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녹음과 재생

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목차

1. 개요

녹음과 재생은 소리를 기록하고 다시 들을 수 있게 하는 기술 및 그 과정을 의미한다. 역사는 악보를 통한 기록에서 시작하여 기계적 장치를 거쳐, 1857년 포노토그래프의 발명으로 실제 소리를 기록하는 단계로 발전했다. 1877년 에디슨의 축음기 발명은 실용적인 소리 녹음 및 재생 시대를 열었고, 이후 전기 녹음, 광학 및 자기 녹음 기술을 거쳐 스테레오 및 하이파이 기술로 발전했다. 디지털 시대에는 디지털 녹음 기술과 CD의 등장으로 녹음 품질과 내구성이 향상되었으며, 다양한 디지털 오디오 파일 형식과 휴대용 디지털 오디오 플레이어가 개발되었다. 오늘날 녹음 제작 과정은 트래킹, 믹싱, 마스터링으로 구분되며, 멀티트랙 녹음과 다양한 장비를 통해 고품질의 녹음이 가능해졌다. 녹음 기술은 음악 발전에 큰 영향을 미쳤으며, 법적 측면에서는 저작권과 관련된 규정이 존재한다.

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녹음과 재생
녹음 및 재생
개요
종류아날로그 녹음
디지털 녹음
관련 기술음향
녹음 기술
역사
발명토머스 에디슨 (1877년)
최초 장치축음기
초기 매체왁스 실린더
녹음 매체
아날로그축음기 레코드판
자기 테이프
컴팩트 카세트
디지털광 디스크 (CD, DVD, Blu-ray)
하드 디스크 드라이브
반도체 메모리 (플래시 메모리)
응용 분야
음악음반 제작, 라이브 녹음
방송라디오, 텔레비전 프로그램 제작
영화영화 사운드트랙 제작
법률법정 증거 기록
과학음향학 연구, 데이터 기록
개인개인적인 기록, 음성 메모
관련 인물
초기 개척자토머스 에디슨
에밀 베를리너
주요 엔지니어레스터 윌리엄 폴프스
마빈 캄라스
관련 단체
표준화 기구AES (Audio Engineering Society)
SMPTE (Society of Motion Picture and Television Engineers)

2. 역사

소리 녹음 기술의 역사는 음악을 기계적으로 기록하는 방식에서 시작하여, 실제 소리를 포착하고 재생하는 기술로 발전했다. 초기에는 악보나 뮤직 박스, 자동 오르간 등으로 음악 정보를 기록했다.

실제 소리를 처음 기록한 장치는 1857년 에두아르 레옹 스코트 드 마르탱빌의 포노토그래프였으나 재생은 불가능했다.[8] 소리 녹음과 재생의 실질적인 시작은 1877년 토머스 에디슨의 실린더 축음기 발명이다.[12][13] 이후 에밀 베를리너가 디스크 방식을 개발하여[16] 대량 생산과 보급의 길을 열었고, 이는 음반 산업 성장의 기틀이 되었다.

초기 어쿠스틱 녹음의 음질 한계는 1920년대 전기 녹음 기술 도입으로 극복되었다. 마이크와 증폭기를 사용한 이 방식은 음질을 획기적으로 개선했다. 같은 시기 영화 산업에서는 필름에 소리를 기록하는 광학 녹음이 토키 영화 시대를 열었다.

자기 기록 기술은 와이어 레코더를 거쳐 자기 테이프로 발전했다. 편집 용이성과 반복 녹음 기능은 방송과 음악 제작 환경에 혁신을 가져왔고, 멀티트랙 레코더 발명으로 이어졌다.

음반 포맷은 78rpm 셸락 디스크에서 장시간 재생이 가능한 LP와 휴대용 싱글 레코드로 진화했으며, 비닐 소재 도입은 음질과 내구성을 높였다. 1950년대 이후 스테레오 녹음이 보편화되었고, 하이파이 오디오 시스템과 함께 고음질 추구가 확산되었다. 컴팩트 카세트와 휴대용 플레이어는 음악 감상 환경을 개인화했으며, 디지털 녹음 기술은 음질 열화 없는 복제와 저장을 가능하게 하여 현대 디지털 오디오 시대를 열었다.

2. 1. 초기 역사

기계식 오르간, 1650년


소리가 처음 녹음되기 훨씬 전부터 음악은 다양한 방식으로 기록되었다. 처음에는 악보를 통해 기록되었고, 이후에는 기계 장치를 이용한 기록 방식이 등장했다. 예를 들어 태엽으로 작동하는 뮤직 박스는 회전하는 원통이나 디스크에 부착된 핀이 금속 갈퀴를 튕겨 멜로디를 연주하는 방식이었다. 자동 음악 재생의 역사는 9세기까지 거슬러 올라가는데, 당시 바누 무사 형제는 교체 가능한 실린더를 사용하는 수력식 오르간을 발명했다. 찰스 B. 파울러에 따르면, 표면에 핀이 튀어나온 이 실린더는 19세기 후반까지 음악을 기계적으로 생성하고 재생하는 기본적인 장치로 사용되었다.[1][2]

14세기에는 회전하는 실린더로 제어되는 기계식 종 치는 장치가 플랑드르 지역에 도입되었다. 이와 유사한 방식은 15세기의 배럴 오르간, 1598년의 음악 시계, 1805년의 배럴 피아노, 그리고 1800년경의 뮤직 박스 등 다양한 자동 악기에 적용되었다. 뮤직 박스는 회전하는 실린더나 디스크에 배열된 핀들이 조율된 강철 빗살(''라멜라'')을 튕겨 소리를 내는 원리로 작동했다.

1876년에 처음 시연된 피아노 롤은 구멍이 뚫린 긴 종이 두루마리를 사용하여 연주 정보를 저장하는 방식이었다. 이를 통해 긴 곡의 연주를 기록하고 재생할 수 있었다. 특히 정교한 피아노 롤 중에는 실제 연주자가 특수 제작된 피아노로 연주한 것을 그대로 기록하여 만든 "수동 연주" 롤도 있었다. 이는 단순히 악보를 옮겨 구멍을 뚫는 방식보다 실제 연주의 뉘앙스를 담아낼 수 있었다. 라이브 연주를 피아노 롤에 기록하는 기술은 1904년에 개발되었으며, 피아노 롤은 1896년부터 2008년까지 대량 생산되었다.[5][6] 1908년 미국 대법원의 저작권 관련 판결 기록에 따르면, 1902년 한 해에만 7만에서 7만 5천 대의 피아노 롤 연주 장치가 제조되었고, 100만에서 150만 개의 피아노 롤이 생산되었다고 한다.[7]

한편, 1560년대 로슬린 예배당의 조각 중 일부는 소리가 돌 표면에 만들어내는 클라드니 패턴을 기록하려 한 시도로 해석되기도 하지만, 이는 아직 명확히 증명된 이론은 아니다.[3][4]

공기 중의 실제 소리 파동을 기록할 수 있는 최초의 장치는 1857년 파리의 발명가 에두아르 레옹 스코트 드 마르탱빌이 특허를 받은 포노토그래프였다. 하지만 이 장치는 소리를 시각적인 형태로 기록할 뿐, 다시 재생하는 기능은 없었다. 사람의 목소리를 기록한 가장 오래된 자료는 1857년에 포노토그래프로 만들어진 기록, 즉 '포노토그램'이다.[8] 포노토그램은 소리의 진동에 따라 움직이는 바늘(스타일러스)이 그을음으로 코팅된 종이 위를 지나가면서 그 흐름을 흰색 선으로 새겨 만드는 방식이었다. 1860년에 기록된 프랑스 민요 "달빛 아래서 (Au Clair de la Lune)"의 포노토그램은 2008년에 이르러 스캔 기술과 소리 변환 소프트웨어를 통해 처음으로 실제 소리로 복원되어 재생될 수 있었다.[8][9]

1877년 4월 30일, 프랑스의 시인이자 발명가인 샤를 크로는 자신이 고안한 소리 기록 및 재생 방법인 '팔레오폰(Paléophone)'에 대한 설명을 담은 문서를 봉인하여 프랑스 과학 아카데미에 제출했다.[10] 실제로 작동하는 팔레오폰이 만들어졌다는 증거는 없지만, 크로는 일부 역사가들에 의해 음성 기록 및 재생 장치의 초기 발명가 중 한 명으로 평가받는다.[11]

최초로 소리를 녹음하고 재생까지 할 수 있었던 실용적인 장치는 1877년 토머스 에디슨이 발명하고 1878년에 특허를 받은 기계식 축음기였다.[12][13] 에디슨의 축음기는 곧 전 세계적으로 알려졌고, 이후 20년 동안 음반의 상업적 녹음, 유통, 판매는 새로운 국제 산업으로 성장했다. 1900년대 초에는 인기 있는 음반들이 수백만 장씩 팔려나갔다.[14] 1901년에는 기존의 조각 방식 대신 틀을 이용하여 왁스 실린더 음반을 대량 복제하는 공정이 도입되었다.[15] 이러한 대량 생산 기술의 발달로 실린더 음반은 산업 국가에서 주요 소비재로 자리 잡았으며, 1880년대 후반부터 1910년경까지 가장 대중적인 음반 형식이었다.

2. 2. 축음기 (Phonograph)

소리를 기록하려는 최초의 시도는 1857년 프랑스 발명가 에두아르 레옹 스코트 드 마르탱빌이 특허를 낸 포노토그래프였다. 이 장치는 소리를 시각적인 파형으로 기록했지만, 재생 기능은 없었다. 사람의 목소리를 담은 가장 오래된 기록은 1857년에 만들어진 포노토그램이며, 1860년에 녹음된 프랑스 민요 "달빛 아래서 (Au Clair de la Lune)"는 훗날 디지털 기술로 복원되어 소리로 재생될 수 있었다.[8][9]

토머스 에디슨은 전신과 전화 기술을 연구하던 중 축음기를 개발하게 되었다. 그는 1877년 전신 신호를 종이 테이프에 기록하여 반복 전송하는 장치를 연구하고 있었다. 한편, 프랑스의 시인이자 발명가인 샤를 크로는 1877년 4월, 소리를 녹음하고 재생하는 방법인 '팔레오폰'에 대한 아이디어를 파리 과학 아카데미에 제출했다.[10] 비록 크로가 실제로 작동하는 장치를 만들었다는 증거는 없지만, 일부 역사가들은 그를 음성 기록 및 재생 장치의 초기 발명가 중 한 명으로 평가한다.[11]

최초로 실용화된 소리 녹음 및 재생 장치는 1877년 토머스 에디슨이 발명하고 1878년에 특허를 받은 기계식 축음기 실린더였다.[12][13] 이 발명은 빠르게 전 세계로 퍼져나갔고, 이후 20년간 음반의 상업적 녹음, 유통, 판매는 새로운 국제 산업으로 성장했다. 1900년대 초에는 인기 있는 음반들이 수백만 장씩 팔릴 정도였다.[14] 1901년에는 조각 대신 틀을 이용해 왁스 실린더를 대량 복제하는 공정이 도입되었다.[15] 대량 생산 기술 덕분에 실린더 레코드는 주요 소비재가 되었고, 1880년대 후반부터 1910년경까지 가장 널리 사용되는 음반 형식이었다.

에밀 베를리너와 디스크 레코드 축음기


다음 주요 기술 발전은 에밀 베를리너가 1887년에 특허를 받은 축음기 레코드였다.[16] 비록 알렉산더 그레이엄 벨 등이 1881년에 유사한 디스크 장치를 시연한 바 있지만,[17] 베를리너의 방식이 상업적으로 성공했다. 디스크는 실린더보다 제조, 운송, 보관이 쉬웠고 소리도 더 크게 낼 수 있다는 장점이 있었다. 축음기 레코드 판매량은 1910년경 실린더를 넘어섰고, 제1차 세계 대전이 끝날 무렵에는 디스크가 지배적인 상업 음반 형식이 되었다. 실린더 방식의 주요 생산자였던 에디슨은 시장 경쟁에 대응하기 위해 에디슨 디스크 레코드를 출시하기도 했다.

양면에 녹음된 78rpm 셸락 디스크는 1910년대 초부터 1950년대 후반까지 표준적인 소비자 음악 형식으로 자리 잡았다. 초기에는 다양한 회전 속도의 디스크가 존재했지만, 주요 음반사들은 결국 분당 78회전이라는 사실상의 산업 표준에 합의했다. 정확히는 미국에서는 78.26rpm, 그 외 지역에서는 77.92rpm이었는데, 이는 디스크 커팅 선반과 턴테이블 보정에 사용된 스트로보스코프의 주파수 차이 때문이었다.[18] 이 때문에 78rpm 디스크는 흔히 "78"이라는 별칭으로 불렸다. 이 디스크는 셸락이나 유사한 깨지기 쉬운 플라스틱 재질로 만들어졌고, 강철, 가시나무, 사파이어 등 다양한 재질의 바늘로 재생되었다. 제조 방식에 따라 디스크의 수명은 제한적이었다.

초기의 순수 음향 녹음 방식은 감도와 주파수 범위에 한계가 있었다. 중간 주파수대의 소리는 잘 녹음되었지만, 매우 낮거나 높은 주파수의 소리는 기록하기 어려웠다. 예를 들어 바이올린 소리를 디스크에 담는 것은 쉽지 않았는데, 이를 해결하기 위해 바이올린 브리지에 연결된 진동판과 원뿔형 혼을 사용하는 스트로 바이올린 같은 특수한 악기가 사용되기도 했다. 이후 전기를 이용한 녹음 방식이 개발되면서 이러한 혼은 더 이상 필요하지 않게 되었다.

1948년 컬럼비아 레코드는 33⅓rpm으로 더 긴 시간 재생이 가능한 LP를 개발하여 도입했다. 이듬해인 1949년에는 RCA 빅터가 짧지만 편리한 약 17.78cm 크기의 45rpm 마이크로 그루브 비닐 싱글 레코드를 출시했다. 미국을 비롯한 대부분의 선진국에서 이 두 가지 새로운 비닐 형식은 1950년대 말까지 78rpm 셸락 디스크를 완전히 대체했다. 하지만 세계 일부 지역에서는 1960년대까지도 78rpm 디스크가 사용되었다.[19] 비닐은 셸락보다 가격이 비쌌지만, LP와 같이 긴 재생 시간이 필요한 경우에는 그 비용이 감수할 만했다. 45rpm 싱글은 필요한 재료가 매우 적었다. 비닐은 또한 녹음과 재생 성능 면에서도 우수했으며, 이전의 셸락 디스크에 비해 훨씬 덜 깨지는 내구성을 가졌다. 이 때문에 비닐 레코드는 "깨지지 않는(unbreakable)" 음반으로 광고되기도 했다.

2. 3. 전기 녹음 (Electrical Recording)

음향 녹음은 순전히 기계적인 과정으로 시작되었다. 증폭 수단이 없는 몇몇 조잡한 전화 기반 녹음 장치를 제외하면, 1920년대까지는 소리를 기계적으로만 기록했다. 1877년 축음기 발명 이후 음향 녹음 역사에서 가장 중요한 발전은 1920년대에 등장한 전기 녹음(Electrical Recording) 기술이었다.

전기 녹음은 마이크를 사용하여 소리를 전기 신호로 변환하고, 이 신호를 증폭하여 녹음 스타일러스(바늘)를 움직여 소리를 기록하는 방식이다. 이 혁신은 이전 음향 녹음 방식의 특징이었던 이른바 '혼 사운드'(horn sound)라고 하는 공명 현상을 제거했다. 또한, 녹음 가능한 오디오 주파수 범위를 크게 넓혀 훨씬 더 선명하고 풍부한 소리를 담을 수 있게 되었다. 이전에는 녹음하기 어려웠던 멀리 있거나 희미한 소리도 포착할 수 있게 되었다. 이 시기 전자 공학 분야에서는 라디오 관련 기술 발전이 녹음 과정에 큰 영향을 미쳤는데, 개선된 마이크와 전자 필터 같은 보조 장치들이 개발되었고, 이 모든 기술은 전자 증폭기의 발전에 힘입어 실용화될 수 있었다.

1906년, 리 드 포레스트는 약한 전기 신호를 증폭시킬 수 있는 오디온 3극 진공관을 발명했다. 이 진공관은 1915년경에는 뉴욕과 샌프란시스코를 잇는 장거리 전화 회선에 사용될 정도로 발전했으며, 1950년대 중반 트랜지스터 기반 오디오 장치가 등장하기 전까지 모든 전자 음향 시스템의 핵심 부품으로 사용되었다.

제1차 세계 대전 중에는 미국과 영국 엔지니어들이 독일 잠수함의 소리를 탐지하고 분석하기 위해 소리를 녹음하고 재생하는 방법을 연구했다. 하지만 당시의 음향 녹음 기술로는 소리를 정확하게 재현할 수 없었고 초기 결과는 만족스럽지 못했다.

대중에게 처음으로 공개된 전기 녹음은 1920년 11월 11일, 런던 웨스트민스터 사원에서 열린 무명 용사의 장례식 실황이었다. 녹음 엔지니어들은 당시에 사용되던 전화기용 마이크 여러 개를 사원 내부에 설치하고 외부 차량에 있는 녹음 장비와 연결했다. 전자 증폭 기술이 사용되었지만, 당시 기술 수준의 한계로 녹음된 소리는 약하고 불분명했다. 그럼에도 불구하고 이 녹음은 몇 년 동안 유일하게 발행된 전기 녹음 기록으로 남았다.

1920년대 초, 올랜도 마쉬와 같은 독립 발명가들과 일부 음반 회사들은 독자적으로 전기 녹음 장비와 기술을 실험했다. 마쉬는 1924년에 자신의 전기 녹음 방식인 오토그래프 레코드(Autograph Records)를 시장에 내놓았는데, 이는 주요 음반사들이 전기 녹음 음반을 출시하기 1년 전이었다. 하지만 그의 녹음은 전반적인 음질 면에서 기존 음향 녹음 방식보다 뚜렷한 장점을 보여주지 못했고, 그의 독특한 마이크 기술은 이후 다른 시스템 개발에 큰 영향을 주지 못했다.[20]

RCA-44는 1932년에 출시된 클래식 리본 마이크이다. 유사한 장치들은 1940년대에 녹음 및 방송에 널리 사용되었으며, 오늘날에도 가끔 사용된다.


한편, 전화 산업의 거대 기업이었던 웨스턴 일렉트릭(Western Electric)은 다른 어떤 음반 회사나 독립 발명가도 따라올 수 없는 막대한 연구 자원과 인력을 보유하고 있었다. 그들은 1916년에 개발되어 1922년에 크게 개선된 고성능 콘덴서 마이크[21]를 비롯해 최고의 앰프와 테스트 장비를 갖추고 있었다. 이미 1918년에 전자기 방식 녹음기에 대한 특허를 확보했던 웨스턴 일렉트릭은 1920년대 초, 자사의 기술력을 집중하여 전자적으로 소리를 녹음하고 재생하는 두 가지 첨단 시스템 개발에 착수했다. 하나는 기존의 디스크 레코드 방식을 개선하는 것이었고, 다른 하나는 영화 필름에 소리를 광학적으로 기록하는 방식이었다. 웨스턴 일렉트릭의 엔지니어들은 전기 회로와 기계적 시스템 간의 유사성을 이용하는 방법을 개척하여, 디스크 원판(왁스 마스터)에 소리골을 새기는 성능이 뛰어난 "고무 라인"(rubber-line) 방식의 녹음기를 개발했다.[22]

1924년까지 웨스턴 일렉트릭은 상당한 기술적 진전을 이루었고, 당시 양대 음반사였던 빅터 토킹 머신 컴퍼니(Victor Talking Machine Company)와 콜롬비아 레코드(Columbia Records)를 대상으로 시연회를 열었다. 두 회사는 곧 웨스턴 일렉트릭의 시스템 사용 라이선스를 획득했고, 1925년 2월에 최초의 전기 녹음 음반을 발표했다. 하지만 실제 출시는 몇 달 뒤에 이루어졌다. 기존에 발매된 막대한 양의 음향 녹음 음반들이 하루아침에 구식이 되는 것을 피하기 위해, 두 경쟁사는 1925년 11월까지 새로운 전기 녹음 방식에 대한 대대적인 홍보를 자제하기로 비밀리에 합의했다. 이 시점까지 충분한 양의 전기 녹음 레퍼토리를 확보하여 시장 수요에 대비하려는 목적이었다. 이후 몇 년 동안 다른 소규모 음반사들도 웨스턴 일렉트릭 시스템을 라이선스하거나 자체적인 전기 녹음 시스템을 개발했다. 1929년경에는 저가 레이블인 하모니 레코드(Harmony Records) 정도를 제외하고는 대부분의 음반사가 더 이상 구식 음향 녹음 방식으로 새 음반을 제작하지 않게 되었다.

초기 전기 녹음 음반들은 웨스턴 일렉트릭의 테스트 녹음에 비해 의도적으로 주파수 범위가 제한되었다. 이는 당시 보급된 기계식 또는 초기 전기식 재생 장비들이 매우 낮은 저주파수나 강하게 녹음된 고주파수를 제대로 재생하지 못하고 오히려 기기에 무리를 주거나 디스크를 빠르게 마모시키는 문제를 막기 위한 조치였다.

2. 4. 광학 및 자기 녹음

1920년대에 포노필름과 다른 초기 영화 음향 시스템은 오디오 신호를 사진 필름에 그래픽으로 기록하는 광학 녹음 기술을 사용했다. 이 방식은 소리 신호의 진폭 변화를 이용하여 좁은 슬릿을 통과하는 광원의 빛을 조절하고, 이를 움직이는 필름 위에 촬영하여 소리 정보를 필름 사운드 트랙의 밀도나 폭의 변화로 기록하는 원리이다.[22] 영사기에서는 필름의 사운드 트랙에 빛을 비추고 광 검출기를 사용하여 빛의 변화를 다시 전기 신호로 변환한 뒤, 증폭하여 화면 뒤의 스피커로 소리를 재생했다. 아이러니하게도 유성 영화 시대를 연 것으로 평가받는 ''재즈 싱어''(1927)는 광학 사운드트랙 대신 Vitaphone 사운드 온 디스크 시스템을 사용했다.

광학 사운드는 전 세계적으로 표준 영화 오디오 시스템으로 자리 잡았으며, 1950년대에 자기 사운드트랙으로 대체하려는 시도가 있었음에도 불구하고 극장 개봉용 인쇄물에는 계속 사용되고 있다. 현재 35mm 영화 필름으로 제작되는 대부분의 개봉 영화 필름에는 일반적으로 돌비 SR 소음 감소 기술이 적용된 아날로그 광학 사운드트랙이 포함된다. 또한, 돌비 디지털이나 소니 SDDS 형식의 광학적으로 기록된 디지털 사운드트랙이 함께 기록되기도 하며, DTS 사운드트랙이 담긴 CD-ROM과의 동기화를 위한 타임코드 역시 광학적으로 기록되는 경우가 많다.

자기 녹음 기술의 초기 형태는 덴마크 발명가 발데마르 폴센의 연구에 기반한 자기 와이어 레코더였다. 와이어 레코더는 효과적이었으나 음질이 좋지 않아 주로 음성 녹음이나 비즈니스용 받아쓰기 기계로 사용되었다. 1924년 독일 엔지니어 쿠르트 슈틸레는 전자 증폭기를 사용하여 폴센의 텔레그라폰을 개선했고,[23] 이듬해 루트비히 블랫너는 강철 테이프를 사용하는 블랫너폰 개발에 착수했다.[24] BBC는 1930년부터 라디오 프로그램 녹음을 위해 블랫너폰을 사용하기 시작했다. 1933년 굴리엘모 마르코니의 회사가 블랫너폰의 권리를 인수했고, 새로 개발된 마르코니-슈틸레 레코더는 1935년 BBC의 마이다 베일 스튜디오에 설치되었다.[25] 이 초기 자기 녹음기들은 면도날과 같은 재질의 강철 테이프를 사용했는데, 녹음 속도가 매우 빨라야 했기 때문에 지름이 약 1m에 달하는 거대한 릴을 사용했다. 얇은 강철 테이프는 자주 끊어져 위험했으며, 기술자들은 안전을 위해 다른 방에서 기계를 조작해야 했다.

자기 오디오 테이프: 아세테이트 기반(왼쪽)과 폴리에스터 기반(오른쪽)


자기 테이프 녹음 기술은 1930년대 독일의 오디오 엔지니어들에 의해 크게 발전했다. 이 기술은 증폭된 전기 오디오 신호를 사용하여 테이프 헤드가 만드는 자기장의 변화를 생성하고, 이를 움직이는 테이프 위에 자화 패턴으로 기록한다. 재생 시에는 테이프 헤드가 테이프의 자화 변화를 감지하여 전기 신호를 생성하는 역과정을 거친다.[26] 초기 강철 리본은 곧 코팅된 종이 테이프로 대체되었고, 이후 아세테이트가 표준 테이프 베이스가 되었다. 아세테이트는 인장 강도가 약하고 쉽게 끊어지는 단점이 있어 최종적으로는 더 튼튼한 폴리에스터로 대체되었다. 독일 엔지니어들은 또한 AC 바이어스 원리(1920년대 와이어 레코더에 처음 사용됨)를 재발견하여 테이프 녹음의 주파수 응답을 획기적으로 개선했다. 최초의 실용적인 테이프 레코더로 평가받는 K1 마그네토폰은 1935년 독일 AEG에 의해 개발되었다.

제2차 세계 대전 이후, 미국 오디오 엔지니어 존 T. 멀린이 독일에서 가져온 마그네토폰을 개조하고 개선했으며, 빙 크로스비 엔터프라이즈의 지원을 받아 기술 발전에 기여했다. 1940년대 후반, 암펙스 사는 미국 최초의 상업용 테이프 레코더를 생산했다.

일반적인 컴팩트 카세트


자기 테이프는 녹음 및 라디오 산업에 혁명을 가져왔다. 테이프는 여러 번 녹음, 삭제, 재녹음이 가능했고, 음질 저하를 최소화하면서 테이프 간 복제가 용이했다. 또한 테이프를 물리적으로 자르고 이어 붙여 매우 정밀한 편집이 가능해졌다.

1948년 암펙스 200 모델 출시 직후, 미국 음악가이자 발명가인 레 스폴은 최초의 멀티트랙 테이프 레코더를 발명하여 녹음 기술에 또 다른 혁신을 가져왔다. 자기 테이프는 구체 음악이나 카를하인츠 슈톡하우젠과 같은 아방가르드 작곡가들의 실험적인 전자 음악 제작을 가능하게 했고, 이는 비틀즈나 비치 보이스 같은 대중음악 아티스트들의 혁신적인 녹음 방식에도 영향을 미쳤다.

테이프 편집의 용이성과 높은 오디오 품질 덕분에 라디오 방송국들은 이전에는 주로 생방송으로 진행되던 프로그램을 미리 녹음하여 방송할 수 있게 되었다. 또한 방송 내용 전체를 기록하여 보관하는 것이 가능해졌다. 멀티트래킹이나 테이프 에코 같은 기술은 라디오 프로그램과 광고 제작의 복잡성과 정교함을 크게 향상시켰고, 무한 루프 방송 카트리지와 같은 발명품과 결합하여 라디오 콘텐츠와 광고의 속도감과 제작 스타일에 큰 변화를 가져왔다.

2. 5. 스테레오 및 하이파이

1881년, 파리 오페라에서 소리 전송 실험 중 서로 다른 마이크에 연결된 이어폰을 양쪽에 대면 무대 위 가수의 움직임을 따라갈 수 있다는 사실이 밝혀졌다. 이는 스테레오 효과의 초기 발견으로, 1890년 테아트르폰 시스템으로 상용화되어 1932년까지 40년 이상 운영되었다.

1931년, EMI 소속 영국의 전자 엔지니어 앨런 블럼레인은 영화 속 배우의 소리가 화면을 따라 움직이는 효과를 구현하는 방법을 고안했다. 그는 이 아이디어를 담아 1931년 12월 특허를 출원했고, 1933년 영국 특허 번호 394,325로 등록되었다.[27] 이후 2년간 블럼레인은 스테레오 마이크와 스테레오 디스크 커팅 헤드를 개발하고, 스테레오 사운드트랙을 적용한 단편 영화들을 제작했다.

1930년대에는 자기 테이프 기술의 발달로 고음질 스테레오 사운드를 녹음하고 재생할 수 있는 실용적인 상업용 시스템 개발의 기반이 마련되었다. 하지만 초기 스테레오 실험은 동기화 문제로 어려움을 겪었다. 스테레오 사운드 기술의 중요한 진전은 1937년 벨 연구소에서 이루어졌는데, 필름에 두 개의 광학 사운드 트랙을 사용하는 실용적인 2채널 스테레오 시스템을 시연했다.[28] 주요 영화 스튜디오들은 곧 3트랙 및 4트랙 사운드 시스템 개발에 나섰다. 상업 영화를 위한 최초의 스테레오 사운드 녹음은 1938년 주디 갈랜드가 MGM 영화 ''들어봐, 달링''을 위해 진행한 것으로 알려져 있다.

스테레오 사운드트랙을 갖춘 최초의 상업 영화는 1940년에 개봉된 월트 디즈니의 ''환타지아''였다. 1941년, 환타지아는 환타사운드라는 독자적인 사운드 시스템을 사용했다. 이 시스템은 영상 필름과 동기화되는 별도의 사운드 필름을 사용했으며, 이 사운드 필름에는 왼쪽, 중앙, 오른쪽 오디오를 위한 3개의 트랙과 각 채널의 볼륨을 제어하는 '제어 트랙'까지 총 4개의 이중 폭 광학 사운드트랙이 포함되었다. 환타사운드는 복잡한 장비가 필요했기 때문에 디즈니는 미국 내에서만 로드쇼 형태로 상영했다. 일반적인 영화 개봉은 1956년까지 표준 모노 광학 35 mm 필름을 사용했으며, 이후 디즈니는 시네마스코프 4트랙 자기 사운드 시스템을 이용한 스테레오 사운드트랙 영화를 개봉했다.

한편, 독일의 오디오 엔지니어들은 자기 테이프를 이용하여 1941년까지 스테레오 녹음을 개발했다. 제2차 세계 대전 중 제작된 약 250개의 스테레오 녹음 중 현재는 발터 기제킹과 아르투르 로터가 참여한 베토벤 피아노 협주곡 5번, 브람스 세레나데, 헤르베르트 폰 카라얀 지휘의 브루크너 교향곡 8번 마지막 악장 등 세 개만이 남아있는 것으로 알려져 있다. 다른 초기 독일 스테레오 테이프들은 전쟁 중 폭격으로 소실된 것으로 추정된다. 스테레오 테이프 녹음이 상업적으로 실용화된 것은 앰펙스가 1940년대 후반 최초의 상업용 2트랙 테이프 레코더를 출시한 이후였다. 그러나 멀티트랙 테이프가 등장했음에도 스테레오는 1950년대까지 주로 전문가 시장에 머물렀고, 상업 음악 녹음의 표준이 되지는 못했다.

상업용 스테레오 테이프를 처음으로 출시한 회사는 영국의 EMI였다. 1954년 첫 번째 '스테레오소닉' 테이프를 선보였고, 이후 His Master's Voice (HMV)와 컬럼비아 레이블 등이 뒤따랐다. 총 161개의 스테레오소닉 테이프가 출시되었으며, 대부분 클래식 음악이나 서정적인 녹음이었다. RCA는 이 테이프들을 미국으로 수입하여 판매했다. 1950년대 후반 미국에서는 2트랙 스테레오 테이프가 점차 성공을 거두기 시작했다.

스테레오 녹음의 대중화에 결정적인 계기가 된 것은 1957년 후반 웨스트렉스 스테레오 레코드의 도입이었다. 이 레코드는 앨런 블럼레인이 이전에 개발했던 그루브 방식을 사용했다. 음질 향상 측면에서는 영국의 데카 레코드가 1940년대에 개발한 FFRR (Full Frequency Range Recording, 전 대역 녹음) 기술이 중요한 역할을 했다. FFRR은 바이닐 레코드에서 더 높은 음질을 구현하는 세계적인 표준으로 자리 잡았다. 특히 1946년 에르네스트 앙세르메가 지휘한 이고르 스트라빈스키의 ''페트루슈카'' 녹음은 FFRR 기술 개발의 핵심이었으며, 고음질(하이파이)에 대한 대중의 관심을 높이는 데 기여했다.[29]

1960년대 중반까지 대부분의 대중 음악은 모노 사운드로 믹싱되어 출시되었다. 1960년대 중반부터 1970년대 초까지는 주요 음반들이 모노와 스테레오 버전으로 함께 발매되는 경우가 많았다. 기존에 모노로만 출시되었던 녹음들은 리믹싱이나 의사 스테레오 같은 기술을 통해 스테레오로 재가공되어 출시되기도 했다.

2. 6. 1950년대~1980년대



자기 테이프 녹음 기술은 1930년대 독일에서 개발되어 제2차 세계 대전 이후 미국에서 존 T. 멀린과 암펙스 사 등에 의해 더욱 발전했다. 초기에는 종이나 아세테이트 기반 테이프가 사용되었으나, 내구성이 더 뛰어난 폴리에스터 테이프가 표준으로 자리 잡았다. AC 바이어스 원리의 재발견은 테이프 녹음의 주파수 응답을 획기적으로 개선했다.[26]

1950년대 초반까지 대부분의 상업용 음반은 디스크에 직접 녹음하는 방식에서 자기 테이프에 마스터링하는 방식으로 전환되었다. 테이프는 여러 번 녹음, 지우기, 재녹음이 가능하고, 테이프 간 복제가 용이하며, 물리적 편집이 정확하다는 장점을 가졌다. 이는 라디오 방송과 음반 산업 모두에 큰 변화를 가져왔다. 라디오 프로그램의 사전 녹음이 일반화되었고, 방송 기록 보존이 가능해졌다.

1948년 암펙스 200 모델 출시 이후, 레 스폴은 최초의 멀티트랙 테이프 레코더를 발명하여 여러 사운드를 개별적으로 녹음하고 믹싱하는 것을 가능하게 했다. 이는 구체 음악이나 카를하인츠 슈톡하우젠 같은 아방가르드 작곡가들의 실험적인 음악뿐만 아니라, 비틀즈나 비치 보이스 같은 대중 음악가들의 혁신적인 음반 제작에도 큰 영향을 미쳤다.[30][31][32]

1964년 필립스는 컴팩트 카세트를 출시했다. 처음에는 음성 녹음용 저음질 포맷이었지만, 지속적인 기술 개선을 통해 음악 감상에도 충분한 성능을 갖추게 되었다. 휴대성이 뛰어나고 사용이 간편한 카세트테이프는 더 크고 불편했던 8트랙 테이프[33]를 점차 대체하며 주요 소비자 오디오 포맷으로 자리 잡았다. 특히 1979년 출시된 소니 워크맨은 개인 휴대용 음악 플레이어 시대를 열며 카세트테이프 시장의 성장을 이끌었다.[34]

테이프 녹음의 고질적인 단점인 배경 잡음(히스 노이즈)을 해결하기 위해 노이즈 감소 기술이 개발되었다. 1966년 레이 돌비가 개발한 돌비 A 노이즈 감소 시스템은 전문가용으로 도입되어 테이프 마스터링의 음질을 크게 향상시켰다.[35] 이후 소비자용으로 개발된 돌비 B 시스템은 카세트테이프의 잡음을 효과적으로 줄여 대중화에 기여했다. 데이비드 블랙머가 개발한 dbx 시스템 역시 전문가용 오디오 시장에서 활용되었다.[37] 또한, 산화철 대신 코발트나 크롬 산화물을 사용한 고성능 테이프가 개발되면서 카세트테이프의 음질은 더욱 향상되었다.

1960년대에는 리어젯 사가 8트랙 테이프를 소비자용 오디오 포맷으로 출시했다. 주로 자동차용 오디오 시스템으로 인기를 끌었으며, 초기에는 카세트테이프보다 음질이 우수하다는 평가를 받았다. 그러나 크기가 크고, 가정용 녹음이 어려우며, 테이프가 씹히는 등 내구성 문제가 있어 결국 휴대성과 편의성이 뛰어난 카세트테이프에 밀려나게 되었다.[38]

1970년대 초에는 4개의 채널(스피커)을 사용하여 입체적인 음향 효과를 내려는 쿼드라포닉 사운드 기술이 등장했다. 마이크 올드필드의 ''Tubular Bells''나 핑크 플로이드의 ''The Dark Side of the Moon'' 같은 앨범들이 쿼드라포닉 포맷으로 발매되기도 했다.[39] 하지만 실제 음향 효과가 기대에 미치지 못하는 경우가 많았고, 여러 제조사가 서로 호환되지 않는 포맷을 내놓는 등의 문제로 상업적으로는 성공하지 못했다. 쿼드라포닉 사운드는 1970년대 후반에 사라졌지만, 이후 가정용 서라운드 사운드 시스템 발전의 토대가 되었다.[40]

한편, 1960년대부터 진공관을 대체한 트랜지스터 기술의 발전은 소비자용 하이파이 오디오 시스템의 보급을 촉진했다. 턴테이블, 앰프, 스피커 등을 개별 모듈로 구성하여 사용자가 원하는 시스템을 조합할 수 있게 되었고, 일본 전자 기업들이 고품질의 저렴한 오디오 기기를 대량 생산하면서 하이파이 시스템은 더욱 대중화되었다. 1980년대에는 소니와 같은 일본 기업들이 세계 오디오 시장을 주도하게 되었다.

3. 디지털 시대

1982년 디지털 사운드 녹음 기술의 등장과 이후 컴팩트 디스크(CD)의 출현은 녹음과 재생 분야에 디지털 시대의 개막을 알렸다. CD는 뛰어난 음질과 내구성으로 기존의 바이닐 레코드를 빠르게 대체하며 소비자 음악 시장에 큰 변화를 가져왔다. 다만 초기 음반 산업계는 디지털 기술이 완벽한 복제를 가능하게 하여 불법 복제 문제를 야기할 것을 우려하기도 했다.

소니의 휴대용 디지털 사운드 레코더


디지털 시대의 핵심적인 발전은 다양한 오디오 파일 형식의 개발, 고성능 마이크로프로세서의 등장, 그리고 저렴해진 대용량 저장 장치의 보급에 힘입었다.[41] 이러한 기술 혁신은 휴대용 디지털 오디오 플레이어의 탄생과 인터넷을 통한 음원 다운로드 및 유통 시대를 열었으며, 슈퍼 오디오 CD(SACD)나 블루레이 디스크와 같이 더 높은 품질과 용량을 제공하는 새로운 저장 매체의 개발로 이어졌다.

음악 제작 환경 역시 MIDI, 사운드 합성, 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)과 같은 디지털 기술의 발달로 크게 변화했다. 이전보다 훨씬 정교하고 효율적인 편집과 제작이 가능해졌으며, 녹음 비용 절감 효과는 소규모 스튜디오에서도 고품질 녹음물을 생산할 수 있는 환경을 조성했다.[42] 현대의 음악 제작 과정인 트래킹, 믹싱, 마스터링 역시 디지털 기술 발전의 영향을 받았다. 이처럼 디지털 기술은 녹음, 재생, 유통, 제작 등 오디오 관련 산업 전반에 걸쳐 혁신을 가져왔다.

3. 1. 디지털 녹음 기술

아날로그(빨간색) 및 4비트 디지털(파란색) 사운드 파형의 그래픽 표현


1982년 디지털 사운드 녹음 기술, 특히 펄스 부호 변조(PCM) 방식의 도입과 이후 컴팩트 디스크(CD)의 출현은 녹음 품질과 내구성에 있어 중요한 진전을 이루었다. CD는 기존의 바이닐 레코드를 점차 대체하며 소비자 음악 시장에 큰 변화를 가져왔고, 1990년대 중반까지 바이닐 레코드는 일부 마니아층을 위한 시장으로 축소되었다. 그러나 음반 산업계는 디지털 방식이 완벽한 복제를 가능하게 하여 대규모 불법 복제 문제를 야기할 수 있다는 우려 때문에 디지털 시스템 도입에 대해 초기에 강한 반대 입장을 보이기도 했다.

디지털 녹음 기술은 압축 및 비압축 오디오 파일 형식의 다양화, 디지털 데이터를 실시간으로 소리로 변환할 수 있는 고성능 마이크로프로세서의 발전, 그리고 저렴해진 대용량 저장 장치의 보급과 함께 지속적으로 발전해왔다.[41] 이러한 기술 발전은 새로운 형태의 휴대용 디지털 오디오 플레이어의 등장을 가능하게 했다. 1990년대에는 ATRAC 압축 기술을 사용한 미니디스크 플레이어가 도입되었으나, 비휘발성 플래시 메모리 가격이 하락하면서 점차 주류에서 밀려났다. 이후 슈퍼 오디오 CD(SACD), DVD-A, 블루레이 디스크, HD DVD 등 더 많은 데이터를 저장할 수 있는 매체 기술이 개발되어, 더 높은 음질의 긴 프로그램을 하나의 디스크에 담을 수 있게 되었다. 또한, 사운드 파일은 인터넷 등을 통해 쉽게 다운로드하여 컴퓨터나 디지털 오디오 플레이어에서 재생하는 방식이 보편화되었다. 오늘날 디지털 오디오 기술은 일반적인 음악 감상부터 고도의 전문적인 작업에 이르기까지 오디오 관련 모든 분야에서 핵심적인 역할을 하고 있으며, 인터넷 라디오나 팟캐스팅과 같은 새로운 응용 서비스들도 등장하게 되었다.

녹음, 편집, 소비 방식의 기술적 변화는 최근 수십 년간 음반 산업, 영화 산업, 텔레비전 산업 전반에 큰 영향을 미쳤다. 오디오 편집은 자기 테이프 녹음 시대에도 가능했지만, MIDI, 사운드 합성, 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)과 같은 디지털 기술은 작곡가와 아티스트에게 이전보다 훨씬 높은 수준의 제어 능력과 작업 효율성을 제공했다. 특히 디지털 오디오 기술과 대용량 저장 장치의 발전은 녹음 비용을 크게 낮추어, 소규모 스튜디오에서도 높은 품질의 녹음물을 제작할 수 있는 환경을 만들었다.[42]

현대의 녹음 제작 과정은 주로 트래킹(개별 소스 녹음), 믹싱, 마스터링 단계로 나뉜다. 멀티트랙 녹음 기술은 여러 개의 마이크 입력이나 다양한 테이크(시도 녹음)를 별도의 트랙으로 테이프, 디스크, 또는 대용량 저장 장치에 기록할 수 있게 하여, 후반 작업인 믹싱 및 마스터링 단계에서 과거에는 상상하기 어려웠던 유연성을 부여한다. 다양한 운영 체제에서 구동되는 수많은 디지털 오디오 녹음 및 처리 프로그램들은 간단한 개인 프로젝트부터 전문가 수준의 앨범 녹음, 영화 음악 제작, 비디오 게임 사운드 디자인에 이르기까지 폭넓게 활용되고 있다.

3. 2. 저장 매체의 발전

1982년 디지털 사운드 녹음 기술의 도입과 이후 컴팩트 디스크 (CD)의 등장은 녹음 품질과 저장 매체의 내구성을 크게 향상시키는 계기가 되었다. CD는 기존의 바이닐 레코드를 빠르게 대체하며 1990년대 중반까지 소비자 음악 시장의 주류로 자리 잡았다.

가장 최근의 혁신적인 발전은 다양한 압축 및 비압축 디지털 오디오 파일 형식의 개발, 디지털 데이터를 실시간으로 소리로 변환할 수 있을 만큼 충분히 빠르고 강력해진 마이크로프로세서, 그리고 저렴해진 대용량 저장 장치 덕분에 이루어졌다.[41] 이러한 기술 발전은 새로운 유형의 휴대용 디지털 오디오 플레이어의 등장을 이끌었다. 1990년대에는 소형 재기록 가능 디스크에 ATRAC 압축 방식을 사용한 미니디스크 플레이어가 도입되었으나, 고체 상태의 비휘발성 플래시 메모리 가격이 하락하면서 점차 플래시 메모리를 기반으로 한 플레이어들에게 자리를 내주며 구식이 되었다.

단일 매체에 저장할 수 있는 데이터 양을 늘리는 기술이 개발되면서, 슈퍼 오디오 CD (SACD), DVD-A, 블루레이 디스크, HD DVD와 같이 더 높은 품질의 오디오를 더 긴 시간 동안 담을 수 있는 새로운 포맷들도 등장했다. 사운드 파일은 인터넷 및 기타 소스를 통해 쉽게 다운로드되어 컴퓨터 및 디지털 오디오 플레이어에 복사되어 사용된다. 디지털 오디오 기술은 현재 중간 품질의 음악 파일 감상에서부터 가장 까다로운 전문적인 녹음 응용 분야에 이르기까지 오디오의 모든 영역에서 사용되고 있으며, 인터넷 라디오 및 팟캐스팅과 같은 새로운 응용 프로그램의 등장을 가능하게 했다.

3. 3. 디지털 음원 유통

디지털 기술의 발전은 음악 유통 방식에 혁신을 가져왔다. 다양한 압축 및 비압축 오디오 파일 형식의 개발, 마이크로프로세서 성능 향상, 그리고 저렴해진 대용량 저장 장치는 디지털 음원 유통 시대를 여는 기반이 되었다.[41]

인터넷의 발달과 함께 음악 파일을 쉽게 다운로드하여 컴퓨터나 휴대용 디지털 오디오 플레이어에 복사하여 듣는 방식이 일반화되었다. 특히 MP3와 같은 효율적인 오디오 압축 기술은 적은 용량으로도 음악을 저장하고 전송할 수 있게 하여 이러한 변화를 가속했다. 이로 인해 소비자들은 물리적인 음반 구매 없이도 원하는 음악을 편리하게 접할 수 있게 되었다.

이러한 환경 변화 속에서 인터넷 라디오나 팟캐스팅과 같이 인터넷을 기반으로 한 새로운 오디오 콘텐츠 플랫폼들이 등장하여 음악 및 오디오 콘텐츠 소비 방식을 더욱 다양화시켰다. 결과적으로, 물리적인 실물 없이 음원 데이터 형태로 음악을 판매하고 유통하는 '논패키지' 방식이 크게 증가하였으며, 이는 기존 음반 산업의 구조에도 상당한 영향을 미치고 있다. 한편, 디지털 파일의 쉬운 복제 가능성은 저작권 보호와 관련된 새로운 과제를 제기하기도 했다.

4. 녹음 기술 및 방법


  • 원포인트 마이크 녹음: 하나의 마이크 또는 스테레오 마이크 한 쌍을 사용하여 녹음하는 방식. 현장감과 자연스러운 음향을 얻을 수 있는 장점이 있지만, 각 음원을 분리하기 어렵고 녹음 후 편집이나 효과 적용에 제약이 따른다.
  • 멀티 마이크 녹음: 여러 개의 마이크를 사용하여 각 악기나 음원을 개별적으로 녹음하는 방식. 음원 분리가 잘 되어 믹싱이나 이펙터 사용 등 후반 작업이 용이하지만, 마이크 간의 위상 간섭과 같은 기술적인 문제가 발생할 수 있다.
  • 다이렉트 커팅: 믹싱 콘솔을 거치지 않고 녹음된 신호를 바로 레코드판 제작용 커팅 머신으로 보내는 방식. 음질 손실이 적어 소리가 뛰어나지만, 한번 녹음을 시작하면 편집이 불가능하고 제작 과정이 까다롭다.
  • 2트랙 녹음 (원샷 녹음): 스테레오 마이크 한 쌍 또는 두 개의 마이크를 사용하여 한 번에 녹음하는 방식. 원포인트 마이크 녹음과 유사하게 현장감과 자연스러운 소리를 담을 수 있으나, 후반 작업의 자유도는 떨어진다.
  • 멀티 트랙 녹음: 여러 개의 트랙에 악기나 음원을 각각 따로 녹음하는 방식. 믹싱, 효과 적용, 오버더빙 등 후반 작업의 자유도가 매우 높지만, 녹음 과정이 복잡하고 필요한 장비 비용이 많이 든다.
  • 마스터링: 녹음된 음원의 최종적인 음질을 다듬고, 음반이나 디지털 음원으로 발매하기 위한 최종 형태로 만드는 과정. 소리의 크기, 톤 등을 조절하여 전체적인 완성도를 높인다.

5. 녹음 관련 장비


  • 마이크: 소리의 물리적인 진동(음향 에너지)을 전기 신호로 변환하는 장치이다. 녹음 과정의 가장 첫 단계에서 사용되어 목소리나 악기 소리 등을 포착한다.
  • 믹싱 콘솔: 여러 개의 입력 신호(마이크, 악기 등)를 받아 하나로 혼합하고, 각 신호의 음량, 음색, 공간감(밸런스) 등을 조절하는 장비이다. 아날로그 방식과 디지털 방식이 있다.
  • 오디오 인터페이스: 아날로그 신호를 컴퓨터가 처리할 수 있는 디지털 신호로 변환하거나, 컴퓨터의 디지털 신호를 스피커나 헤드폰으로 들을 수 있는 아날로그 신호로 변환하는 장치이다. 컴퓨터 기반의 녹음 시스템을 구축하는 데 필수적인 장비이다.
  • 모니터 스피커: 녹음된 소리나 믹싱 중인 소리를 가능한 왜곡 없이 정확하게 재생하여 작업자가 소리의 상태를 객관적으로 판단할 수 있도록 돕는 스피커이다. 일반적인 음악 감상용 스피커와는 달리, 특정 음역대가 강조되지 않고 평탄한 주파수 응답 특성을 갖는 것이 특징이다.
  • 헤드폰: 녹음 시 연주자나 가수가 자신의 목소리나 반주를 들으며 정확한 타이밍과 음정으로 연주/노래할 수 있도록 모니터링 용도로 사용된다. 또한, 믹싱이나 마스터링 과정에서 세밀한 소리를 듣고 편집하거나 공간감을 조절하는 데에도 활용된다. 주변 소음을 차단하는 밀폐형과 자연스러운 소리를 들려주는 개방형 등이 있다.
  • 녹음 소프트웨어 (DAW): Digital Audio Workstation의 약자이다. 컴퓨터 상에서 녹음, 편집, 믹싱, 마스터링 등 음악 제작의 전 과정을 수행할 수 있도록 하는 소프트웨어를 말한다. 다양한 기능과 사용자 인터페이스를 제공하여 복잡한 음악 작업을 효율적으로 할 수 있게 돕는다.
  • 플러그인: DAW의 기능을 확장하거나 보조하는 역할을 하는 작은 소프트웨어이다. 가상악기(VSTi), 이펙터(소리에 잔향, 왜곡, 압축 등의 효과를 주는 장치), 오디오 프로세서(음질 보정, 분석 등) 등 다양한 종류가 있으며, 이를 활용하여 더욱 풍부하고 완성도 높은 사운드를 만들 수 있다.

6. 문화적 영향

많은 언론인들이 녹음기를 사용하여 발언을 녹음한다.


19세기 아날로그 사운드 녹음 기술의 개발과 20세기 전반에 걸친 광범위한 사용은 음악 발전에 큰 영향을 미쳤다. 아날로그 사운드 녹음 기술이 발명되기 전까지 대부분의 음악은 라이브 공연으로 감상할 수 있었다. 중세 음악, 르네상스 음악, 바로크 음악, 고전 음악, 그리고 낭만주의 음악 시대 대부분을 거치면서, 노래와 기악곡을 기록하는 주요 방법은 악보였다. 악보는 멜로디의 음높이와 리듬을 나타내지만, 연주의 세부적인 측면까지 모두 담아내지는 못했다. 예를 들어, 중세 시대의 그레고리안 성가 악보에는 성가의 리듬이 명확히 표시되지 않았고, 바로크 시대 기악곡에는 템포 표시가 없거나[43] 장식음이 생략되는 경우가 많았다. 이 때문에 같은 곡이라도 연주될 때마다 조금씩 다른 모습을 보였다.

그러나 아날로그 사운드 녹음 기술이 등장하면서, 연주의 음높이, 리듬, 음색, 장식음, 표현 등 모든 요소가 영구적으로 기록될 수 있게 되었다. 이는 연주의 더 많은 부분이 포착되어 다른 사람들에게 전달될 수 있음을 의미했다. 또한, 사운드 녹음 기술 덕분에 더 많은 사람이 유명 오케스트라, 오페라, 가수, 밴드의 음악을 접할 수 있게 되었다. 직접 콘서트를 관람할 여유가 없는 사람들도 녹음된 음악을 통해 감상이 가능해졌기 때문이다.[44]

사운드 녹음의 보급은 음악 스타일이 새로운 지역, 국가, 대륙으로 확산되는 데 중요한 역할을 했다. 이러한 문화적 영향은 여러 방향으로 나타났다. 서양 음악 애호가들은 녹음된 음반을 통해 아시아, 중동, 아프리카 등 비서양 지역의 음악을 실제로 접하게 되면서 이들 음악 스타일에 대한 인식을 높일 수 있었다. 동시에, 서양 외 지역의 음악 애호가들도 녹음을 통해 가장 유명한 북미 및 유럽 그룹과 가수의 음악을 들을 수 있게 되었다.[45]

디지털 녹음 기술이 발전하면서, 이른바 아날로그 대 디지털 논쟁이 벌어졌다. 오디오 전문가, 오디오 애호가, 소비자, 음악가들은 각자 아날로그 또는 디지털 방식에 대한 선호도와 경험을 바탕으로 이 논쟁에 참여했다.[46] 학계에서는 영상 및 사운드 인지에 대한 관심을 중심으로 이 논쟁을 다루기도 했다.[47] 어떤 방식을 선호하는지는 개인적, 문화적 취향에 따라 달라진다. 접근 방식과 의견은 다양하지만, 어떤 이들은 사운드 자체를 가장 중요하게 생각하는 반면, 다른 이들은 기술적 측면을 결정적인 요소로 본다. 아날로그 방식을 선호하는 사람들은 작곡, 편집, 믹싱, 청취 과정에서 아날로그 매체가 가진 고유한 제약을 오히려 장점으로 받아들이기도 한다.[48] 반면 디지털 방식을 지지하는 사람들은 동일한 과정에서 디지털 기술이 제공하는 유연성을 장점으로 내세운다. 이러한 논쟁은 음악 산업에서 바이닐의 부활을 이끌었으며,[49] 아날로그 전자 기기와 녹음 및 믹싱 소프트웨어에서 사용되는 아날로그 방식의 플러그인에 대한 관심도 다시 높아지는 계기가 되었다.

7. 법적 측면

저작권법에서 ''음반'' 또는 ''음성 녹음''은 소리를 매체에 고정하여 만든 저작물을 의미한다. 음반의 저작권 고지에는 음반 저작권 기호인 ℗(동그라미 안의 문자 P)를 사용하는데, 이는 제네바 음반 협약에서 정의된 국제적인 표기이다.[42] 이 기호는 보통 악곡 자체의 저작권을 나타내는 일반적인 © 기호와 함께 사용된다.

녹음된 결과물은 곡과는 별개의 저작물로 취급되므로, 녹음에 대한 저작권은 일반적으로 음반 회사에 귀속된다. 아티스트나 프로듀서가 이러한 권리를 직접 갖는 경우는 드물다. 녹음에 대한 저작권 보호는 비교적 최근인 1972년부터 시작되었으며, 악곡이나 노래 자체에 대한 저작권은 1831년부터 존재해 왔다. 샘플링이나 비트 사용과 관련된 저작권 분쟁은 현재도 계속되고 있다.[42]

미국 저작권법은 "음반"을 시청각 저작물의 사운드트랙을 제외하고 "일련의 음악, 말 또는 기타 소리의 고정으로 생성된 저작물"로 정의한다.[50] 1972년에 발효된 음반 수정안(SRA)[51] 이전에는 음반에 대한 저작권이 각 주(州) 차원에서 처리되었다. 연방 저작권법이 대부분의 주 저작권법보다 우선하지만, SRA는 발효일 이후 한 번의 저작권 기간 동안, 즉 2067년까지는 주 차원의 음반 저작권이 유지될 수 있도록 허용했다.[52]

영국 저작권법은 1934년부터 음반(또는 ''음반'')을 음악 저작물과 다르게 취급해 왔다.[53] 1988년 제정된 ''저작권, 디자인 및 특허법 1988''은 음반을 다음과 같이 정의한다. (a) 소리가 재현될 수 있는 소리의 녹음, 또는 (b) 녹음 매체나 소리의 재현 또는 생산 방식에 관계없이, 작품 또는 일부를 재현하는 소리가 생성될 수 있는 문학, 연극 또는 음악 저작물의 전체 또는 일부의 녹음. 따라서 이 정의는 녹음을 담고 있는 비닐 레코드, 테이프, 콤팩트 디스크, 디지털 오디오 테이프 및 MP3 등을 포괄한다.

참조

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[50] 법률 usc 17 101
[51] 법률 Pub. L. No. 92-140, § 3, 85 Stat. 391, 392 (1971)
[52] 법률 usc 17 301(c)
[53] 법률 Gramophone Co., Ltd. v. Stephen Carwardine Co [1934] 1 Ch 450


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