무용의 기법
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1. 개요
무용의 기법은 인간의 신체를 주된 표현 수단으로 사용하여 시간, 공간, 그리고 이들의 통합적인 구성을 통해 의미를 창출하는 예술이다. 무용은 신체를 소재로 하여, 신체 자체의 특성, 시간성, 공간성을 활용하며, 반복, 변주, 대조와 대비 등의 기법을 통해 표현을 강조한다. 무용은 음악, 의상, 무대장치, 조명 등 신체 이외의 다양한 요소를 활용하여 표현성을 강화하며, 도리스 험프리는 무용의 형식으로 ABA 형식, 이야기 줄거리식 형식 등을 제시했다.
무용은 인간의 신체를 주된 표현 수단으로 사용하며, 시간, 공간, 그리고 이러한 요소들의 통합적인 구성을 통해 의미를 창출한다.[1]
2. 무용의 기본 요소
무용에서 가장 기본적인 표현 소재는 인간의 신체이다.[1] 살아있는 인간의 신체는 무용의 소재가 된다.[1] 인적 구성은 작품 내용을 기본적으로 방향지어 주는데,[1] 남성, 여성, 어린이 등 신체의 특성에 따라 표현되는 역동성과 느낌이 다르고, 이를 통해 무용의 묘미와 기법이 발휘된다.[1] 남성 또는 다수 인원의 구성에는 자체의 역량감이 다르며, 여성에게는 유연하거나 섬세한 느낌이 스스로 갖추어져 있다.[1] 또한 어린이들에게는 표현 이전에 본래의 사랑스러움이 넘쳐 흐른다.[1] 이와 같이 소재가 지니는 성질은 각각의 특성과 동시에 그 한계를 나타내는 것으로도 볼 수 있어, 소재를 살려 개성적인 표현성을 발휘시킨다는 점에 무용의 묘미와 기법이 있다.[1]
신체는 그 자체가 대칭적인 디자인인데, 대칭적(시머트릭/symmetric영어) 디자인은 안정감과 강력한 통일감을 준다. 반대로 비대칭적(어시머트릭/asymmetric영어) 디자인은 왜곡된 불안정감을 나타낸다.[1] 대립적인 디자인은 적극적인 에너지와 활력을 강조하고, 계속적인 디자인은 온화하고 부드러우며 선적인 흐름을 느끼게 한다.[1]
개인의 신체적 특성뿐만 아니라 집단의 구성에 따라서도 표현성이 달라진다. 예를 들어 한정된 공간(무대) 속에 한 사람, 두 사람, 혹은 여러 사람이 서느냐에 따라 무대와 인간이 자아내는 역량감과 긴박감이 달라진다.[1] 또한 같은 인원수라도 남자, 여자, 남녀 혼합 등 구성원의 성별과 전향(前向), 후향(後向) 등 움직임에 따라 동질적인 부분이 어울리거나 대비적인 관계를 만들어 표현적인 것이 된다.[1]
무용은 시간성을 바탕으로 성립되는 표현이다. 시간의 경과 속에는 무용의 생명인 리듬, 그것을 정리하는 박자, 그리고 변화를 주는 속도와 매듭을 짓는 길이가 포함된다.[1] 움직임의 리듬은 시각적으로, 소리의 리듬은 청각적으로 전달된다.[1] 때로는 움직임이 소리를 이끌고, 때로는 소리가 움직임을 이끌기도 한다.[1]
리듬의 규칙성 또는 불규칙성은 표현성에 영향을 준다.[1] 탄력적인 리듬은 밝음을, 섬세한 리듬은 부드러움이나 미세한 움직임을 나타낸다.[1] 느리고 평탄한 리듬은 장중함을, 중단되는 리듬은 격렬함이나 긴박감을 느끼게 한다.[1] 같은 리듬이라도 속도에 따라 그 성격이 달라진다.[1] 느린 속도는 안정적이고 장중하거나 느릿한 느낌을, 빠른 속도는 동적이면서 경쾌하거나 활발한 느낌을 준다.[1] 그러나 리듬이나 박자가 단편적으로 구성되면 무용으로 성립하기 어렵다.[1] 노래의 한 절, 문장의 한 매듭처럼, 무용에도 일련의 움직임이 있어야 표현으로서 생명이 부여된다.[1]
인간의 신체는 다양하게 변화하는 공간적인 입체이다. 입체적인 신체가 운동함으로써 한정된 무대 공간을 여러 가지로 이동하며, 그 안에서 온갖 새로운 시공간(視空間)이 출현한다.[1] 신체의 높이, 체적, 이동하는 거리, 방향, 경로 등은 상호 간에 관계를 유지하면서 표현에 성격을 부여한다.[1]
예컨대 무대의 중앙에서 정면을 바라보고 전진할 때는, 힘이 적극적으로 작용하며 육박해 오는 듯한 거리(距離)의 연장을 느낀다.[1] 낮은 상태로 무대의 후방으로 후퇴해 갈 때는 보다 소극적이고도 일조의 어두움을 느끼게 한다.[1] 또한 두 사람이 무대를 대각선적으로 이동할 때, 그것이 같은 방향일 때에는 두 사람 이상의 증대된 힘의 강도(强度)를 느끼게 하고, 다른 방향으로 서로 스치며 지날 때에는 두 사람 사이에 대립적인 느낌을 남긴다.[1] 느릿한 동작에서 차차 빠르게 걷기 시작하여 소용돌이 형(型)으로 이동할 때에는 신체의 움직임과 공간이 결부되어 나선적 입체감을 느끼게 하며, 신체적 한계를 넘어서 공간 속에 새로운 현상이 나타난 것으로 느끼게 한다.[1]
무용은 간결화와 다양화를 통해 시공간적 특성을 극대화한다. 반복과 변주, 대조와 대비 등의 기법을 사용하여 표현을 강조하고, 관객에게 깊은 인상을 남긴다.[1]
같은 움직임이나 비슷한 움직임의 반복은 표현을 인상적으로 만들고 일관성을 느끼게 한다. 예를 들어, 주요 움직임으로 시작하여 점차 고조되고 강화된 후 다시 처음의 조용한 움직임으로 돌아가 끝나는 형식(ABA form)은 처음과 끝의 유사한 움직임을 통해 잔상을 강조하고 안정감을 준다. 그러나 지나친 반복은 단조로움을 유발할 수 있다. 움직임이 부드럽게 이어지고 훌륭한 연속성을 가질 때, 그 움직임은 잘 기억되고 간결하며 깨끗한 인상을 준다.[1]
다양성은 간결성과 통일성을 추구하는 힘에 복잡성과 다양성을 부여한다. 높낮이, 속도, 강약 등 서로 다른 요소들이 조화를 이루는 대조와 대비가 그 예시이다. 직선적 움직임과 곡선적 움직임, 느리고 조용한 움직임에서 빠르고 격렬한 움직임으로의 변화 등 대비적인 효과는 서로를 강조하며 더욱 고조된 조화를 만들어낸다. 예를 들어, 인간의 어둡고 괴로운 때를 묘사한 후 슬픔을 극복하고 밝은 희망에 찬 전진을 묘사하는 것은 명암의 대조를 통해 강렬한 인상을 남긴다.[1] 작품의 흐름 속에서 특정 부분을 강조하거나 반복함으로써 표현을 강화하고 중심을 잡아 고조를 이끌어낼 수 있다. 또한, 표현하고자 하는 복잡한 내용을 무용에 맞게 응축하여 특정 움직임이나 리듬으로 표현하고, 이를 변형, 확대, 강화하거나 무대 공간에 배치하는 등 이미지를 움직임의 복잡한 변화로 다양하게 표현함으로써 깊이와 팽창을 더할 수 있다.[1]
무용 표현은 신체, 시간, 공간이라는 세 가지 요소를 다양하게 결합하여 무한한 표현성을 창출하는 예술이다. 신체 움직임, 공간 이동 등 다양한 작용은 단순한 부분들의 집합이 아니다. 각 부분이 고유한 특성을 지니면서 유기적으로 연결될 때, 부분의 총합 이상의 새로운 성질이 나타난다.[2] 작품 창작은 이러한 유기적 관계를 가진 움직임을 선택하고 정제하여 융합하거나 대립시키는 과정을 통해 움직임의 통합성을 찾아가는 과정이다.[1]
작품의 길이는 움직임이라는 매체의 한계에 의해 자연스럽게 제한된다. 개인 작품은 표현 내용에 따라 차이가 있지만, 일반적으로 혼자 출 수 있는 한계 때문에 짧은 시간의 작품이 많다. 군무나 극적인 긴 작품은 한 시간 정도 될 수 있다. 제한된 조건 속에서 한계를 넘어 무한한 호소를 추구하는 것이 무용 작품의 승화이며, 그 압축의 결과 무용은 화려하고 생동하는 생명감으로 충만해진다.[1]
도리스 험프리는 무용의 형식으로 ① ABA 형식, ② 이야기 줄거리식 형식, ③ 테마 반복 형식, ④ 모음곡(組曲)형식, ⑤ 파조(破調) 형식의 다섯 가지를 제시했다.
2. 1. 무용의 소재: 신체
무용에서 가장 기본적인 표현 소재는 인간의 신체이다. 살아있는 인간의 신체는 무용의 소재가 된다. 인적 구성은 작품 내용을 기본적으로 방향지어 주는데, 남성, 여성, 어린이 등 신체의 특성에 따라 표현되는 역동성과 느낌이 다르고, 이를 통해 무용의 묘미와 기법이 발휘된다. 남성 또는 다수 인원의 구성에는 자체의 역량감이 다르며, 여성에게는 유연하거나 섬세한 느낌이 스스로 갖추어져 있다. 또한 어린이들에게는 표현 이전에 본래의 사랑스러움이 넘쳐 흐른다. 이와 같이 소재가 지니는 성질은 각각의 특성과 동시에 그 한계를 나타내는 것으로도 볼 수 있어, 소재를 살려 개성적인 표현성을 발휘시킨다는 점에 무용의 묘미와 기법이 있다.
2. 2. 무용의 신체성
신체는 그 자체가 대칭적인 디자인인데, 대칭적(시머트릭/symmetric영어) 디자인은 안정감과 강력한 통일감을 준다. 반대로 비대칭적(어시머트릭/asymmetric영어) 디자인은 왜곡된 불안정감을 나타낸다. 대립적인 디자인은 적극적인 에너지와 활력을 강조하고, 계속적인 디자인은 온화하고 부드러우며 선적인 흐름을 느끼게 한다.
개인의 신체적 특성뿐만 아니라 집단의 구성에 따라서도 표현성이 달라진다. 예를 들어 한정된 공간(무대) 속에 한 사람, 두 사람, 혹은 여러 사람이 서느냐에 따라 무대와 인간이 자아내는 역량감과 긴박감이 달라진다. 또한 같은 인원수라도 남자, 여자, 남녀 혼합 등 구성원의 성별과 전향(前向), 후향(後向) 등 움직임에 따라 동질적인 부분이 어울리거나 대비적인 관계를 만들어 표현적인 것이 된다.
2. 3. 무용의 시간성
무용은 시간성을 바탕으로 성립되는 표현이다. 시간의 경과 속에는 무용의 생명인 리듬, 그것을 정리하는 박자, 그리고 변화를 주는 속도와 매듭을 짓는 길이가 포함된다. 움직임의 리듬은 시각적으로, 소리의 리듬은 청각적으로 전달된다. 때로는 움직임이 소리를 이끌고, 때로는 소리가 움직임을 이끌기도 한다.
리듬의 규칙성 또는 불규칙성은 표현성에 영향을 준다. 탄력적인 리듬은 밝음을, 섬세한 리듬은 부드러움이나 미세한 움직임을 나타낸다. 느리고 평탄한 리듬은 장중함을, 중단되는 리듬은 격렬함이나 긴박감을 느끼게 한다. 같은 리듬이라도 속도에 따라 그 성격이 달라진다. 느린 속도는 안정적이고 장중하거나 느릿한 느낌을, 빠른 속도는 동적이면서 경쾌하거나 활발한 느낌을 준다. 그러나 리듬이나 박자가 단편적으로 구성되면 무용으로 성립하기 어렵다. 노래의 한 절, 문장의 한 매듭처럼, 무용에도 일련의 움직임이 있어야 표현으로서 생명이 부여된다.
2. 4. 무용의 공간성
인간의 신체는 다양하게 변화하는 공간적인 입체이다. 입체적인 신체가 운동함으로써 한정된 무대 공간을 여러 가지로 이동하며, 그 안에서 온갖 새로운 시공간(視空間)이 출현한다. 신체의 높이, 체적, 이동하는 거리, 방향, 경로 등은 상호 간에 관계를 유지하면서 표현에 성격을 부여한다.
예컨대 무대의 중앙에서 정면을 바라보고 전진할 때는, 힘이 적극적으로 작용하며 육박해 오는 듯한 거리(距離)의 연장을 느낀다. 낮은 상태로 무대의 후방으로 후퇴해 갈 때는 보다 소극적이고도 일조의 어두움을 느끼게 한다. 또한 두 사람이 무대를 대각선적으로 이동할 때, 그것이 같은 방향일 때에는 두 사람 이상의 증대된 힘의 강도(强度)를 느끼게 하고, 다른 방향으로 서로 스치며 지날 때에는 두 사람 사이에 대립적인 느낌을 남긴다. 느릿한 동작에서 차차 빠르게 걷기 시작하여 소용돌이 형(型)으로 이동할 때에는 신체의 움직임과 공간이 결부되어 나선적 입체감을 느끼게 하며, 신체적 한계를 넘어서 공간 속에 새로운 현상이 나타난 것으로 느끼게 한다.
2. 5. 무용의 전체성
무용은 간결화와 다양화를 통해 시공간적 특성을 극대화한다. 반복과 변주, 대조와 대비 등의 기법을 사용하여 표현을 강조하고, 관객에게 깊은 인상을 남긴다.[1]
같은 움직임이나 비슷한 움직임의 반복은 표현을 인상적으로 만들고 일관성을 느끼게 한다. 예를 들어, 주요 움직임으로 시작하여 점차 고조되고 강화된 후 다시 처음의 조용한 움직임으로 돌아가 끝나는 형식(ABA form)은 처음과 끝의 유사한 움직임을 통해 잔상을 강조하고 안정감을 준다. 그러나 지나친 반복은 단조로움을 유발할 수 있다. 움직임이 부드럽게 이어지고 훌륭한 연속성을 가질 때, 그 움직임은 잘 기억되고 간결하며 깨끗한 인상을 준다.[1]
다양성은 간결성과 통일성을 추구하는 힘에 복잡성과 다양성을 부여한다. 높낮이, 속도, 강약 등 서로 다른 요소들이 조화를 이루는 대조와 대비가 그 예시이다. 직선적 움직임과 곡선적 움직임, 느리고 조용한 움직임에서 빠르고 격렬한 움직임으로의 변화 등 대비적인 효과는 서로를 강조하며 더욱 고조된 조화를 만들어낸다. 예를 들어, 인간의 어둡고 괴로운 때를 묘사한 후 슬픔을 극복하고 밝은 희망에 찬 전진을 묘사하는 것은 명암의 대조를 통해 강렬한 인상을 남긴다.[1] 작품의 흐름 속에서 특정 부분을 강조하거나 반복함으로써 표현을 강화하고 중심을 잡아 고조를 이끌어낼 수 있다. 또한, 표현하고자 하는 복잡한 내용을 무용에 맞게 응축하여 특정 움직임이나 리듬으로 표현하고, 이를 변형, 확대, 강화하거나 무대 공간에 배치하는 등 이미지를 움직임의 복잡한 변화로 다양하게 표현함으로써 깊이와 팽창을 더할 수 있다.[1]
무용 표현은 신체, 시간, 공간이라는 세 가지 요소를 다양하게 결합하여 무한한 표현성을 창출하는 예술이다. 신체 움직임, 공간 이동 등 다양한 작용은 단순한 부분들의 집합이 아니다. 각 부분이 고유한 특성을 지니면서 유기적으로 연결될 때, 부분의 총합 이상의 새로운 성질이 나타난다.[2] 작품 창작은 이러한 유기적 관계를 가진 움직임을 선택하고 정제하여 융합하거나 대립시키는 과정을 통해 움직임의 통합성을 찾아가는 과정이다.[1]
작품의 길이는 움직임이라는 매체의 한계에 의해 자연스럽게 제한된다. 개인 작품은 표현 내용에 따라 차이가 있지만, 일반적으로 혼자 출 수 있는 한계 때문에 짧은 시간의 작품이 많다. 군무나 극적인 긴 작품은 한 시간 정도 될 수 있다. 제한된 조건 속에서 한계를 넘어 무한한 호소를 추구하는 것이 무용 작품의 승화이며, 그 압축의 결과 무용은 화려하고 생동하는 생명감으로 충만해진다.[1]
도리스 험프리는 무용의 형식으로 ① ABA 형식, ② 이야기 줄거리식 형식, ③ 테마 반복 형식, ④ 모음곡(組曲)형식, ⑤ 파조(破調) 형식의 다섯 가지를 제시했다.
3. 무용의 기법 및 형식
3. 1. 신체 이외의 기법과 효과
무용은 신체를 소재로 표현하지만, 신체가 지니는 한계를 극복하고 표현성을 강화하기 위해 신체 이외의 다양한 요소들을 활용한다. 음악, 의상, 무대장치, 조명, 소도구 등은 작품의 미적 표현성을 확대하는 데 기여한다. 도리스 험프리는 음악의 멜로디, 리듬, 드라마성이 인간의 육체와 개성적으로 밀접하게 결부되어 있다고 언급했다. 뛰어난 무용 작품에서는 신체에서 음이 나오는 것처럼 느껴질 정도로 신체(움직임)와 음은 불가분의 관계를 맺는다. 의상은 작품의 이미지를 시각적인 형태와 색채로 상징화하여 표현성을 더욱 명확하게 한다. 무대장치는 조명과 함께 무대 공간에 통합성과 특정한 성격을 부여하고, 움직임을 지탱하며, 표현을 강조하고 지속, 발전시켜 작품의 형상화를 돕는다.
4. 한국 무용
4. 1. 한국 전통 무용
4. 2. 한국 창작 무용
5. 현대 무용의 사회적 역할
참조
[1]
문서
전체적인 성질
[2]
문서
총화 플러스 알파
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