칼리가리 박사의 밀실
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1. 개요
《칼리가리 박사의 밀실》은 1920년에 개봉한 독일 무성 영화로, 표현주의 영화의 대표작으로 꼽힌다. 프란시스라는 청년이 칼리가리 박사와 몽유병 환자 체자레를 만나면서 겪는 기묘한 사건을 다룬다. 영화는 기괴하고 왜곡된 세트 디자인, 과장된 연기, 그리고 불안감을 조성하는 촬영 기법을 통해 권위주의와 광기를 주제로 다루며, 필름 느와르와 공포 영화에 큰 영향을 미쳤다. 개봉 당시에는 평론가들 사이에서 의견이 분분했지만, 현재는 독일 표현주의 영화의 걸작으로 평가받고 있으며, 여러 영화감독과 예술가들에게 영감을 주었다.
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| 칼리가리 박사의 밀실 - [영화]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
 | |
| 원제 | Das Cabinet des Dr. Caligari |
| 영어 제목 | The Cabinet of Dr. Caligari |
| 국가 | 독일 |
| 언어 | 무성 영화, 독일어 자막 |
| 제작 정보 | |
| 감독 | 로베르트 비네 |
| 제작자 | 에리히 포머 |
| 각본 | 칼 마이어 한스 야노비츠 |
| 촬영 | 빌리 하마이스터 |
| 음악 | 주세페 베체 |
| 제작사 | 데클라-필름 |
| 출연 | |
| 주연 | 베르너 크라우스 콘라트 바이트 프리드리히 페르 릴 다고버 |
| 조연 | 한스 하인리히 폰 트바르도프스키 루돌프 레팅거 |
| 개봉 및 상영 시간 | |
| 개봉일 | 1920년 2월 26일 (독일) |
| 상영 시간 | 74분 |
| 경제 정보 | |
| 제작비 | 12,371 달러 |
| 흥행 수입 | 4,713 달러 |
2. 줄거리
프란시스는 한 노인과 벤치에 앉아 자신의 약혼녀 제인과 겪은 기묘한 사건을 이야기한다. 이야기의 배경은 홀스텐발이라는 음산한 마을이다.
프란시스와 그의 친구 알란은 마을 축제에서 칼리가리 박사와 그가 조종하는 몽유병 환자 체자레를 만난다. 칼리가리 박사는 체자레를 이용하여 사람들에게 죽음을 예언한다. 체자레는 알란에게 "얼마 남지 않았습니다. 당신은 새벽에 죽을 것입니다!"라고 예언하고, 그날 밤 늦게 누군가가 알란의 집에 침입하여 그를 칼로 찔러 죽인다.
슬픔에 잠긴 프란시스는 제인과 그녀의 아버지 올슨 박사의 도움을 받아 알란의 살인 사건을 조사한다. 경찰은 칼을 소지한 범인을 체포하지만, 그는 이전의 두 건의 죽음과는 관련이 없다고 부인한다.
밤에 프란시스는 칼리가리를 훔쳐보며 상자 안에서 자고 있는 체자레를 관찰한다. 그러나 진짜 체자레는 잠든 제인의 집에 몰래 들어가 그녀를 납치한다. 쫓기던 체자레는 결국 제인을 떨어뜨리고 도망치다 탈진으로 죽는다. 프란시스와 경찰은 칼리가리의 부스 쇼를 조사하여 상자 안의 "체자레"가 인형임을 발견하고, 칼리가리는 도망친다. 프란시스는 그를 따라가 칼리가리가 정신병원으로 들어가는 것을 본다.
프란시스는 칼리가리가 병원장이라는 사실에 충격을 받는다. 병원 직원의 도움으로 병원장의 기록과 일기를 연구한 결과, 그가 18세기 신비주의자 칼리가리에 대한 집착으로 몽유병 환자를 이용하여 살인을 저질렀음을 알게 된다. 칼리가리는 "나는 칼리가리가 되어야 해!"라고 외치며, 직원 중 한 명을 공격하다 구속복에 묶여 자신의 병원 환자가 된다.
이야기는 다시 현재로 돌아와, 반전 결말에서 프란시스는 정신병원의 환자로 묘사된다. 제인과 체자레도 환자이며, 프란시스가 "칼리가리 박사"라고 부르는 남자는 실제로는 정신병원 원장이다. 원장은 프란시스의 망상을 이해했으며 그를 치료할 수 있다고 확신한다.
3. 등장인물
3. 1. 주요 인물
3. 2. 조연
4. 제작
《칼리가리 박사의 밀실》 제작은 1919년 12월 말에 시작되어 1920년 1월 말에 완료되었다.[69][79] 이 영화는 당시 영화로서는 드물게 야외 촬영 없이 전적으로 스튜디오에서 촬영되었는데,[80][81][82] 이는 영화에 표현주의적인 시각 스타일을 부여하기 위한 결정이었다.[83]
영화는 베를린 북동부 교외 바이센제에 있는 릭시-필름 스튜디오에서 촬영되었다.[79][83] 스튜디오의 크기가 작았기 때문에 영화에 사용된 세트의 대부분은 너비와 깊이가 6m를 넘지 못했다.[83] 원래 각본의 특정 요소는 제한된 공간으로 인해 삭제되어야 했다. 여기에는 집시 행렬, 칼리가리가 밀고 가는 손수레, 제인의 마차, 말 택시를 이용한 추격 장면 등이 포함되었다.[70]
각본은 회전목마, 오르간, 사이드쇼 쇼맨, 공연자 및 동물원이 있는 유원지 장면을 요구했지만, 제한된 공간에서는 실현될 수 없었다. 대신, 이 장면들은 홀스텐발 마을의 그림을 배경으로 사용하고, 많은 사람들이 두 개의 회전하는 회전목마 소품 주변을 걷는 방식으로 카니발의 인상을 주었다.[70] 각본은 전화, 전보, 전기 조명과 같은 현대적인 요소들을 언급했지만, 촬영 과정에서 제거되어 영화의 설정은 특정 시대에 대한 표시를 남기지 않았다.[70]
촬영 중 삭제된 장면도 있었는데, 대부분 짧은 시간 경과 또는 전환 장면, 불필요하다고 여겨진 타이틀 화면 등이었다.[70] 삭제된 장면 중 하나는 묘지에서 알란의 유령이 나오는 장면이었다.[70] 마을 서기가 칼리가리를 꾸짖는 장면은 원래 각본에서 크게 벗어났는데, 각본은 단순히 서기가 "참을성이 없다"고 묘사했지만, 촬영된 장면에서는 훨씬 더 심하게 학대하며 칼리가리보다 훨씬 높은 과장된 벤치 위에 앉아 있다.[70]
칼리가리의 원래 타이틀 카드는 과도한 밑줄, 느낌표 및 때로는 구식 철자가 있는 양식화된, 모양이 일그러진 문자를 특징으로 했다.[87][88] 이 기괴한 스타일은 당시 표현주의 포스터의 문자를 모방했다.[87][88] 원래 타이틀 카드는 녹색, 강철색 파랑 및 갈색으로 착색되었지만, 영화의 많은 현대적인 인쇄물은 원래 문자를 보존하지 못한다.[88]
빌리 하마이스터가 촬영을 담당했으며, 이후 로베르트 비네와 여러 다른 영화에서 함께 작업했다.[61] 촬영 기법은 비교적 단순했으며, 주로 세트를 보여주는 데 사용되었고,[31][89] 미디엄 샷과 정면 앵글이 번갈아 가며 사용되고, 때로는 충격적인 느낌을 주기 위해 갑작스러운 클로즈업이 사용되었다. 롱 숏이나 팬 움직임은 거의 없었다.[89][90] 마찬가지로, 장면 간 편집도 거의 없어서, 영화는 영화적이라기보다는 연극적인 느낌을 준다.[89]
일반적으로 강렬한 조명은 없었으며, 이는 이야기에서 흔히 나타나는 어둠의 느낌을 고조시켰다. 그러나 조명은 때때로 세트의 왜곡으로 인해 발생하는 불안감을 강화하는 데 사용되었다. 예를 들어, 체자레가 처음 박람회에서 깨어났을 때, 그의 진하게 화장한 얼굴을 클로즈업하여 불안한 빛을 내기 위해 직접 조명을 비추었다.[91] 또한 조명은 체자레가 알란을 죽이는 장면에서 벽에 그림자를 드리우는 혁신적인 방식으로 사용되어, 시청자는 인물 자체가 아닌 그림자만 볼 수 있게 했다. 이러한 조명 기술은 이후 독일 영화에서 자주 사용되었다.[92][93]
시각적 스타일은 어둡고 뒤틀리고 기괴하다. 원근법, 형태, 차원 및 규모의 급진적이고 의도적인 왜곡은 혼란스럽고 불안정한 모습을 만들어낸다.[24][51][59] 세트는 날카로운 뾰족한 형태와 사선 및 곡선으로 지배되며, 좁고 나선형의 거리와,[88] 비정상적인 각도로 기울고 뒤틀린 구조와 풍경은 언제라도 무너져 폭발할 수 있다는 인상을 준다.[24][82]
세트는 굵고 검은 페인트 칠로 특징지어진다.[82] 홀스텐발의 풍경은 캔버스에 그려져 있으며, 그림자와 빛 줄기는 세트에 직접 칠해져 시청자의 원근감과 3차원 감각을 더욱 왜곡시킨다.[91] 건물들은 입체파적인 건축물과 유사하게 무리지어 연결되어 있으며, 어둡고 뒤틀린 뒷골목으로 둘러싸여 있다.[19][89][88][95] 방에는 왜곡된 틀이 있는 급진적으로 오프셋된 창문, 정사각형이 아닌 문, 너무 높은 의자가 있다.[51][89][88][97]
칼리가리와 체자레의 의상과 분장 디자인은 모두 매우 과장되고 기괴하다. 심지어 등장인물의 머리카락조차 표현주의적 디자인 요소이며, 특히 체자레의 검고 뾰족하며 들쭉날쭉한 머리카락이 그렇다.[89] 그들은 영화에서 표현주의적 분장과 의상을 한 유일한 두 인물이며,[78] 이 왜곡된 세계에 진정으로 속해 있는 사람은 그들뿐인 것처럼 보이게 한다. 그러나 겉보기에 정상적인 모습에도 불구하고 프란시스와 다른 등장인물들은 세트에 반영된 주변의 광기에 결코 당황하지 않으며, 대신 정상적인 배경의 일부인 것처럼 반응한다.[105]
몇몇 장면은 영화의 표현주의적 스타일을 방해하는데, 제인과 알란의 집과 같이, 영화에서 그렇지 않은 보안과 평온함을 전달하는 정상적인 배경과 부르주아 가구가 포함된다.[100][104]
프로듀서 에리히 포머는 당초 프리츠 랑에게 감독을 요청했지만, 랑이 이미 다른 작품에 관여하고 있어 시간을 낼 수 없었기 때문에 로베르트 비네에게 감독을 맡겼다.
각본가 한스 야노비츠와 카를 마이어가 쓴 각본에서는 범죄 묘사가 더욱 과격하고 엽기적이었고, 결말은 칼리가리 박사와 체자레가 일련의 살인 사건에 관여하고 있었다는 것이 명확해지고 박사가 단죄되는 형태였다. 야노비츠와 마이어는 원래 각본이 더욱 사회성이 강했지만, 프로듀서의 압력에 의해 개작되어 뼈대가 빠져버렸고, 원래 각본대로 만들어졌더라면 더 좋은 작품이 되었을 것이라고 주장했다. 각본 수정은 프리츠 랑이 맡았지만(크레딧에는 없음), 랑은 야노비츠와 마이어의 주장에 대해, 원래 각본은 아마추어 티가 나는 미숙한 작품으로 정치적 주장이 전면에 드러났으며, 몇 가지 흥미로운 아이디어가 있었지만 그대로 사용할 수 있는 수준은 아니었다고 반박했다. 또한, 각본 수정은 프로듀서의 압력이 아닌 자신의 판단으로 이루어졌다고 말했다.
세트 제작에는 독일 표현주의 화가들이 참여했다. 헤르만 바름은 "영화는 회화에 생명을 불어넣은 것이어야 한다"라고 주장하는 예술가 그룹 슈투름에 속해 있었다.
일본에서의 첫 공개는 1921년 5월 14일이며, 활동사진 변사가 영어 자막 상영에 맞춰 일본어로 연기나 상황 설명을 했다.[249] 도쿠가와 무세이도 변사로 나섰다.
4. 1. 각본
한스 야노비츠와 카를 마이어는 제1차 세계 대전 이후 만난 평화주의자들로, 전쟁 경험과 권위에 대한 불신을 바탕으로 이 영화의 시나리오를 썼다.[47][48][49][50] 초기 각본은 칼리가리 박사와 체자레의 범죄가 명확하게 드러나고 박사가 단죄되는 결말이었으나, 제작 과정에서 프레임 스토리(액자식 구성)가 추가되면서 변경되었다. 야노비츠와 마이어는 원래 각본이 더욱 사회성이 강했지만, 프로듀서의 압력에 의해 개작되어 뼈대가 빠져버렸고, 원래 각본대로 만들어졌더라면 더 좋은 작품이 되었을 것이라고 주장했다. 각본 수정은 프리츠 랑이 맡았지만(크레딧에는 없음), 랑은 야노비츠와 마이어의 주장에 대해, 원래 각본은 아마추어 티가 나는 미숙한 작품으로 정치적 주장이 전면에 드러났으며, 몇 가지 흥미로운 아이디어가 있었지만 그대로 사용할 수 있는 수준은 아니었다고 반박했다. 또한, 각본 수정은 프로듀서의 압력이 아닌 자신의 판단으로 이루어졌다고 말했다.프레임 스토리 추가는 프리츠 랑의 제안으로 알려져 있으나, 논란의 여지가 있다. 야노비츠와 마이어는 이 변경에 반대했으며, 영화의 혁명적 의미가 상실되었다고 주장했다.[64]
4. 2. 연출
원래 프리츠 랑이 감독으로 내정되었으나, 다른 영화 촬영으로 인해 로베르트 비네가 감독을 맡게 되었다.[35][51][52][53] 비네는 영화의 표현주의적 스타일을 적극적으로 수용하고 발전시켰다.
루돌프 마이네르트는 헤르만 웜을 비네에게 소개했고, 웜은 "영화는 생명을 불어넣은 그림이어야 한다"고 믿었기에, 환상적이고 그래픽적인 스타일을 추천했다.[24][55][56] 웜은 데어 슈투름과 관련된 발터 라임안과 발터 뢰리그를 이 프로젝트에 합류시켰다.[24][58][59] 라임안은 표현주의 스타일을 제안했고, 세트에 형태와 그림자를 직접 칠하는 아이디어를 구상했다.[24][58][61] 비네는 이 아이디어에 즉시 동의했지만, 자신이 표현주의 스타일을 구상했다고 주장하기도 했다.[58]
마이네르트는 상업적 이유로 이 아이디어를 받아들였다. 표현주의가 당시 유행했기 때문에 영화가 나쁜 평가를 받더라도 예술적 스타일이 주목을 받아 수익을 낼 수 있을 것이라고 예상했다.[34] 비네는 테스트 장면을 촬영하여 프로듀서들에게 깊은 인상을 주었고, 이 예술가들에게 자유 재량이 주어졌다.[51]
세트 디자인, 의상, 소품을 준비하는 데 약 2주가 걸렸다.[69] 웜은 주로 세트 작업을 했고, 뢰리그는 그림을, 라임안은 의상을 담당했다.[47]
4. 3. 미술
Hermann Warm|헤르만 웜de, Walter Reimann|발터 라임안de, Walter Röhrig|발터 뢰리그de가 미술을 담당했다.[55][58][59] 이들은 "영화는 생명을 불어넣은 그림이어야 한다"고 믿었고,[56] 자연주의적인 세트는 영화의 주제와 맞지 않다고 생각하여 환상적이고 그래픽적인 스타일을 추천했다.[24][55] 그 스타일은 이미지들이 환상적이고, 악몽 같고, 특별한 느낌을 주었다.[57] 웜은 베를린 예술 및 문학 잡지 '데어 슈투름'과 관련된 두 명의 친구인 화가이자 무대 디자이너 라임안과 뢰리그를 이 프로젝트에 참여시켰다.[24][58][59]라임안은 자신의 그림에서도 자주 사용했던 표현주의 스타일을 제안했다.[24][58][61] 또한 어둡고 비현실적인 모습을 보장하기 위해 세트에 형태와 그림자를 직접 칠하는 아이디어를 구상했다.[24] 세 사람은 로베르트 비네에게 이 아이디어를 제안했고, 비네는 즉시 동의했다.[24][58][62]
세트 디자인, 의상, 소품을 준비하는 데 약 2주가 걸렸다.[69] 웜은 주로 세트 작업을 했고, 뢰리그는 그림을, 라임안은 의상을 담당했다.[47]
4. 4. 촬영
《칼리가리 박사의 밀실》 촬영은 1919년 12월 말에 시작되어 1920년 1월 말에 완료되었다.[69][79] 이 영화는 특이하게도 모든 장면이 야외 촬영 없이 스튜디오에서만 촬영되었다.[80][81][82] 이는 영화에 표현주의적인 시각 스타일을 부여하기 위한 결정이었다.[83]영화는 베를린 북동부 교외 바이센제에 있는 릭시-필름 스튜디오(Lixi-Film Studio)에서 촬영되었다.[79][83] 스튜디오가 작았기 때문에 영화에 사용된 세트 대부분은 너비와 깊이가 6m를 넘지 못했다.[83]
세트 디자인은 헤르만 바름, 발터 라이만, 발터 뢰리그가 담당했다. 이들은 "영화는 생명을 불어넣은 그림이어야 한다"고 믿었고,[56] 환상적이고 그래픽적인 스타일을 추구했다.[24][55] 어둡고 비현실적인 느낌을 주기 위해 세트에 형태와 그림자를 직접 칠했다.[24]
세트, 의상, 소품 준비에는 약 2주가 걸렸다.[69] 헤르만 바름은 주로 세트, 발터 뢰리그는 그림, 발터 라이만은 의상을 담당했다.[47]
촬영 기법은 비교적 단순했는데, 주로 세트를 보여주는 데 사용되었다.[31][89] 미디엄 샷과 정면 앵글이 번갈아 사용되었고, 때때로 충격적인 느낌을 주기 위해 갑작스러운 클로즈업이 사용되었다. 롱 숏이나 팬(pan) 움직임은 거의 없었다.[89][90] 장면 간 편집도 거의 없어서, 영화는 영화적이라기보다는 연극적인 느낌을 준다.[89]
조명은 어둠의 느낌을 강조하기 위해 제한적으로 사용되었지만, 세트의 왜곡으로 인해 발생하는 불안감을 강화하는 데 사용되기도 했다.[91] 예를 들어, 체자레가 처음 깨어났을 때 그의 얼굴을 클로즈업하여 직접 조명을 비추었고,[91] 체자레가 알란을 죽이는 장면에서는 벽에 그림자를 드리워 관객은 인물 자체가 아닌 그림자만 볼 수 있게 했다.[92][93]
《칼리가리 박사의 밀실》의 인터타이틀은 양식화된, 모양이 일그러진 문자를 특징으로 했다.[87][88] 원래 타이틀 카드는 녹색, 강철색 파랑 및 갈색으로 착색되었지만, 현대의 많은 인쇄물은 원래 문자를 보존하지 못하고 있다.[88]
5. 특징
《칼리가리 박사의 밀실》은 어둡고 뒤틀리고 기괴한 시각적 스타일을 가지고 있다. 원근법, 형태, 차원 및 규모의 급진적이고 의도적인 왜곡은 혼란스럽고 불안정한 모습을 만들어낸다.[24][51][59] 세트는 날카로운 뾰족한 형태와 사선 및 곡선으로 지배되며, 좁고 나선형의 거리와,[88] 비정상적인 각도로 기울고 뒤틀린 구조와 풍경은 언제라도 무너져 폭발할 수 있다는 인상을 준다.[24][82] 영화 평론가 로저 에버트는 이를 "날카로운 각도와 기울어진 벽과 창문, 미친 대각선으로 솟아오르는 계단, 가시 잎이 달린 나무, 칼처럼 보이는 풀"로 묘사했다.[94]
세트는 굵고 검은 페인트 칠로 특징지어진다.[82] 홀스텐발의 풍경은 세트가 아닌 캔버스에 그려져 있으며, 그림자와 빛 줄기는 세트에 직접 칠해져 시청자의 원근감과 3차원 감각을 더욱 왜곡시킨다.[91] 건물들은 입체파적인 건축물과 유사하게 무리지어 연결되어 있으며, 어둡고 뒤틀린 뒷골목으로 둘러싸여 있다.[19][89][88][95] 방에는 왜곡된 틀이 있는 급진적으로 오프셋된 창문, 정사각형이 아닌 문, 너무 높은 의자가 있다.[51][89][88][97] 복도와 방 벽에는 기이한 디자인과 인물이 그려져 있으며, 밖의 나무는 때때로 촉수와 유사한 뒤틀린 가지를 가지고 있다.[97]
이러한 시각적 스타일은 시청자에게 불안과 공포감을 전달하며,[88] 악몽이나 엉뚱한 감성,[24][59] 또는 현실적인 장소나 전통적인 디자인 개념보다 더 효과적인 방식으로 악에 의해 변형된 장소의 인상을 준다.[89] 영화의 이야기와 장면의 대부분은 미친 내레이터가 회상한 기억이며, 그 결과 왜곡된 시각적 스타일은 그의 정신적 붕괴의 특징을 띠며,[100] 시청자에게 그들이 미치광이의 마음 속에 있는 듯한 인상을 준다.[87][101][102]
세트에는 영화의 혼돈을 반영하는 원형 이미지가 가끔 등장하며, 붕괴 위험에 처한 것처럼 보이는 기울어진 각도로 움직이는 유원지의 회전목마와 같이 아무데도 가지 않는 듯한 움직임 패턴을 제시한다.[104] 영화의 다른 요소들은 세트와 동일한 시각적 모티프를 전달하며, 칼리가리와 체사레의 의상과 분장 디자인이 모두 매우 과장되고 기괴하다. 심지어 등장인물의 머리카락조차 표현주의적 디자인 요소이며, 특히 체사레의 검고 뾰족하며 들쭉날쭉한 머리카락이 그렇다.[89]
5. 1. 영화 기법
《칼리가리 박사의 밀실》은 독일 표현주의 기법을 사용한 것으로 유명하다. 주요 특징은 다음과 같다.- '''세트 미술''': 거의 모든 장면에서 뒤틀린 세트 미술이 사용되었다. 텐트, 기둥, 문, 벽, 굴뚝, 지붕 등이 모두 평형 감각을 잃은 상태로 묘사되어 있으며, 바닥이 수평이 아닌 경우도 있다. 흰색과 검은색의 대비가 많이 사용되었고, 조명도 이를 강조하고 있다. 단, 처음과 마지막의 정신병원의 정원(현실 세계) 장면만은 매우 평범한 세트이다.
- '''메이크업''': 체사레의 눈 주위에 짙게 칠한 기괴한 화장은 불안감을 조성한다. 또한, 의상도 기괴한 디자인으로 제작되었으며, 체사레의 전신 타이츠와 같은 검은색 의상과 구속복이 그 예시이다.
- '''자막''': 칼리가리 박사의 강박 관념을 나타내는 장면에서는 이미 촬영된 필름에 문자가 삽입되어, 박사의 모습과 함께 문자를 보여주며 심리 상태(독일어로 "칼리가리 박사가 되어야 한다"는 문구가 반복적으로 나타남)를 구체화하여, 칼리가리 박사의 심리를 더욱 인상적으로 표현하고 있다.
- '''아이리스 숏의 다용''': 카메라에 조리개를 조여 촬영하는 숏을 아이리스 숏이라고 한다. 초기 영화에서는, 장면 전환을 특정 인물에 초점을 맞춰 닫고(아이리스 아웃), 다음 장면에서 다시 인물에 초점을 맞춰 열어(아이리스 인) 장면을 전환하는 방법이 사용되었지만, 본 작품에서는 장면 전환 외에도 아이리스 숏을 다용하여, 불안감을 조성하거나 주의를 환기하는 기법이 많이 사용되고 있다.
- '''과장된 연기''': 다른 무성 영화에 비해서도, 등장인물들의 연기는 감정과 몸짓을 상당히 과장하고 있다. 특히 칼리가리 박사와 프란시스의 연기에서는, 다른 인물보다 표정, 몸짓이 강조되었으며, 장면의 상황에 따라 현저히 다른 연기 스타일을 사용하고 있다.
- '''실내 촬영''': 모든 촬영을 실내에서 세트를 사용하여 진행하였다. 자연의 햇빛을 전혀 사용하지 않았으며, 햇빛에 의해 생기는 그림자조차 조명을 사용하여 만들어졌다.
- '''가구의 데포르메화''': 등장하는 가구 또한, 실용적인 것보다는, 뒤틀린 세트 미술에 맞춰 제작된 기괴한 것이 많다. 등받이가 너무 높은 의자가 그 예이다.
이러한 기법들은 필름 누아르 및 공포 영화에 큰 영향을 미쳤으며, 초기 공포 영화의 한 작품으로 꼽힌다. 알프레드 히치콕 등 많은 영화감독들이 본보기로 삼았다.[111][112]
5. 2. 주제
Das Cabinet des Dr. Caligari|칼리가리 박사의 밀실de은 로베르트 비네가 감독을 맡은 1920년 독일의 무성 공포 영화이다. 이 영화는 미치광이 최면술사 칼리가리 박사(베르너 클라우스 분)가 몽유병 환자 체자레(콘라트 파이트 분)를 조종하여 살인을 저지르는 이야기를 다룬다. 영화는 어둡고 뒤틀린 시각적 스타일을 특징으로 하며, 세트 디자인은 뾰족한 형태와 기울어진 건물, 비스듬한 그림자로 이루어져 있다.영화는 프란시스(프리드리히 페어 분)가 한 노인에게 자신의 이야기를 들려주는 것으로 시작한다. 프란시스는 자신의 친구 알란(한스 하인츠 폰 트바르도프스키 분)과 함께 홀스텐발 마을의 축제를 방문한다. 그곳에서 그들은 칼리가리 박사와 그의 몽유병 환자 체자레를 만난다. 칼리가리는 체자레가 어떤 질문에도 대답할 수 있다고 주장한다. 알란이 체자레에게 얼마나 오래 살 수 있냐고 묻자, 체자레는 알란이 다음 날 새벽에 죽을 것이라고 예언한다. 그리고 실제로 알란은 살해당한다.
프란시스는 알란의 죽음에 의문을 품고, 제인(릴 다고버 분)과 그녀의 아버지 올슨 박사와 함께 칼리가리와 체자레를 조사하기 시작한다. 칼리가리는 체자레에게 제인을 살해하라고 명령하지만, 체자레는 제인의 아름다움에 사로잡혀 그녀를 납치한다. 그러나 추격 끝에 체자레는 심장마비로 사망한다.
한편, 프란시스는 경찰과 함께 칼리가리의 전시장을 조사하고, 그곳에서 체자레 대신 인형이 누워있는 것을 발견한다. 칼리가리는 정신병원으로 도망치고, 프란시스는 그곳에서 칼리가리가 병원장이라는 사실을 알게 된다. 프란시스는 병원 직원들의 도움을 받아 칼리가리의 일기를 발견하고, 그가 18세기 이탈리아에서 몽유병 환자를 이용해 살인을 저지른 칼리가리라는 인물에 집착하고 있다는 것을 알게 된다.
결국 칼리가리는 자신의 범행을 자백하고 정신병원에 갇히게 된다. 그러나 영화의 마지막 장면에서 반전이 드러난다. 프란시스가 사실은 정신병원 환자였고, 제인과 체자레 역시 환자였던 것이다. 프란시스가 칼리가리 박사라고 부르던 남자는 실제로는 병원장이었다. 병원장은 프란시스의 망상을 이해하고 그를 치료할 수 있다고 말한다.
6. 평가 및 영향
《칼리가리 박사의 밀실》은 독일 표현주의 영화의 대표작이자 가장 유명한 예시 중 하나로 손꼽힌다.[26][178][148][197][131][149] 고전 영화로 인정받아 영화 입문 강좌, 영화 협회, 박물관에서 자주 상영되며, 무성 영화 시대의 가장 유명한 독일 영화 중 하나로 평가받는다.[172][26] 영화 학자 루이스 제이콥스는 이 영화를 "당시 가장 널리 논의된 영화"라고 칭했다.[189]
《칼리가리 박사의 밀실》은 독일 영화의 예술적 가치를 전 세계에 알리고,[52][178][126] 독일 내 문학 지식인들 사이에서 영화의 정당성을 확보하는 데 크게 기여했다.[112] 로테 아이스너는 이 영화에서 나타나는 표현주의를 통해 "독일 영화가 진정한 본질을 찾았다"고 평가했다.[178] 이러한 평가를 바탕으로, 기괴한 광기와 집착, 시각적 왜곡을 사용하는 영화를 지칭하는 '칼리가리즘'이라는 용어가 생겨나기도 했다.[26]
《칼리가리 박사의 밀실》은 특정 캐릭터의 심리를 나타내기 위한 배경, 빛과 그림자의 사용과 같은 표현주의 기법을 통해 다른 독일 감독들에게 큰 영향을 미쳤다.[156][128][140] 또한 1920년대 독일 영화 제작 방식을 야외 촬영에서 벗어나 스튜디오에서 완전히 촬영하는 방식으로 변화시켰으며, 이는 독일 영화에서 디자이너의 중요성을 더욱 높이는 결과를 가져왔다.[187][140]
《칼리가리 박사의 밀실》의 영향은 독일뿐만 아니라 국제적으로도 널리 퍼졌다.[149][154][158] 1920년대와 1930년대 초 할리우드 영화의 스타일과 내용, 특히 1930년대 미국 공포 영화에 큰 영향을 미쳤다.[156][160][161] 또한, 미국 아방가르드 영화와[162] 1940년대와 50년대의 미국 필름 누아르 시대에 시각적 스타일과 이야기의 어조 모두에 큰 영향을 미쳤다.[126][163][164]
《칼리가리 박사의 밀실》은 소련 영화, 잉마르 베리만의 흑백 영화,[165][166] 연극에도 영향을 미쳤다.[56] 지크프리트 크라카우어와 로테 아이스너의 저서는 영화에 대한 인식과 영화 전체에 미치는 영향을 형성하는 데 큰 역할을 했다.[172][148][167]
영화 역사가 데이비드 로빈슨은 《칼리가리 박사의 밀실》이 감독 비네의 후속 영화들이 성공하지 못했기 때문에, 그가 "행운의 요행수"였던 "원작 영화 감독"으로 잘못 간주되어 궁극적으로 그의 평판을 손상시켰다고 주장한다.[69]
일본 비주얼계 록 밴드 Cali Gari는 영화에서 이름을 따왔다.[171] 미조구치 겐지는 《칼리가리 박사의 밀실》에서 영감을 받아 《피와 영》을 제작하는 등 일본 영화에도 영향을 미쳤다.[2]
영화의 주요 특징은 다음과 같다.
| 특징 |
|---|
| 히틀러의 광기와 전체주의 등장을 연상시킴 |
| 자연광을 포기하고 인공광을 사용 |
| 광기, 권위, 폭력을 빛과 어둠을 통해 표현 |
| 2개의 공간으로 구성된 이야기 구조 |
| 세계와 자연의 부조화를 드러냄 |
| 일그러진 풍경 |
| 애매하고 모호한 주제 |
| 공포영화와 심리영화(스릴러)에 많이 활용되는 기법 |
6. 1. 평가
《칼리가리 박사의 밀실》은 독일 표현주의 영화의 대표작이자 가장 유명한 예시 중 하나로 손꼽힌다.[26][178][148][197][131][149] 고전 영화로 인정받아 영화 입문 강좌, 영화 협회, 박물관에서 자주 상영되며, 무성 영화 시대의 가장 유명한 독일 영화 중 하나로 평가받는다.[172][26] 영화 학자 루이스 제이콥스(Lewis Jacobs)는 이 영화를 "당시 가장 널리 논의된 영화"라고 칭했다.[189]《칼리가리 박사의 밀실》은 독일 영화의 예술적 가치를 전 세계에 알리고,[52][178][126] 독일 내 문학 지식인들 사이에서 영화의 정당성을 확보하는 데 크게 기여했다.[112] 로테 아이스너(Lotte Eisner)는 이 영화에서 나타나는 표현주의를 통해 "독일 영화가 진정한 본질을 찾았다"고 평가했다.[178] 이러한 평가를 바탕으로, 기괴한 광기와 집착, 시각적 왜곡을 사용하는 영화를 지칭하는 '칼리가리즘'이라는 용어가 생겨나기도 했다.[26]
《칼리가리 박사의 밀실》 개봉 당시, 많은 독일 평론가들은 표현주의가 영화에 늦게 도입되었고, 상업화되어 진부해졌다고 느꼈다.[150][151][152][153] 카지미르 에드쉬미트(Kasimir Edschmid), 르네 쉬켈레(René Schickele), 이반 골(Yvan Goll)과 같은 유명 작가들은 이미 표현주의 운동의 종말을 선언하기도 했다.[151] 순수한 표현주의 영화는 거의 제작되지 않았고, 《칼리가리 박사의 밀실》은 수십 년 동안 쉽게 접할 수 있는 유일한 영화였다.[52][154]
《칼리가리 박사의 밀실》 외에 표현주의 스타일을 পুরোপুরি 수용한 몇 안 되는 영화로는 비네(Wiene) 감독의 《진실된 존재(Genuine)》(1920)와 《라스콜니코프(Raskolnikow)》(1923), 《새벽부터 한밤중까지(From Morn to Midnight)》(1920), 《토르구스(Torgus)》(1921), 《달을 향한 집(Das Haus zum Mond)》(1921), 《문과 창문 없는 집(Haus ohne Tür und ohne Fenster)》(1921), 《밀랍 인형(Waxworks)》 등이 있다.[137][155]
《칼리가리 박사의 밀실》은 다른 독일 감독들에게 큰 영향을 미쳤으며,[156] 특히 특정 캐릭터의 심리를 나타내기 위한 배경, 빛과 그림자의 사용은 독일 영화에서 널리 퍼지게 되었다.[128][140] 이러한 요소를 사용한 영화에는 무르나우(Murnau)의 《노스페라투(Nosferatu)》(1922)와 《최후의 만찬(The Last Laugh)》(1924),[92][178][157] G. W. 파브스트(G. W. Pabst)의 《영혼의 비밀(Secrets of a Soul)》(1926),[52] 프리츠 랑(Lang)의 《메트로폴리스(Metropolis)》(1927)와 《M (영화)(M)》(1931) 등이 있다.[155][157]
《칼리가리 박사의 밀실》의 성공은 1920년대 독일 영화 제작 방식에도 영향을 미쳐 야외 촬영에서 벗어나 스튜디오에서 완전히 촬영하는 방식이 주를 이루었으며,[187][140] 이는 독일 영화에서 디자이너의 중요성을 훨씬 더 높이는 결과를 가져왔다.[140] 데이비드 로빈슨(David Robinson)은 한스 드라이어(Hans Dreier), 로쿠스 글리에제(Rochus Gliese), 알빈 그라우(Albin Grau), 오토 훈테(Otto Hunte), 알프레드 융(Alfred Junge), 에리히 케텔후트(Erich Kettelhut), 파울 레니(Paul Leni)와 같은 많은 영화 디자이너들이 부상하는 계기가 되었으며, 이들 중 다수는 나치당의 부상과 함께 독일에서 이민을 가면서 그 영향이 해외에서도 느껴졌다고 주장한다.[140] 또한 감독, 세트 디자이너, 배우들의 성공적인 협업은 이후 수년간 독일 영화 제작에 영향을 미쳐 팀워크를 바이마르 공화국 시대 독일 영화의 특징으로 만들었다.[47]
《칼리가리 박사의 밀실》의 영향은 독일뿐만 아니라 국제적으로도 널리 퍼졌다.[149][154][158] 로타(Rotha)와 영화 역사가 윌리엄 K. 에버슨(William K. Everson)은 이 영화가 전함 포템킨(Battleship Potemkin) (1925)만큼 할리우드 감독들에게 장기적인 영향을 미쳤을 것이라고 평가했다.[159] 로타는 저서 "The Film Till Now"에서 《칼리가리 박사의 밀실》과 《포템킨》을 "영화 발전에 있어 가장 중요한 두 가지 진전"이라고 칭하며, 《칼리가리 박사의 밀실》이 "이전까지 영화를 지성의 낮은 수준으로 여겼던 많은 사람들을 영화 관객으로 끌어들이는 데 기여했다"고 말했다.[143]
《칼리가리 박사의 밀실》은 1920년대와 1930년대 초 할리우드 영화의 스타일과 내용에 영향을 미쳤으며,[156][160] 특히 《종(The Bells)》(1926), 《웃는 남자(The Man Who Laughs)》(1928), 《모르그가의 살인(Murders in the Rue Morgue)》(1932)과 같은 영화에서 큰 영향을 미쳤다.[98][159] 1930년대 미국 공포 영화에도 큰 영향을 미쳐, 《드라큘라 (1931년 영화)(Dracula)》(1931), 《스벵갈리(Svengali)》(1931), 《매드 지니어스(The Mad Genius)》(1931) 등과 같이 초자연적인 능력을 사용하여 다른 사람들을 통제하는 악당을 등장시키는 영화들이 제작되었다.[161] 카에스(Kaes)는 체자레(Cesare) 캐릭터가 유니버설 픽처스(Universal Studios)의 1930년대 공포 영화에 영향을 미쳤으며, 《프랑켄슈타인 (1931년 영화)(Frankenstein)》(1931), 《미이라 (1932년 영화)(The Mummy)》(1932), 《검은 고양이 (1934년 영화)(The Black Cat)》(1934), 《프랑켄슈타인의 신부(Bride of Frankenstein)》(1935)와 같이 괴물을 특징으로 하는 영화들이 제작되었다고 말했다.[92][98]
《칼리가리 박사의 밀실》의 표현주의는 미국 아방가르드 영화에도 영향을 미쳤으며, 특히 《어셔가의 몰락 (1928년 영화)(The Fall of the House of Usher)》(1928), 《최후의 순간(The Last Moment)》(1928), 《9413의 삶과 죽음: 할리우드 엑스트라(The Life and Death of 9413: a Hollywood Extra)》(1928)와 같이 인간이 아닌 환경이 개인을 압도하는 것을 보여주기 위해 환상적인 설정을 사용한 영화에 영향을 미쳤다.[162] 로브루토(LoBrutto)는 "영화 역사상 《칼리가리 박사의 밀실》보다 아방가르드, 예술, 학생 영화에 더 큰 영향을 미친 영화는 거의 없다"고 평가했다.[149]
《칼리가리 박사의 밀실》과 독일 표현주의는 1940년대와 50년대의 미국 필름 누아르 시대에 시각적 스타일과 이야기의 어조 모두에 큰 영향을 미쳤다.[126][163][164] 누아르 영화는 무고한 사람조차 의심의 대상이 되는 경향이 있었는데, 이는 《칼리가리 박사의 밀실》의 공통적인 특징이다. 이 장르는 또한 어둡고 그림자진 시각적 스타일, 양식화되고 추상적인 사진 촬영, 왜곡되고 표현적인 메이크업과 연기 등 여러 표현주의적 요소를 사용한다.[98]
《칼리가리 박사의 밀실》은 《아엘리타(Aelita)》(1924)와 《외투 (1926년 영화)(The Overcoat)》(1926)과 같은 소련 영화에도 영향을 미쳤다.[165] 잉마르 베리만(Ingmar Bergman)의 흑백 영화가 1920년대 독일 영화와 유사점을 보인다는 평가가 있으며, 영화 역사가 로이 아르메스(Roy Armes)는 그를 《칼리가리 박사의 밀실》의 "진정한 계승자"라고 불렀다. 그러나 베리만 자신은 독일 표현주의가 자신의 작품에 미친 영향을 과소평가했다.[166] 《칼리가리 박사의 밀실》은 연극에도 영향을 미쳤다. 지크프리트 크라카우어(Siegfried Kracauer)는 영화의 아이리스 샷 사용이 조명을 사용하여 한 명의 배우를 강조하는 연극으로 모방되었다고 기록했다.[56]
《칼리가리 박사의 밀실》은 여전히 바이마르 공화국 시대의 가장 많이 논의되고 논쟁이 벌어지는 영화 중 하나이다.[61] 지크프리트 크라카우어의 "칼리가리에서 히틀러까지"(1947)와 로테 아이스너의 "유령 스크린"(1974)은 영화에 대한 인식과 영화 전체에 미치는 영향을 형성하는 데 큰 역할을 했다.[172][148][167] 크라카우어는 한스 야노비츠(Hans Janowitz)의 미발표 원고 "칼리가리: 유명한 이야기의 이야기"를 기반으로[22] 야노비츠와 칼 마이어(Carl Mayer)에게 《칼리가리 박사의 밀실》 제작의 주요 공로를 돌렸다.[19][168][169] 마이크 버드(Mike Budd)는 크라카우어의 저서에 대해 "아마도 특정 해석을 통해 《칼리가리 박사의 밀실》, 그리고 일반적으로 바이마르 영화가 크라카우어의 사회 심리학적 접근 방식을 통해 철저하게 이해된 영화나 시대는 없을 것이다"라고 평가했다.[170]
크라카우어는 《칼리가리 박사의 밀실》이 독일의 권위에 대한 복종과 아돌프 히틀러의 부상을 예감하는 상징이라고 주장하며 영화에 대한 태도를 극적으로 변화시켰다.[23][25][167][170] 그의 영화 해석은 여전히 많은 사람들에게 받아들여지고 있으며,[23][170] 크라카우어가 했던 특정 주장, 예를 들어 원래 대본에 프레임 스토리가 없었다는 그의 진술조차도 입증되지 않았다.[167] 아이스너의 저서는 1920년대 다른 영화에서 표현주의적 특징에 영향을 미친 방식을 식별함으로써 《칼리가리 박사의 밀실》을 역사적 맥락에 위치시켰다.[148][167]
영화 역사가 데이비드 로빈슨(David Robinson)은 《칼리가리 박사의 밀실》의 감독임에도 불구하고 비네(Wiene)가 종종 제작에 대한 공로를 가장 적게 인정받는다고 주장했다.[69] 그는 비네가 다른 주요 협력자들보다 영화 개봉에 더 가까운 1938년에 사망했기 때문에 다른 사람들이 공을 차지하는 동안 그의 작품 참여를 변호할 수 없었기 때문이라고 믿는다.[48] 로빈슨은 《칼리가리 박사의 밀실》이 궁극적으로 비네의 평판을 손상시켰다고 주장한다. 왜냐하면 그의 후속 영화는 성공에 미치지 못했기 때문에 그는 종종 《칼리가리 박사의 밀실》이 "행운의 요행수"였던 "원작 영화 감독"으로 잘못 간주되기 때문이다.[69]
일본 비주얼계 록 밴드 Cali Gari는 영화에서 이름을 따왔다.[171]
6. 2. 영향
《칼리가리 박사의 밀실》은 이후 독일 영화뿐만 아니라 할리우드 영화, 필름 누아르, 아방가르드 영화 등 다양한 장르와 스타일에 영향을 미쳤다. 특히 어둡고 뒤틀린 시각적 스타일은 공포 영화의 전형적인 요소로 자리 잡았다.[1]미조구치 겐지는 《칼리가리 박사의 밀실》에서 영감을 받아 《피와 영》을 제작하는 등 일본 영화에도 영향을 미쳤다.[2]
영화의 주요 특징은 다음과 같다.
| 특징 |
|---|
| 히틀러의 광기와 전체주의 등장을 연상시킴 |
| 자연광을 포기하고 인공광을 사용 |
| 광기, 권위, 폭력을 빛과 어둠을 통해 표현 |
| 2개의 공간으로 구성된 이야기 구조 |
| 세계와 자연의 부조화를 드러냄 |
| 일그러진 풍경 |
| 애매하고 모호한 주제 |
| 공포영화와 심리영화(스릴러)에 많이 활용되는 기법 |
7. 해석
《칼리가리 박사의 밀실》은 독일 표현주의 영화의 대표작이자 고전 영화로, 영화 입문 강좌, 영화 협회 및 박물관에서 자주 상영된다.[172] 이 영화는 독일 영화의 예술적 가치에 대한 전 세계적인 관심을 불러일으켰으며,[52][178][126] 독일 내 문학 지식인들 사이에서 영화의 정당성을 확보하는 데에도 기여했다.[112]
이 영화는 기괴한 광기와 집착과 같은 주제, 특히 시각적 왜곡을 사용하는 데 초점을 맞춘 유사한 스타일의 영화를 지칭하는 '칼리가리즘'이라는 용어를 탄생시켰다.[26] 표현주의는 영화에 늦게 나타났으며, 《칼리가리 박사의 밀실》이 개봉될 당시 많은 독일 평론가들은 이 예술 형태가 상업화되고 사소해졌다고 느꼈다.[150][151][152][153] 순수 표현주의 영화는 거의 제작되지 않았고, 《칼리가리 박사의 밀실》은 수십 년 동안 쉽게 접근할 수 있는 유일한 영화였다.[52][154]
《칼리가리 박사의 밀실》은 무르나우의 《노스페라투(1922)》, 《마지막 웃음(1924)》,[92][178][157] G. W. 파브스트의 《영혼의 비밀(1926)》,[52] 랑의 《메트로폴리스(1927)》, 《M(1931)》 등 다른 독일 감독들에게 큰 영향을 미쳤으며,[156] 영화의 표현주의적 요소, 특히 특정 캐릭터의 심리를 나타내기 위한 배경, 빛과 그림자의 사용은 독일 영화에서 널리 퍼지게 되었다.[128][140]
《칼리가리 박사의 밀실》의 영향은 독일 영화뿐만 아니라 국제적으로도 느껴졌다.[149][154][158] 1920년대와 1930년대 초 할리우드 영화의 스타일과 내용,[156][160] 특히 1930년대 미국 공포 영화,[161] 그리고 미국 아방가르드 영화에 영향을 미쳤다.[162] 또한, 1940년대와 50년대의 미국 필름 누아르 시대에 시각적 스타일과 이야기의 어조 모두에 큰 영향을 미쳤으며,[126][163][164] 소련에서 제작된 영화에도 영향을 미쳤다.[165]
영화 역사가 데이비드 로빈슨은 《칼리가리 박사의 밀실》의 감독임에도 불구하고 비네가 종종 제작에 대한 공로를 가장 적게 인정받는다고 주장했다.[69] 그는 비네가 다른 주요 협력자들보다 영화 개봉에 더 가까운 1938년에 사망했기 때문에 다른 사람들이 공을 차지하는 동안 그의 작품 참여를 변호할 수 없었기 때문이라고 믿는다.[48]
7. 1. 칼리가리에서 히틀러로
지크프리트 크라카우어는 그의 저서 《칼리가리에서 히틀러로》에서 《칼리가리 박사의 밀실》을 제1차 세계 대전 이후 독일 사회의 불안과 권위주의적 경향을 반영한 것으로 해석했다.[250] 크라카우어는 칼리가리 박사를 히틀러와 같은 독재자의 전조로, 체자레를 대중 조작에 희생되는 독일 국민으로 보았다. 그는 칼리가리 박사가 전제적인 인물을 상징하며, 이러한 전제적인 정치인에게는 사회를 혼란에 빠뜨리는 것만이 유일한 대안이라고 주장했다. 즉, 전제 정치(체자레 지배 = 선전을 통한 시민 지배) 아니면 혼란(살인 사건 = 세계 대전)의 두 가지 선택을 강요한다고 보았다.그러나 이러한 해석은 많은 비판을 받았으며, 특히 크라카우어의 주장이 역사적 근거가 부족하다는 지적이 있었다. 현재는 이 영화를 단순히 히틀러의 등장을 예견한 것으로 보기보다는, 당시 독일 사회의 복잡한 심리적, 사회적 상황을 반영한 작품으로 해석하는 경향이 강하다.
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