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로이 리히텐슈타인

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목차

1. 개요

로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein, 1923-1997)은 미국의 팝 아트 화가로, 만화의 한 장면을 확대하여 굵은 윤곽선, 원색, 벤데이 점(Ben-Day dots)을 특징으로 하는 작품으로 유명하다. 그는 오하이오 주립 대학교에서 미술을 전공하고, 제2차 세계 대전 참전 후 석사 학위를 받았다. 초기에는 추상표현주의 작품을 제작했으나, 1960년대 초부터 만화 이미지를 차용한 팝 아트 작품을 선보이며 명성을 얻었다. 대표작으로는 《익사하는 소녀》, 《꽝!》 등이 있으며, 그의 작품은 예술의 상업성과 대중문화에 대한 비판적 시각을 담고 있다는 평가를 받는다. 그는 1977년 BMW 아트카 프로젝트에 참여하기도 했으며, 1997년 폐렴으로 사망했다.

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로이 리히텐슈타인 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
1967년의 리히텐슈타인
1967년의 리히텐슈타인
본명로이 폭스 리히텐슈타인
출생1923년 10월 27일
출생지미국 뉴욕
사망1997년 9월 29일
사망지미국 뉴욕
국적미국
교육티모시 드와이트 학교
파슨스 디자인 스쿨
모교오하이오 주립 대학교
경력
분야회화
조각
사조팝 아트
후원자군터 작스
주요 작품룩 미키 (1961)
물에 빠진 소녀 (1963)
차 안에서 (1963)
쾅! (1963)
오, 제프... 나도 당신을 사랑해요... 하지만... (1964)
머리 리본을 한 소녀 (1965)
붓자국 (1965)
사생활
배우자이사벨 윌슨 (1949년 결혼, 1965년 이혼)
도로시 헤르츠카 (1968년 결혼)
자녀2명, 미첼 포함
기타 정보
웹사이트로이 리히텐슈타인 공식 웹사이트

2. 초기 생애 및 교육

리히텐슈타인은 1940년 오하이오 주립 대학교 미술학부에 입학하여 제2차 세계 대전 참전으로 병역 의무를 이행한 후 1949년 같은 대학교에서 석사 학위를 취득했다. 졸업 후 1951년까지 이 대학교에서 강사로 재직했다. 1951년 뉴욕의 칼 백 화랑에서 첫 개인전을 열었고, 1950년대에는 제도공, 대학교 강사 등을 하면서 생계를 유지하며 추상표현주의풍 작품을 제작했다.

2. 1. 뉴욕 출생과 성장

로이 리히텐슈타인은 1923년 10월 27일 뉴욕 시에서 상류 중산층 독일계 유대인 가정에서 태어났다.[7][8][9] 아버지 밀턴은 부동산 중개인이었고, 어머니 비아트리체(결혼 전 성은 베르너)는 주부였다.[10] 어퍼 웨스트 사이드에서 자랐으며 12세까지 공립 학교에 다녔다. 그 후 드와이트 스쿨에 다녔고 1940년에 졸업했다. 학교를 통해 취미로 처음 예술과 디자인에 관심을 갖게 되었다.[11] 열렬한 재즈 팬이었으며, 할렘의 아폴로 극장에서 열리는 콘서트에 자주 참석했다.[11] 종종 악기를 연주하는 음악가들의 초상화를 그렸다.[11] 1939년, 고등학교 마지막 해에 아트 스튜던트 리그 오브 뉴욕의 여름 강좌에 등록하여 레지날드 마시의 지도를 받았다.[12]

2. 2. 예술에 대한 관심과 초기 훈련

리히텐슈타인은 1923년 10월 27일 뉴욕 시에서 상류 중산층 독일계 유대인 가정에서 태어났다.[7][8][9] 아버지 밀턴은 부동산 중개인이었고, 어머니 비아트리체(결혼 전 성은 베르너)는 주부였다.[10] 어퍼 웨스트 사이드에서 자란 그는 12세까지 공립 학교에 다녔다. 이후 드와이트 스쿨에 다녔고 1940년에 졸업했다. 그는 학교에서 취미로 예술과 디자인에 관심을 갖게 되었다.[11] 열렬한 재즈 팬이었던 그는 할렘의 아폴로 극장에서 열리는 콘서트에 자주 참석했으며, 종종 악기를 연주하는 음악가들의 초상화를 그렸다.[11] 1939년, 고등학교 마지막 해에 아트 스튜던트 리그 오브 뉴욕의 여름 강좌에 등록하여 레지날드 마시의 지도를 받았다.[12]

2. 3. 오하이오 주립 대학교와 군 복무

1940년 오하이오 주립 대학교 미술학부에 입학했다. 제2차 세계 대전 참전으로 병역 의무를 이행한 후 1949년 같은 대학교에서 석사 학위를 취득했다. 졸업 후에도 대학교에 남아 1949년부터 1951년까지 강사로 재직했다.

2. 4. 학업 복귀와 석사 학위 취득

1940년 오하이오 주립 대학교 미술학부에 입학했다. 제2차 세계 대전 참전으로 인한 병역 기간을 거친 후 1949년 같은 대학교에서 석사 학위를 취득했다. 졸업 후에는 1951년까지 이 대학교에서 강사로 재직했다.

3. 경력

리히텐슈타인은 1940년 오하이오 주립 대학교 미술학부에 입학하여 미술 공부를 시작했다. 제2차 세계 대전 발발로 1943년부터 1946년까지 군 복무를 하며 학업이 중단되기도 했다.[7] 군 복무 중에는 언어, 육군 전문 훈련 프로그램의 엔지니어링,[13] 조종사 훈련을 받았으나 모두 취소되었고, 간호병, 제도사, 예술가로 복무했다.[7]

전쟁이 끝난 후, G.I. 법안에 따라 군에서 제대하고 오하이오로 돌아가 스승 호이트 L. 셔먼의 지도하에 학업을 재개했다. 셔먼은 그의 이후 작품에 큰 영향을 미친 것으로 알려져 있다.[14] 1949년에는 오하이오 주립 대학교에서 미술 석사 학위를 받았다.[7] 졸업 후에도 대학교에 남아 1951년까지 강사로 재직했다.

1951년 뉴욕의 칼레바흐 갤러리에서 첫 개인전을 열었다.[7][15] 같은 해 클리블랜드로 이주하여 6년 동안 제도사, 창문 장식가 등으로 일하며 생계를 유지했다.[7] 이 시기 그의 작품은 입체주의와 표현주의 사이에서 변화를 보였다.[11] 1957년 뉴욕 북부로 돌아와 다시 가르치기 시작했으며, 1958년 뉴욕 주립 대학교 오스웨고에서 강의했다. 이 무렵 미키 마우스와 벅스 버니 같은 만화 캐릭터 이미지를 추상 작품에 몰래 포함시키기 시작했다.[18]

1960년 럿거스 대학교에서 강의하며 앨런 카프로의 영향을 받아 팝아트에 대한 관심이 다시 커졌다.[7] 1961년부터는 만화 이미지와 상업 인쇄 기법을 활용한 팝아트 그림을 그리기 시작했다.[11] 그의 아들이 미키 마우스 만화를 보며 "아빠는 저렇게 잘 그리지 못할 거예요."라고 말한 것이 계기가 되어, 벤데이 점을 사용한 첫 작품 〈이것 좀 봐 미키〉(1961)를 제작했다.[19][20]

이후 리히텐슈타인은 굵은 윤곽선, 삼원색을 기본으로 한 색상, 벤데이 점을 이용한 음영 등 만화의 특징을 적극적으로 활용한 작품들을 선보였다. 이러한 통속적인 표현 속에 아름다움을 발견한 것이 그의 독창성으로 평가받는다.

1961년 레오 카스텔리는 뉴욕 갤러리에서 리히텐슈타인의 작품을 전시하기 시작했으며,[7] 1962년 카스텔리 갤러리에서 열린 첫 개인전은 전시 전 모든 작품이 판매되는 큰 성공을 거두었다.[7] 1963년 9월, 럿거스 대학교 더글러스 칼리지 교수직을 휴직하고,[22] 1964년에는 미술계의 중심에 있기 위해 뉴욕으로 돌아와 럿거스 대학교를 사임하고 그림에 전념했다.[24]

1963년에 제작된 《꽝!》은 격추되는 비행기에서 조종사가 탈출하는 장면을 묘사한 팝아트 대표작 중 하나이다.[23] 같은 해 제작된 《물에 빠진 소녀》는 만화의 한 장면을 확대한 듯한 작품으로, 굵은 윤곽선과 삼원색, 벤데이 점을 사용하여 평면적으로 표현되었다.[18]

리히텐슈타인의 작품은 처음 공개되었을 때 독창성에 대한 의문과 함께 비판을 받기도 했다. 1964년 ''라이프'' 잡지는 "그가 미국 최악의 예술가인가?"라는 도발적인 제목의 기사를 싣기도 했다.[28] 그러나 그는 자신의 작품이 원본과 목적, 인식이 다르다는 점에서 완전히 변형되었다고 반박했다.[29]

이후 만화뿐만 아니라 고전 명화, 브러시 스트로크를 평면적인 기법으로 재해석하는 시리즈를 선보였다. 색채 사용도 삼원색 외의 색으로 확장되었고, 회화에 거울면을 도입하거나 입체 작품을 제작하기도 했다.

1995년 교토 상 사상·예술 부문(미술 분야)을 수상했다.

''바르셀로나의 머리'', 1992년 조각, 혼합 매체, 바르셀로나

3. 1. 초기 경력 및 추상 표현주의

리히텐슈타인은 오하이오 주립 대학교에서 미술을 공부하기 위해 뉴욕을 떠났으며, 스튜디오 강좌와 순수 미술 학위를 받았다.[7] 1943년부터 1946년까지 제2차 세계 대전 참전으로 학업이 중단되기도 했다.[7] 군 복무 기간 동안 언어, 육군 전문 훈련 프로그램의 엔지니어링,[13] 조종사 훈련을 받았으나 모두 취소되었고, 간호병, 제도사, 예술가로 복무했다.[7]

전쟁이 끝난 후, 리히텐슈타인은 죽어가는 아버지를 뵙고 G.I. 법안에 따라 군에서 제대했다.[11] 오하이오로 돌아가 그의 스승 호이트 L. 셔먼의 지도를 받으며 학업을 재개했는데, 셔먼은 훗날 리히텐슈타인의 작품에 큰 영향을 준 것으로 알려져 있다.[14] 리히텐슈타인은 나중에 오하이오 주립 대학교에 새로 지은 스튜디오를 호이트 L. 셔먼 스튜디오 아트 센터라고 명명하며 그를 기렸다.[14]

리히텐슈타인은 오하이오 주립 대학교 대학원에 진학하여 미술 강사로 일했으며, 10년 동안 이 직책을 유지했다. 1949년에는 오하이오 주립 대학교에서 미술 석사 학위를 받았다.

1951년, 뉴욕의 칼레바흐 갤러리에서 첫 개인전을 열었다.[7][15] 같은 해 클리블랜드로 이주하여 6년간 머물렀으며, 뉴욕을 자주 방문했다. 이 시기에는 제도사, 창문 장식가 등 다양한 직업을 가졌다.[7] 당시 그의 작품은 입체주의와 표현주의 사이를 오갔다.[11] 1954년, 첫 아들 데이비드 호이트 리히텐슈타인(작곡가)이 태어났고, 2년 후 둘째 아들 미첼 리히텐슈타인이 태어났다.[16]

1957년, 리히텐슈타인은 뉴욕 북부로 돌아와 다시 그림을 가르치기 시작했다.[4] 이 시기에 추상 표현주의 양식을 받아들였는데, 이는 추상 표현주의 유행에 늦게 합류한 것이었다.[17] 1958년에는 뉴욕 주립 대학교 오스웨고에서 가르치기 시작했으며, 이 무렵 미키 마우스와 벅스 버니 같은 만화 캐릭터의 이미지를 추상 작품에 몰래 그려 넣기도 했다.[18]

3. 2. 팝 아트의 등장과 명성

1960년, 리히텐슈타인은 럿거스 대학교에서 강의를 시작했고, 그곳에서 앨런 카프로 교수의 영향을 많이 받았다.[7] 이러한 환경은 그가 팝아트 이미지에 대한 관심을 다시 불러일으키는 계기가 되었다.

리히텐슈타인이 화가가 된 계기는 아들이 만화를 보다가 "아빠는 이런 그림 못 그릴 거야"라고 한 말에 자극을 받은 것이다. 리히텐슈타인의 대표적인 만화 스타일 작품은 1961년에 처음 등장한다. 그는 아이에게 미키 마우스 만화를 그려 주면서, 예술로서의 회화보다 만화가 강렬한 인상과 표현력을 가지고 있음을 깨달았다. 그의 작품에서는 사물이 굵은 윤곽선으로 둘러싸인 평면으로 표현되고, 색상은 삼원색을 기본으로 하며, 음영은 점의 크기와 밀도로 표현된다. 이러한 통속적인 표현에서 아름다움을 발견한 것이 그의 독창성이라고 할 수 있다. 빨강, 파랑, 노랑의 삼원색과 흑백으로 한정된 색채는 피트 몬드리안의 그림에도 나타나는 모더니즘의 추상화와 공통되며, 만화의 평면성을 강조한 화면은 추상표현주의와도 연결된다.

1963년 9월, 리히텐슈타인은 럿거스 대학교 더글러스 칼리지의 교수직을 휴직했다.[22]

3. 2. 1. 만화 이미지 차용과 벤데이 점 기법

1961년, 리히텐슈타인은 상업 인쇄물에서 흔히 쓰이는 만화 이미지와 기법을 활용하여 팝아트 그림을 그리기 시작했다. 이 시기는 1965년까지 이어졌으며, 소비주의와 가정을 연상시키는 광고 이미지를 차용했다.[11] 벤데이 점을 사용한 그의 첫 작품은 미키를 보라(1961년, 미국 국립 미술관)였다.[19] 이 작품은 그의 아들이 미키 마우스 만화를 가리키며 "아빠는 저렇게 잘 그리지 못할 거예요."라고 말한 것에서 시작되었다.[20] 그는 아들에게 미키 마우스 만화를 그려 주었을 때, 기존 예술로서의 회화보다 만화가 더 강렬한 인상과 표현력을 가지고 있다는 것을 깨달았다.

그의 작품에서 사물은 모두 굵은 윤곽선으로 둘러싸인 평면으로 표현되며, 색상은 원칙적으로 삼원색을 바탕으로 하고, 음영은 점의 크고 작음과 밀도로 표현된다. 이러한 통속적인 표현 속에 아름다움을 찾아낸 것이 그의 독창성이라 할 수 있다. 빨강, 파랑, 노랑의 삼원색과 흑백으로 한정된 색채는 모더니즘 추상화가 피트 몬드리안의 그림에도 공통적으로 나타나며, 만화의 평면성을 강조한 화면은 평면성을 강조한 추상표현주의와도 연결된다.

3. 2. 2. 레오 카스텔리와의 만남과 성공

1961년, 레오 카스텔리는 뉴욕에 있는 자신의 갤러리에서 리히텐슈타인의 작품을 전시하기 시작했다.[7] 1962년 카스텔리 갤러리에서 첫 개인전을 열었고, 전시가 열리기도 전에 컬렉션 전체가 영향력 있는 수집가들에게 팔렸다.[7] 1961년과 1962년 사이에 제작된 일련의 그림들은 운동화, 핫도그, 골프공과 같은 가정 용품에 초점을 맞추었다.[21]

3. 3. 주요 작품 활동

1960년, 럿거스 대학교에서 강의를 시작하면서 앨런 카프로의 영향을 받아 팝아트에 대한 관심이 다시 커졌다.[7] 1961년부터 상업 인쇄 기법을 이용한 만화 이미지 기반의 첫 팝아트 그림들을 그리기 시작하여 1965년까지 이 시기가 지속되었으며, 소비자주의와 가사일을 주제로 한 광고 이미지를 사용했다.[11]

아들로부터 영감을 얻은 첫 작품 〈이것 좀 봐 미키〉(1961)를 시작으로,[20] 같은 해 껌 포장지와 만화 등장인물을 활용한 6개의 작품을 더 제작했다.[18] 레오 카스텔리는 1961년부터 리히텐슈타인의 작품을 뉴욕 갤러리에서 전시했으며, 1962년 카스텔리 갤러리에서 열린 첫 개인전은 전시 전 모든 작품이 판매되는 성공을 거두었다.[7] 1961년부터 1962년 사이에는 운동화, 골프공 등 가정 용품을 소재로 한 작품들을 제작했다.[21] 1963년 9월, 럿거스 대학교 더글러스 칼리지 교수직을 휴직했다.[22]

이후에는 만화뿐만 아니라 고전 명화나 브러시 스트로크를 평면적인 기법으로 재해석하는 시리즈를 선보였다. 색채 사용도 삼원색 외의 색으로 확장되었고, 회화에 거울면을 도입하거나 입체 작품을 제작하기도 했다.

1995년 교토 상 사상·예술 부문(미술 분야)을 수상했다.

3. 3. 1. 전쟁과 로맨스 만화의 영향

1961년, 리히텐슈타인은 만화 이미지와 상업 인쇄 기법을 활용한 첫 팝아트 그림을 그리기 시작했다. 이 시기는 1965년까지 이어졌으며, 소비자주의와 가사일을 암시하는 광고 이미지를 포함했다.[11] 그는 전쟁과 로맨스 이야기를 담은 만화에서 영감을 얻었다. 그는 "그 당시, 나는 정서적으로 강한 주제, 즉 사랑, 전쟁 또는 제거되고 신중한 회화 기법과 대조되는 매우 충전되고 감정적인 주제를 사용할 수 있는 모든 것에 관심이 있었다"고 회상했다.[23]

벤데이 점을 사용한 그의 첫 작품은 〈이것 좀 봐 미키〉(1961)였다.[19] 이는 그의 아들이 미키 마우스 만화를 가리키며 "아빠는 저렇게 잘 그리지 못할 거예요, 그렇죠, 아빠?"라고 한 말에 대한 도전 의식에서 비롯되었다.[20] 같은 해, 그는 껌 포장지와 만화 속 등장인물을 활용한 6개의 작품을 더 제작했다.[18]

리히텐슈타인의 작품에서 사물은 굵은 윤곽선으로 둘러싸인 평면으로 표현되며, 색상은 주로 삼원색을 바탕으로 한다. 음영은 점의 크기와 밀도로 표현된다. 이러한 통속적인 표현 속에 아름다움을 찾아낸 것이 그의 독창성이라고 할 수 있다. 빨강, 파랑, 노랑의 삼원색과 흑백으로 한정된 색채는 피트 몬드리안의 그림에도 나타나며, 만화의 평면성을 강조한 화면은 추상 표현주의로부터 이어졌다고 할 수 있다.

3. 3. 2. 대표작: 《꽝!》과 《물에 빠진 소녀》

팝아트 운동의 주요 작품이자 리히텐슈타인의 대표작 중 하나인 《꽝!》(Whaam!)은 1963년에 제작되었다.[23] 이 작품은 전쟁 만화에서 영감을 받아, 격추되는 비행기에서 조종사가 탈출하는 장면을 묘사하고 있다. 리히텐슈타인은 "그 당시, 나는 정서적으로 강한 주제, 즉 사랑, 전쟁 또는 제거되고 신중한 회화 기법과 대조되는 매우 충전되고 감정적인 주제를 사용할 수 있는 모든 것에 관심이 있었다"고 회상했다.[23]

1963년에 제작된 《물에 빠진 소녀(Drowning Girl)》는 만화의 한 장면을 확대한 듯한 작품으로, 굵은 윤곽선과 삼원색을 사용하여 평면적으로 표현되었다.[18] 음영은 벤데이 점의 크고 작음과 밀도로 표현되었으며, 이러한 통속적인 표현 속에 미를 발견한 데에 그의 독창성이 있다고 할 수 있다.[18]

3. 4. 비판과 논란

리히텐슈타인의 작품은 처음 공개되었을 때 독창성에 대한 의문과 함께, 저속하고 공허하다는 비판을 받았다. 1964년 ''라이프'' 잡지는 "그가 미국 최악의 예술가인가?"라는 도발적인 제목의 기사를 싣기도 했다.[28] 이에 대해 리히텐슈타인은 자신의 작품이 원본에 가까울수록 더 위협적이고 비판적이지만, 목적과 인식이 다르다는 점에서 완전히 변형되었다고 반박했다.[29] 그는 인터뷰에서 비판을 받는 것이 때로는 힘들지만, 그림을 그릴 때는 의심하지 않는다고 밝혔다.[30]

리히텐슈타인은 만화 이미지를 차용하면서도 자신만의 독특한 스타일을 구축했다. 그는 벤데이 점 기법과 뚜렷한 윤곽선을 사용하여 마치 사진 복제처럼 보이는 효과를 만들어냈다. 그러나 그의 작품은 단순히 만화를 모방하는 것을 넘어, 대중 매체가 대상을 묘사하는 방식을 탐구하는 예술적 실험이었다.

3. 4. 1. 원작자와의 관계 및 저작권 문제

리히텐슈타인은 전쟁과 로맨스 이야기를 담은 만화에서 영감을 받아 작품을 제작했으며, 감정이 강한 주제와 정교한 회화 기법의 대비에 관심이 있었다고 회상했다.[23] 그는 대중 매체가 대상을 묘사하는 방식을 다루었지만, 자신의 작품이 만화와는 다르며 변형이라고 부르지는 않겠다고 말했다.[27]

''익사하는 소녀''(1963). 뉴욕 현대 미술관에 전시됨


''익사하는 소녀''(1963)는 토니 아브루초가 그린 DC 코믹스의 'Secret Hearts' 83호의 주요 이야기를 차용한 것으로, 두꺼운 윤곽선, 대담한 색상, 벤데이 점을 특징으로 한다.[25] 리히텐슈타인은 자신의 작품에 대해 잭슨 폴록이나 프란츠 클라인과 같은 추상 표현주의자들과 달리 선을 긋는 본질은 같지만, 자신의 스타일은 그들처럼 보이지 않는다고 말했다.[26]

''와암!''(1963)은 전투기가 적기를 향해 로켓을 발사하는 모습을 묘사한 이부작으로, 만화 스타일의 의성어와 캡션이 특징이다.[31] 1962년과 1964년 사이에 제작된 전쟁 테마 작품 중 하나이며, 테이트 모던에 소장되어 있다.

리히텐슈타인의 작품이 처음 전시되었을 때, 많은 미술 평론가들은 그 독창성에 이의를 제기하며 저속하고 공허하다는 비판을 했다.[28] 1964년 ''라이프'' 잡지 기사는 "그가 미국 최악의 예술가인가?"라는 제목을 달기도 했다.[28] 리히텐슈타인은 자신의 작품이 원본에 가까울수록 더 위협적이고 비판적이지만, 목적과 인식이 다르다는 점에서 완전히 변형되었다고 주장했다.[29] 그는 비판을 받는 것이 힘들 때도 있지만, 그림을 그릴 때는 의심하지 않는다고 말했다.[30]

리히텐슈타인의 작품은 만화책 패널을 확대하여 재현한 것이지만, 원작자에게 크레딧을 주거나 로열티를 지불하지 않았다는 비판을 받았다.[43][44] 만화가 아트 슈피겔만은 리히텐슈타인이 만화에 대해 앤디 워홀이 수프에 대해 한 것 이상도 이하도 하지 않았다고 언급했다.[37] 데이브 기번스는 음악과 달리 다른 사람의 작품을 사용하면 원작자에게 크레딧을 주고 지불해야 한다고 주장하며, 리히텐슈타인을 '모방자'라고 표현했다.[45]

앨러스테어 수크는 리히텐슈타인이 어브 노빅의 작품을 여러 방식으로 변형시켰다고 주장했지만,[46] 에르네스토 프리에는 리히텐슈타인이 원작자에게 크레딧을 주지 않은 것이 DC 코믹스의 전신인 내셔널 페리오디컬 퍼블리케이션스가 작가와 작가에게 크레딧을 생략한 것을 반영한 것이라고 지적했다.[47]

3. 5. 다양한 기법과 주제 탐구

리히텐슈타인은 1960년대 초부터 만화의 한 장면을 확대한 듯한 작품을 선보였다. 그는 아이에게 미키 마우스 만화를 그려주다가, 기존 회화보다 만화가 더 강렬한 인상과 표현력을 가지고 있음을 깨달았다고 한다. 그의 작품에서는 사물이 모두 굵은 윤곽선으로 둘러싸인 평면으로 표현되며, 색상은 원칙적으로 삼원색으로 칠해진다. 음영은 점의 크고 작음과 밀도로 표현되는데, 이러한 통속적이고 유형적인 표현 속에 미를 발견한 점이 그의 독창성이라 할 수 있다. 빨강, 노랑, 파랑의 삼원색과 흰색, 검은색으로 한정된 색채 사용은 피에트 몬드리안과 같은 모더니즘 추상 화가와 공통되며, 만화의 평면성을 강조한 화면은 추상표현주의와도 이어진다.[51]

이후 그는 만화뿐만 아니라 고전 명화를 평면적인 기법으로 그리거나, 물감을 두껍게 칠한 붓 자국(브러시 스트로크)처럼 평면성과는 반대되는 것을 만화처럼 평면적으로 그리는 시리즈 등을 시도했다. 색채 사용도 삼원색 외의 색으로 확장되었고, 회화에 거울면을 도입하거나 입체 작품을 제작하기도 했다.

3. 5. 1. 《모던 페인팅》 연작과 아르 데코의 영향

로이 리히텐슈타인은 1960년대에 만화 이미지를 차용한 작품으로 잘 알려졌지만, 원본 소스에는 1960년대 후반 《모던 페인팅》 연작과 아르 데코 양식과의 관계에 대한 내용이 직접적으로 언급되지 않았다. 따라서 해당 내용은 출력할 수 없다.

3. 5. 2. 《붓 터치》 연작과 명화의 재해석

1960년대 초, 리히텐슈타인은 폴 세잔, 피에트 몬드리안, 파블로 피카소의 걸작들을 재현했으며, 1965년에는 ''붓 터치'' 연작을 시작했다.[51] 이후 그는 빈센트 반 고흐의 ''아를의 침실''에서 영감을 얻은 ''아를의 침실''과 같은 작품을 통해 이 주제를 계속해서 탐구했다.

3. 6. 후기 작품 활동

이 시기에 리히텐슈타인은 미국뿐만 아니라 전 세계적으로 명성을 얻었다. 그는 미술계의 중심에 있기 위해 뉴욕으로 돌아와 1964년 럿거스 대학교를 사임하고 그림에 전념했다.[24] DC 코믹스의 'Secret Hearts' 83호의 주요 이야기를 차용한 ''익사하는 소녀''(1963)에서 유화와 마그나(초기 아크릴) 페인트를 사용했다.[25] ''익사하는 소녀''는 두꺼운 윤곽선, 대담한 색상, 벤데이 점을 특징으로 하며 마치 사진으로 복제된 것처럼 보인다. 리히텐슈타인은 자신의 작품에 대해 "내 스타일은 완전히 다르게 보이지만 선을 긋는 본질은 거의 같다. 내 것은 폴록이나 프란츠 클라인처럼 서예적으로 보이지 않을 뿐이다."라고 말하곤 했다.[26]

리히텐슈타인의 작품은 대상을 재현하기보다는 대중 매체가 그들을 묘사하는 방식을 다루었다. 그는 "내 작품은 만화와 다르다고 생각하지만 변형이라고 부르지는 않겠다. 그것이 의미하는 것이 예술에 중요하다고 생각하지 않는다."라고 말했다.[27] 그의 작품이 처음 전시되었을 때, 많은 미술 평론가들은 그 독창성에 이의를 제기하며 저속하고 공허하다는 혹독한 비판을 했다. 1964년 ''라이프'' 잡지 기사 제목은 "그가 미국 최악의 예술가인가?"였다.[28] 리히텐슈타인은 "내 작품이 원본에 가까울수록 내용은 더 위협적이고 비판적이다. 그러나 내 작품은 나의 목적과 인식이 완전히 다르다는 점에서 완전히 변형되었다."라며 대응했다.[29]

리히텐슈타인의 유명한 작품 ''와암!''(1963)은 전투기가 적기를 향해 로켓을 발사하는 모습을 빨간색과 노란색 폭발과 함께 묘사하고 있다. 만화 스타일은 의성어 문자 "와암!"과 캡션으로 강조된다. 이 이부작은 크기가 1.7m x 4m이다.[31] ''와암!''은 1962년과 1964년 사이에 제작된 전쟁 테마 작품의 일부이며, 그의 두 개의 주목할 만한 대형 전쟁 테마 그림 중 하나이다. 1963년 레오 카스텔리 갤러리에서 전시된 후 1966년 테이트 갤러리에서 구입되어 현재 테이트 모던에 소장되어 있다.

1964년경 리히텐슈타인은 조각을 실험하기 시작했는데, ''소녀의 두상''(1964)과 ''붉은 그림자가 있는 두상''(1965)에서 도예가와 협력하여 머리 형태를 점토로 조각했다. 그는 유약을 발라 그림에서 사용했던 것과 같은 종류의 그래픽 모티프를 만들었다. 흑색 선과 벤데이 점을 3차원 객체에 적용한 결과 형태가 평평해졌다.[35]

리히텐슈타인의 만화 기반 작품은 예술로서의 가치에 대한 광범위한 논쟁을 불러일으켰다.[38][39] 리히텐슈타인 자신은 "나는 명목상으로 복사하고 있지만, 실제로 복사된 것을 다른 용어로 다시 말하고 있다."라고 인정했다.[40] 빌 그리피스는 "고급 예술과 저급 예술이 있다. 그리고 저급 예술을 가져다가 고급 예술적 맥락으로 가져와서 그것을 적절하게 사용하고 다른 무언가로 승화시킬 수 있는 고급 예술이 있다."라고 말한 적이 있다.[42] 이러한 논쟁에도 불구하고, 리히텐슈타인의 만화 기반 작품은 어느 정도 받아들여졌지만, 원작자에게 크레딧을 주거나, 로열티를 지불하거나, 허가를 구하지 않았다는 비판은 여전히 제기되었다.[43][44]

1970년, 리히텐슈타인은 로스앤젤레스 카운티 미술관으로부터 영화 제작 의뢰를 받아 유니버설 영화 스튜디오의 도움으로 해양 풍경 영화인 ''세 개의 풍경''을 구상하고 제작했다.[52] 15편의 단편 영화를 제작할 계획이었지만, 세 개의 스크린 설치 작품은 그의 유일한 매체 진출이 되었다.[53] 1970년에 롱아일랜드 사우스햄튼에 스튜디오를 지어 1970년대의 나머지 기간을 상대적으로 은둔된 상태로 보냈다.[54] 1970년대와 1980년대에 그의 스타일은 느슨해지기 시작했고 이전 작업에서 확장되었다. 1983년에는 "아파르트헤이트 반대"라는 제목의 두 개의 아파르트헤이트 반대 포스터를 제작했다.[61][62]

3. 6. 1. 《거울》 연작과 《엔타블러처》 연작

이후 리히텐슈타인은 만화뿐만 아니라 고금의 명화를 동일한 평면적인 기법으로 그리는 시리즈나, 물감을 두껍게 칠한 붓 자국(브러시 스트로크)처럼 평면성과는 대극점에 있는 것을 만화처럼 평면적으로 그리는 시리즈 등도 전개했다. 회화 속에 거울면을 도입하거나 입체 작품을 제작하기도 했다.[3]

3. 6. 2. 《예술가의 스튜디오》 연작과 이전 작품의 통합

리히텐슈타인은 자신의 아이에게 미키 마우스 만화를 그려주었을 때, 기존의 이른바 예술로서의 회화보다 만화가 더 강렬한 임팩트와 표현력을 가지고 있다는 것을 깨달았다.[1] 그는 이후 만화뿐만 아니라 고금의 명화를 동일한 평면적인 기법으로 그리는 시리즈나, 물감을 두껍게 칠한 붓 자국(브러시 스트로크)과 같이 평면성과는 대극점에 있는 것을 만화처럼 평면적으로 그리는 시리즈 등도 전개했다.[1]

3. 6. 3. 독일 표현주의와 아메리카 원주민 예술의 영향

로이 리히텐슈타인은 1940년 오하이오 주립 대학교 미술학부에 입학하여 1949년 같은 대학교에서 석사 학위를 취득했다. 리히텐슈타인은 추상표현주의 풍의 작품을 제작하였으며, 1960년대 초에는 만화의 한 장면을 확대한 듯한 작품을 선보였다. 그는 자신의 아이에게 미키 마우스 만화를 그려주었을 때, 예술로서의 회화보다 만화가 더 강렬한 임팩트와 표현력을 가지고 있다는 것을 깨달았다고 한다. 그의 작품에서는 사물이 모두 굵은 윤곽선으로 둘러싸인 평면으로 표현되며, 색상은 원칙적으로 삼원색으로 칠해진 면, 음영은 점의 크기와 밀도로 표현된다. 빨강, 노랑, 파랑의 삼원색과 흰색, 검은색으로 한정된 색채 사용은 모더니즘 추상 화가인 피에트 몬드리안과 공통되며, 만화의 평면성을 강조한 화면은 평면성을 강조한 추상표현주의와도 연속성을 가진다.

3. 6. 4. 《정물》 연작과 《실내》 연작

리히텐슈타인은 1960년대 초부터 만화의 한 장면을 확대한 듯한 작품을 선보였다. 그는 자신의 아이에게 미키 마우스 만화를 그려주었을 때, 이른바 예술로서의 회화보다 만화가 더 강렬한 임팩트와 표현력을 가지고 있다는 것을 깨달았다고 한다. 이후 만화뿐만 아니라 고금의 명화를 동일한 평면적인 기법으로 그리는 시리즈, 물감을 두껍게 칠한 붓 자국(브러시 스트로크)을 만화처럼 평면적으로 그리는 시리즈 등도 전개했다.[3]

3. 6. 5. 《중국풍 풍경》 연작과 누드 연작

제공된 소스에는 1990년대 작품 활동에 대한 구체적인 내용이 없으므로, 이전 시기 작품 경향을 바탕으로 추론해야 합니다. 주어진 소스에서 《중국풍 풍경》 연작과 누드 연작에 대한 직접적인 언급은 없습니다. 따라서 이 섹션에 해당 내용을 추가하는 것은 적절하지 않습니다.

3. 7. 공공미술 프로젝트

1970년대 후반과 1980년대에 리히텐슈타인은 공공 장소에 설치할 작품들을 의뢰받았다. 대표적인 조각 작품으로는 조지아주 세인트 메리에 설치된 램프(1978), 마이애미 해변에 설치된 인어(1979), 존 글렌 콜럼버스 국제공항에 설치된 26피트 높이의 비행 중의 붓놀림(1984, 1998년 이동), 뉴욕 에퀴터블 센터에 설치된 5층 높이의 파란 붓놀림 벽화(1984–85), 바르셀로나에 설치된 바르셀로나의 머리(1992) 등이 있다.[50]

1994년, 리히텐슈타인은 타임스 스퀘어 지하철역에 53피트 길이의 금속 에나멜 작품인 타임스 스퀘어 벽화를 제작했다.[67] 1977년에는 BMW의 의뢰를 받아 BMW 아트카 프로젝트의 세 번째 작품으로 BMW 320i의 그룹 5 레이싱 버전을 그렸다.

로이 리히텐슈타인이 1977년에 그린 BMW 320i의 그룹 5 레이싱 버전


1989년 리히텐슈타인이 텔아비브 미술관을 위해 특별히 제작한 거대한 두 패널 벽화


드림웍스 레코드 로고는 그의 마지막으로 완성된 프로젝트였다.[7] 리히텐슈타인은 "나는 그런 일(기업 로고)을 하는 사람이 아니고, 다시 할 생각도 없다"라며, "하지만 나는 모 오스틴과 데이비드 게펜을 알고 있었고, 그것이 흥미롭게 보였다"라고 말했다.[68]

3. 8. BMW 아트카 프로젝트



1977년, 리히텐슈타인은 BMW의 의뢰를 받아 BMW 아트카 프로젝트의 세 번째 작품으로 BMW 320i 그룹 5 레이싱 버전을 그렸다.[7]

4. 개인적인 삶

리히텐슈타인은 1949년에 이사벨 윌슨과 결혼했지만 1965년에 이혼했다.[70][72] 1968년에는 도로시 헤르츠카와 재혼했다.[73] 1970년부터 사망할 때까지 맨해튼과 뉴욕주 사우스햄턴에서 시간을 보냈으며, 캡티바 섬에도 집을 소유했다.[75][76]

1991년, 리히텐슈타인은 가수 에리카 웩슬러와 불륜 관계를 맺었고, 웩슬러는 1994년 "해변 공이 있는 누드"를 포함한 그의 누드 시리즈의 뮤즈가 되었다. 당시 그녀는 22세였고 그는 68세였다.[77] 이 관계는 1994년까지 지속되었고, 웩슬러가 미래의 남편인 XTC의 앤디 파트리지와 함께 영국으로 떠나면서 끝났다. 웩슬러에 따르면, 리히텐슈타인과 그의 아내 도로시는 서로를 이해했으며, 둘 다 결혼 외에도 중요한 상대를 두고 있었다고 한다.

1997년 9월 29일, 뉴욕 대학교 랭곤 메디컬 센터에서 폐렴으로 사망했다.[20]

4. 1. 첫 번째 결혼과 이혼

리히텐슈타인은 1949년에 이전에 오하이오 출신 예술가인 마이클 사리스키와 결혼했던 이사벨 윌슨과 결혼했다.[70] 1958년 뉴욕 주립 대학교 오스웨고에서 교직을 시작한 후, 혹독한 북부 겨울 날씨는 리히텐슈타인과 그의 아내에게 큰 고통을 안겨주었다.[71] 부부는 1963년에 뉴저지주 하이랜드 파크에 있는 집을 팔았고,[72] 1965년에 이혼했다.

4. 2. 두 번째 결혼과 사우스햄튼 생활

1949년, 리히텐슈타인은 이전에 오하이오 출신 예술가인 마이클 사리스키와 결혼했던 이사벨 윌슨과 결혼했다.[70] 그러나 1958년 뉴욕 주립 대학교 오스웨고에서 교직을 시작한 후, 혹독한 북부 겨울 날씨가 리히텐슈타인과 그의 아내에게 큰 고통을 안겨주었다.[71] 부부는 1963년에 뉴저지주 하이랜드 파크에 있는 집을 팔았고,[72] 1965년에 이혼했다.

리히텐슈타인은 1968년에 두 번째 아내인 도로시 헤르츠카(1939–2024)와 결혼했다.[73] 1960년대 후반, 그들은 래리 리버스가 자신의 집 근처에 구입한 뉴욕주 사우스햄턴에 있는 집을 임대했다.[74] 3년 후, 그들은 긴 레인(Gin Lane)의 바다를 마주보는 1910년식 마차 집을 구입했다.[74] 1970년부터 사망할 때까지 리히텐슈타인은 맨해튼과 사우스햄턴에서 시간을 보냈다.[75] 그는 또한 캡티바 섬에 집을 소유하고 있었다.[76]

4. 3. 사망

1997년 9월 29일, 리히텐슈타인은 뉴욕 대학교 랭곤 메디컬 센터에서 몇 주 동안 입원 치료를 받다가 73세의 나이로 폐렴으로 사망했다.[20] 그는 두 번째 아내인 도로시 헤르츠카],[78] 그리고 첫 번째 결혼에서 얻은 아들인 데이비드와

5. 유산 및 영향

팝 아트는 21세기에도 계속해서 영향을 미치고 있다. 앤디 워홀과 로이 리히텐슈타인은 순수 미술, 광고, 소비주의 간의 관계를 탐구한 것으로 널리 알려져 있으며, 이들의 다양한 실크 스크린 작품과 워홀의 폴라로이드 사진은 1960년대와 1970년대 팝 아트 운동의 선구적인 작품으로 평가받는다. 리히텐슈타인과 워홀의 작품은 1997년과 1998년 U2의 PopMart 투어, 2007년 영국 내셔널 초상화 미술관 전시회 등에도 사용되었다.[79]

2001년 9월 11일 9.11 테러로 인해 세계 무역 센터에서 발생한 화재로 파괴된 예술 작품 중에는 리히텐슈타인의 《The Entablature Series》도 포함되어 있었다.[80]

5. 1. 로이 리히텐슈타인 재단

1997년 작가 로이 리히텐슈타인이 사망한 후, 1999년 로이 리히텐슈타인 재단이 설립되었다. 2011년, 재단 이사회는 진위 감정의 이점이 장기간의 소송 위험보다 크지 않다고 결정했다.[88]

2006년 말, 재단은 레오 카스텔리 갤러리에서 미술 복원가 다니엘 골드레이어에게 보내진 후 1970년부터 행방불명된 그림인 《전기 코드》(1961)의 사진이 담긴 연하장을 발송했다. 이 카드는 대중에게 그 행방에 대한 정보를 알려줄 것을 요청했다.[89] 2012년, 재단은 이 작품이 뉴욕시 창고에서 발견되자 진품으로 인증했다.[90]

2006년 사진작가 해리 섕크가 사망한 후, 2008년에서 2012년 사이에[91] 리히텐슈타인 재단은 섕크와 그의 야노스 켄더가 촬영한 사진 자료 컬렉션과 사진작가들의 저작권을 인수했다.[92] 2013년, 재단은 섕크-켄더 컬렉션을 로스앤젤레스의 게티 연구소, 뉴욕의 현대 미술관, 워싱턴의 국립 미술관, 파리의 퐁피두 센터, 런던의 테이트 미술관 등 5개의 기관에 기증하여 각 미술관이 다른 기관의 소장품에 접근할 수 있도록 했다.[92]

6. 수상 경력

연도수상 내역기관비고
1977년회화 부문 스코히건 메달스코히건 학교메인주 스코히건
1979년미국 예술 문학 아카데미 회원뉴욕
1989년로마 미국 아카데미 레지던스 아티스트이탈리아 로마
1991년회화 부문 창작 예술상브랜다이스 대학교매사추세츠주 월섬
1993년바르셀로나의 친구상파스칼 마라갈 바르셀로나 시장
1995년교토상이나모리 재단교토, 일본
1995년미국 예술 훈장워싱턴 D.C.



리히텐슈타인은 조지 워싱턴 대학교(1996), 바드 칼리지, 왕립 예술 학교(1993), 오하이오 주립대학교(1987), 사우스햄턴 칼리지(1980), 캘리포니아 예술 학교(1977) 등에서 명예 박사 학위를 받았다. 그는 또한 브루클린 음악 아카데미 이사로도 활동했다.[54]

7. 주요 작품

연도작품명
1961년공놀이 소녀
1961년이것 봐! 미키
1963년차 안에서
1963년꽝!
1963년물에 빠진 소녀
1964년행복한 눈물
1965년흰 붓자국
1977년BMW 자동차 디자인
1992년머리
시기 미상헤어리본을 한 소녀



1996년, 워싱턴 D.C.의 미국 국립 미술관은 리히텐슈타인이 판화 154점과 책 2권을 기증하면서 이 화가의 작품을 가장 많이 소장한 곳이 되었다.[87] 시카고 미술관은 《스패터가 있는 붓 자국》(1966)과 《거울 No. 3 (6개 패널)》(1971) 등 리히텐슈타인의 주요 작품 여러 점을 영구 소장하고 있다. 리히텐슈타인의 미망인 도로시 리히텐슈타인과 로이 리히텐슈타인 재단이 개인적으로 소장하고 있는 작품은 수백 점에 달한다.[87]

유럽에서는 쾰른의 루트비히 미술관이 《Takka Takka》(1962), 《간호사》(1964), 《구성 I》(1964) 등을 소장하며 가장 광범위한 리히텐슈타인 작품을 소장하고 있으며, 프랑크푸르트의 현대 미술관은 《우리는 천천히 일어섰다》(1964)와 《노란색과 녹색 붓 자국》(1966)을 소장하고 있다. 미국과 유럽 외에는, 오스트레일리아 국립 미술관의 케네스 타일러 컬렉션이 300점이 넘는 리히텐슈타인의 판화를 광범위하게 소장하고 있다. 총 4,500여 점의 작품이 유통되고 있는 것으로 추정된다.[7]


  • 헤어리본을 한 소녀 (도쿄도 현대미술관)
  • 룩 미키 (내셔널 갤러리 (워싱턴))

참조

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