석고상을 포함시켰다. "하지만 나중에 머리를 떼어내고 제 것으로 만들었습니다."[35] 다인은 또한 특정 조각 컬렉션에서 영감을 받았다. 예를 들어, 1984년에 방문한 뮌헨 글립토테크에서 영감을 받아 일련의 석판화 준비를 위해 1987–88년에 제작된 40점의 "글립토텍 드로잉"이 있다.[36] 다인은 그 경험에 대해 "박물관 관장이 밤에 들어오게 해 주었고, 그래서 혼자 그림을 그리면서 그 작품들에 대해 명상할 수 있었습니다. 저는 역사 시대와 저 사이의 연결, 그리고 수세기 전에 이 조각들을 조각했던 익명의 사람들과의 소통을 느꼈습니다. 그것은 세대를 초월하여 손을 잡는 방법이었고, 제가 'tumbleweed'처럼 자란 것이 아니라 어딘가에서 왔다는 것을 느낄 수 있게 해주었습니다. 저는 전통에 속해 있었고 그것은 저에게 필요한 역사를 제공했습니다."라고 회상한다.[35]
고대를 통합한 중요한 최근 작품은 다인의 ''노래하는 시인 (꽃 피는 시트)''이다. 이 설치 작품은 고대 그리스 춤추는 여성 조각상에서 영감을 얻은 약 2.44m 높이의 나무 조각상으로 구성되어 있으며, 약 2.13m 높이의 작가의 자화상 머리 주위에 배치되어 있다. 이 모든 것은 "여행, 상실, 예술의 가능성에 대한 오르페우스적 주제"를 담은 광범위한 시로 벽에 새겨진 방 안에 설치되었다.[37] 원래 2008–09년에 로스앤젤레스의 게티 빌라, J. 폴 게티 박물관에서 전시되었고, 게티 컬렉션에 소장된 기원전 350–300년경의 ''앉아있는 시인과 사이렌의 조각 그룹 (2)과 연결되지 않은 단편적인 컬(304)''을 반영했다.[38] 다인은 이후 ''노래하는 시인 (꽃 피는 시트)''를 쿤스트하우스 괴팅겐 옆에 있는 특별히 지어진 짐 다인 파빌리온에 영구적이고 장소 특정적인 설치물로 업데이트했다.
"나는 이 물건들에 매료되는 것을 멈춘 적이 없다." — 짐 다인.[32] 피노키오와 고대 조각상과 마찬가지로, 도구는 다인의 어린 시절과 떼려야 뗄 수 없는 모티프이다. 그가 도구를 처음 접한 것은 어머니 쪽 할아버지 모리스 코헨을 통해서였다. 코헨은 신시내티에서 세이브 서플라이 컴퍼니(The Save Supply Company)라는 철물점을 운영했다. 다인은 소년 시절 3년 동안 코헨과 함께 살았고, 19세가 될 때까지 매일 그를 만났다.[39] 다인은 다양한 철물품 중 망치, 톱, 드릴, 스크루드라이버 등을 기억하며, 나중에는 코헨의 가게에서 토요일마다 일했다.[40]
다인은 도구의 실용적인 기능과 미적인 가능성에 모두 눈을 떴다. "나는 도자기 변기와 싱크대의 아름다운 에나멜을 존경했다. 다양한 색상의 전선 도관이 서로 나란히 롤로 놓여 있고, 꼬여 있는 방식에 감탄했다. 페인트 부서의 컬러 차트는 나에게 완벽하고 완벽한 보석 상자처럼 보였다."[41] 그는 "매우, 매우 아름다운" 깨끗한 흰색 페인트의 감각적인 영향을 떠올린다. "나는 그의 스크루드라이버를 꽂아 표면을 깨고 움직이면서 가지고 놀았다. 하얀 엿과 같았다. 아마씨 기름과 테레빈유의 엄청난 냄새가 났다."[12] 따라서 그는 도구를 "다른 어떤 물건만큼이나 신비롭고 흥미로운 물건"이라고 생각하며, "여기에는 귀족주의가 없다."라고 말한다.[42]
원재료가 예술로 변모하는 것을 상징하는 모티프로서, 도구는 다인의 작업에서 독특한 지위를 갖는다. "그의 손의 인공적인 연장으로, 특정 조건과 물체를 더 체계적으로 형성하고 만들 수 있게 해준다."[43] 또한 "'과거와 손에 대한 연결을 만들어주는 '주요 물체'"로서의 지위를 갖는다.[44] 다인 자신의 말에 따르면, 도구는 근본적으로 "작업'에 대한 은유"이다.[32]
다인은 초기 작품부터 실제 도구를 자신의 예술에 통합했다. 예를 들어, 도구가 부착된 그림인 ''빅 블랙 워크 월''(1961)과 도구 벨트를 착용한 세 개의 나무 비너스 조각상인 ''바람과 도구 (용어 해설)''(2009)이 있으며, 그림, 드로잉, 사진, 판화 등의 매체로 도구를 묘사하기도 했다.[45] 도구를 사용한 특별한 인쇄 시리즈로는 ''공산주의 역사''(2014)가 있는데, 다인은 베를린의 한 예술 아카데미에서 발견한 돌로 만든 석판화 위에 도구 모티프를 인쇄했다. 이 석판화는 독일 민주 공화국 학생들의 40년간의 작품을 보여준다.[46] 다인은 자신의 개인적인 도구 어휘를 겹쳐서 소련의 망치와 낫, 독일 민주 공화국의 호밀로 둘러싸인 망치와 컴퍼스와 같은 공산주의의 상징적인 도구와 관련을 맺고, 어떤 확실한 "진실"에 대한 주장을 뒤흔들며, "역사는 결코 일관된 서사가 아니며, 비록 이면의 동기를 가지고 그렇게 제시될 수 있지만, 오히려 단편적이고 다층적이며 다중적인 과정"임을 보여준다.[47]
3. 4. 후기 경력
1962년, 짐 다인의 작품은 로이 리히텐슈타인, 앤디 워홀, 로버트 다우드(Robert Dowd), 필립 헤퍼턴(Phillip Hefferton), 조 구드(Joe Goode), 에드 루셰, 웨인 티보(Wayne Thiebaud)의 작품과 함께, 월터 홉스(Walter Hopps)가 주재한 패서디나 미술관의 "New Painting of Common Objects"(New Painting of Common Objects) 전에 출품되었다. 이 전시는 미국 최초의 팝 아트 전시 중 하나로 평가받는다. 사회적 불안의 시기에 이 미술가들은 미국과 미술계에 충격을 주었고, 모던 아트를 팝 아트로 바꾸는 운동을 시작했다.
1960년대 초, 다인은 일상용품으로 팝 아트를 만들었다. 비평과 상업적 성공을 거두었지만, 다인은 만족하지 않았다. 1967년 화상로버트 프레이저(Robert Fraser)의 지원을 받아 런던으로 이주하여 4년간 자신의 예술을 발전시켰다. 1971년 미국으로 돌아와 소묘 시리즈에 집중했다. 1980년대에는 조각이 다인 작품의 중심이 되었다. 이후, 다인의 작품은 인공물에서 자연물로 이동해 갔다.
록 뮤지컬 『헤어』의 작가 제임스 라도 (제롬 라그니와 공동 집필)는 『헤어』라는 제목이 다인의 작품 『Hair』에서 따온 것이라고 밝혔다.
1984년 미네소타주미니애폴리스의 워커 아트 센터에서 "Jim Dine: Five Themes" 전시회가 열렸다. 1989년에는 미니애폴리스 미술관이 "Jim Dine Drawings: 1973-1987"을 주최했다. 2004년 워싱턴의 내셔널 갤러리는 "짐 다인의 드로잉" 전시회를 개최했다. 2007년 여름, 다인은 시카고에서 열린 공공 미술 전시회 "쿨 글로브: 더 시원한 지구를 위한 뜨거운 아이디어"에 참여했다. "나에게 드로잉은 전부입니다. 모든 것을 알려주기 때문입니다. 나의 시조차도 알려줍니다. 그것이 내가 모든 것을 시작하는 방식입니다."[50]
2008년 5월 16일, 다인의 신작이 발표되었다. 스웨덴 보로스에 전시된 '보로스로 걷다'라는 제목의 9m 청동상은 걷는 피노키오를 묘사했다.[51] 다인은 이전에 피노키오를 주제로 한 서적, 회화, 조각을 발표했었다. 다인은 "소년이 되는 말하는 나무라는 개념은 미술의 메타포와 같은 것으로, 궁극의 연금술적 변신이다"라고 느꼈다.[50]
4. 주요 협업
짐 다인은 다양한 분야의 예술가 및 기관들과 협업을 진행했다. 주요 협업 내용은 다음과 같다.
| 기간 | 협업 대상 | 분야 |
|---|---|---|
| 1962년–1976년 | 일레아나 손아벤드 | 뉴욕 화랑주 |
| 1975년–2008년 | 알도 크로멜린크 | 파리 판화가 |
| 1978년–2016년 | 페이스 갤러리 | 뉴욕 화랑 |
| 1979년–현재 | 앨런 크리스티아 | 런던 화랑주 |
| 1983년–2018년 | 리처드 그레이 | 시카고 화랑주 |
| 1983년–현재 | 왈라 왈라 파운드리 | 워싱턴주 왈라 왈라 |
| 1987년–2003년 | 쿠르트 자인 | 비엔나 판화가 |
| 1991년–2016년 | 스프링 스트리트 워크숍 | 뉴욕, 줄리아 다마리오, 루스 링겐, 캐서린 쿤, 빌 홀 등 프린터 포함 |
| 1998년–현재 | 게르하르트 슈타이들 | 괴팅겐 프린터이자 출판인 |
| 2000년–현재 | 다니엘 템플론 | 파리-브뤼셀 화랑주 |
| 2003년–2018년 | 아틀리에 마이클 울워스 | 파리 판화가 |
| 2010년–현재 | 블루 마운틴 파인 아트 | 오리건주 베이커 시티 파운드리 |
| 2016년–현재 | 슈타인드루크 차반 페흐만 | 아페틀론 판화가 |
| 2016년–2021년 | 그레이 갤러리 | 시카고 |
5. 주요 소장처
| 주요 소장처 |
|---|
| 앨런 기념 미술관 |
| 시카고 미술관 |
| 보든 칼리지 미술관 |
| 브루클린 미술관 |
| 신시내티 미술관 |
| 클리블랜드 미술관 |
| 포그 미술관 |
| 허쉬혼 박물관 |
| 인디애나폴리스 미술관 |
| 이스라엘 박물관 |
| 루이지애나 현대 미술관 |
| 메트로폴리탄 미술관 |
| 미니애폴리스 미술관 |
| 폴크방 미술관 |
| 국립 현대 미술관 |
| 시카고 현대 미술관 |
| 보스턴 미술관 |
| 뉴욕 현대 미술관 |
| 국립 미술관 |
| 팜스프링스 미술관 |
| 스나이트 미술관 |
| 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 |
| 암스테르담 시립 미술관[48] |
| 테이트 갤러리[49] |
| 휘트니 미술관 |
| 도쿄도 미술관 |
| 예일 대학교 미술관 |
6. 시 낭독
| 연도 | 장소 | 공동 낭독자 |
|---|---|---|
| 1969 | 런던 소호, 아트 랩 | 테드 베리건 |
| 1970 | 뉴욕, 세인트 마크 교회, 시 프로젝트 | 테드 베리건 |
| 2005 | 뉴욕, 바워리 시 클럽, Segue 시리즈 | 다이애나 미체너, 빈센트 카츠 |
| 2008 | 포틀랜드, 탠젠트 시 리딩 시리즈 | 다이애나 미체너, 빈센트 카츠 |
| 2010 | 파리, 바스티유 리딩 | 마크 마더, 다니엘 우메어 |
| 2014 | 파리, Galerie Eof, 바스티유 리딩 | 마크 마더 |
| 2015 | 뉴욕, 세인트 마크 교회, 시 프로젝트 | 도로테아 라스키 |
| 2016 | 뉴욕, Dia 아트 재단 | 카렌 와이저 |
| 2017 | 브라이튼, 서섹스 대학교 | 빈센트 브로콰 |
| 2018 | 뉴욕, 하우저 앤 워스 | |
| '하우스 오브 워즈 (진행 중) | ||
| 2015 | 괴팅겐, 귄터 그라스 아카이브 | |
| 2015 | 파리, Galerie Eof | 마크 마더 |
| 2016 | 시카고 시 재단 | 마크 마더 |
| 2017 | 레 보울, 에크리뱅 앙 보흐 드 메르 | |
| 2017 | 로마, 키에자 데이 산티 루카 에 마르티나 | 다니엘레 로카토, 파브리지오 오타비우치 |
| 2018 | 인 비보, 파리, 조르주 퐁피두 센터 | 다니엘레 로카토, 파브리지오 오타비우치 |
참조
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서적
I print. Catalogue Raisonné of Prints, 2001–2020
Steidl
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서적
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Jim Dine - Artists - Taglialatella Galleries
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Jim Dine - Terri Maxfield Lipp
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거장 짐 다인 '피노키오' 부산 명물로
http://www.busan.com[...]
2020-04-25
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