가창
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1. 개요
가창은 개인의 성대, 신체 구조, 호흡, 공명 등을 활용하여 소리를 내는 행위로, 음성, 성구, 성대 공명 등 다양한 요소로 구성된다. 가창은 발성법을 통해 기술을 향상시키며, 성악, 대중음악 등 다양한 장르에서 활용된다. 가창은 음역 분류, 발성 기술, 자세, 호흡, 비브라토, 확장된 발성 기법 등을 포함하며, 가창 관련 직업으로는 가수, 보컬 코치, 음악 교육자 등이 있다. 또한, 가창은 언어와 밀접한 관련이 있으며, 수화 노래, 신경학적 측면, 억양 등 다양한 방식으로 나타난다.
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| 가창 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
| 다른 이름 | 노래, 창악(唱樂), 성악(聲樂) |
| 설명 | 목소리를 사용하여 음악적 소리를 내는 행위 |
| 음악적 요소 | |
| 요소 | 음높이 리듬 음색 강약 |
| 관련 분야 | |
| 분야 | 음악 성악 발성법 작곡 음악 교육 |
| 기술 및 기법 | |
| 기법 | 발성 공명 조음 호흡 피치 제어 리듬 제어 음색 제어 강도 조절 가사 전달 표현력 |
| 역사 및 문화 | |
| 역사 | 인류 역사와 함께 발전 |
| 문화적 중요성 | 다양한 문화에서 중요한 역할 수행 |
| 같이 보기 | |
| 관련 항목 | 가수 합창 아카펠라 요들 판소리 샹송 뮤지컬 오페라 가곡 국악 음악 장르 |
| 참고 서적 | |
| 참고 서적 | Keith Falkner (ed.), Voice, Yehudi Menuhin music guides, London: MacDonald Young, 1983, ISBN 978-0-356-09099-3 |
2. 음성
개인이 노래하는 목소리의 소리는 개개인의 성대의 실제 모양과 크기뿐만 아니라 그 사람의 신체 나머지 부분의 크기와 모양으로 인해 완전히 독특하다. 인간에게는 성대가 느슨해지거나 조여지거나 두께가 변할 수 있고 다양한 압력에 따라 호흡이 전달될 수 있는 성대 주름이 있다. 가슴과 목의 모양, 혀의 위치, 관련되지 않은 근육의 긴장도가 변경될 수 있다. 이러한 동작 중 하나를 수행하면 생성되는 사운드의 음높이, 음량, 음색, 또는 톤이 변경된다. 소리는 또한 신체의 다양한 부분 내에서 공명하며 개인의 크기와 뼈 구조는 개인이 생성하는 소리에 영향을 미칠 수 있다.
가수는 또한 소리가 성도 내에서 더 잘 공명되도록 특정 방식으로 소리를 투사하는 방법을 배울 수 있다. 이것을 발성 공명이라고 한다. 보컬 사운드 및 생성에 대한 또 다른 주요 영향은 사람들이 다양한 사운드를 생성하기 위해 다양한 방법으로 조작할 수 있는 후두의 기능이다. 이러한 다양한 종류의 후두 기능은 다양한 종류의 음역으로 설명된다.[8] 가수가 이를 달성하는 주요 방법은 가수의 포르만트를 사용하는 것이다. 이는 귀의 주파수 범위 중 가장 민감한 부분과 특히 잘 일치하는 것으로 나타났다.[9][10]
또한 더 두껍고 유동적인 성대 점막을 이용하면 더 강력한 목소리를 얻을 수 있는 것으로 나타났다.[11][12] 점막이 유연할수록 공기 흐름에서 성대까지의 에너지 전달이 더 효율적이다.[13]
2. 1. 성구 (Vocal Registration)
가창법에서 성구는 성대의 동일한 진동 패턴으로 생성되고 동일한 음질을 갖는 특정 음역대를 의미한다.[19] 성구는 후두 기능에 따라 발생하며,[19] 성대의 다양한 진동 패턴은 특정 범위의 음고와 특성적인 소리를 생성한다.[20] 이러한 성대의 진동 패턴은 성도와의 음향적 상호 작용에 영향을 받는다.[21]"성구"라는 용어는 다음을 포함한 다양한 의미를 지닐 수 있어 혼란을 야기하기도 한다.[22]
언어학에서 '''음역 언어'''는 성조와 모음 발성을 단일 음운론 시스템으로 결합한 언어이다. 언어 병리학에서는 성구를 후두 기능의 생리학을 기반으로 하여 보컬 프라이 레지스터, 모달 레지스터, 가성 레지스터, 휘슬 레지스터의 네 가지로 구분하며, 이는 많은 보컬 교육자들도 채택하고 있다.[22]
주요 레지스터는 인체 내의 공명으로 인해 풍부한 음색을 갖는 머리, 중간(혼합), 가슴 소리의 세 가지로 구분된다. 이들의 이름은 가수가 몸 안에서 공명 진동을 느끼는 부위에서 유래되었다. 가슴 레지스터는 가장 낮은 레지스터로, 가슴에서 공명 진동을 느낀다. 중간 소리는 가슴 소리와 머리 소리 사이에 위치한다. 머리 레지스터는 주요 음성 레지스터 중 가장 높은 것으로, 얼굴이나 머리의 다른 부분에서 공명 진동이 일어나는 것을 느낄 수 있다. 이러한 레지스터의 음성 내 위치는 성별과 각 성별 내의 음성 유형에 따라 다르다.[33]
가성 및 플라젤렛 레지스터는 머리 레지스터 위에 위치하는 두 개의 추가 레지스터이다.[34][35] 이러한 레지스터 내의 음고에 접근하려면 훈련이 필요하며, 낮은 목소리를 가진 남성과 여성은 거의 사용하지 않는다. 남성은 가슴 소리 아래에 ''스트로베이스''라는 추가 레지스터를 갖지만, 성대에 부담을 주므로 거의 사용되지 않는다.[36]
2. 2. 성대 공명 (Vocal Resonation)
'''성대 공명'''은 발성으로 생성된 기본 소리가 외부 공기로 나가는 과정에서 통과하는 공기로 채워진 공동에 의해 음색 또는 강도가 향상되는 과정이다. 공명 과정과 관련된 다양한 용어에는 증폭, 풍부화, 확대, 개선, 강화 및 연장이 포함되지만, 엄격한 과학적 용어 사용에서는 음향 권위자들이 대부분의 용어에 대해 의문을 제기할 것이다.[22] 가수나 화자가 이러한 용어에서 얻을 수 있는 주요 요점은 공명의 결과가 더 나은 소리를 만드는 것이거나 그렇게 해야 한다는 것이다.[22]
성대 공명기로 나열될 수 있는 일곱 가지 영역이 있다. 신체 내부에서 가장 낮은 부분부터 가장 높은 부분까지 순서대로 이러한 영역은 가슴, 기관지, 후두 자체, 인두, 구강, 비강, 그리고 부비동이다.[23]
2. 3. 흉성(Chest Voice)과 두성(Head Voice)
흉성과 두성은 성악에서 사용되는 용어이다. 이 용어는 성악 교육계에서 매우 다양하게 사용되며, 현재 성악 전문가들 사이에서도 이에 대한 일관된 의견은 없다.[22] 흉성은 음역의 특정 부분이나 발성구의 유형, 공명 영역, 또는 특정 음색과 관련하여 사용될 수 있다.[22] 두성은 음역의 특정 부분, 발성구의 유형 또는 공명 영역과 관련하여 사용될 수 있으며,[22] 남성의 경우, 두성은 일반적으로 가성이라고 한다. 흉성과 두성의 전환과 조합은 가수의 공연에서 보컬 믹스 또는 보컬 믹싱이라고 한다.[24]13세기 경, 요하네스 데 갈란디아와 예롬 오브 모라비아가 "목소리(throat voice)"와 구별하기 위해 흉성(chest voice)과 두성(head voice)이라는 용어를 처음 사용했다.[26] 이 용어들은 나중에 이탈리아 오페라 창법인 벨칸토에서 채택되었는데, 여기서 흉성은 3개의 성구(vocal register) 중 가장 낮은 소리, 두성은 가장 높은 소리로 식별되었다.[15]
그러나 지난 200년 동안 생리학에 대한 지식이 증가하면서, 노래와 발성 과정에 대한 이해도 증가했다. 결과적으로, 인디애나 대학교의 랄프 애플만(Ralph Appelman)과 서던캘리포니아 대학교의 윌리엄 베너드와 같은 많은 보컬 교육가들은 흉성과 두성이라는 용어의 사용을 재정의하거나 심지어 포기했다.[15] 특히, 흉성(''chest register'')과 두성(''head register'')이라는 용어의 사용은 보컬 레지스터가 흉부, 폐, 머리의 생리학과 관련이 없는 후두 기능의 산물로 더 일반적으로 여겨지면서 논란이 되고 있다. 많은 보컬 교육가들은 흉성이나 두성에서 레지스터가 생성된다고 말하는 것은 무의미하며, 이러한 영역에서 느껴지는 진동 감각은 공명 현상이므로 레지스터가 아닌 보컬 공명과 관련된 용어로 설명해야 한다고 주장한다. 이러한 보컬 교육가들은 레지스터라는 용어보다 "흉성"과 "두성"이라는 용어를 선호하며, 레지스터 문제로 식별하는 문제는 실제로 공명 조절의 문제라고 믿는다.
현대적인 흉성(chest voice) 용어의 사용은 종종 특정 종류의 보컬 색채 또는 보컬 음색을 지칭한다. 클래식 성악에서는, 이 용어는 모달 레지스터 또는 정상적인 목소리의 낮은 부분에만 사용된다. 다른 형태의 노래에서는, 흉성은 모달 레지스터 전체에 적용되는 경우가 많다. 그러나 높은 음을 흉성으로 내기 위해 고음 레지스터에서 지나치게 강한 흉성을 사용하는 것은 무리를 초래할 수 있으며, 무리는 결과적으로 목소리의 악화를 초래할 수 있다.[29]
2. 4. 파사지오 (Passagio)
파사지오(pasˈsaddʒoit)는 발성 영역 사이의 전환 영역을 설명하기 위해 클래식 성악에서 사용되는 용어이다.[30] 파사지오는 흉성, 중간 음역대, 두성과 같은 다양한 발성 영역 사이에 위치한다.[30] 역사적인 이탈리아 성악 학교에서는 남성의 경우 ''프리모 파사지오''와 ''세콘도 파사지오''가 ''zona di passaggio''를 통해 연결되고, 여성의 경우 ''프리모 파사지오''와 ''세콘도 파사지오''로 설명한다. 클래식 스타일의 클래식 성악 훈련의 주요 목표는 파사지오 전체에서 균일한 음색을 유지하는 것이다.[30] 적절한 훈련을 통해 공명하고 강력한 소리를 낼 수 있다.음성 레지스터에 대한 기본적인 이해 없이는 음성 ''파사지오''에 대해 제대로 논할 수 없다. 잉고 티츠(Ingo Titze)는 "레지스터라는 용어는 음질의 지각적으로 뚜렷한 영역을 설명하는 데 사용되어 왔으며, 이는 특정 음고 및 음량 범위에서 유지될 수 있다."라고 언급했다.[30] 마릴리 데이비드(Marilee David)가 지적하듯이 "음성 과학자들은 등록을 주로 음향 현상으로 본다."[31] 가수의 경우, 노래할 때 느끼는 신체적 감각을 기반으로 등록 현상을 설명하는 것이 더 일반적이다. 티츠는 또한 언어 병리학자와 성악 교사 사이에서 음성 등록에 대해 이야기하는 데 사용되는 용어의 불일치가 있다고 설명한다.[32]
머리, 중간(혼합), 가슴 소리로 묘사되는 세 가지 주요 레지스터는 인체 내의 공명으로 인한 배음 때문에 풍부한 음색을 가지고 있다고 설명된다. 가슴 소리라고도 더 일반적으로 불리는 가슴 레지스터는 가장 낮은 레지스터이다. 중간 소리는 가슴 소리와 머리 소리 사이에 위치한다. 머리 레지스터 또는 머리 소리는 주요 음성 레지스터 중 가장 높은 것이다. 이러한 레지스터가 음성에서 어디에 위치하는지는 성별과 각 성별 내의 음성 유형에 따라 다르다.[33]
가성 및 플라젤렛 레지스터라고 불리는 두 개의 추가 레지스터가 있으며, 머리 레지스터 위에 위치한다.[34][35] 남성은 가슴 소리 아래에 있는 ''스트로베이스''라고 불리는 한 개의 추가 레지스터를 더 가지고 있다.[36]
3. 가창의 분류
유럽 클래식 음악과 오페라에서 목소리는 악기처럼 취급된다. 성악곡을 쓰는 작곡가는 가수의 기량, 재능, 음성 특성에 대한 이해가 있어야 한다.[14][67] '''성부 분류'''는 인간의 노래하는 목소리를 평가하여 성악 성부로 지정하는 과정이다. 성부 분류에는 음역, 음성 무게, 음역대, 음성 음색, 목소리 내의 브레이크 및 리프트와 같은 음성 전환점이 포함되지만, 이에 국한되지는 않는다. 다른 고려 사항으로는 신체적 특성, 말하기 수준, 과학적 테스트 및 음성 레지스터가 있다.[14]
클래식 음악에서는 일반적으로 여성은 소프라노, 메조 소프라노, 알토의 세 그룹으로, 남성은 카운터테너, 테너, 바리톤, 베이스의 네 그룹으로 나뉜다. 사춘기 이전 어린이의 목소리와 관련하여 트레블을 적용할 수 있다. 이러한 각 주요 범주 내에서 여러 하위 범주가 콜로라투라 능력 및 음성 무게와 같은 특정 음성 특성을 식별하여 목소리를 구별한다.[22][65]
합창 음악 내에서 가수의 목소리는 음역을 기준으로만 나뉜다. 합창 음악은 가장 일반적으로 각 성별 내에서 고음과 저음의 성부로 나뉜다(SATB, 즉 소프라노, 알토, 테너 및 베이스). 대부분의 사람들이 중간 목소리를 가지고 있기 때문에, 그들은 그들에게 너무 높거나 너무 낮은 성부에 배정되어야 한다. 메조 소프라노는 소프라노나 알토를 불러야 하고 바리톤은 테너나 베이스를 불러야 한다. 두 가지 옵션 모두 가수에게 문제를 제시할 수 있지만, 대부분의 가수의 경우 너무 높은 음을 부르는 것보다 너무 낮은 음을 부르는 것이 위험이 적다.[16][69]
현대 대중 음악이라고도 하는 현대 음악 형식 내에서 가수는 재즈, 팝, 블루스, 소울, 컨트리, 포크, 록 스타일과 같은 음악 스타일에 따라 분류된다. 현재 비고전 음악에는 권위 있는 성부 분류 시스템이 없다.[17][70] 성부 분류의 개발은 가수가 증폭되지 않은(마이크 없음) 음성 생성을 사용하여 지정된 음역 내에서 고전 성악 기법을 사용한다는 이해를 바탕으로 이루어졌다. 현대 음악가는 다른 성악 기법과 마이크를 사용하고 특정 성악 역할에 억지로 맞출 필요가 없기 때문에 소프라노, 테너, 바리톤 등과 같은 용어를 적용하는 것은 오해의 소지가 있거나 부정확할 수 있다.[18][71]
4. 발성법 (Vocal Pedagogy)
'''발성법'''은 노래를 가르치는 것을 연구하는 학문이다. 발성법의 예술과 과학은 고대 그리스[37]에서 시작되어 오늘날까지 계속 발전하고 변화하는 오랜 역사를 가지고 있다. 발성법의 예술과 과학을 실천하는 직업에는 보컬 코치, 합창 지휘자, 보컬 음악 교육자, 오페라 연출가, 그리고 다른 노래 교사들이 있다.
발성법의 개념은 적절한 발성 기술을 개발하는 데 중요한 부분이다. 일반적인 연구 분야는 다음과 같다.[38][39]
- 노래 부르기의 신체적 과정과 관련된 해부학 및 생리학
- * 보컬 건강 및 노래와 관련된 음성 장애
- * 노래를 위한 호흡 및 공기 지지
- * 발성
- * 성대 공명 또는 목소리 투사
- * 음역: 성대의 동일한 진동 패턴으로 생성되고 동일한 음질을 갖는 특정 일련의 음조로, 후두 기능에서 비롯된다. 왜냐하면 이러한 각 진동 패턴은 특정 범위의 음고 내에서 나타나고 특정 특성 소리를 생성하기 때문이다.
- * 음역 분류
- 보컬 스타일: 클래식 가수의 경우, 이는 가곡에서 오페라에 이르는 스타일을 포함한다. 팝 가수의 경우, 스타일은 블루스 발라드를 "벨트 아웃"하는 것을 포함할 수 있다. 재즈 가수의 경우, 스타일은 스윙 발라드와 스캣을 포함할 수 있다.
- * sostenuto 및 legato, 음역 확장, 음색, 비브라토, 콜로라투라와 같은 스타일에 사용되는 기술
4. 1. 발성 기술 (Vocal Technique)
올바른 발성 기술은 호흡, 발성, 공명, 조음의 네 가지 신체적 과정을 조율하는 통합적인 행위이다.[18] 발성 시에는 호흡을 통해 소리가 후두에서 시작되고, 성대가 소리에 영향을 미치며, 조음기관이 소리를 인식 가능한 단위로 형성한다.[18] 효과적인 가수나 화자는 이 과정들을 매우 조화롭게 연결하여 하나의 기능으로 인식한다.[18] 발성 문제는 종종 이러한 과정 내의 조화 부족으로 발생한다.[18]
노래는 조화로운 행위이므로, 개별적인 기술 분야와 과정을 다른 기술 분야 및 과정과 연관시키지 않고 논의하기는 어렵다. 예를 들어 발성은 호흡과 연결될 때 전체적인 맥락을 갖게 된다. 조음 기관은 공명에, 공명 기관은 성대에, 성대는 호흡 조절에 영향을 미치는 등 상호 연관된다.[18]
발성 기술 분야는 다음과 같다.[22]
4. 2. 가창 목소리 개발 (Developing the Singing Voice)
노래는 고도로 발달된 근육 반사 작용을 필요로 하는 기술이다. 많은 근육의 힘이 필요하지는 않지만, 높은 수준의 근육 조화가 필요하다.[22] 개인은 노래와 발성 연습을 신중하고 체계적으로 연습하여 목소리를 더욱 발전시킬 수 있다. 발성 연습은 목소리 예열, 음역 확장, 목소리 정렬, 다양한 발성 기법 습득, 발성 결함 수정 등 여러 목적을 가진다.[22]성악 교육자들은 학생들에게 지능적인 방식으로 목소리를 훈련하도록 지도한다. 가수는 노래를 부르는 동안 자신이 내는 소리와 느끼는 감각에 대해 끊임없이 생각해야 한다.[18] 가수는 머리 속에서 자신이 듣는 소리와 다른 사람들이 밖에서 듣는 소리가 다르기 때문에, 강사의 도움을 받으면 자신이 내는 소리가 어떤 종류인지, 그리고 어떤 내부 소리가 원하는 소리에 해당하는지 더 잘 이해할 수 있다.
4. 3. 음역 확장 (Extending Vocal Range)
발성 발달의 중요한 목표는 음질이나 기술에 뚜렷하거나 방해되는 변화 없이 자신의 자연스러운 음역의 한계까지 노래하는 것을 배우는 것이다.[41] 발성 교육학자들은 가수가 발성에 관련된 모든 신체적 과정(예: 후두 작용, 호흡 지원, 공명 조절, 발음 운동)이 효과적으로 함께 작동할 때만 이 목표를 달성할 수 있다고 가르친다. 대부분의 발성 교육학자들은 (1) 목소리의 가장 편안한 테시투라에서 좋은 발성 습관을 확립한 다음 (2) 점차적으로 음역을 확장함으로써 이러한 과정을 조율하는 것을 믿는다.[8]더 높거나 낮게 노래하는 능력에 크게 영향을 미치는 세 가지 요인이 있다.
- '''에너지''' 요인 – "에너지"는 여러 의미를 지닌다. 소리를 내는 것에 대한 신체의 전체적인 반응, 호흡 지원 메커니즘으로 알려진 흡기 근육과 호기 근육 사이의 역동적인 관계, 성대에 전달되는 호흡 압력의 양과 그 압력에 대한 저항, 그리고 소리의 다이내믹 레벨을 의미한다.
- '''공간''' 요인 – "공간"은 입 안의 크기와 구개와 후두의 위치를 의미한다. 일반적으로 가수는 더 높게 노래할수록 입을 더 넓게 벌려야 한다. 부드러운 구개와 후두의 내부 공간 또는 위치는 목을 이완시켜 넓힐 수 있다. 발성 교육학자들은 이를 "하품의 시작"과 같은 느낌으로 묘사한다.
- '''깊이''' 요인 – "깊이"는 두 가지 의미를 지닌다. 신체와 발성 메커니즘의 실제적인 깊이에 대한 감각과 음색과 관련된 정신적인 깊이에 대한 개념을 의미한다.
McKinney는 다음과 같이 말한다. "이 세 가지 요인은 세 가지 기본 규칙으로 표현할 수 있다. (1) 더 높게 노래할수록 더 많은 에너지를 사용해야 한다. 더 낮게 노래할수록 더 적은 에너지를 사용해야 한다. (2) 더 높게 노래할수록 더 많은 공간을 사용해야 한다. 더 낮게 노래할수록 더 적은 공간을 사용해야 한다. (3) 더 높게 노래할수록 더 많은 깊이를 사용해야 한다. 더 낮게 노래할수록 더 적은 깊이를 사용해야 한다."[22]
4. 4. 자세 (Posture)
노래 과정은 신체의 특정 신체 조건이 갖춰졌을 때 가장 잘 기능한다. 좋은 자세는 호흡 메커니즘이 효율적으로 기능하고, 발성을 시작하고 공명을 조정하는 것을 더 쉽게 만든다.[8] 이상적인 노래 자세는 발을 약간 벌리고, 다리를 곧게 펴고, 엉덩이는 정면을 향하고, 척추를 정렬하고, 복부를 평평하게 하고, 가슴을 편안하게 앞으로 내밀고, 어깨를 내리고 뒤로 젖히고, 머리는 정면을 향하는 것이다.[8] 습관적으로 좋은 자세를 유지하는 것은 혈액 순환을 개선하고 신체의 피로와 스트레스를 예방하여 궁극적으로 신체의 전반적인 건강을 향상시킨다.[8]4. 5. 호흡과 호흡 지지 (Breathing and Breath Support)
자연스러운 호흡은 흡기, 호기, 휴식 또는 회복의 세 단계로 이루어지며, 이 단계들은 일반적으로 의식적으로 제어되지 않는다. 노래에서는 흡기(들숨), 조절 준비 단계(유지), 조절된 호기 단계(발성), 회복 단계의 네 단계가 있다.[42]이 단계들은 가수가 조건반사가 될 때까지 의식적으로 제어해야 한다. 많은 가수들이 반사가 완전히 조건화되기 전에 의식적인 제어를 포기하여 결국 만성적인 발성 문제를 야기한다.[42]
4. 6. 비브라토 (Vibrato)
비브라토는 지속적인 음을 더 높거나 낮은 음높이 사이에서 매우 빠르고 일관되게 흔들리게 하여 음에 약간의 떨림을 주는 기법이다. 비브라토는 지속적인 음의 맥박 또는 파동이다.[43] 비브라토는 자연스럽게 발생하며 적절한 호흡 지원과 이완된 발성 기관의 결과이다.[43] 일부 연구에 따르면 비브라토는 성대의 신경근 떨림의 결과이다. 1922년 Max Schoen은 비브라토를 진폭 변화, 자동 제어 부족 및 정상적인 근육 방전의 절반 속도 때문에 떨림과 비교한 최초의 인물이었다.[44] 일부 가수는 표현 수단으로 비브라토를 사용한다. 많은 성공한 예술가들은 깊고 풍부한 비브라토를 낼 수 있다.4. 7. 확장된 발성 기법 (Extended Vocal Technique)
확장된 보컬 기법에는 랩 (음악), 스크리밍, 그로울링, 배음, 슬라이딩, 가성, 요들, 벨팅, 보컬 프라이 레지스터의 사용, 음향 증폭 시스템 사용 등이 포함된다. 음향 증폭 시스템은 마이크, 신호 처리기, 앰프, 스피커의 조합이다. 이러한 장치들의 조합은 또한 리버브, 에코 챔버, 오토 튠 등의 장치를 사용할 수 있다.5. 성악 (Vocal Music)
'''성악'''은 한 명 이상의 가수가 공연하는 음악으로, 일반적으로 노래라고 불리며, 기악 반주와 함께 또는 없이 연주될 수 있다. 성악은 목소리 외에 악기나 장비가 필요하지 않기 때문에 아마도 가장 오래된 형태의 음악일 것이다. 모든 음악 문화에는 어떤 형태의 성악이 있으며, 전 세계 문화에는 오랜 역사를 가진 노래 전통이 많이 있다. 노래를 사용하지만 이를 두드러지게 특징으로 하지 않는 음악은 일반적으로 기악으로 간주된다. 예를 들어, 일부 블루스 록 곡에는 짧고 단순한 콜 앤 리스폰스(call-and-response) 후렴구가 있을 수 있지만, 곡의 중점은 기악 선율과 즉흥 연주에 있다. 성악은 일반적으로 가사라고 불리는 노래 가사를 특징으로 하지만, 언어적이지 않은 음절이나 소리를 사용하여 연주되는 성악의 두드러진 예가 있으며, 때로는 음악적 의성어로 사용된다. 가사가 있는 짧은 성악 작품은 일반적으로 노래라고 불리지만, 클래식 음악에서는 아리아와 같은 용어가 일반적으로 사용된다.
가창 음악은 다양한 형식과 스타일로 작곡되며, 이는 종종 특정 음악 장르 내에서 분류됩니다. 이러한 장르에는 대중음악, 예술 음악, 종교 음악, 세속 음악, 그리고 이러한 장르들의 융합이 포함됩니다. 이러한 더 큰 장르 내에는 많은 하위 장르가 있습니다. 예를 들어, 대중음악은 블루스, 재즈, 컨트리 음악, 이지 리스닝, 힙합, 록 음악 및 기타 여러 장르를 포괄합니다. 재즈의 보컬라이즈와 스캣과 같이 하위 장르 내에 또 다른 하위 장르가 있을 수도 있다.
5. 1. 대중음악과 전통음악 (Popular and Traditional Music)
현대 대중 음악 그룹에서는 주된 보컬 또는 선율을 부르는 리드 싱어가 있고, 노래의 백 보컬 또는 화음을 부르는 백 보컬이 있다. 백 보컬은 노래의 일부, 보통 노래의 후렴구나 배경에서 허밍을 한다. 예외로 5성부 가스펠 음악 아카펠라 음악이 있는데, 리드는 5개의 음성 중 가장 높은 음성으로 데칸트를 부르며 선율을 부르지 않는다.대중 음악은 다양한 보컬 스타일을 포함한다. 힙합 음악은 랩을 사용하는데, 비트 (음악) 위나 반주 없이 리듬감 있는 말로 운율을 전달한다. 블루스 보컬은 표현의 목적으로 장음계보다 약간 낮은 음으로 부르는 블루 노트의 사용을 기반으로 한다. 헤비 메탈 음악과 하드코어 펑크 하위 장르에서는 보컬 스타일에 스크림, 샤우트 및 "데스 그로울"과 같은 특이한 소리가 포함될 수 있다.
대중 음악과 클래식 장르의 라이브 공연의 차이점 중 하나는 클래식 공연자는 소규모에서 중규모 홀에서 앰프 없이 노래하는 경우가 많지만, 대중 음악에서는 마이크와 PA 시스템 (앰프 및 스피커)이 사용된다는 것이다. 마이크의 사용은 "크루닝"과 같은 친밀하고 표현력 있는 노래 스타일의 발전을 촉진했다.
6. 가창 관련 직업 (Careers)
가수들의 급여와 근무 조건은 매우 다양하다. 음악 교육, 합창 지휘 등 다른 음악 분야의 직업은 전일제 급여직을 기반으로 하는 경향이 있는 반면, 노래 관련 직업은 개별 공연이나 일련의 공연에 대한 계약을 기반으로 하는 경향이 있다.[45] 가수 지망생은 음악적 기량, 훌륭한 목소리, 사람들과 함께 일하는 능력, 쇼맨십과 연출 감각을 갖춰야 한다. 또한, 가수는 끊임없이 배우고 향상하려는 야망과 추진력을 가져야 한다.[45]
전문 가수는 기량을 연마하고, 음역대를 확장하며, 새로운 스타일을 배우기 위해 보컬 코치에게 지속적으로 배움을 구한다. 또한, 가수 지망생은 노래를 해석하는 데 사용되는 보컬 기술에 대한 전문적인 기술을 습득하고, 자신이 선택한 음악 스타일의 보컬 문헌에 대해 배우며, 합창 음악 기법, 시창 및 암기, 발성 연습에 대한 기술을 습득해야 한다.[45]
일부 가수는 작곡, 음반 프로듀서, 작사가와 같은 다른 음악 직업을 배우기도 한다. 일부 가수는 유튜브와 스트리밍 미디어 앱에 영상을 올린다. 가수는 오디션을 통해 음악 감독 앞에서 보컬 재능을 구매하는 사람들에게 자신을 홍보한다. 개인이 훈련받은 보컬 음악 스타일에 따라, 그들이 찾는 "재능 구매자"는 음반 회사, A&R 담당자, 음악 감독, 합창 지휘자, 나이트클럽 매니저 또는 콘서트 기획자가 될 수 있다. 보컬 공연의 발췌 내용이 담긴 CD 또는 DVD는 가수의 기량을 입증하는 데 사용된다. 일부 가수는 유료 공연 및 기타 공연 기회를 찾도록 돕기 위해 에이전트나 매니저를 고용한다. 에이전트나 매니저는 종종 가수가 무대에서 공연하여 얻는 수수료의 일정 비율을 받는 방식으로 보수를 받는다.[45]
7. 가창 경연 (Singing Competitions)
노래 실력을 선보이는 여러 텔레비전 프로그램들이 있다. 아메리칸 아이돌(American Idol)은 2002년에 시작되었다. 최초의 노래 경연 리얼리티 쇼는 1995년 Zee TV에서 시작한 Sa Re Ga Ma Pa였다.[46] ''아메리칸 아이돌''에서 참가자들은 심사위원 앞에서 오디션을 치러 할리우드에서 다음 라운드로 진출할 수 있는지 평가받고, 이때부터 경연이 시작된다. 참가자들은 매주 탈락을 거쳐 최종 우승자가 선정된다. 다음 라운드로 진출하기 위한 참가자들의 운명은 시청자 투표로 결정된다. The Voice는 또 다른 노래 경연 프로그램이다. ''아메리칸 아이돌''과 유사하게, 참가자들은 심사위원 앞에서 오디션을 치르지만, 심사위원석은 공연 동안 관객을 향해 있다. 코치들이 아티스트에게 관심이 있다면 버튼을 눌러 그들을 코칭하고 싶다는 의사를 표시한다. 오디션이 끝나면 코치들은 아티스트 팀을 갖게 되고 경연이 시작된다. 코치들은 자신의 아티스트를 지도하고 최고의 가수를 찾기 위해 경쟁한다. 다른 유명한 노래 경연으로는 The X Factor, 아메리카 갓 탤런트(America's Got Talent), Rising Star, The Sing-Off 등이 있다.
노래 경연의 또 다른 예로는 돈 포겟 더 리릭스! (Don't Forget the Lyrics!)가 있는데, 이 쇼의 참가자들은 다양한 장르의 노래 가사를 정확하게 기억하여 현금을 획득하기 위해 경쟁한다. 이 쇼는 예술적 재능 (아름다운 방식으로 노래하거나 춤을 추는 능력 등)이 참가자의 우승 가능성과 관련이 없다는 점에서 다른 많은 음악 기반 게임 쇼와 대조를 이룬다. 첫 방송 전에 공개된 광고에서 "노래를 잘 부를 필요는 없습니다. 그냥 제대로 부르기만 하면 됩니다."라고 말한다. 이와 유사하게 The Singing Bee는 노래방 노래 부르기와 철자 퀴즈 스타일의 경연을 결합하여, 참가자들이 인기 있는 노래의 가사를 기억하려고 노력하는 모습을 보여준다.
8. 가창과 언어 (Singing and Language)
모든 구어는 음높이, 구절, 억양을 통해 노래에 영향을 미치는 고유한 음악성을 가지고 있다.
8. 1. 미국 수화: 예술적인 수화 노래 (American Sign Language: Artistic Song Signing)
예술적인 수화 수행자는 노래의 가사를 미국 수화(ASL)로 번역한다.[47] 이들은 기존의 수화를 수정하고, 수화의 세 가지 기본 매개변수를 통해 새로운 수화를 창조하며, 전형적인 수화 공간을 조작하여 "리듬, 음고, 구절, 음색"을 표현한다.[47] 예술적인 수화 수행자는 청각 장애인, 청인 또는 난청인일 수 있다.[47] 2023년 슈퍼볼 하프타임 쇼에서 리한나의 공연을 ASL로 통역한 저스티나 마일스(Justina Miles)와 유튜브에서 수화 노래를 만든 스티븐 토렌스/Stephen Torrence영어가 그 예시이다.[47] [48]8. 2. 신경학적 측면 (Neurological Aspects)
최근 음악과 언어, 특히 가창 간의 연관성에 대한 많은 연구가 이루어졌다. 이 두 과정이 매우 유사하면서도 다르다는 점이 점점 더 명확해지고 있다. 고막에서 시작하여 음파가 음위도로 변환된 후 곧이어 "언어와 음악은 별도의 처리 회로로 분기될 것"이라고 레비틴은 설명한다.[49] 언어와 음악 모두에 사용되는 뇌 영역이 여러 개 있는데, 예를 들어 구어 및 수화 언어의 구문 처리뿐만 아니라 음악적 구문 및 언어의 의미론적 측면과 관련된 브로드만 영역 47이 있다. 레비틴은 "음악을 듣고 그 구문적 특징에 주의를 기울이는 것"이 언어의 구문적 과정과 유사하게 뇌의 이 부분을 활성화시킨다는 연구 결과를 설명한다. 또한 "음악적 구문론은 ... 브로카 영역과 같은 언어 구문을 처리하는 영역과 인접하고 겹치는 영역에 국한되어 있으며", "음악적 의미론과 관련된 영역은 ... 베르니케 영역 근처에 [국한된] 것으로 보인다."[49]가창은 뇌졸중 환자의 언어 회복에 도움이 되는 것으로 나타났다. 신경학자 고트프리트 슐라우그에 따르면, 언어에 해당하는 영역이 뇌의 오른쪽, 즉 좌반구에 존재한다.[50] 이 영역은 통상적으로 "노래 센터"라고 불린다. 뇌졸중 환자에게 단어를 노래하도록 가르침으로써 뇌의 이 영역을 언어 훈련에 활용할 수 있다. 따라서 뇌의 우반구에서 "노래 센터"는 언어 생성을 돕도록 재훈련될 수 있다.[51]
8. 3. 억양과 가창 (Accents and Singing)
사람의 말하는 방언이나 억양은 노래를 부를 때 사용하는 일반적인 노래 억양과 크게 다를 수 있다.[52][53] 사람들은 노래를 부를 때, 자신의 지역 억양이나 방언보다는 일반적으로 자신이 부르는 음악 스타일에 사용되는 억양 또는 중립적 억양을 사용한다.[52][53] 음악 스타일과 해당 스타일의 인기 중심지/지역이 출신 지역보다 사람의 노래 억양에 더 큰 영향을 미친다. 예를 들어, 영어의 경우, 영국의 록 또는 대중음악 가수들은 종종 영국 억양 대신 미국 억양 또는 중립적 억양으로 노래를 부른다.[52][53]참조
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