그림자극
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1. 개요
그림자극은 천에 서사 장면을 그려 노래와 함께 이야기를 전달하는 형태의 공연으로, 기원전 1천년경 중앙아시아, 중국, 인도에서 시작되었을 가능성이 높다. 중국, 동남아시아, 인도 아대륙이 그림자극 극장의 주요 중심지였으며, 유럽에서는 17세기부터 인기를 얻었다. 아시아 각 지역에서 다양한 형태로 발전하여, 중국의 피잉시, 인도네시아의 와양 쿨리트, 태국의 낭 야이, 터키의 카라괴즈 등 고유한 특징을 갖는다. 현대에는 애니메이션, 대중문화 등 다양한 분야에서 활용되고 있으며, 전통적인 기법과 현대 기술을 융합한 새로운 시도도 이루어지고 있다.
그림자극은 큰 천에 서사 장면을 그려 노래와 함께 이야기를 전달하는 "파르" 쇼에서 발전했을 가능성이 높다. 파르 쇼는 주로 밤에 공연되었기 때문에 등유 램프나 양초로 조명되었다. 그림자 인형극은 기원전 1천년 경 중앙아시아-중국 또는 인도에서 시작되었을 가능성이 있다.[6][7] 늦어도 기원전 200년경에는 천에 그려진 인물들이 인도의 톨루 봄말라타 쇼의 인형극으로 대체된 것으로 보인다.
현대 그림자극은 다양한 매체와 기법을 활용하여 발전해왔다. 스티븐 허버트는 대중적인 그림자극이 비선형적 투사 슬라이드와 영화 촬영법으로 이어졌다고 보았으며, 올리브 쿡은 그림자극과 현대 영화가 음악, 목소리, 색상 도입 시도 등 여러 유사점을 공유한다고 설명했다.[15][16]
2. 역사
그림자 인형극의 증거는 고대 중국과 인도 텍스트에서 모두 발견된다. 그림자극 극장의 가장 중요한 역사적 중심지는 중국, 동남아시아, 인도 아대륙이었다.[7][3][9] 3세기 CE와 13세기 사이의 중동에서는 이슬람 정복 이후 시대를 포함하여 토착적인 연극 활동에 대한 언급이 거의 없었다.[10] 그림자 인형극은 몽골의 침략 이후 중동에서 유행하게 되었고, 그 후 16세기까지 지역 혁신을 통합했다. 이란의 이슬람 문헌에서는 그림자극에 대한 언급이 거의 없지만, 터키와 19세기 오스만 제국의 영향을 받은 지역에서는 많은 언급이 발견된다.[10]
그림자극 극장은 아시아에서 발명되었지만, 손 인형극은 유럽에서 오랜 역사를 가지고 있다.[11] 유럽 상선이 인도와 중국으로 가는 해상 항로를 찾으면서 대중적인 오락 예술과 문화적 관행을 유럽으로 확산시키는 데 기여했다. 그림자극은 17세기까지 프랑스, 이탈리아, 영국, 독일에서 인기를 얻었다.[12][13] 프랑스에서는 그림자극을 ''옴브르 시누아즈''(Ombres Chinoises)라고 광고했으며, 다른 곳에서는 "마법 등불"이라고 불렀다.[12] 괴테는 1781년 티푸르트에 그림자극 극장을 짓는 데 도움을 주었다.[13][14]
2. 1. 아시아의 그림자극
중국의 그림자극은 '피잉시'라고 불리며, 기원전 2세기 한나라 시대에 한 무제의 총애를 받던 후궁이 죽자, 술사 소옹이 그녀의 혼을 불러오기 위해 시작되었다는 전설이 있다. 북송 시대(960–1127)에는 길거리 공연으로 인기를 얻었으며, 명나라 시대에는 베이징에만 40~50개의 극단이 있을 정도로 번성했다.[25] 초기에는 닥종이로 만들었으나, 나중에는 채색된 가죽이나 양피지로 만들었다.[25] 이야기는 주로 역사와 반은 사실, 반은 허구에 기반했지만, 코미디도 공연되었다.[25] 간쑤성에서는 도칭 음악이, 지린성에서는 황룡 음악이 현대 오페라의 일부를 형성한다.[28] 장예모 감독의 영화 ''인생''(1994)에도 등장한다.
타이완의 그림자극은 차오저우 그림자극 학교에서 유래되었으며, 청나라(1644–1911) 초부터 타이난시, 가오슝시, 핑둥시에서 인기를 끌었다.[29]
인도의 그림자극은 사원 벽화, 채색 그림 등 인도의 그림 전통과 연관되어 있으며,[43] 힌두교 사원에 부속된 무대에서 공연되기도 한다.[45] 힌두 서사시인 ''라마야나''와 ''마하바라타''의 이야기가 주로 공연된다.[48] 지역에 따라 ''톨루 보말라타''(안드라프라데시), ''토갈루 곰베야타''(카르나타카), ''charma bahuli natya''(마하라슈트라), ''라바나 차야''(오디샤), ''톨파바코투''(케랄라), ''니자르 봄말라탐''(타밀나두) 등 다양한 이름으로 불린다.[6][7][42]
동남아시아에서는 인도네시아의 와양 쿨릿(Wayang kulit)이 유명하며, 유네스코 인류무형문화유산으로 지정되었다.[58] 가믈란 음악과 함께 공연되며,[6] ''와양''은 '그림자' 또는 '상상력', ''쿨릿''은 '가죽'을 의미한다. 물소 가죽으로 만든 얇고 구멍이 뚫린 가죽 시트를 사용한다.
말레이시아의 와양 쿨리트는 가믈란 음악과 관련이 있다.
태국의 낭 야이(Nang yai)는 큰 가죽 인형을 사용하며, 낭 탈룽(Nang talung)은 작은 인형을 사용한다.[6]
캄보디아의 스바엑 톰(Sbek Thom)은 큰 가죽 인형을, 스바엑 토이(Sbek Touch)는 작은 인형을 사용한다.[21] ''Sbek''은 '가죽'을 의미한다.
터키의 카라괴즈(Karagöz)는 오스만 제국 시대에 널리 퍼진 그림자극으로,[62] 주인공 카라괴즈와 하지바트(Hacivat)의 대화를 중심으로 이야기가 전개된다.[63] 카라괴즈는 터키어로 '검은 눈'을 의미하며, 부르사 시에서 모스크를 건설하는 실존 인물 노동자였다는 전설이 있다.
2. 2. 유럽의 그림자극
플라톤의 동굴의 비유(기원전 380년경)에서 소크라테스는 돌, 나무 등으로 만들어진 그림자극을 묘사했는데, 이는 평생 동안 눈앞의 벽에 드리워진 그림자 외에는 아무것도 볼 수 없었던 죄수들에게 제시되었다. 이것은 지식, 교육, 진실된 현실 이해 사이의 관계에 대한 (거짓이거나 제한적인) 아이디어를 상상적으로 보여주는 것이었다. 플라톤은 인물을 운반하는 사람들을 가리는 벽을 인형극 배우가 숨기 위해 사용하는 칸막이와 비교했다.[30] 소크라테스/플라톤이 언급할 수 있는 고대 그리스에는 그림자극 형태가 없었던 것으로 보인다.
그림자극은 17세기 말경, 아마도 이탈리아를 통해 유럽 전역으로 퍼지기 시작했다. 이 시기에 여러 이탈리아 쇼맨들이 독일, 프랑스, 영국에서 공연했다는 사실이 알려져 있다.[68]
1675년 독일의 박식가이자 철학자인 고트프리트 빌헬름 라이프니츠는 모든 종류의 새로운 발명품과 볼거리를 보여주는 일종의 세계 박람회를 상상했다. 그는 손으로 쓴 문서에서 그림자극을 포함해야 한다고 추측했다.[31][32]
프랑스 선교사들은 1767년 중국에서 프랑스로 그림자극을 가져와 파리와 마르세유에서 공연하여 큰 반향을 일으켰다. 시간이 지나면서, 현지 개조와 장식이 더해진 '옴브르 시누아즈'(중국 그림자)는 '옴브르 프랑세즈'가 되었고 이 나라에 뿌리내렸다. '옴브르 시누아즈'의 인기는 당시의 시누아즈리 유행을 반영했다.[68]
프랑스 쇼맨 프랑수아 도미니크 세라핀은 1771년 베르사유의 오텔 파티큘리에에서 자신의 그림자극을 처음 선보였다. 그는 이후 왕족 앞에서 베르사유 궁전에서 공연하게 되었다. 1784년 세라핀은 파리로 이주하여 1784년 9월 8일부터 새로 문을 연 팔레 루아얄에 있는 자신의 영구 극장에서 공연을 했다. 공연은 정치적 변화에 적응했고 프랑스 혁명을 견뎌냈다. 세라핀은 쇼를 자동화하기 위해 태엽 메커니즘의 사용을 개발했다. 그의 조카는 1800년 세라핀이 사망한 후 쇼를 물려받았고, 극장이 1870년에 문을 닫을 때까지 그의 상속인들이 계속 이어갔다.[68][33][34][35]
1775년, 암브로지오(암브로이스, 앰브로즈라고도 알려짐)는 파리와 런던에서 야심찬 쇼를 개최했다.[68]
이 예술은 19세기 파리, 특히 유명한 파리 나이트클럽 지구인 몽마르뜨에서 인기 있는 엔터테인먼트였다.[36] 카바레 르 샤 누아르("검은 고양이")는 로돌프 살리스의 지휘하에 1885년과 1896년 사이에 45회의 '테아트르 돔브르' 쇼를 제작했다.[37] 이 건물 2층의 스크린 뒤에서, 예술가 앙리 리비에르는 최대 20명의 조수와 함께 넓은 옥시수소 후면 조명 공연장에서 작업했으며, 배경을 투사하기 위해 이중 광학 마법의 등을 사용했다. 인물들은 원래 판지 오려낸 것이었지만, 1887년부터는 아연 인물로 대체되었다. 스테인렌, 아돌프 빌레트, 알베르 로비다를 포함한 다양한 예술가들이 제작에 참여했다. 카랑 다슈는 매우 인기 있었던 1888년 쇼 '레포페'를 위해 약 50개의 오려낸 인물을 디자인했다. 오르세 미술관은 약 40개의 오리지널 아연 인물을 소장하고 있다. 다른 카바레들은 자체 버전을 제작했고, '옴브르'는 수많은 연극 작품으로 발전하여 환등에 큰 영향을 미쳤다.[68][38][39][40]
이탈리아 파두아의 프리시네마 박물관 미니치 조티 컬렉션에는 르 샤 누아르 카바레에서 사용된 것과 유사한 70개의 프랑스 그림자 인형과 함께 오리지널 극장과 페인트 칠된 배경, 장면 투영을 위한 두 개의 마법의 등이 소장되어 있다. 지금까지 확인된 그림자극은 '라 마르셰 아 레투알'(앙리 리비에르가 소개), '르 스핑크스'(아메데 비뇰라가 소개), '라지 도르' 및 '르 카르네발 드 베니스'이다. 그림자 인형은 19세기 말 프랑스 또는 해외 순회를 위해 제작된 것으로 추정된다.
오늘날 프랑스의 여러 극단에서 그림자 인형극을 개발하고 있다: 르 테아트르 데 옴브르,[41] 르 테아트르 뒤 프티 미로어, 르 테아트르 레 셰즈, 라 루피오트.
3. 현대의 그림자극
1910년대 독일의 로테 라이니거는 그림자 인형을 스톱 모션 방식으로 촬영하는 기법을 개척하여 애니메이션 발전에 기여했다. 1920년대에는 그림자극이 독일 표현주의 영화에 영향을 주기도 했다. 폴린 벤턴은 1920~30년대에 중국 그림자극을 미국에 소개했으며, 애니 카츠라 롤린스 등 현대 예술가들은 서양 연극과 그림자극을 결합하기도 했다.[69] 프라흘라드 아차리아와 같은 인도의 마술사들은 여전히 그림자극을 공연에 활용하고 있다. 2010년대에는 톰 맥도나프가 입체경 그림자 인형 등을 도입했다.[70]
3. 1. 다양한 기법
현대 그림자극은 다양한 매체와 기법들을 이용하고 있다. 스티븐 허버트는 대중적인 그림자극이 비선형적으로 투사 슬라이드와 궁극적으로 영화 촬영법으로 발전했다고 설명한다. 올리브 쿡은 그림자극과 현대 영화의 발전에는 음악, 목소리, 색상 도입 시도, 대중적인 인기 등 많은 유사점이 있다고 언급했다.[15][16]
1910년대 독일의 애니메이션 제작자 로테 라이니거는 그림자극과 유사한 인형을 스톱 모션 방식으로 프레임별로 촬영하는 형식을 개척했다. 이 기술은 이후 애니메이션 제작자들에 의해 유지되어 오늘날까지도 사용되고 있으며, 전통적인 애니메이션과 컴퓨터 애니메이션 또한 그림자극과 실루엣 애니메이션의 모습을 모방하는 데 사용되었다. 1920년대에는 무성 영화 ''경고의 그림자''를 통해 그림자극이 독일 표현주의의 세계로 침투했다.
폴린 벤턴의 노력으로 1920년대와 1930년대에 전통적인 중국 그림자극이 미국 관객들에게 소개되었다. 애니 카츠라 롤린스와 같은 현대 예술가들은 때때로 이 형태를 서양 연극과 결합하여 이 매체를 지속적으로 이어가고 있다.[69]
그림자극은 여전히 아시아 여러 지역에서 인기가 있다. 프라흘라드 아차리아는 그림자극을 자신의 공연에 포함시키는 유명한 인도 마술사이다.
2010년대에 공연가 톰 맥도나프는 입체경 그림자 인형과 레이저로 잘린 물체의 사용을 도입했다.[70]
그림자극은 때때로 서양 문화의 대중 문화에도 나타난다. 예를 들면 다음과 같다.3. 2. 대중문화 속 그림자극
3. 3. 한국의 현대 그림자극
현대 그림자극에서는 더욱 다양한 매체와 기법들을 이용하고 있다. 일본에서는 그림자극 극단인 키바자가 유명하며, 전국 흥행 외에 텔레비전 프로그램으로도 제작되었다. 그 외 극단 각적 등이 알려져 있다.[73]
손 그림자극은 손 모양을 조합하여 개, 고양이, 여우 등 다양한 그림자를 표현하는 것이다. 손 그림자극으로 연기하는 그림자극도 있다. 에도 시대에는 그림자극을 응용하여 주마등(회전 등롱)이 유행했다.[73]
사오토메 타이치와 팀 랩의 합작으로 "용과 모란 - 검무/그림자극"(2011년) 공연이 있다.[75]
4. 지역별 그림자극
그림자극은 큰 천에 서사 장면을 그려 노래와 함께 이야기를 전달하는 "파르" 쇼에서 발전했을 가능성이 높다. 밤에 주로 공연되었기 때문에 등유 램프나 양초로 조명을 비췄다. 그림자 인형극은 기원전 1천년 경 중앙아시아-중국 또는 인도에서 시작되었을 가능성이 높다.[6][7] 기원전 200년경에는 인도의 ''톨루 봄말라타'' 쇼에서 천에 그려진 인물들이 인형극으로 대체된 것으로 보인다. 얇은 스크린 뒤에서 공연되는 이 인형극은 다채롭게 칠해진 투명 가죽으로 만들어진 납작하고 관절이 있는 인형을 사용한다. 인형은 스크린 가까이에 대고 뒤에서 조명을 비추며, 손과 팔은 부착된 지팡이로 조작하고 다리는 무릎에서 자유롭게 흔들리도록 한다.[8]
그림자 인형극의 증거는 고대 중국과 인도 텍스트에서 모두 발견된다. 그림자극 극장의 가장 중요한 역사적 중심지는 중국, 동남아시아, 인도 아대륙이었다.[7][3][9] 3세기에서 13세기 사이 중동에서는 이슬람 정복 이후 시대를 포함하여 토착적인 연극 활동에 대한 언급이 거의 없다.[10] 몽골의 침략 이후 중동에서 그림자 인형극이 유행하게 되었고, 그 후 16세기까지 지역 혁신을 통합했다. 이란의 이슬람 문헌에서는 그림자극에 대한 언급이 거의 없지만, 터키와 19세기 오스만 제국의 영향을 받은 지역에서는 많은 언급이 발견된다.[10]
그림자극 극장은 아시아의 발명품이지만, 손 인형극은 유럽에서 오랜 역사를 가지고 있다.[11] 유럽 상선이 인도와 중국으로 가는 해상 항로를 찾기 위해 항해하면서 대중적인 오락 예술과 문화적 관행을 유럽으로 확산시키는 데 기여했다. 그림자극은 17세기까지 프랑스, 이탈리아, 영국, 독일에서 인기를 얻었다.[12][13] 프랑스에서는 ''ombres chinoises''(중국 그림자)라고 광고했으며, 다른 곳에서는 "마법 등불"이라고 불렀다.[12] 괴테는 1781년 티푸르트에 그림자극 극장을 짓는 데 도움을 주었다.[13][14]
각 지역별 그림자극은 다음과 같다.
- '''중국''': 피잉시라고 불리며, 가죽 인형을 사용한다. 얇은 스크린 뒤에서 인형을 움직여 공연한다.
- '''인도네시아''': 와양 쿨리트라고 불리며, 가믈란 음악과 함께 공연된다. 물소 가죽으로 만든 인형을 사용한다.
- '''태국''': 낭 야이와 낭 탈룽 두 가지 종류가 있다. 낭 야이는 크고 고정된 인물을, 낭 탈룽은 작고 움직일 수 있는 인물을 사용한다.
- '''캄보디아''': 스바엑 톰, 스바엑 토이, 스바엑 포 등의 종류가 있으며, 주로 라마야나와 마하바라타 서사시를 공연한다.
- '''말레이시아''': 와양 쿨리트라고 불리며, 자와, 게데크, 멜라유, 시암의 네 가지 유형이 있다.
- '''터키''': 카라괴즈라고 불리며, 오스만 제국 시대에 널리 퍼졌다. 카라괴즈와 하치바트라는 인물의 상호 작용을 중심으로 이야기가 전개된다.
- '''그리스''': 카라기오지스는 터키의 카라괴즈에서 유래했다.
- '''인도''': 지역별로 다양한 형태가 있으며, 톨루 보말라타, 토갈루 곰베야타, 라바나 차야 등이 대표적이다.
- '''오스트레일리아''': 리처드 브래드쇼는 "슈퍼 캥거루"와 같은 캐릭터로 유명한 그림자극 연출가이다.
4. 1. 중국
중국 그림자극은 피잉시(皮影戏)라고 불리며, 가죽 인형을 사용한다. 얇은 스크린 뒤에서 인형을 움직여 공연하는데, 그림자뿐만 아니라 실루엣에 가까운 형태로 인형에 약간의 색상을 부여하여 100% 흑백은 아니다. 종이 그림자극은 즈잉시(纸影戏)라고 불린다.중국 그림자극의 기원에 대한 몇 가지 신화와 전설이 있다. 가장 유명한 전설에 따르면, 한 무제(기원전 156년 – 기원전 87년)의 총애를 받던 후궁이 죽자, 술사 소옹이 그녀의 혼을 불러오겠다고 약속하면서 시작되었다고 한다. 황제는 술사가 불을 밝힌 횃불 주위에 쳐 놓은 장막 뒤에서 그녀의 모습과 같은 그림자가 움직이는 것을 볼 수 있었다. 종종 술사가 그림자 인형을 사용했다고 전해지지만, 한서의 원문에는 그림자극과의 관련성을 믿을 만한 근거가 없다.[24]
중국에는 다양한 종류의 인형극에 대한 기록이 많지만, 중국 그림자극에 대한 명확한 언급은 북송 시대(960–1127)에 이르러서야 나타난다. 1235년의 한 책에 따르면, 인형은 처음에는 종이로 잘라 만들었지만, 나중에는 채색된 가죽이나 양피지로 만들어졌다고 한다. 이야기는 주로 역사와 반은 사실, 반은 허구에 기반했지만, 코미디도 공연되었다.[25]
송나라 초기에 그림자극은 꽤 인기를 얻었으며, 명절에는 많은 그림자극이 공연되었다. 명나라 시대에는 베이징에만 40~50개의 그림자극 극단이 있었다. 초기 그림자극 스크린은 닥종이로 만들어졌다. 이야기꾼들은 일반적으로 이 예술을 사용하여 다양한 전쟁 왕국 간의 사건이나 불교 관련 이야기를 전했다.[27] 오늘날에는 가죽으로 만들어진 인형이 막대기에 매달려 전통적인 동화와 신화의 극적인 버전을 전달하는 데 사용된다. 간쑤성에서는 도칭 음악이, 지린성에서는 황룡 음악이 현대 오페라의 일부를 형성한다.[28]
중국 그림자극은 1994년 장예모 감독의 영화 ''인생''에 등장한다. 13세기가 되자 원나라와 함께 아시아 대륙에서 중동까지 그림자극이 전해져, 각 지역에 다양한 형태로 정착했다.
4. 2. 인도네시아
인도네시아에서 그림자 인형극은 ''와양''이라고 불리며,[53] 인형이 드리운 그림자를 통해 극적인 이야기를 전달한다.[54] ''와양''은 정교한 인형과 복잡한 가믈란 음악 스타일로 유명한 고대 이야기 형식이다.[55]''와양 쿨리트''는 자바와 발리에서 특히 인기가 있다. ''와양''은 자바어로 "그림자" 또는 "상상력"을 의미하며, "영혼"이라는 뜻도 있다. ''쿨릿''은 "피부"를 의미하는데, 물소 가죽으로 만든 얇고 구멍이 뚫린 가죽 시트로 인형을 만들기 때문이다.
발리에서 그림자 인형극 공연은 보통 밤에 시작하여 새벽까지 이어진다.[54] ''와양 쿨리트'' 극단은 ''달랑''(인형 조종사), ''나야가''(가믈란 연주자), ''신덴''(여성 합창 가수) 등으로 구성된다. ''달랑''은 기름 램프나 할로겐 램프로 조명되는 면 스크린 뒤에서 ''와양''을 공연한다. 평평한 인형은 막대를 사용하여 손으로 움직일 수 있는 관절을 가지고 있으며, 막대 손잡이는 물소 뿔로 만든다.
2003년 11월 7일, 유네스코는 인도네시아의 ''와양 쿨리트''를 인류 구전 및 무형 유산 걸작 중 하나로 지정했다.[58]
4. 3. 태국
태국의 그림자극은 ''낭 야이''(크고 고정된 인물을 사용)와 ''낭 탈룽''(작고 움직일 수 있는 인물을 사용) 두가지로 나뉜다.[6] ''낭 야이'' 인형은 소가죽과 등나무로 만들어지며, 스크린 뒤에서가 아닌 앞에서 사람들이 들고 다닌다.[59] ''낭 탈룽'' 그림자극은 가정 의례, 행사, 상업 박람회, 사찰 박람회에서 주로 공연되지만, 태국 텔레비전에서도 상영되기 시작했다.[59]태국 그림자극 연기자에는 ''낭 사마이''와 ''낭 보라안'' 두 종류가 있다. ''낭 사마이'' 연기자는 음악과 대화 측면에서 더 현대적이고, ''낭 보라안'' 연기자는 더 전통적이다.[60] 공연은 노래와 창의 조합으로 이루어지며, ''낭 칸므앙''처럼 극적이기보다는 정치적인 공연 유형도 있다.[60]
1960년 국립극장 화재로 인해 태국에서 공연이 일시 중단되기도 했다. ''낭'' 드라마는 태국 영화에 영향을 미쳤으며, 처드 송스리와 파윳 응아오크라창 같은 영화 제작자들에게도 영향을 주었다.[61]
태국의 그림자극은 낭 야이(หนังใหญ่th, Nang yai)라고 불린다. 소형의 손발을 움직일 수 있는 인형을 사용하는 그림자극은 낭 탈룽(หนังตะลุงth, Nang talung)이라고 한다.
4. 4. 캄보디아
캄보디아에서 그림자극은 ''낭 스바엑 톰''(Nang Sbek Thom)[20] 또는 간단히 ''스바엑 톰''(큰 가죽), ''스바엑 토이''(작은 가죽), ''스바엑 포''(색깔 가죽)라고 불린다.[21]
캄보디아의 그림자극은 성스러운 사원 의식이나 개인 행사, 그리고 마을의 공공장소에서 공연된다. 인기 있는 연극에는 라마야나와 마하바라타 서사시, 기타 힌두교 신화와 전설이 포함된다.[21] 공연에는 핀피트 오케스트라가 함께 한다.[23]
''스바엑 톰''은 라마, 시타, 락슈마나, 하누만, 라바나가 관련된 선과 악에 대한 서사시인 인도 서사시 ''라마야나''의 캄보디아 버전을 기반으로 한다.[22] 이것은 브라만교와 불교의 토대와 신화를 바탕으로 한 크메르의 믿음을 구현하는 성스러운 공연이다.[22]
캄보디아 그림자 인형은 소가죽으로 만들어지며, 크기는 일반적으로 배경을 포함한 전체 장면을 묘사할 정도로 매우 크다. 자바 그림자 인형과 달리 관절이 없어 인물의 손을 움직일 수 없게 만들고, 가죽의 원래 색상을 유지하기 위해 채색되지 않은 상태로 둔다. 주요 그림자 인형 제작 센터는 시엠립 근처의 롤루오스이다. 캄보디아 그림자 인형극은 캄보디아 전통 춤과 함께 관광객을 위해 무대에 올려지는 문화 공연 중 하나이다.
''스바엑 톰'' 인형은 움직이는 부분이 없고 크고 무겁다. 반대로 ''스바엑 토이''는 움직이는 부분이 있는 훨씬 작은 인형이며, 이들의 쇼가 더 인기가 있다.[22] ''스바엑 톰'' 그림자극은 많은 인형극 배우가 스크린에서 춤을 추는 것을 포함하며, 각 인형극 배우는 ''라마야나''의 한 캐릭터를 연기하는 반면, 별도의 내레이터가 오케스트라와 함께 이야기를 낭송한다.[23]
캄보디아에서는 특히 서부에서 그림자극이 행해진다. 대형 인형을 사용하는 그림자극은 스바엑 톰이라고 하며, 태국의 낭 야이와 유사하다. 과거 큰 불교 행사, 특히 고승의 화장 의례에 7일에서 때로는 2주 동안 밤마다 새벽까지 연속 상연을 했다고 한다. 씨엠립 주가 발상지라고 여겨진다. 소형의 손발을 움직일 수 있는 인형을 사용하는 그림자극을 스바엑 토이라고 한다. 스바엑 토이는 태국의 낭 탈룽이나 자바 섬의 와양과 유사하다. 스바엑은 사람이나 동물의 가죽, 피부를 의미한다.
4. 5. 말레이시아
말레이시아에서 그림자 인형극은 와양 쿨릿(Wayang kulit)이라고도 불린다. 말레이어로 '와양'은 "극장"을 의미하고, '쿨릿'은 "가죽"을 의미하며, 가죽으로 만들어진 인형을 가리킨다. 이야기는 주로 신화와 도덕적 교훈을 담고 있으며, 보통 전투를 묘사한다. 말레이 그림자극은 때때로 애니메이션의 가장 초기 예시 중 하나로 여겨진다.[6]말레이시아에는 네 가지 유형의 그림자 극이 있다.[6]
| 유형 | 설명 |
|---|---|
| 와양 쿨리트 자와 | 자와 그림자극으로 거슬러 올라간다. |
| 와양 쿨리트 게데크 | 태국 남부의 그림자 극으로 거슬러 올라간다. |
| 와양 쿨리트 멜라유 | 자와 그림자극으로 거슬러 올라간다. |
| 와양 쿨리트 시암 | 태국 남부의 그림자 극으로 거슬러 올라간다. |
클란탄과 같은 말레이시아 북부 지역의 ''와양 쿨리트''는 태국 그림자 인형극의 영향을 받았으며 유사하다. 조호르를 포함한 말레이 반도 남부의 ''와양 쿨리트''는 자바 문화의 인도네시아 문화 ''와양 쿨리트''에서 차용되었으며, 이야기와 공연에 약간의 차이가 있다.[6]
인형은 주로 가죽으로 만들어지며, 막대기나 물소 뿔 손잡이로 조작된다. 그림자는 등유 램프 또는 현대에는 할로겐 조명을 사용하여 면 천 배경에 투사된다. 이들은 종종 가믈란 음악과 관련된다.
4. 6. 터키
카라괴즈(터키어: Karagöz)는 터키의 그림자극으로, '검은 눈'을 의미한다. 주인공의 이름이 그림자극의 이름이 되었다. 전설에 따르면 14세기에 부르사 시에서 모스크를 건설하던 실존 인물 노동자였다고 한다. 오스만 제국 지배하에서 널리 즐겨졌다. 2003년 유네스코에 의해 무형 문화유산으로 지정되었다.[62][63]
카라괴즈 극장은 나뭇가지와 장미가 인쇄된 커튼으로 덮인 삼면 부스와 가로 세로 약 약 0.91m 약 1.22m 크기의 흰색 면 스크린으로 구성되어 있으며, 이 스크린은 앞에 삽입되었다. 공연에는 청중을 위해 연주하는 작은 단 위에 앉아 있는 3인조 오케스트라가 있었다. 쇼는 인형극 배우가 기름 램프를 켜면서 시작되었고,[65] 탬버린 연주자를 동반한 가수가 소개하기도 했다.[66] 배경과 풍경은 때때로 움직이는 배, 말을 탄 기수, 흔들리는 야자수, 심지어 용까지 포함했다. 음향 효과에는 노래와 다양한 목소리가 포함되었다.[65]
인형은 높이 약 약 38.10cm (35cm~40cm)로 제작되었으며 반투명하게 보이도록 기름칠을 했다. 인형은 말, 물소 또는 송아지 가죽으로 만들어졌다. 움직이는 팔다리를 가지고 있었고, 목, 팔, 허리 및 무릎에 왁스 실로 연결되었으며, 인형극 배우의 손가락으로 잡고 등 뒤의 막대기로 조작되었다. 가죽은 반투명해질 때까지 가공된 후 채색되어 다채로운 투영 결과를 만들어낸다.[64][67] 카라괴즈 극장은 이집트와 북아프리카에도 적용되었다.[68]
카라괴즈와 하치바트라는 인물들의 대조적인 상호 작용을 중심으로 이야기가 전개된다. 부도덕한 농부 카라괴즈와 까다롭고 교육받은 그의 동료 하치바트는 오스만 문화의 주요 사회 집단을 대표하는 다른 등장인물들과 함께 극을 이끌어 나간다.[62][63] 이 극장은 엄청난 추종자들을 거느렸으며 커피 하우스와 부유한 개인 주택에서 열렸고, 심지어 술탄 앞에서 공연되기도 했다. 도시의 모든 구역에는 자체적인 카라괴즈가 있었다.[64]
4. 7. 그리스
터키의 카라괴즈에서 유래한 그리스의 그림자극은 카라기오지스(Καραγκιόζης, Karagiozis)이다.4. 8. 인도
인도에서 그림자 인형극은 고대 문화의 일부로, 지역별로 다양한 형태가 전해진다. 안드라프라데시의 ''keelu bomme''와 ''톨루 보말라타'', 카르나타카의 ''토갈루 곰베야타'', 마하라슈트라의 ''charma bahuli natya'', 오디샤의 ''라바나 차야'', 케랄라와 타밀나두의 ''톨파바코투'' 등이 대표적이다.[6][7][42] 그림자극은 사원 벽화, 채색 그림 등 인도의 그림 전통과 차우 댄스, 오디샤 댄스 같은 춤 형식에도 영향을 주었다.[43][44]
그림자 극장 댄스 드라마는 보통 힌두 사원 부속 무대(일부 지역에서는 ''코투 마담'' 또는 ''코탐발람'')에서 공연된다.[45] 주요 사원 축제 기간에는 유랑 예술가 가족이 임시 무대에서 공연하기도 한다.[48] ''라마야나''와 ''마하바라타'' 같은 힌두 서사시가 주된 레퍼토리지만, 세부 내용은 지역마다 차이가 있다.[48][46][47]
19세기와 20세기 초, 인도학자들은 그림자 인형극이 인도에서 사라졌다고 믿었으나, 1930년대 이후 여러 지역에서 여전히 활발하게 전승되고 있음이 밝혀졌다.[48] 특히 낮은 카스트의 마라티족이 힌두 서사시를 민속 전통으로 보존하고 공연해왔으며, 다른 지역에서도 마라티어를 사용하는 인형극 배우들이 활동하는 경우가 많았다.[48]
''톨루 보말라타'' 그림자 인형극은 기원전 3세기부터 시작되어 후원을 받아왔다.[49] 인형은 높이 4~5피트의 반투명하고 화려한 가죽 인형으로, 한두 개의 관절 팔을 가진다.[50] 인형 제작은 정교한 의식을 거치며, 예술가 가족은 기도와 은둔을 통해 작품을 만들고 꽃과 향으로 "인형의 탄생"을 기념한다.[51]
케랄라의 ''톨루 파바 코투''는 가죽 인형의 그림자를 스크린에 투사하여 ''라마야나'' 이야기를 표현한다. 전체 공연은 41일, 요약 공연은 7일 정도 걸린다.[52] 인도네시아 ''와양''과 달리 여러 명의 인형극 배우가 팀을 이루어 공연한다.[52]
인도 인형극은 지역별로 차이가 있는데, 케랄라와 마하라슈트라를 제외한 대부분 지역에서 여성들이 중요한 역할을 한다.[48] 오디샤를 제외하면 대부분 무두질한 사슴 가죽으로 인형을 만들고 채색하며 관절을 움직인다. 안드라프라데시와 타밀나두는 반투명 가죽 인형, 케랄라와 오디샤는 불투명 인형을 주로 사용한다. 예술가 단체는 보통 100개 이상의 인형을 가지고 다니며 인도 시골 지역에서 공연한다.[48]
4. 9. 오스트레일리아
리처드 브래드쇼는 "슈퍼 캥거루"와 같은 캐릭터로 유명한 오스트레일리아의 그림자극 연출가이다.[17] 브래드쇼의 인형극은 짐 헨슨이 제작한 텔레비전 프로그램과 오랫동안 방영된 ABC 어린이 TV 시리즈 ''플레이 스쿨''에 출연했다.아나포리아 그림자 극장[18] (캘리포니아에서 오스트레일리아로 이전)은 재구성된 인형과 독창적인 인형을 혼합하여 여러 개의 조명원을 사용한다. 이 극단의 대표는 크레이그 그레이디이다.
오스트레일리아 회사 섀도우플레이 스튜디오의 데뷔 게임 ''Projection: First Light''는 그림자극에서 영감을 받았으며, 게임의 아트 스타일은 검은색 소품과 세피아 배경을 사용하여 전통적인 그림자극 캔버스를 재현한다. 이들은 그림자극에 대한 더 많은 통찰력을 얻고, 게임을 더욱 진정성 있게 만들고, 게임의 그림자 인형 캐릭터에 대한 레퍼런스를 얻기 위해 리처드 브래드쇼를 방문했다.[19]
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