쿠바의 음악
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1. 개요
쿠바의 음악은 식민지 시대의 융합, 19세기 민족 음악의 태동, 20세기 대중음악의 발전을 거치며 다양한 장르로 발전했다. 클래식 음악에서는 피아노와 오페라가 중요한 역할을 했으며, 에르네스토 레쿠오나와 같은 음악가들이 두각을 나타냈다. 대중음악은 룸바, 왈츠, 아프리카 및 스페인 유산의 영향을 받았으며, 트로바, 손, 재즈 등 다양한 스타일이 존재한다. 쿠바는 페르난도 오르티스 페르난데스와 같은 음악학자들을 통해 풍부한 음악학적 자료를 발전시켜 왔다.
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| 쿠바의 음악 | |
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| 개요 | |
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| 음악적 특징 | |
| 지역 | 쿠바 |
| 문화권 | 쿠바 문화 |
| 관련 항목 | 관련 문서 |
| 장르 | 아프로 아프로-쿠반 재즈 바코소 볼레로 (필린) 칸시온 차차차 차랑가 콩가 콘트라단사 (하바네라) 크리올라 쿠바톤 단손 데스카르가 과히라 과라차 힙합 맘보 모잠비크 누에바 트로바 파창가 필론 프레곤 푼토 과히로 록 룸바 (과구안코, 콜롬비아, 얌부, 바타-룸바, 과라파창구에오) 손 (몬투노) 송고 팀바 트로바 |
| 전통 음악 | 창구이 코로스 데 클라베 키리바 넹온 툼바 프란세사 |
| 종교 음악 | 아바쿠아 아라라 이예사 마쿠타 팔로 산테리아 유카 |
| 수상 | 베니 모레 상 |
| 국가 | 라 바야메사 |
| 기타 지역 | 앵귈라 앤티가 바부다 아루바 및 네덜란드령 안틸레스 바하마 바베이도스 버뮤다 보네르 섬 케이맨 제도 퀴라소 도미니카 도미니카 공화국 그레나다 과들루프 가이아나 아이티 자메이카 루이지애나 마르티니크 몬트세랫 푸에르토리코 세인트키츠 네비스 세인트루시아 세인트빈센트 그레나딘 수리남 트리니다드 토바고 터크스 케이커스 제도 버진아일랜드 베네수엘라 |
2. 역사적 배경
2. 1. 식민지 시대의 음악적 융합
2. 2. 19세기: 민족 음악의 태동
2. 3. 20세기: 대중음악의 발전과 혁명
3. 주요 장르
3. 1. 클래식 음악
18세기 말 쿠바에 피아노포르테(일반적으로 피아노라고 불림)가 도입된 후, 피아노는 쿠바인들 사이에서 가장 인기 있는 악기 중 하나가 되었다. 소박한 기타와 함께 피아노는 아바나와 전국 살롱 및 무도회에서 대중적인 쿠바의 "과라차"와 "콘트라단자"(유럽 컨트리 댄스에서 파생됨)에 반주로 사용되었다.[46] 1804년 초, 하바나의 콘서트 프로그램은 "최근 도착한 뛰어난 외국인이 포르테피아노로 반주하는" 성악 콘서트를 발표했으며,[47] 1832년에는 유명한 알자스 작곡가이자 피아니스트의 아들인 저명한 피아니스트 후안 페데리코 에델만(1795-1848)이 하바나에 도착하여 테아트로 프린시팔에서 매우 성공적인 콘서트를 열었다. 따뜻한 환영을 받은 에델만은 하바나에 머물기로 결정했고, 곧 산타 세실리아 필하모닉 협회 내에서 중요한 직책으로 승진했다. 1836년에는 악기점과 출판사를 열었다.[48]
가장 권위 있는 쿠바 음악가 중 한 명인 에르네스토 레쿠오나(1895-1963)는 누이 에르네스티나와 함께 피아노를 배우기 시작하여 페이레야데, 사베드라, 닌, 위베르 드 블랑크에게 배웠다. 신동이었던 레쿠오나는 불과 다섯 살에 시르쿨로 이스파노에서 콘서트를 열었다. 국립 음악원을 졸업했을 때, 그는 만장일치로 심사위원단의 결정에 따라 1등상과 금메달을 받았다. 그는 지금까지 가장 국제적으로 인정받는 쿠바 작곡가이며, 쿠바 피아노 전통에 대한 그의 기여는 특별한 것으로 여겨진다.[20]
오페라는 18세기 후반, 콜리세오라는 최초의 본격적인 극장이 건설되면서부터 쿠바에 존재해왔다. 그 이후 현재까지 쿠바인들은 오페라를 매우 즐겨왔으며, 많은 쿠바 작곡가들이 오페라 장르를 개척하여 때로는 국제적인 수준에서 큰 성공을 거두었다. 20세기 최고의 쿠바 리릭 가수는 오페라 테너 프란시스코 페르난데스 도미니치스(이탈리아 이름: 프란체스코 도미니치)(1885-1968)였다. 20세기 최고의 쿠바 여성 리릭 가수는 메조소프라노 마르타 페레즈(1924-2009)였다. 그녀는 1955년 이탈리아 밀라노의 라 스칼라에서 노래했다.[70]
3. 1. 1. 18세기와 19세기
19세기에 시골 음악과 아프로-쿠바 민속 음악 외에 가장 인기 있는 도시 크레올 댄스 음악은 콘트라단자였다. 콘트라단자는 잉글리시 컨트리 댄스와 파생된 프랑스 컨트라댄스, 스페인 컨트라단자의 지역 형태에서 시작되었다.[8] 많은 콘트라단자가 춤을 위해 작곡되었지만, 세기 중반부터는 피아노를 위한 가벼운 고전적 살롱 작품으로 여러 곡이 작곡되었다. 이 스타일의 최초의 뛰어난 작곡가는 마누엘 사우멜(1818–1870)이었으며, 그는 때때로 쿠바 크레올 음악 발달의 아버지로 칭송받는다.[8]
그의 후계자 이그나시오 세르반테스(Ignacio Cervantes Kavanagh)의 손에서 콘트라단자와 관련된 피아노 기법은 훨씬 더 정교해졌다. 세르반테스는 아론 코플랜드(Aaron Copland)에 의해 그의 쇼팽풍 피아노 작곡 때문에 "쿠바의 쇼팽(Chopin)"이라고 불렸다.[9] 오늘날 세르반테스의 명성은 거의 그의 유명한 41곡의 ''단자스 쿠바나스''에 달려 있다. [9]
1840년대에 하바네라는 콘트라단자 리듬을 사용하는 나른한 가창곡으로 등장했다. 쿠바에서는 1880년대에 콘트라단자/단자가 단손을 낳았고, 단손은 인기를 효과적으로 대체했다.[10]
라우레아노 푸엔테스(1825–1898)는 음악가 집안 출신으로 섬에서 작곡된 최초의 오페라 ''라 히하 데 제프테'' (예프테의 딸)를 썼다. 가스파르 비야테(1851–1891)는 오페라를 중심으로 풍부하고 광범위한 작품을 제작했다.[9]p239 호세 화이트(1836–1918)는 스페인 아버지와 아프로쿠바 어머니를 둔 물라토로, 국제적인 명성을 가진 작곡가이자 바이올리니스트였다. 그의 가장 유명한 작품은 하바네라 ''라 벨라 쿠바나''이다.
19세기 중반에 젊은 미국 음악가 루이 모로 고트샬크(1829–1869)가 쿠바에 왔다. 고트샬크는 대부분 흑인 할머니와 간호사 샐리(모두 생도밍그(Saint-Domingue) 출신)에 의해 길러졌다.[11] 그는 어린 시절부터 콩고 광장, 뉴올리언스에서 음악을 듣고 춤을 보았던 피아노 신동이었다. 그의 쿠바 체류 기간은 1853년부터 1862년까지였으며, 푸에르토리코와 마르티니크를 방문했다. 그는 하바네라 ''밤불라, 작품 2(Bamboula, Op. 2)''(Danse de negres) (1845),[12] 콘트라단자 ''오호스 크리오요스 (단스 큐베인)''(1859)와 같은 많은 크레올화된 곡을 작곡했다. 이 곡들은 전형적인 쿠바 리듬 패턴을 사용했다. 그의 고별 콘서트 중 하나에서 그는 거대한 박수와 '브라보!' 외침 속에서 그의 ''아디오스 아 쿠바''를 연주했다. 불행하게도 이 작품의 악보는 남아 있지 않다.[12] 1860년 2월 고트샬크는 아바나에서 대작 ''라 누이 데 트로피크''를 제작했다. 이 작품에는 약 250명의 음악가와 200명의 성가대, 그리고 산티아고 데 쿠바 출신의 툼바 프란세사 그룹이 참여했다. 그는 이듬해 새로운 자료로 또 다른 대규모 콘서트를 열었다.[13]p147
기타는 스페인의 쿠바 발견 이후부터 쿠바에 존재했다. 16세기 초, 트리니다드 출신의 음악가 후안 오르티스는 "훌륭한 비후엘라와 기타 연주자"로 언급되었다.[38][39]
유명한 스페인 기타리스트 디오니시오 아과도의 제자인 호세 프루덴시오 뭉골은 스페인 기타 전통에서 훈련받은 최초의 쿠바 기타리스트였다. 1893년 스페인에서 돌아온 후, 그는 아바나에서 호평을 받은 콘서트를 열었다.[40]
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18세기 말 쿠바에 피아노포르테(일반적으로 피아노라고 불림)가 도입된 후, 피아노는 쿠바인들 사이에서 가장 인기 있는 악기 중 하나가 되었다. 소박한 기타와 함께 피아노는 하바나와 전국 살롱 및 무도회에서 대중적인 쿠바의 "과라차"와 "콘트라단자"(유럽 컨트리 댄스에서 파생됨)에 반주로 사용되었다.[46] 1832년에는 저명한 피아니스트 후안 페데리코 에델만(1795-1848)이 하바나에 도착하여 테아트로 프린시팔에서 매우 성공적인 콘서트를 열었다.[48]
가장 권위 있는 쿠바 음악가 중 한 명인 에르네스토 레쿠오나(1895-1963)는 페이레야데 등에게 배웠다. 신동이었던 레쿠오나는 불과 다섯 살에 시르쿨로 이스파노에서 콘서트를 열었다. 국립 음악원을 졸업했을 때, 그는 만장일치로 심사위원단의 결정에 따라 1등상과 금메달을 받았다.[20]
활을 사용하여 연주하는 현악기는 16세기부터 쿠바에 존재해 왔다. 트리니다드 출신의 음악가 후안 오르티스는 "비후엘라"와 "비올"을 훌륭하게 연주하는 연주자로 언급되었다.[49] 1764년, 에스테반 살라스 이 카스트로는 산티아고 데 쿠바 대성당의 새로운 예배당 악장이 되었으며, 그의 음악적 의무를 수행하기 위해 두 대의 바이올린을 포함한 소규모 성악-기악 그룹을 갖추었다.[50]
18세기에서 19세기로 넘어가는 시기에 아바나 출신인 울피아노 에스트라다(Ulpiano Estrada, 1777–1847)는 바이올린 레슨을 제공했으며, 1817년부터 1820년까지 테아트로 프린시팔 오케스트라를 지휘했다.[52]
벨기에 출신의 바이올리니스트 호세 반더거치(José Vandergutch)는 아버지 후안과 형제 프란시스코(역시 바이올리니스트)와 함께 아바나에 도착했다.[53]
19세기 쿠바 클래식 바이올린의 세계에서, 역대 최고의 바이올린 거장 중 하나로 여겨질 수 있는 두 명의 뛰어난 거장이 있는데, 그들은 바로 호세 화이트 라피테(José White)와 클라우디오 브린디스 데 살라스 가리도(Claudio Brindis de Salas Garrido)이다.
거장 쿠바 바이올리니스트 호세 화이트 라피테(1835–1918)는 아버지로부터 첫 번째 음악 교육을 받은 후, 1854년 3월 21일 마탄자스에서 첫 콘서트를 열었다. 그 공연에는 유명한 미국 피아니스트이자 작곡가인 루이 모로 고트샬크가 함께했으며, 고트샬크는 그가 파리에서 음악 교육을 더 받도록 격려하고 그 목적을 위해 자금을 모았다.[54]
호세 화이트는 1855년부터 1871년까지 파리 음악원에서 작곡을 공부했다. 이후 그는 유명한 바이올리니스트 조르주 에네스쿠와 자크 티보의 교수가 되었다.
1877년부터 1889년까지 화이트는 브라질 리우데자네이루의 제국 음악원 원장으로 임명되었으며, 황제 페드루 2세의 궁정 음악가로도 활동했다.[55] 화이트는 또한 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡을 포함한 많은 다른 곡들을 작곡했다.[56]
클라우디오 브린디스 데 살라스 가리도는 아버지의 명성과 전문성을 뛰어넘어 국제적인 인정을 받게 되었다.[57][58][59]
클라우디오 브린디스 데 살라스 가리도는 아버지와 함께 음악 공부를 시작했으며, 마에스트로 호세 레돈도와 벨기에 출신 호세 반더거치와 함께 계속 공부했다. 그는 1863년 아바나에서 첫 콘서트를 열었으며, 반데거치가 반주자로 참여했다.
당대의 비평에 따르면 브린디스 데 살라스는 국제적인 수준에서 그의 시대의 가장 뛰어난 바이올리니스트 중 한 명으로 여겨졌다. 알레호 카르펜티에르는 그를 "19세기 가장 뛰어난 흑인 바이올리니스트... 대륙의 음악사에서 전례가 없는 일"이라고 언급했다.[60]
프랑스 정부는 그를 레지옹 도뇌르의 멤버로 임명하고, "남작"의 귀족 칭호를 수여했다. 부에노스 아이레스에서 그는 진정한 스트라디바리우스를 받았으며, 베를린에 거주하는 동안 독일 여성과 결혼하여 황제의 궁정 음악가로 임명되었으며, 그 나라로부터 명예 시민권을 받았다. 브린디스 데 살라스는 1911년 결핵으로 가난하고 잊혀진 채 아르헨티나 부에노스 아이레스에서 사망했다. 1930년 그의 유해는 큰 영예를 안고 아바나로 이송되었다.[61]
19세기의 또 다른 뛰어난 쿠바 바이올리니스트는 라파엘 디아스 알베르티니(1857–1928)였다. 그는 1875년 파리 콩쿠르에서 1등을 받았으며, 이후 심사위원으로 참여했다. 1894년 그는 이그나시온 세르반테스와 함께 쿠바의 가장 중요한 도시들을 순회 공연했다.[62]
오페라는 18세기 후반, 콜리세오라는 최초의 본격적인 극장이 건설되면서부터 쿠바에 존재해왔다. 아바나에서 최초로 기록된 오페라 공연은 1776년에 열렸다. 이 공연은 1815년 12월 19일자 신문 ''디아리오 데 라 아바나''에 실린 기사에서 언급되었다.[71]
크리스토발 마르티네스 코레스는 쿠바 최초의 오페라 작곡가였지만, 그의 작품은 초연되지 않았고 현재까지 보존되지 못했다. 1822년 아바나에서 태어난 작곡가이자 피아니스트인 마르티네스 코레스는 아홉 살 때 가족과 함께 프랑스에 정착했고, 이후 이탈리아로 이주했다. 마르티네스 코레스는 1842년 제노아에서 사망했다.[72]
가스파르 비야테 이 몬테스는 1851년 아바나에서 태어났으며 어린 시절부터 뛰어난 음악적 재능을 보였다. 비야테는 파리 음악원에서 음악 공부를 계속하기 위해 프랑스로 갔다. 그는 ''콘트라단자'', ''아바네라'', ''로망스'', ''왈츠'' 등 수많은 기악곡을 작곡했고, 1877년에는 그의 오페라 ''질리아(Zilia)''를 파리에서 초연하여 큰 호응을 받았으며, 이 오페라는 1881년 아바나에서도 공연되었다. 이후 비야테는 오페라에 주력하여 ''라 자리나(La Zarina)''와 ''발타자르(Baltazar)''와 같은 작품을 작곡했으며, 이 작품들은 각각 헤이그와 마드리드의 테아트로 레알에서 초연되었다. 그는 ''크리스토발 콜론(Cristóbal Colón)''이라는 쿠바를 주제로 한 오페라를 작업했지만, 그 원고는 분실된 것으로 알려져 있다.
비야테는 1891년 파리에서 사망했으며, 그는 서정 드라마 ''루시퍼(Lucifer)''를 작곡하기 시작한 직후였다.[73]
3. 1. 2. 20세기와 21세기
19세기 말과 20세기 초, 위베르 드 블랑크, 호세 마우리, 마누엘 마우리, 호세 마린 바로나, 에두아르도 산체스 데 푸엔테스, 호르헤 안케르만, 루이스 카사스 로메로, 마리오 발데스 코스타 등 많은 작곡가들이 쿠바 음악계에서 두각을 나타냈다.[14] 이들은 대중가요, 콘서트 리트, 댄스 음악, 사르수엘라, 토착 연극, 교향곡 등 다양한 장르를 개척했다.
호세 마린 바로나는 1896년 자신의 사르수엘라 "엘 브루호"에 최초의 쿠바 과히라를 포함시켰다.[15][72] 에두아르도 산체스 데 푸엔테스는 "'엘 브루호'의 불멸의 과히라 작가에게 그가 의심할 여지없이 항상 누려야 할 영예를 부여할 것"이라고 평했다.[16]
곤살로 로이그(1890–1970)는 20세기 전반기 주요 인물로,[17] 작곡가, 오케스트라 지휘자, 피아노/바이올린/작곡 이론 전공자였다. 1922년 국립 교향악단 창립 멤버이자 지휘자였고, 1927년 하바나 음악학교 교장이 되었다. 그는 사르수엘라를 전문으로 했으며, 1931년 하바나 ''테아트로 마르티''에서 ''부포'' 극단(코믹 극장)을 공동 설립했다. 쿠바의 가장 잘 알려진 사르수엘라인 ''세실리아 발데스''(1932년 초연)의 작곡가로, 다양한 단체를 설립하고 음악 관련 글을 썼다.[18]
에르네스토 레쿠오나(1895–1963)는 20세기 가장 위대한 쿠바 피아니스트/작곡가 중 한 명이다.[19] 600곡이 넘는 쿠바 풍의 작품을 작곡했으며, 뛰어난 피아니스트였다. 무대와 영화를 위한 노래와 음악을 다작했으며, 그의 작품은 사르수엘라, 아프리카계 쿠바 음악, 쿠바 리듬, 모음곡, 라틴 스탠다드가 된 ''시보네이'', ''말라게냐'', ''The Breeze And I''(''안달루시아'') 등의 노래로 구성되었다. 1942년 ''Always in my heart''(''Siempre en mi Corazon'')는 아카데미 최우수 노래상 후보에 올랐으나 ''화이트 크리스마스''에 밀렸다. 1943년 10월 10일 카네기 홀에서 열린 쿠바 해방 기념일 콘서트에서 그의 ''블랙 랩소디''가 초연되었다.[20]
아마데오 롤단(1900–1939)과 알레한드로 가르시아 카투르라(1906–1940)는 20세기 전반기 쿠바 교향곡 혁명가였다.[13] 아프로쿠바니즈모에 참여했으며, 페르난도 오르티스가 이를 분석했다.
파리 태생의 롤단은 1919년 쿠바로 건너와 1922년 ''오르케스타 신포니카 데 라 아바나''의 악장이 되었다. 카투르라를 만났으며, ''쿠바 주제에 의한 서곡''(1925), 발레 ''라 레밤바람바''(1928), ''엘 밀라그로 데 아나킬레''(1929), ''리트미카스'', ''포에마 네그라''(1930), ''트레스 토케스''(행진곡, 의식, 춤) (1931), ''모티보스 데 손''(1934, 니콜라스 기옌 시 기반), ''피에자 인판틸레스''(1937) 등을 작곡했다. 롤단은 38세에 안면암으로 사망했다. 카투르라는 레메디오스에서 변호사로 활동했다. ''트레스 단자스 쿠바나스''는 1929년 스페인에서, ''벰베''는 하바나에서 초연되었다. ''오베르투라 쿠바나''는 1938년 전국 콩쿠르 1등을 차지했다. 카투르라는 34세에 도박꾼에게 살해당했다.[9]
1942년 호세 아르데볼 지도하에 설립된 "그루포 데 레노바시온 무시칼"은 젊은 작곡가들이 쿠바 음악 환경을 개선하려는 운동을 발전시켰다. 1942-1948년 하바나 리세움에서 콘서트를 조직하고, 회원들의 발전을 장려했다. 카를로 보르볼라의 작품을 발견하고,[21] 사우멜, 세르반테스, 카투르라, 롤단의 작품을 홍보했다. "그루포 데 레노바시온 무시칼"에는 일라리오 곤잘레스, 해럴드 그라마트헤스, 훌리안 오르본, 후안 안토니오 카마라, 세라핀 프로, 버지니아 플라이테스, 기셀라 에르난데스, 엔리케 아파리시오 벨베르, 아르겔리에르스 레온, 돌로레스 토레스, 에드가르도 마르틴 등이 포함되었다. 아우렐리오 데 라 베가, 호아킨 닌-쿨멜, 알프레도 디에스 니에토[30], 나탈리오 갈란[22] 등도 이 그룹과 관련이 있었다.
1960년 이후, 정권이 대중음악을 탐탁지 않게 여기고 나이트클럽을 폐쇄하며 고전 음악을 지원하면서, 음악가들은 경력을 유지했다. 1959년 쿠바 혁명 이후, 레오 브라우어 등 새로운 고전 음악가들이 등장했다. 브라우어는 현대 고전 기타에 기여했으며, 쿠바 국립 교향악단 지휘자였다. 1970년대 초 그의 "Grupo de Experimentacion Sonora del ICAIC" 지휘는 누에바 트로바 형성에 기여했다.
1959년 초기, 카를로스 파리냐스, 후안 블랑코 등은 쿠바에서 "구체적인" 및 "전자 음향 음악"의 선구자이다.[23]
혁명 초기 세대를 뒤따라, 세르히오 바르로소(세르지오 바로소),[24] 로베르토 발레라[25] 등 젊은 작곡가 그룹이 주목받았다. 칼릭스토 알바레즈,[26] 카를로스 말콤,[27] 엑토르 앙굴로 등이 포함된다.
1962년, 북미 작곡가 페데리코 스미스가 하바나에 도착하여 쿠바에 기여했다.
1970년대 초, 후안 피녜라,[30] 플로레스 차비아노, 아르만도 로드리게스 루이디아스, 다닐로 아빌레스,[30] 마갈리 루이즈, 에프라인 아마도르 피녜로, 호세 로욜라 등은 UNEAC의 브리가다 에르마노스 사이스에 모였다.[28][29] 호세 마리아 비티에르, 훌리오 롤로프,[30] 호르헤 로페스 마린[31] 등도 있었다.
쿠바 혁명(1959) 이후, 타니아 레온, 올란도 자친토 가르시아, 아르만도 트란킬리노,[30] 오달린 데 라 마르티네스, 호세 라울 베르나르도,[31] 호르헤 마르틴 (작곡가), 라울 무르시아노[32] 등은 국외에서 경력을 발전시켰다.
후안 블랑코는 1961년 쿠바 최초 전자 음향 작품 "무지카 파라 댄자(Musica Para Danza)"를 만들었다. 1969년 세르지오 바로소가 전자 음향 음악에 전념했다.
1970년, 후안 블랑코는 ICAP에서 전자 음향 음악을 만들었다. 9년 후, 전자 음향 스튜디오 설립 자금을 확보하고 책임자가 되었다.
몇 달 후, ICAP 전자 음향 음악 워크숍(TIME)을 만들어 교육을 제공했다. 1990년, Laboratorio Nacional de Música Electroacústica(LNME)로 변경되어 쿠바 전자 음향 작곡가 작품을 홍보했다.
몇 년 후, 예술 고등 연구소(ISA)에 Estudio Carlos Fariñas de Arte Musical이 설립되었다.
1970년 이후, 레오 브라우어, 헤수스 오르테가, 카를로스 파리냐스, 세르지오 비티에르 등도 전자 음향 작품을 만들었다. 1980년대에는 에데시오 알레한드로, 페르난도 (아르치) 로드리게스 알피자르, 마리에타 베울렌스, 미르타 데 라 토레, 미겔 보나체아, 훌리오 롤로프 등이 ICAP에서 교육받았다. 아르젤리에르 레온, 후안 피녜라, 로베르토 발레라, 호세 로욜라, 일레아나 페레즈 벨라스케스, 호세 앙헬 페레즈 푸엔테스 등도 전자 음향 기술을 활용했다.[36]
쿠바 외부에 거주하는 아우렐리오 데 라 베가, 아르만도 트란킬리노, 타니아 레온, 올란도 시친토 가르시아, 아르만도 로드리게스 루이디아스, 아일렘 카르바할 고메스, 이리나 에스칼란테 체르노바 등도 전자 음향 기술로 작업했다.[37]
세베리노 로페스는 프란시스코 타레가가 창시한 기타 학교의 쿠바 시초로 여겨진다.[49]
클라라 로메로(1888-1951)는 현대 쿠바 기타 학교 창시자로, 1931년 아바나 시립 음악원에 기타 학과를 개설하고, 쿠바 민속 기타 스타일을 도입했다. 1940년 쿠바 기타 협회를 창설하고, 잡지 "기타"(Guitarra)를 창간했다. 이사크 니콜라와 클라라 (쿠키) 니콜라의 스승이었다.[41]
이사크 니콜라(1916 – 1997)는 클라라 로메로에게 사사하고, 에밀리오 푸졸에게 훈련받았다. 푸졸과 비후엘라를 공부하고 기타 역사와 문헌을 연구했다.[42]
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18세기 말 피아노 도입 후, 피아노는 쿠바인들 사이에서 인기 있는 악기가 되었다. 기타와 함께 "과라차"와 "콘트라단자" 반주로 사용되었다.[46] 1804년 하바나 콘서트 프로그램은 "포르테피아노로 반주하는" 성악 콘서트를 발표했으며,[47] 1832년 후안 페데리코 에델만(1795-1848)이 하바나에 도착하여 테아트로 프린시팔에서 콘서트를 열었다. 1836년 악기점과 출판사를 열었다.[48]
에르네스토 레쿠오나(1895-1963)는 페이레야데, 사베드라, 닌, 위베르 드 블랑크에게 배웠다. 다섯 살에 콘서트를 열었다. 국립 음악원 졸업 시 1등상과 금메달을 받았다. 쿠바 피아노 전통에 기여했다.[20]
20세기 전반, 아마데오 롤단이 두드러진다.
1935년 파리 국립고등음악원을 졸업한 안헬 레예스(1919–1988)는 솔리스트로 활동했다. 미국에 정착하여 브뤼셀 이자이 콩쿠르에서 상을 받았고, 미시간 대학교와 노스웨스턴 대학교 교수를 역임했다.[64]
에두아르도 에르난데스 아시아인(1911-2010)은 7세에 첫 콘서트를 열었다. 14세에 아바나 시립 음악원 1등상을 받고, 아바나 심포니 오케스트라 콘체르티노가 되었다. 1932년 마드리드에서 음악 교육을 받았다. 1954년부터 여러 오케스트라와 솔리스트로 활동했다. 1968년 RTVE "쿠아르테토 클래시코" 제1 바이올린이 되었다. 미국 전역에서 투어를 했다.[65]
20세기 전반의 다른 바이올리니스트로는 로베르토 발데스 아르나우(1919-1974), 알베르토 볼레트, 비르질리오 디아고가 있다.[66]
1959년 이후, 에벨리오 티엘레스 등이 바이올린과 현악기 발전에 기여했다.
에벨리오 티엘레스는 7세에 음악을 시작했고,[67] 자크 티보와 르네 베네데티에게 배웠다. 1955년 파리 국립 고등 음악원에서 공부했고, 1958년 모스크바 차이코프스키 음악원에서 다비드 오이스트라흐와 이고르 오이스트라흐에게 배웠다. 1963년 졸업 후 석사 학위를 받았다.[67] 헨릭 셰링과 에두아르도 에르난데스 아시아인에게 교육받았다.[68]
에벨리오 티엘레스는 세실리오 티엘레스와 듀엣, 쿠바 국립 심포니 오케스트라 등과 공연했다. 토마스 잔더링, 보리스 브로트 등과 연주했다.
티엘레스는 1984년부터 스페인에 정착하여 빌라-세카 음악원에서 가르쳤다. 바르셀로나 리세오 고등 음악원에서 실내악부 부장(1991–1998), 현악기부 부장(1986-2002), 학술 이사(2000–2002)를 역임했다.[68]
티엘레스는 쿠바에서 현악기 교육을 장려했다.[68]
알라 타란(1941)은 우크라이나 출신으로, 1969년부터 쿠바에 정착했다.
알프레도 무뇨스(1949)는 국립 예술 학교와 예술 고등 연구소(ISA)에서 공부했다. 1972년 국립 심포니 오케스트라에 입단했다. 예술 고등 연구소(ISA) 교수이다.[69]
20세기와 21세기 사이 다른 바이올리니스트로는 아르만도 톨레도(1950), 훌리안 코랄레스(1954), 미겔 델 카스티요, 리카르도 후스티스가 있다.[63]
오페라는 18세기 후반 콜리세오 극장 건설과 함께 쿠바에 존재했다. 테너 프란시스코 페르난데스 도미니치스(프란체스코 도미니치)(1885-1968)가 있었다. 메조소프라노 마르타 페레즈(1924-2009)는 1955년 밀라노 라 스칼라에서 노래했다.[70]
에두아르도 산체스 데 푸엔테스는 1874년 아바나에서 태어났다. 후베르트 데 블랑크 음악원에서 공부하고, 카를로스 안케르만에게 수업받았다. 1894년 법학 학위를 받았다.[74] 18세 때 하바네라 "Tú"를 작곡했다. 알레호 카르펜티에르는 "가장 유명한 하바네라"라고 말했다.[75]
1898년 10월 26일, 알비수 극장에서 오페라 ''유무리''를 초연했다. 이후 ''엘 나우프라고''(1901), ''돌로로사''(1910), ''도레야''(1918), ''엘 카미난테''(1921), ''카벨리아''(1942)를 작곡했다.[77]
3. 2. 대중음악
18세기부터 현대에 이르기까지 쿠바에서는 대중적인 극장 형식이 사용되었고, 음악과 춤이 발전하였다. 많은 유명 작곡가와 음악가들이 극장에서 경력을 시작했고, 여러 작품이 무대에서 처음 공개되었다. 쿠바 작곡가들은 유럽 오페라와 오페레타를 상연하는 것 외에도 점차 쿠바 청중에게 더 적합한 아이디어를 발전시켰다.[119] 녹음된 음악은 쿠바 음악이 세계로 퍼져나가는 통로가 되었다. 1925년까지 쿠바에서 가장 많은 음반을 낸 아티스트는 알함브라 극장의 가수 아돌포 콜롬보였다. 기록에 따르면 그는 1906년에서 1917년 사이에 약 350곡을 녹음했다.[119]
하바나에 최초의 극장이 1776년에 문을 열었고, 최초의 쿠바 작곡 오페라는 1807년에 등장했다. 연극 음악은 19세기[120]와 20세기 전반에 걸쳐 매우 중요했지만, 20세기 후반 정치적, 사회적 변화와 함께 그 중요성이 줄어들었다. 1922년 쿠바에서 시작된 라디오는 대중 음악의 성장을 도왔는데, 이는 라디오가 홍보 수단이자 아티스트들에게 새로운 수입원을 제공했기 때문이다.
룸바룸바라는 단어는 오랫동안 매우 다양한 대상에 다양한 목적으로 적용되어 온 추상적인 용어이다. 의미론적 관점에서 룸바는 콩가, 밀롱가, 봄바, 툼바, 삼바, 밤바, 맘보, 탐보, 탱고, 쿰베, 쿰비아, 칸돔베와 같은 유사한 의미를 가진 단어 그룹에 포함된다.[123] 이 단어들은 나이지리아-콩고 언어 복합체의 전형적인 음 조합인 mb, ng, nd의 활용으로 인해 콩고 기원을 나타낸다.[123]
가장 오래되고 일반적인 의미는 축제 또는 "홀고리오"이다. 19세기 후반까지 이 단어는 쿠바 민속학자 프란시스코 데 파울라 젤라베르트의 단편 소설 "La mulata de rumbo"에서 축제를 나타내기 위해 여러 번 사용되었다.[124] 알레호 카르펜티어에 따르면 "룸바라는 단어가 홀고리오, 음란한 춤, 저계층 여성(mujeres del rumbo)과의 즐거운 놀이의 동의어로 쿠바 언어로 넘어갔다."[125]
쿠바의 유카, 마쿠타, 창기 축제와 아르헨티나의 밀롱가와 탱고의 경우, 룸바라는 단어는 원래 축제 모임을 지칭하는 데 사용되었으며, 얼마 후에는 그 모임에서 연주된 음악 및 춤 장르를 지칭하는 데 사용되었다.
1930년대 초 땅콩 장수로 시작된 더 빠른 쿠바 음악을 포괄하는 용어로 "룸바"가 사용되기도 했다. 이 용어는 1970년대에 살사로 대체되었으며, 살사 역시 쿠바 음악과 다른 히스파노-카리브해 장르를 쿠바인이 아닌 사람들에게 마케팅하기 위한 포괄적인 용어이다. 국제 라틴 아메리카 댄스 시러버스에서 룸바는 볼레로-손이라고 더 정확하게 불리는 느린 쿠바 리듬에 대한 오칭이다.
일부 학자들은 룸바와 과라차라는 용어의 사용과 관련하여, 동일한 것을 지칭하기 위해 두 개의 다른 단어를 사용하는 동의어의 경우가 있을 수 있다고 지적했다. 마리아 테레사 리나레스는 "20세기 초에 작가들이 불렀던 몇몇 음악 조각들이 토속(Bufo) 극의 마지막에 사용되었으며, 이를 마지막 룸바(rumba final)라고 불렀다."라고 말하며, 그 (룸바)는 "확실히 과라차였다."라고 설명한다.[126] 극을 닫는 데 사용된 음악 조각들은 룸바 또는 과라차라고 무차별적으로 불렸을 수 있는데, 그 용어들이 그들 사이의 어떠한 일반적 또는 구조적 차이도 나타내지 않았기 때문이다. 리나레스는 "기타 파트에서 구별되지 않는 과라차와 룸바의 몇몇 녹음이 보존되어 있다. – 작은 그룹, 듀오 또는 트리오, 또는 극장 오케스트라 또는 피아노에 의해. 녹음 레이블은 다음과 같이 명시되어 있다: 대화와 룸바(diálogo y rumba)."라고 덧붙였다.[126]
왈츠왈츠(El vals)는 1814년경 쿠바에 전해졌다. 왈츠는 커플이 공동의 시퀀스 패턴으로 연결되지 않는 최초의 춤이었다. 왈츠는 3/4 박자이며, 첫 박자에 강세가 들어가며, 현재까지도 그렇게 춤을 춘다. 왈츠는 원래 커플이 서로 마주보고 '밀착' 자세로 서로를 안고, 주변 사람들을 무시하는 것처럼 보여 스캔들로 여겨졌다. 왈츠는 아메리카 대륙의 모든 국가에 퍼져나갔지만, 19세기 쿠바에서의 상대적인 인기는 추정하기 어렵다.
쿠바 원주민 춤은 그 세기 후반의 단손(danzón)까지 커플이 독립적으로 춤을 추며 밀착 자세를 사용하지 않았다. 과라차(guaracha)가 더 이전의 예시일 수 있다. 왈츠는 또 다른 특징을 가지고 있는데, 그것은 커플이 경기장을 돌며 움직이는 '이동하는' 춤이라는 것이다. 라틴 댄스에서 무용수의 진보적인 움직임은 드물지만, 콩가(Conga (comparsa)), 삼바, 탱고(tango (dance))에서 나타난다.
''트로피컬 왈츠''는 더 느린 템포로 연주되었으며, 종종 가사가 붙은 멜로디를 포함했다. 이 가사는 일반적으로 쿠바 시골의 아름다움, 시보네이(쿠바 원주민)의 갈망, 그리고 기타 크리올 주제들을 다루었다. 세 박자에 강세를 두는 이 멜로디는 유동적이며 동일한 음표로 구성되었다. 멜로디가 음절 방식으로 처리되는 다른 많은 노래와 유사했는데, 첫 번째 박자가 짧은 약박으로 강조되지 않고, 농민(과히로) 노래처럼 두 번째 박자로 이동하는 경향이 있었다.[173]
'''아프리카 유산의 음악'''
쿠바에서 아프리카 그룹의 기원은 섬의 오랜 노예 제도 역사와 관련이 있다. 미국과 비교했을 때, 쿠바에서는 노예 제도가 훨씬 일찍 시작되었고 그 후 수십 년 동안 지속되었다. 쿠바는 아메리카 대륙에서 노예 수입을 폐지한 마지막 국가였고, 노예를 해방시킨 것은 두 번째로 늦었다. 1807년 영국 의회는 노예 제도를 불법화했고, 그 이후 영국 해군은 포르투갈과 스페인 노예선을 나포하는 활동을 했다. 1860년까지 쿠바와의 노예 무역은 거의 근절되었고, 쿠바로 향한 마지막 노예선은 1873년에 도착했다. 노예 제도의 폐지는 1880년 스페인 왕실에 의해 발표되었고, 1886년에 시행되었다. 2년 후, 브라질이 노예 제도를 폐지했다.[99]
'''스페인 유산의 음악'''
스페인 정복 이후 쿠바에서 연주된 최초의 대중 음악은 스페인 정복자들에 의해 유입되었으며, 16세기 유행했던 스페인 대중 음악에서 차용되었을 가능성이 높다. 16세기부터 18세기까지 스페인에서 등장한 춤곡 중 일부는 히스패닉 아메리카와 연관되거나 아메리카에서 유래된 것으로 여겨졌다. 사르반드, 샤콘느, 잠바팔로, 레탐비코, 구룸베 등과 같은 그림 같은 이름을 가진 곡들은[83] 공통적인 특징인 헤미올라 또는 세스키알테라(스페인)라는 특징적인 리듬을 공유했다.
이 리듬은 이중 박자와 삼중 박자(6/8 + 3/4)의 교대 또는 중첩으로 묘사되어 왔으며, 스페인 영토에서 적어도 13세기부터 널리 사용되었으며, 여기서는 산타 마리아의 칸티가스(Como poden per sas culpas) 중 하나에 나타난다.[84]
헤미올라 또는 세스키알테라는 아프리카 음악 전통, 즉 대륙 북부와 남부 모두에서 전형적인 리듬이기도 하다.[85] 따라서 스페인 사람들이 아메리카로 가져온 원래의 노래-춤에는 섬에 도착한 노예 아프리카인들이 익숙했던 아프리카 문화의 요소가 이미 포함되어 있었을 가능성이 크며, 그들은 이를 더욱 활용하여 새로운 크리올 장르를 만들었다.[86]
잘 알려진 고대 쿠바 노래인 손 데 라 마 테오도라(Son de la Ma Teodora)와 최초의 쿠바 원주민 장르인 푼토(Punto)와 사파테오(Zapateo)는 반주에서 세스키알테라 리듬을 보여주며, 이는 이 장르들을 16세기부터 18세기까지의 스페인 노래-춤과 크게 연관시킨다.[87]
푼토(Punto)와 사파테오 쿠바노(Zapateo Cubano)는 쿠바 국가의 최초의 토착 음악 장르였던 것으로 보인다. 쿠바 크리올 사파테오(Zapateo Criollo)의 최초 인쇄 샘플은 1855년 "비센테 디아스 데 코마스(Vicente Díaz de Comas)의 앨범 레지오(Álbum Regio)"에 게재되었지만,[88] 그보다 훨씬 이전부터 이 장르의 존재에 대한 언급을 찾을 수 있다.[89] 그 구조적 특징은 200년이 넘는 기간 동안 거의 변하지 않고 유지되었으며, 일반적으로 가장 전형적인 스페인풍 쿠바 대중 음악 장르로 여겨진다.
쿠바의 음악학자 마리아 테레사 리나레스(María Teresa Linares), 아르겔리에르 레온(Argeliers León), 롤란도 안토니오 페레즈(Rolando Antonio Pérez)는 푼토와 사파테오가 스페인 댄스-송(차콘(chacone)과 사라반드(sarabande)와 같은)을 기반으로 하며, 이 댄스-송이 먼저 아바나(Havana)와 산티아고데쿠바(Santiago de Cuba)와 같은 가장 중요한 인구 중심지에 도착한 후 주변의 시골 지역으로 퍼져나가, 나중에 농민(campesino)들에 의해 채택되고 수정되었다는 데 의견을 같이한다.[88]
쿠바의 푼토(Punto Cubano) 또는 단순히 푼토(Punto)는 쿠바 음악의 성악 장르로, 19세기에 쿠바 서부 및 중부 지역에서 등장한 즉흥 시-음악 예술이다.[90] 푼토는 안달루시아 기원에서 유래된 것으로 보이지만, 크리올식으로 변형되어 진정한 쿠바 장르로 자리 잡았다.[91]
푼토는 다양한 종류의 발현 악기로 연주된다. 여기에는 티플레(tiple, 현재는 사용하지 않는 고음 기타), 스페인 기타, 쿠바 트레스, 라우드 등이 있다. '푼토'라는 단어는 (라스게아도(rasgueado)가 아닌) 튕기는 기술(푼테아도(punteado))의 사용을 의미한다. 또한, 클라베스, 귀로, 과요(금속 스크레이퍼)와 같은 타악기도 사용된다. 가수들은 경쟁 팀으로 모여 가사를 즉흥적으로 짓는다.
그들은 "데시마스(décimas)"라고 불리는 10절 연의 운율을 기반으로 하는 "토나다(tonadas)"라고 불리는 고정된 멜로디를 부르며, 가수들이 다음 절을 준비할 시간을 주기 위해 절 사이에 간격이 있다.[92] 초기 작곡은 때때로 녹음되어 출판되었으며, 일부 가수와 작곡가의 이름도 기록되었다. 1935년경부터 푼토는 쿠바 라디오에서 인기를 얻었다.
푼토는 20세기 초 미국 회사에서 녹음한 최초의 쿠바 장르 중 하나였지만, 나중에는 관심이 시들해져 라이브 라디오 공연을 계속 녹음하려는 노력이 거의 없었다. 이 장르의 팬인 속기사 아이다 보데는 방송되는 많은 구절을 받아 적었고, 마침내 1997년에 그녀의 필사본이 책 형태로 출판되었다.[93]
셀리나 곤잘레스(Celina González)와 알비타 로드리게스(Albita Rodríguez)는 모두 경력 초기에 푼토를 불렀으며, 이 장르가 여전히 살아있음을 증명했다. 셀리나는 대중음악 최고의 목소리 중 하나를 가지고 있었고, 그녀의 지원 그룹 캄포 알레그레는 뛰어났다. 그러나, 푼토 애호가들에게 인디오 나보리(Indio Naborí, 사비오 헤수스 오르타 루이스(Sabio Jesús Orta Ruiz), 1922년 9월 30일 출생)는 매일 라디오와 신문에 "데시마" 시를 썼기 때문에 푼토에서 가장 위대한 이름으로 꼽힌다. 그는 또한 자신의 시집을 여러 권 출판했으며, 그 중 많은 부분이 누에바 트로바(nueva trova)의 정치적 성향을 띤다.[94]
'''트로바'''
19세기에는 산티아고 데 쿠바가 떠돌이 음악가이자 음유시인인 트로바의 중심지가 되었으며, 이들은 노래를 부르고 기타를 연주하며 생계를 유지했다.[160] 그들은 작곡가로서 매우 중요한 역할을 했으며, 그들의 노래는 모든 장르의 쿠바 음악을 위해 편곡되었다.
페페 산체스(Pepe Sánchez)는 호세 산체스(José Sánchez, 1856–1918)로 태어났으며, 트로바 스타일의 아버지이자 쿠바 볼레로의 창시자로 알려져 있다.[161] 그는 정식 음악 교육을 받지 않았다. 뛰어난 천부적인 재능으로, 그는 머릿속으로 곡을 작곡했고 절대 기록하지 않았다. 그 결과, 그의 곡 대부분은 이제 영원히 사라졌지만, 친구와 제자들이 기록해 둔 20여 곡이 남아 있다. 그의 첫 번째 볼레로인 "Tristezas"는 오늘날까지 기억되고 있다. 그는 또한 라디오가 생기기 전에 광고 징글을 만들었다.[162] 그는 그를 따른 위대한 트로바도르들의 모델이자 스승이었다.[163]
최초이자 가장 오래 살아남은 트로바도르 중 한 명은 신도 가레이(Sindo Garay, 1867–1968)였다. 그는 뛰어난 트로바 노래 작곡가였으며, 그의 최고 작품들은 여러 번 불리고 녹음되었다. 가레이는 또한 음악 문맹이었다. 사실, 그는 16살 때 혼자서 알파벳을 배웠지만, 그의 경우 다른 사람들이 악보를 기록했을 뿐만 아니라 녹음도 존재한다. 가레이는 1906년 아바나에 정착했고, 1926년에는 리타 몬타네르 등과 함께 파리를 방문하여 3개월을 보냈다. 그는 라디오 방송을 했고, 음반을 제작했으며 현대 시대까지 살아남았다. 그는 "호세 마르티와 피델 카스트로 모두와 악수를 한 사람은 많지 않다!"라고 말하곤 했다.[13]p298[164]
호세 '치초' 이바녜스(José 'Chicho' Ibáñez, 1875–1981)[165]는 가레이보다 훨씬 오래 살았다. 이바녜스는 손을 전문으로 하는 최초의 트로바도르였으며, 구아구안코와 아바쿠아 곡도 불렀다.
작곡가 로젠도 루이스(Rosendo Ruiz, 1885–1983)는 또 다른 장수 트로바도르였다. 그는 유명한 기타 교본의 저자였다. 알베르토 비야론(Alberto Villalón, 1882–1955)과 마누엘 코로나(Manuel Corona, 1880–1950)는 비슷한 명성을 얻었다. 가레이, 루이스, 비야론, 코로나는 "트로바의 4대 거장"으로 알려져 있지만, 다음 트로바도르들도 높은 평가를 받고 있다.
파트리시오 바야가스(Patricio Ballagas, 1879–1920), 마리아 테레사 베라(María Teresa Vera, 1895–1965), 로렌조 이에레수엘로(Lorenzo Hierrezuelo, 1907–1993), 니코 사키토(Ñico Saquito, 안토니오 페르난데스: 1901–1982), 카를로스 푸에블라(Carlos Puebla, 1917–1989) 및 콤파이 세군도(Compay Segundo, 막시모 프란시스코 레필라도 무뇨스: 1907–2003)는 모두 훌륭한 트로바 음악가였다. 엘 구아야베로 (파우스티노 오라마스: 1911–2007)는 마지막 옛 트로바였다.
트로바 음악가들은 종종 2인조 또는 3인조로 활동했으며, 일부는 (콤파이 세군도) 전적으로 그렇게 활동했다. 섹스테토/셉테토/콘훈토 장르가 성장함에 따라 그들 중 많은 수가 더 큰 그룹에 합류했다. 그리고 평생을 함께 활동한 트리오 마타모로스를 잊지 말자. 마타모로스는 거장 중 한 명이었다.[166]
'''손'''
쿠바 손(Son cubano)은 쿠바에서 기원하여 1930년대에 전 세계적으로 인기를 얻은 음악 및 춤 스타일이다. 손은 스페인의 칸시온(canción)의 구조와 특징을 아프로-쿠바 스타일 및 타악기 요소와 결합한다. 쿠바 손은 라틴 아메리카 음악의 가장 영향력 있고 널리 퍼진 형태 중 하나이며, 특히 살사와 같은 파생 형태와 융합은 전 세계로 퍼져나갔다.[174]
크리스토발 디아즈(Cristóbal Díaz)에 따르면, 손은 쿠바 음악에서 가장 중요한 장르이면서도 가장 연구가 덜 된 장르이다.[175] 손은 쿠바에 탱고가 아르헨티나에, 삼바가 브라질에 갖는 의미와 같다고 할 수 있다. 또한, 라틴 아메리카 음악의 모든 형태 중 가장 유연한 형태일 것이다. 손의 가장 큰 강점은 유럽과 아프리카 음악 전통 간의 융합이다. 가장 특징적인 악기는 ''트레스''로 알려진 쿠바 악기와 잘 알려진 양두 봉고이다. 이는 처음부터 현재까지 존재한다. 또한 클라베스, 스페인 기타, 더블 베이스(초창기 보티하 또는 마림불라를 대체함), 초창기의 코넷 또는 트럼펫, 그리고 마지막으로 피아노도 전형적이다.
쿠바 손의 기원을 쿠바 동부 지역(오리엔테)으로 돌리는 전통적인 경향에도 불구하고, 최근 일부 음악학자들은 더 포괄적인 입장을 보였다. 알레호 카르펜티에르(Alejo Carpentier), 에밀리오 그레네트(Emilio Grenet), 크리스토발 디아즈 아얄라(Cristóbal Díaz Ayala)는 "동부 기원" 이론을 지지하지만, 아르길리에르 레온(Argeliers León)은 그의 중요한 저서 "델 칸토 이 엘 티엠포(Del Canto y el Tiempo)"에서, 그리고 마리아 테레사 리나레스(María Teresa Linares)는 "쿠바와 스페인 사이의 음악(The Music between Cuba and Spain)"에서 이에 대해 언급하지 않았다.[176] 라마다메스 지로(Ramadamés Giro)는 이 주제에 대해 "손이 19세기 후반부터 발전해 온 예술적 현상이었다면 - 단지 옛 오리엔테(동부) 지방에서만 아니라면 - 1909년 훨씬 전에 수도(아바나)에서 들렸을 것이라고 추측할 수 있지만, 단정할 수는 없다."라고 말한다.[177]
19세기 후반 동안 별도로 발전해 온 시골 룸바와 도시 룸바가 만난 곳은 아바나였다. 티플과 기로를 연주하던 과라체로스와 룸베로스는 마침내 나무 상자(카혼)와 쿠바 클라베에 맞춰 노래하고 춤을 추던 다른 룸베로스를 만났고, 그 결과 두 스타일이 손이라는 새로운 장르로 융합되었다.[178] 1910년경 손은 아바나를 기반으로 한 룸바에서 클라베 리듬을 채택했을 가능성이 높으며, 이는 19세기 말 아바나와 마탄사스에서 개발되었다.[179]
손 음악의 대중화는 아프로-쿠바 거리 문화와 이를 창조한 예술가에 대한 가치를 높였다. 또한 아프로-쿠바 뿌리를 가진 다른 음악 장르가 쿠바와 전 세계적으로 인기를 얻을 수 있는 문을 열었다.[180]
'''재즈'''
쿠바 재즈의 역사는 오랫동안 불분명했지만, 쿠바에서의 역사가 미국에서의 역사만큼이나 길다는 것이 분명해졌다.[199][181][182][183][184][185]
초기 쿠바 재즈 밴드에 대해 훨씬 더 많은 정보가 알려졌지만, 녹음 자료 부족으로 인해 완전한 평가는 어렵다. 미국과의 이주 및 방문, 녹음과 악보의 상호 교환은 두 나라의 음악가들이 서로 연락을 유지하게 했다. 20세기 초, 쿠바의 음악가들과 뉴올리언스의 음악가들 사이에는 밀접한 관계가 있었다. 유명한 트로피카나 클럽의 오케스트라 지휘자인 아르만도 로메우 주니어는 제2차 세계 대전 이후 쿠바 재즈 발전의 선구적인 인물이었다. 쿠봅 현상과 카차오가 하바나와 뉴욕에서 주최한 잼 세션은 오늘날 음악가들에게 영향을 미치는 진정한 융합을 만들어냈다.
초기 쿠바 재즈의 주요 역사가는 레오나르도 아코스타이다.[199][181] 다른 사람들은 미국의 관점에서 재즈와 라틴 재즈의 역사를 더 탐구했다.[182][183][184][185]
'''1960년대 이후의 대중음악'''
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3. 2. 1. 아프리카 유산의 음악
쿠바에서 아프리카 그룹의 기원은 섬의 오랜 노예 제도 역사와 관련이 있다. 미국과 비교했을 때, 쿠바에서는 노예 제도가 훨씬 일찍 시작되었고 그 후 수십 년 동안 지속되었다. 쿠바는 아메리카 대륙에서 노예 수입을 폐지한 마지막 국가였고, 노예를 해방시킨 것은 두 번째로 늦었다. 1807년 영국 의회는 노예 제도를 불법화했고, 그 이후 영국 해군은 포르투갈과 스페인 노예선을 나포하는 활동을 했다. 1860년까지 쿠바와의 노예 무역은 거의 근절되었고, 쿠바로 향한 마지막 노예선은 1873년에 도착했다. 노예 제도의 폐지는 1880년 스페인 왕실에 의해 발표되었고, 1886년에 시행되었다. 2년 후, 브라질이 노예 제도를 폐지했다.[99]3. 2. 2. 스페인 유산의 음악
스페인 정복 이후 쿠바에서 연주된 최초의 대중 음악은 스페인 정복자들에 의해 유입되었으며, 16세기 유행했던 스페인 대중 음악에서 차용되었을 가능성이 높다. 16세기부터 18세기까지 스페인에서 등장한 춤곡 중 일부는 히스패닉 아메리카와 연관되거나 아메리카에서 유래된 것으로 여겨졌다. 사르반드, 샤콘느, 잠바팔로, 레탐비코, 구룸베 등과 같은 그림 같은 이름을 가진 곡들은[83] 공통적인 특징인 헤미올라 또는 세스키알테라(스페인)라는 특징적인 리듬을 공유했다.이 리듬은 이중 박자와 삼중 박자(6/8 + 3/4)의 교대 또는 중첩으로 묘사되어 왔으며, 스페인 영토에서 적어도 13세기부터 널리 사용되었으며, 여기서는 산타 마리아의 칸티가스(Como poden per sas culpas) 중 하나에 나타난다.[84]
헤미올라 또는 세스키알테라는 아프리카 음악 전통, 즉 대륙 북부와 남부 모두에서 전형적인 리듬이기도 하다.[85] 따라서 스페인 사람들이 아메리카로 가져온 원래의 노래-춤에는 섬에 도착한 노예 아프리카인들이 익숙했던 아프리카 문화의 요소가 이미 포함되어 있었을 가능성이 크며, 그들은 이를 더욱 활용하여 새로운 크리올 장르를 만들었다.[86]
잘 알려진 고대 쿠바 노래인 손 데 라 마 테오도라(Son de la Ma Teodora)와 최초의 쿠바 원주민 장르인 푼토(Punto)와 사파테오(Zapateo)는 반주에서 세스키알테라 리듬을 보여주며, 이는 이 장르들을 16세기부터 18세기까지의 스페인 노래-춤과 크게 연관시킨다.[87]
푼토(Punto)와 사파테오 쿠바노(Zapateo Cubano)는 쿠바 국가의 최초의 토착 음악 장르였던 것으로 보인다. 쿠바 크리올 사파테오(Zapateo Criollo)의 최초 인쇄 샘플은 1855년 "비센테 디아스 데 코마스(Vicente Díaz de Comas)의 앨범 레지오(Álbum Regio)"에 게재되었지만,[88] 그보다 훨씬 이전부터 이 장르의 존재에 대한 언급을 찾을 수 있다.[89] 그 구조적 특징은 200년이 넘는 기간 동안 거의 변하지 않고 유지되었으며, 일반적으로 가장 전형적인 스페인풍 쿠바 대중 음악 장르로 여겨진다.
쿠바의 음악학자 마리아 테레사 리나레스(María Teresa Linares), 아르겔리에르 레온(Argeliers León), 롤란도 안토니오 페레즈(Rolando Antonio Pérez)는 푼토와 사파테오가 스페인 댄스-송(차콘(chacone)과 사라반드(sarabande)와 같은)을 기반으로 하며, 이 댄스-송이 먼저 아바나(Havana)와 산티아고데쿠바(Santiago de Cuba)와 같은 가장 중요한 인구 중심지에 도착한 후 주변의 시골 지역으로 퍼져나가, 나중에 농민(campesino)들에 의해 채택되고 수정되었다는 데 의견을 같이한다.[88]
쿠바의 푼토(Punto Cubano) 또는 단순히 푼토(Punto)는 쿠바 음악의 성악 장르로, 19세기에 쿠바 서부 및 중부 지역에서 등장한 즉흥 시-음악 예술이다.[90] 푼토는 안달루시아 기원에서 유래된 것으로 보이지만, 크리올식으로 변형되어 진정한 쿠바 장르로 자리 잡았다.[91]
푼토는 다양한 종류의 발현 악기로 연주된다. 여기에는 티플레(tiple, 현재는 사용하지 않는 고음 기타), 스페인 기타, 쿠바 트레스, 라우드 등이 있다. '푼토'라는 단어는 (라스게아도(rasgueado)가 아닌) 튕기는 기술(푼테아도(punteado))의 사용을 의미한다. 또한, 클라베, 귀로, 과요(금속 스크레이퍼)와 같은 타악기도 사용된다. 가수들은 경쟁 팀으로 모여 가사를 즉흥적으로 짓는다.
그들은 "데시마스(décimas)"라고 불리는 10절 연의 운율을 기반으로 하는 "토나다(tonadas)"라고 불리는 고정된 멜로디를 부르며, 가수들이 다음 절을 준비할 시간을 주기 위해 절 사이에 간격이 있다.[92] 초기 작곡은 때때로 녹음되어 출판되었으며, 일부 가수와 작곡가의 이름도 기록되었다. 1935년경부터 푼토는 쿠바 라디오에서 인기를 얻었다.
푼토는 20세기 초 미국 회사에서 녹음한 최초의 쿠바 장르 중 하나였지만, 나중에는 관심이 시들해져 라이브 라디오 공연을 계속 녹음하려는 노력이 거의 없었다. 이 장르의 팬인 속기사 아이다 보데는 방송되는 많은 구절을 받아 적었고, 마침내 1997년에 그녀의 필사본이 책 형태로 출판되었다.[93]
셀리나 곤잘레스(Celina González)와 알비타 로드리게스(Albita Rodríguez)는 모두 경력 초기에 푼토를 불렀으며, 이 장르가 여전히 살아있음을 증명했다. 셀리나는 대중음악 최고의 목소리 중 하나를 가지고 있었고, 그녀의 지원 그룹 캄포 알레그레는 뛰어났다. 그러나, 푼토 애호가들에게 인디오 나보리(Indio Naborí, 사비오 헤수스 오르타 루이스(Sabio Jesús Orta Ruiz), 1922년 9월 30일 출생)는 매일 라디오와 신문에 "데시마" 시를 썼기 때문에 푼토에서 가장 위대한 이름으로 꼽힌다. 그는 또한 자신의 시집을 여러 권 출판했으며, 그 중 많은 부분이 누에바 트로바(nueva trova)의 정치적 성향을 띤다.[94]
3. 2. 3. 트로바
19세기에는 산티아고 데 쿠바가 떠돌이 음악가이자 음유시인인 트로바의 중심지가 되었으며, 이들은 노래를 부르고 기타를 연주하며 생계를 유지했다.[160] 그들은 작곡가로서 매우 중요한 역할을 했으며, 그들의 노래는 모든 장르의 쿠바 음악을 위해 편곡되었다.페페 산체스(Pepe Sánchez)는 호세 산체스(José Sánchez, 1856–1918)로 태어났으며, 트로바 스타일의 아버지이자 쿠바 볼레로의 창시자로 알려져 있다.[161] 그는 정식 음악 교육을 받지 않았다. 뛰어난 천부적인 재능으로, 그는 머릿속으로 곡을 작곡했고 절대 기록하지 않았다. 그 결과, 그의 곡 대부분은 이제 영원히 사라졌지만, 친구와 제자들이 기록해 둔 20여 곡이 남아 있다. 그의 첫 번째 볼레로인 "Tristezas"는 오늘날까지 기억되고 있다. 그는 또한 라디오가 생기기 전에 광고 징글을 만들었다.[162] 그는 그를 따른 위대한 트로바도르들의 모델이자 스승이었다.[163]
최초이자 가장 오래 살아남은 트로바도르 중 한 명은 신도 가레이(Sindo Garay, 1867–1968)였다. 그는 뛰어난 트로바 노래 작곡가였으며, 그의 최고 작품들은 여러 번 불리고 녹음되었다. 가레이는 또한 음악 문맹이었다. 사실, 그는 16살 때 혼자서 알파벳을 배웠지만, 그의 경우 다른 사람들이 악보를 기록했을 뿐만 아니라 녹음도 존재한다. 가레이는 1906년 아바나에 정착했고, 1926년에는 리타 몬타네르 등과 함께 파리를 방문하여 3개월을 보냈다. 그는 라디오 방송을 했고, 음반을 제작했으며 현대 시대까지 살아남았다. 그는 "호세 마르티와 피델 카스트로 모두와 악수를 한 사람은 많지 않다!"라고 말하곤 했다.[13]p298[164]
호세 '치초' 이바녜스(José 'Chicho' Ibáñez, 1875–1981)[165]는 가레이보다 훨씬 오래 살았다. 이바녜스는 손을 전문으로 하는 최초의 트로바도르였으며, 구아구안코와 아바쿠아 곡도 불렀다.
작곡가 로젠도 루이스(Rosendo Ruiz, 1885–1983)는 또 다른 장수 트로바도르였다. 그는 유명한 기타 교본의 저자였다. 알베르토 비야론(Alberto Villalón, 1882–1955)과 마누엘 코로나(Manuel Corona, 1880–1950)는 비슷한 명성을 얻었다. 가레이, 루이스, 비야론, 코로나는 "트로바의 4대 거장"으로 알려져 있지만, 다음 트로바도르들도 높은 평가를 받고 있다.
파트리시오 바야가스(Patricio Ballagas, 1879–1920), 마리아 테레사 베라(María Teresa Vera, 1895–1965), 로렌조 이에레수엘로(Lorenzo Hierrezuelo, 1907–1993), 니코 사키토(Ñico Saquito, 안토니오 페르난데스: 1901–1982), 카를로스 푸에블라(Carlos Puebla, 1917–1989) 및 콤파이 세군도(Compay Segundo, 막시모 프란시스코 레필라도 무뇨스: 1907–2003)는 모두 훌륭한 트로바 음악가였다. 엘 구아야베로 (파우스티노 오라마스: 1911–2007)는 마지막 옛 트로바였다.
트로바 음악가들은 종종 2인조 또는 3인조로 활동했으며, 일부는 (콤파이 세군도) 전적으로 그렇게 활동했다. 섹스테토/셉테토/콘훈토 장르가 성장함에 따라 그들 중 많은 수가 더 큰 그룹에 합류했다. 그리고 평생을 함께 활동한 트리오 마타모로스를 잊지 말자. 마타모로스는 거장 중 한 명이었다.[166]
3. 2. 4. 손
쿠바 손(Son cubano)은 쿠바에서 기원하여 1930년대에 전 세계적으로 인기를 얻은 음악 및 춤 스타일이다. 손은 스페인의 칸시온(canción)의 구조와 특징을 아프로-쿠바 스타일 및 타악기 요소와 결합한다. 쿠바 손은 라틴 아메리카 음악의 가장 영향력 있고 널리 퍼진 형태 중 하나이며, 특히 살사와 같은 파생 형태와 융합은 전 세계로 퍼져나갔다.[174]
크리스토발 디아즈(Cristóbal Díaz)에 따르면, 손은 쿠바 음악에서 가장 중요한 장르이면서도 가장 연구가 덜 된 장르이다.[175] 손은 쿠바에 탱고가 아르헨티나에, 삼바가 브라질에 갖는 의미와 같다고 할 수 있다. 또한, 라틴 아메리카 음악의 모든 형태 중 가장 유연한 형태일 것이다. 손의 가장 큰 강점은 유럽과 아프리카 음악 전통 간의 융합이다. 가장 특징적인 악기는 ''트레스''로 알려진 쿠바 악기와 잘 알려진 양두 봉고이다. 이는 처음부터 현재까지 존재한다. 또한 클라베스, 스페인 기타, 더블 베이스(초창기 보티하 또는 마림불라를 대체함), 초창기의 코넷 또는 트럼펫, 그리고 마지막으로 피아노도 전형적이다.
쿠바 손의 기원을 쿠바 동부 지역(오리엔테)으로 돌리는 전통적인 경향에도 불구하고, 최근 일부 음악학자들은 더 포괄적인 입장을 보였다. 알레호 카르펜티에르(Alejo Carpentier), 에밀리오 그레네트(Emilio Grenet), 크리스토발 디아즈 아얄라(Cristóbal Díaz Ayala)는 "동부 기원" 이론을 지지하지만, 아르길리에르 레온(Argeliers León)은 그의 중요한 저서 "델 칸토 이 엘 티엠포(Del Canto y el Tiempo)"에서, 그리고 마리아 테레사 리나레스(María Teresa Linares)는 "쿠바와 스페인 사이의 음악(The Music between Cuba and Spain)"에서 이에 대해 언급하지 않았다.[176] 라마다메스 지로(Ramadamés Giro)는 이 주제에 대해 다음과 같이 말한다. "손이 19세기 후반부터 발전해 온 예술적 현상이었다면 - 단지 옛 오리엔테(동부) 지방에서만 아니라면 - 1909년 훨씬 전에 수도(아바나)에서 들렸을 것이라고 추측할 수 있지만, 단정할 수는 없다."[177]
19세기 후반 동안 별도로 발전해 온 시골 룸바와 도시 룸바가 만난 곳은 아바나였다. 티플과 기로를 연주하던 과라체로스와 룸베로스는 마침내 나무 상자(카혼)와 쿠바 클라베에 맞춰 노래하고 춤을 추던 다른 룸베로스를 만났고, 그 결과 두 스타일이 손이라는 새로운 장르로 융합되었다.[178] 1910년경 손은 아바나를 기반으로 한 룸바에서 클라베 리듬을 채택했을 가능성이 높으며, 이는 19세기 말 아바나와 마탄사스에서 개발되었다.[179]
손 음악의 대중화는 아프로-쿠바 거리 문화와 이를 창조한 예술가에 대한 가치를 높였다. 또한 아프로-쿠바 뿌리를 가진 다른 음악 장르가 쿠바와 전 세계적으로 인기를 얻을 수 있는 문을 열었다.[180]
3. 2. 5. 재즈
쿠바 재즈의 역사는 오랫동안 불분명했지만, 쿠바에서의 역사가 미국에서의 역사만큼이나 길다는 것이 분명해졌다.[199][181][182][183][184][185]초기 쿠바 재즈 밴드에 대해 훨씬 더 많은 정보가 알려졌지만, 녹음 자료 부족으로 인해 완전한 평가는 어렵다. 미국과의 이주 및 방문, 녹음과 악보의 상호 교환은 두 나라의 음악가들이 서로 연락을 유지하게 했다. 20세기 초, 쿠바의 음악가들과 뉴올리언스의 음악가들 사이에는 밀접한 관계가 있었다. 유명한 트로피카나 클럽의 오케스트라 지휘자인 아르만도 로메우 주니어는 제2차 세계 대전 이후 쿠바 재즈 발전의 선구적인 인물이었다. 쿠봅 현상과 카차오가 하바나와 뉴욕에서 주최한 잼 세션은 오늘날 음악가들에게 영향을 미치는 진정한 융합을 만들어냈다.
초기 쿠바 재즈의 주요 역사가는 레오나르도 아코스타이다.[199][181] 다른 사람들은 미국의 관점에서 재즈와 라틴 재즈의 역사를 더 탐구했다.[182][183][184][185]
3. 2. 6. 1960년대 이후의 대중음악
이 섹션은 비어 있습니다. 내용을 추가해 주세요.4. 악기
5. 음악가
5. 1. 클래식 음악가
5. 2. 대중음악가
6. 음악학
쿠바는 수년에 걸쳐 수많은 연구자와 전문가들이 만들어낸 풍부한 음악학 자료를 발전시켜 왔다. 19세기에 쿠바의 음악에 대한 정보를 제공한 일부 작가들의 연구는 일반적으로 더 일반적인 주제를 다루는 연대기에 포함되었다. 음악 예술과 실기에 전념하는 최초의 연구는 20세기 초에 이르러서야 쿠바에서 나타났다.[80]
쿠바의 음악학 연구에 기여한 중요한 인물에는 페르난도 오르티스, 에두아르도 산체스 데 푸엔테스, 에밀리오 그레네, 알레호 카르펜티에르, 아르겔리에르 레온, 마리아 테레사 리나레스, 파블로 에르난데스 발라게르, 알베르토 무게르시아, 조일라 라피케가 있다.
1959년 쿠바 혁명 이후에 형성된 2세대 음악학자들은 조일라 고메스, 빅토리아 엘리, 알베르토 알렌 페레즈, 롤란도 안토니오 페레즈 페르난데스, 레오나르도 아코스타가 있다.
가장 최근에는 젊은 쿠바 음악학자 그룹이 탄탄한 연구 작업으로 인해 국제 학계에서 명성을 얻었다. 이 그룹의 가장 저명한 구성원으로는 미리암 에스쿠데로 수아스테기, 릴리아나 곤잘레스 모레노, 이반 세사르 모랄레스 플로레스[81] 및 파블로 알레한드로 수아레스 마레로가 있다.[82]
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