무조성
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1. 개요
무조성은 조성의 규칙에서 벗어나 불협화음을 적극적으로 사용하는 음악 기법이다. 19세기 말, 조성의 확장과 해체 과정에서 나타났으며, 쇤베르크를 중심으로 한 제2 빈 악파에 의해 본격적으로 추구되었다. 12음 기법, 총렬주의, 집합 이론 등의 기법이 사용되었으며, 20세기 음악에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 '무조성'이라는 용어 자체에 대한 논란과 비판이 존재하며, 21세기에도 주류 음악으로 자리 잡지는 못했다.
무조성 음악은 19세기 말 유럽 음악계에서 조성 체계가 점차 확장되고 해체되는 과정에서 등장했다. 19세기 동안 모호한 화음, 있을 법하지 않은 화성 변화, 조성 음악 양식에서 가능한 것보다 더 특이한 선율 및 리듬 변화의 사용이 증가하면서 '조성의 위기'가 발생했다. 이는 예외와 정상의 구분이 모호해지고, 음과 화음의 연결 고리가 약화되는 결과를 낳았다.
해방 이후 한국에서는 서양 음악이 본격적으로 수용되면서 무조성 음악이 소개되었다. 윤이상, 백병동, 강석희, 김정길 등은 무조성 음악을 한국 현대 음악의 중요한 흐름으로 이끌었다.[2]
2. 역사적 배경
'무조성'이라는 용어는 1907년 요제프 마르크스가 조성을 학문적으로 연구하면서 처음 사용했으며, 이후 그의 박사 학위 논문으로 확장되었다.
프란츠 리스트의 ''무조의 바가텔''(1885)처럼 이전에 쓰여진 무조성 음악이 있었지만, 20세기에 이르러 아르놀트 쇤베르크와 제2 빈 악파가 작곡한 곡들에 '무조성'이라는 용어가 적용되기 시작했다.
2. 1. 조성의 확장과 해체 (19세기 말)
19세기에는 조 체계의 변질과 붕괴가 진행되었다. 슈베르트와 쇼팽은 이명동음 전조, 준 고유 화음, 차용 화음, 우발 화음을 많이 사용했다. 바그너는 트리스탄 화음에서 불협화음의 해결을 지연시키거나 해결하지 않았다. 러시아 5인조, 그리그, 포레 등은 교회 선법, 민족 선법의 선율과 반음계적 화성을 결합하여 조성 개념을 확장했다.
쇼팽의 《스케르초 3번》 도입부나 《피아노 소나타 2번》 피날레는 조성 파괴를 의도한 것은 아니지만, 결과적으로 조성감이 거의 느껴지지 않는다. 바그너의 악극 《트리스탄과 이졸데》(1859년), 드뷔시의 《목신의 오후에의 전주곡》(1894년), 쇤베르크의 《정화된 밤》(1899년) 역시 풍부한 표현을 추구한 결과, 조성의 확장과 간략화가 나타났다.
2. 2. 의도적인 조성 파괴 시도 (20세기 초)
프란츠 리스트는 무조의 바가텔(1885)에서 의도적으로 조성을 파괴하려는 초기 실험을 보여주었다. 아르놀트 쇤베르크를 중심으로 한 신 빈 악파는 1908년을 기점으로 본격적인 무조 음악을 추구하기 시작했다. 쇤베르크는 '불협화음의 해방'이라는 개념을 통해, 전통적인 조성 음악에서 종속적인 관계로 취급되던 불협화음을 독립적인 가치를 지닌 음향으로 다루었다.
2. 3. 무조성 음악의 확산과 발전
아르놀트 쇤베르크의 제자인 알반 베르크와 안톤 베베른은 스승의 무조성 음악을 더욱 발전시켰다. 베르크는 오페라 보체크(1922년) 등으로, 베베른은 일련의 기악곡과 가곡 등을 통하여 무조성 음악을 더 발전시켰다.[3] 쇤베르크는 1921년에 12음 기법을 창안하여 무조 음악에 새로운 질서를 부여하고자 하였다.[3] 12음 기법은 음렬을 사용하여 음고 간의 관계를 체계화하는 작곡 기법으로, 제2차 세계 대전 이후 서양 음악계에 큰 영향을 미쳤다.[3]
12음 기법으로 체계화된 작품으로는 베르크의 오페라 룰루(1937년)와 쇤베르크의 피아노 협주곡, 오페라 모세와 아론 등이 알려져 있다.[3]
신 빈 악파 중에서도 후세에 미치는 영향이라는 관점에서 뛰어난 것은 베베른이다. 베베른의 음색과 다이내믹의 대비, 섬세한 음향은 이후의 토탈 시리얼리즘의 원점이 되었고, 피에르 불레즈, 카를하인츠 슈톡하우젠, 올리비에 메시앙 등의 작곡가들에게 큰 영향을 주었다.[3]
전후에는 예술 음악에서 무조는 당연한 것이 되었고, 특별한 일이 아니게 되었다. 이고르 스트라빈스키, 루치아노 베리오, 크시슈토프 펜데레츠키, 엘리엇 카터, 비톨트 루토스와프스키 등, 이 시대의 주요 작곡가들은 모두 무조 음악을 작곡했다. 파시즘에 대한 반성에서 나치가 박해했고 히틀러가 싫어했던 무조 음악이야말로 중요하다는 흐름도 있었다.[3]
3. 한국의 무조성 음악
3. 1. 초기 수용과 영향 (1950-60년대)
안톤 베베른은 "어떤 곡이 어떤 조에 속한다고 지정하는 것을 불가능하게 만드는 새로운 법칙들이 생겨났다"고 주장했다.[1] 반면 작곡가 월터 피스톤은 연주자들이 오랫동안 익숙해진 습관 때문에 "어떤 작은 구절을 연주하든 어떤 조로 들을 것이며, 그것이 정확한 조가 아닐 수도 있지만, 중요한 점은 그들이 조성을 가지고 연주할 것이라는 점이다. ... [그리고] 내가 쇤베르크의 음악을 더 많이 안다고 느낄수록, 그는 스스로 그렇게 생각했다고 믿는다. ... 그리고 그것은 연주자들뿐만이 아니다. 청취자들도 마찬가지다. 그들은 모든 것에서 조성을 들을 것이다."라고 말했다.
도널드 제이 그라우트 역시 "어떤 음의 조합이라도 근본적인 근음으로 간주될 수 있기" 때문에 무조성이 정말 가능한지에 대해 의문을 제기했다. 그는 이를 근본적으로 주관적인 범주로 정의하며, "무조 음악이란 그 단어를 사용하는 사람이 조 중심을 들을 수 없는 음악이다."라고 말했다.[3]
"무조"로 보이는 작품에서도, 조성은 일반적으로 주제적 또는 선형적 수준에서 "주장"에 의해 들린다는 어려운 점이 있다. 즉, 중심성은 중심 음의 반복 또는 악기 편성, 음역, 리듬의 연장 또는 강세에 의한 강조를 통해 확립될 수 있다.
스위스의 지휘자이자 작곡가이며 음악 철학자인 에르네스트 앙세르메는 무조 음악의 비평가였다. 그는 저서 《인간 의식 속의 음악의 기초》(Les fondements de la musique dans la conscience humaine)에서 고전 음악 언어는 명확하고 조화로운 구조를 갖춘 음악 표현의 전제 조건이라고 주장하며 이에 관해 폭넓게 저술했다. 앙세르메는 음계가 단 하나의 음정에서 유추될 때에만 음악의 통일된 인식을 이끌 수 있다고 주장했다. 앙세르메에게 이 음정은 5도였다.
2012년 12월 20일, 프랑스에서는 프랑스 피아니스트 제롬 뒤크로가 프랑스 국립 학술원에서 카롤 베파의 예술 창작 강좌의 일환으로 "무조 음악. 그리고 그 다음은?"이라는 제목의 강연을 했다.[2] 그는 유조 언어와 무조 언어의 담론적 특성을 비교하며, 주로 전자에 유리함을 부여하고, 조성의 회귀를 불가피한 것으로 간주했다. 이 강연은 프랑스 음악계에서 뜨거운 논쟁을 불러일으켰다.
3. 2. 한국적 무조성 음악의 탐구 (1970년대 이후)
윤이상은 동양 철학과 한국 전통 음악의 요소를 결합하여 자신만의 독특한 무조성 음악 세계를 구축했다. 그의 작품은 음 하나하나에 생명력을 부여하고, 음색과 음향을 중시하는 특징을 보인다. 백병동, 강석희, 김정길 등은 12음 기법을 바탕으로 다양한 실험을 통해 한국 현대 음악의 지평을 넓혔다.[2]
4. 무조성 음악의 주요 기법
무조 음악은 특정한 작곡 기법에 국한되지 않지만, 몇 가지 대표적인 기법들이 사용된다.
조지 펄은 12음 기법 이전의 '자유로운' 무조성은 일관성 있고 일반적으로 적용 가능한 작곡 절차를 정의하기 어렵다고 설명한다.[1] 그러나 안톤 베베른의 초기 작품을 예로 들며, 조성을 암시하는 모든 것을 피하고 조성과 관련 없는 음고를 선택하는 방법을 제시한다.
코스트카와 페인은 쇤베르크의 무조 음악에서 멜로디나 화성의 옥타브 회피, 장조나 단조 3화음 같은 전통적인 음고 집합 회피, 같은 조성 음계에서 연속적으로 3개 이상의 음고 회피, 분리 멜로디 사용(연결 멜로디 회피)과 같은 네 가지 부정적인 규칙이 작동한다고 설명한다.[2]
펄은 오스터와 카츠의 의견에 동의하며, 개별 화음의 근음 생성자 개념을 포기하는 것은 전통적인 화성 이론으로는 무조 음악의 화음 구조와 진행을 체계적으로 설명하기 어렵게 만든다고 지적한다.[1] 그는 무조 작곡 기법과 결과가 '무조 음악'이라는 용어로 묶이는 작품들이 작곡의 '체계'를 나타낸다고 보기 어렵다고 덧붙인다.[1]
펄은 구조적 일관성이 간격 세포에 대한 연산을 통해 달성된다고 말한다. 세포는 화음이나 멜로디, 또는 둘의 조합으로 나타나는 미시적인 고정 간격 내용의 집합체이다. 세포의 구성 요소는 순서가 고정될 수 있으며, 12음렬처럼 변환되어 사용될 수 있다. 개별 음은 기본 세포를 중복해서 표현하거나, 두 개 이상의 기본 세포를 연결하는 핵심 요소로 기능할 수 있다.[1]
앨런 포르테는 조옮김과 반전 같은 무조 음악 작곡 기법 이론을 제시했다. 조옮김은 원을 따라 시계 방향 또는 반시계 방향으로 t만큼 회전시키는 것으로, 화음의 각 음이 동일하게 회전한다. 예를 들어 t=2이고 화음이 [0 3 6]이면 조옮김(시계 방향)은 [2 5 8]이 된다. 반전은 0과 6으로 형성된 축에 대한 대칭으로, [0 3 6]은 [0 9 6]이 된다.
4. 1. 자유 무조성
12음 기법이 확립되기 이전의 초기 무조 음악은 특정한 체계 없이, 조성을 암시하는 모든 요소를 의식적으로 피하는 방식으로 작곡되었다. 이는 조성 음악의 규칙을 뒤집는 방식으로, 불협화음을 적극적으로 사용하고 조성 중심을 회피하는 것이 특징이다.[1] 조지 펄은 "12음 기법에 앞선 '자유로운' 무조성은, 정의상 일관성이 있고 일반적으로 적용 가능한 작곡 절차의 가능성을 배제한다"고 설명한다.코스트카와 페인은 쇤베르크의 무조 음악에서 작동하는 네 가지 절차를 다음과 같이 나열한다. 모두 부정적인 규칙으로 간주될 수 있다.
- 멜로디 또는 화성의 옥타브 회피
- 장조, 단조 3화음과 같은 전통적인 음고 집합 회피
- 같은 조성 음계에서 연속적으로 3개 이상의 음고 회피
- 분리 멜로디 사용(연결 멜로디 회피)
펄은 오스터와 카츠에 동의하며, "개별 화음의 근음 생성자 개념의 포기는 전통적인 화성 이론의 틀 안에서 무조 음악의 화음 구조와 진행을 체계적으로 공식화하려는 모든 시도를 무의미하게 만드는 급진적인 발전이다"라고 말한다.
4. 2. 12음 기법
1921년, 쇤베르크가 12음 기법을 창시하면서 무조의 흐름은 더욱 궤도에 오르게 되었다.[3] 12음 기법은 12개의 반음을 모두 동등하게 사용하여 음렬을 만들고, 이 음렬을 바탕으로 작곡하는 기법이다. 음렬은 원형, 역행형, 전위형, 역전위형 등으로 변형되어 사용될 수 있다.12음 기법으로 체계화된 작품으로는 베르크의 오페라 『룰루』(1937년)와 쇤베르크의 피아노 협주곡, 오페라 『모세와 아론』 등이 알려져 있다.[3] 로슬라베츠는 스크랴빈의 영향을 받아 러시아에서, 메시앙은 프랑스에서 독자적인 음악세계를 구축했다. 메시앙은 스크랴빈의 영향은 부인했지만, 스크랴빈에게 감화된 오브후프나 비슈네그라츠키의 작품을 알고 있었고, 간접적으로 영향을 받았다고 할 수 있다.[3]
4. 3. 총렬주의 (음렬주의)
총렬주의는 12음 기법을 음높이뿐만 아니라 음의 길이, 강도, 음색 등 음악의 다른 요소에도 적용하여 확장한 기법이다. 메시앙, 불레즈 등이 총렬주의를 주도했다. 베베른의 음색과 다이내믹의 대비, 섬세한 음향은 이후 총렬주의의 원점이 되었고, 피에르 불레즈나 슈톡하우젠, 메시앙 등의 작곡가들에게 큰 영향을 주었다.[3]4. 4. 집합 이론
집합 이론은 음고 집합 간의 관계를 분석하고, 이를 바탕으로 작곡하는 기법이다. 앨런 포르테는 무조 음악 작곡 기법 이론을 개발했는데, 그는 조옮김과 반전을 주요 연산으로 설명한다. 조옮김은 원을 따라 시계 방향 또는 반시계 방향으로 ''t''만큼 회전시키는 것으로, 화음의 각 음은 동일하게 회전한다. 예를 들어 ''t'' = 2이고 화음이 [0 3 6]이면 조옮김(시계 방향)은 [2 5 8]이 된다. 반전은 0과 6으로 형성된 축에 대한 대칭이다. 예를 들어 [0 3 6]은 [0 9 6]이 된다.변환 후에도 동일하게 유지되는 음은 불변량이라 한다. 음이 실제로 발생하는 옥타브에 관계없이 모든 C는 동일하게 취급되므로, 옥타브는 중요하지 않다. 이러한 이유로 12음 음계는 원으로 표현된다. 이는 각 화음의 부분 집합과 간격 내용을 고려하여 두 화음 간의 유사성을 정의하는 데 사용된다.
5. 논란과 비판
'무조성'이라는 용어는 아르놀트 쇤베르크를 포함한 많은 음악가와 학자들로부터 비판받았다. 이 용어가 음악의 본질을 부정하는 것처럼 들릴 수 있기 때문이다.
무조성은 화음이 명백한 일관성 없이 조직된 음악을 비난하는 경멸적인 용어로 등장했다. 나치 독일에서는 무조성 음악이 '볼셰비키'로 공격받았으며, 퇴폐 예술(''Entartete Musik'')로 낙인찍혀 많은 작곡가들의 작품이 금지되었다. 이들의 작품은 제2차 세계 대전 종전 후 정권이 붕괴된 후에야 연주될 수 있었다.[2] 소련에서도 무조 음악은 불건전하고 퇴폐적이며 반체제적이라고 여겨져 사실상 작곡이 금지되었다.
일각에서는 무조성 음악이 난해하고 대중에게 다가가기 어렵다는 비판도 제기되었다. 21세기에도 무조 음악은 대중적으로 널리 받아들여지지 않고 있으며, 대부분 조성 음악이나 선법성에 기반한 음악에 익숙하다. 무조 음악은 영화 음악이나 서스펜스, 미스터리 장르의 텔레비전 드라마, 영화에서 불길한 효과를 연출하기 위해 사용되는 경우가 많다.
하지만 비틀즈, 사카모토 류이치, 우에노 코지 등 실험적인 상업 음악가들이 무조성을 적극적으로 도입하기도 했다. CM 음악이나 가요곡에서도 무조성 기법이 사용된 사례를 찾아볼 수 있으며, 토가와 준의 악곡 등이 대표적이다. 영화 고질라의 효과음으로 사용된 이후쿠베 아키라가 고안한 콘트라베이스 특수 주법처럼 음악 외적인 장면에서도 무조성이 활용되기도 했다.
5. 1. '무조성' 용어 논쟁
'무조성'이라는 용어는 1907년 요제프 마르크스가 조성을 학문적으로 연구하면서 처음 사용했다.[1] 이 용어는 조성 화음이 명백한 일관성 없이 조직된 음악을 비난하는 경멸적인 의미로 사용되기도 했다.[2] 나치 독일에서는 무조성 음악이 '볼셰비키'로 공격받았으며 퇴폐 예술로 낙인찍혔다.[2]아르놀트 쇤베르크는 '무조성'이라는 용어 대신 '범조성(Pantonality)'이라는 표현을 선호했다. 그는 모든 음이 동등하게 중요하며, 특정 음이 중심이 되는 조성 음악의 개념에서 벗어나야 한다고 생각했다. 이는 '불협화음의 해방'이라는 개념으로도 설명된다.
밀턴 배빗은 '무조성'이라는 용어가 의미가 없다고 비판했다.[3] 그는 무조성 음악이 기존의 음 재료를 그대로 사용하며, 단지 조성적인 관계를 다르게 사용할 뿐이라고 주장했다.
5. 2. 무조성 음악에 대한 비판적 시각
무조성 음악은 프란츠 리스트의 '무조의 바가텔'(1885년)처럼 이전에도 작곡된 예가 있었지만, 20세기에 들어 아르놀트 쇤베르크와 제2 빈 악파의 작품들에 '무조성'이라는 용어가 적용되기 시작했다.무조성은 화음이 명백한 일관성 없이 조직된 음악을 비난하는 경멸적인 용어로 사용되기도 했다. 나치 독일에서는 무조성 음악이 '볼셰비키'로 공격받았으며, 퇴폐 예술 (''Entartete Musik'')로 낙인찍혀 많은 작곡가들의 작품이 금지되었다. 이들의 작품은 제2차 세계 대전 종전 후 정권이 붕괴된 후에야 연주될 수 있었다.[3]
21세기에도 무조 음악은 대중적으로 널리 받아들여지지 않고 있으며, 대부분의 사람들에게 익숙한 음악은 조성 음악이나 선법성에 기반한 음악이다. 무조 음악은 영화 음악이나 서스펜스, 미스터리 장르의 텔레비전 드라마, 영화에서 불길한 효과를 연출하기 위해 사용되는 경우가 많다.
하지만 비틀즈, 사카모토 류이치, 우에노 코지 등 실험적인 상업 음악가들이 무조성을 적극적으로 도입하기도 했다. CM 음악이나 가요곡에서도 무조성 기법이 사용된 사례를 찾아볼 수 있다. 토가와 준의 악곡 등이 대표적인 예이다. 또한, 영화 고질라의 효과음으로 사용된 이후쿠베 아키라가 고안한 콘트라베이스 특수 주법처럼 음악 외적인 장면에서도 무조성이 활용되기도 했다.
참조
[1]
서적
Music of the Twentieth Century: A Study of Its Elements and Structure
https://www.jstor.or[...]
Amsterdam University Press
2005
[2]
웹사이트
L'atonalisme. Et après ? {{!}} Collège de France
https://www.college-[...]
2012-09-12
[3]
웹사이트
"無調」が調性音楽を迫害？ 20世紀音楽の歴史にまつわる教科書的な常識への疑問｜音楽っていいなぁ、を毎日に。｜ Webマガジン「ONTOMO」"
https://ontomo-mag.c[...]
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