양혜규
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1. 개요
양혜규는 1971년 대한민국에서 태어난 대한민국의 시각 예술가이다. 서울대학교 조각과를 졸업하고 독일 슈테델 미술학교에서 수학했으며, 2017년부터 모교의 순수미술 학부 정교수로 재직 중이다. 설치, 조각, 콜라주 등 다양한 매체를 활용하며, 베네치안 블라인드, 가정용품, 빛과 소리 등 일상적인 오브제를 통해 개인적 경험과 사회적 맥락을 결합한 작품을 선보인다. 베니스 비엔날레, 카셀 도큐멘타 등 주요 국제 전시에 참여했으며, 쾰른 루트비히 미술관, 국립현대미술관 등에서 개인전을 개최했다.
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| 양혜규 - [인물]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
 | |
| 출생일 | 1971년 12월 12일 |
| 출생지 | 서울특별시 |
| 직업 | 미술가 |
| 분야 | 조각, 설치 미술 |
| 웹사이트 | heikejung.de |
| 개인 정보 | |
| 로마자 표기 | Yang Hyegyu |
| 한글 표기 | 양혜규 |
| 한자 표기 | 梁慧圭 |
| 학력 | |
| 출신 대학 | 서울대학교, 슈테델 미술 대학 |
2. 생애
양혜규는 다양한 작품과 왕성한 전시로 동시대 작가들 중 단연 돋보이는 행보를 보여왔다. 서울대학교 조소과를 졸업하고 독일로 이주하여 슈테델슐레에서 마이스터슐러 학위를 취득했으며, 베를린과 서울을 오가며 작업하고 있다.
작가는 특정한 역사적 인물이나 구체적인 일상의 환경 등을 설치, 조각, 영상, 사진 등 다양한 매체를 아우르는 정교하면서도 추상적인 조형 언어로 표현한다. 그의 작업은 변형된 것들, 일상에 잠재되어 있는 이질성의 의미망을 발굴해낸다. 이미 존재하는 문화사회적 체계를 교란시킴으로써 미술의 비전형적인 해석을 도모하고, 인간 삶의 조건과 정치성의 문제에 주목한다.
그녀의 조각 작품은 종종 가정용품과 평범한 재료를 사용한다. 오브제는 건조대, 전구, 실, 전선, 그리고 베네치안 블라인드에 이르기까지 다양하다. 양혜규는 70년대와 80년대 한국에서 성장한 경험이 가정용품에 대한 관심의 일부를 차지한다고 말한다.[10] 때때로 이러한 오브제에 가습기에서 나오는 증기, 히터와 에어컨을 사용한 온도 변화, "취약한 배열 시리즈"(2006-8)의 반복에서 나타나는 흩어진 냄새와 같은 감각적 요소를 추가한다.[2]
양혜규의 작품 스타일은 "미니멀리즘과 개념주의 사이"로 정의될 수 있으며, 이는 "일종의 모더니즘 역설"을 만들어낸다. 그러나 그녀의 작품은 "모더니즘적 영감을 낯설게 하기" 위해 "거리감"을 가지고 있다. 이상적으로, 그녀는 "현재의 조건을 보기" 위해 "시대착오적인 렌즈"를 장려하고 "모더니즘 추상에 대한 우리의 이해를 수정"한다.[11]
양혜규는 자신의 작업에서 추상이 내러티브의 가능성을 부정하는 것이 아니라 "자체적인 한계를 구성하지 않고도 내러티브를 달성할 수 있게 한다"고 주장한다.[12] 미술 사학자 조앤 키는 양혜규가 형식주의에 관심을 보이는 것은 "형태, 구조에 대한 지속적인 관심을 특징으로 한다"고 주장한다.[13]
역사적 인물 외에도 양혜규는 한국계 일본인 수필가 서경식, 작가 프리모 레비, 소설가 조지 오웰, 영화감독 오시마 나기사, 작가 마르그리트 뒤라스 등 작가와 영화 제작자를 자주 언급한다.[15]
2. 1. 초기 생애 및 교육
1971년 서울에서 태어났다. 서울대학교 조소과를 졸업하고 1994년 독일로 이주하여 프랑크푸르트 국립미술학교 슈테델슐레에서 Meisterschüler|마이스터슐러de 학위를 취득하였다.그녀의 아버지인 양한수(1945년 서울 출생)는 언론인이고, 어머니인 김미순(1945년 인천 출생)은 작가이다.[5] 양한수는 박정희 정권의 검열에 항의하다가 160명의 동료와 함께 동아일보에서 해고된 후 국제 건설 회사에서 근무했다.[5][6] 양한수와 김미순 모두 민중 운동에 참여했다.[5]
1994년 서울대학교에서 조형을 전공하여 미술학사 학위를 받았다. 1995년 독일로 건너가 슈테델슐레에서 게오르그 헤롤트에게 배웠다. 1996년부터 1997년까지 뉴욕 시의 쿠퍼 유니언에서 교환 학생으로 있었다.[6] 1999년 Meisterschüler|마이스터슐러de 학위를 받았다.
2. 2. 경력
1971년 서울에서 태어나 1994년 서울대학교 조소과를 졸업하고 독일로 이주하여 프랑크푸르트 국립미술학교 슈테델슐레에서 마이스터슐러 학위를 취득했다. 1995년 슈테델 미술학교(Städelschule)에서 게오르그 헤롤트를 사사했고, 1996년부터 2년간 뉴욕의 쿠퍼 유니언으로 교환 유학을 갔다.[46] 1999년 슈테델슐레를 졸업하였다.[46]2017년 모교인 슈테델슐레 순수미술 학부 정교수로 임명되어 재직 중이다.[47] 현재 베를린과 서울을 기반으로 활동하고 있으며, 독일 크로이츠베르크에 주요 스튜디오를 두고 있다.[8]
2018년 쾰른 루트비히 미술관에서 회고전 《도착 예정 시간(ETA) 1994 – 2018》을 개최하고, 개막일인 4월 17일에 볼프강 한 미술상(Wolfgang Hahn Prize)을 수상하였다.[48] 같은 해 10월 문화체육관광부가 수여하는 대한민국문화예술상(대통령 표창) 미술 부문 수상자로 선정되었으며, 2022년 싱가포르 비엔날레가 주최하는 제13회 베네세 상을 수상했다.
3. 작품
양혜규는 개인적이고 주관적인 경험과 관찰에서 시작하여, 일상적인 잡동사니를 오브제로 삼아 빛, 열기, 바람, 향기, 소리 등을 투과시키는 작품을 선보인다. 그의 작품은 주관적 경험에서 출발하지만, 이를 설명하거나 설득하지 않고 관객의 감각과 사고를 일깨운다.[49]
B.F.A.를 취득한 후 독일로 이주하여 1990년대 후반에 예술 활동을 시작했다. 슈테델 미술학교 밖에서 처음으로 참여한 전시는 프랑크푸르트의 rraum이었고,[6] 2000년 베를린의 바바라 빈 갤러리에서 첫 개인전을 개최했다.[6] 초기 작품 판매의 어려움은 설치 작품 ''Storage Piece''(2004)로 이어졌다.[7]
현재 베를린과 서울을 기반으로 활동하며, 크로이츠베르크에 주요 스튜디오를 두고 있다. 2017년부터 슈테델 미술학교에서 순수 미술 교수로 재직 중이다.[8] 조각, 설치, 콜라주, 사진, 비디오, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르는 작품 세계를 펼치고 있다.
그녀의 조각 작품은 가정용품과 평범한 재료를 주로 사용하며, 건조대, 전구, 실, 전선, 베네치안 블라인드 등 다양한 오브제를 활용한다. 70년대와 80년대 한국에서의 성장 경험이 이러한 가정용품에 대한 관심에 영향을 미쳤다고 한다.[10] 때로는 오브제에 가습기 증기, 히터와 에어컨을 사용한 온도 변화, 흩어진 냄새와 같은 감각적 요소를 더하기도 한다.[2]
양혜규의 작품 스타일은 "미니멀리즘과 개념주의 사이"로 정의되며, "일종의 모더니즘 역설"을 만들어낸다. 그녀는 "모더니즘적 영감을 낯설게 하기" 위해 "거리감"을 가지며, "현재의 조건을 보기" 위해 "시대착오적인 렌즈"를 장려하고 "모더니즘 추상에 대한 우리의 이해를 수정"한다고 설명한다.[11] 추상이 내러티브의 가능성을 부정하는 것이 아니라 "자체적인 한계를 구성하지 않고도 내러티브를 달성할 수 있게 한다"고 주장한다.[12]
페미니즘과의 관계에 대한 질문에, 양혜규는 ''Sallim''과 같은 조각 작품이 가사 노동에 대한 언급을 통해 젠더 문제를 다룰 수 있지만, 종교, 이민, 계급 등 다양한 의미로 확장될 수 있다고 답한다.[11] 또한 자신의 작업에 대한 해석에서 디아스포라적 지위에 대한 비평적인 강조에 반대하는 입장을 취해왔다.[10] 미학과 정치의 관계에 대해서는 펠릭스 곤잘레스-토레스의 말을 인용하며 자신의 생각을 드러냈다.[14]
2006년 상파울루 비엔날레, 2009년 베네치아 비엔날레, 2012년 카셀 도큐멘타 등 주요 국제 미술 행사에 참여했으며, 워커 아트 센터, 리움 등 세계 유수의 미술관에서 개인전을 개최했다.
3. 1. 주요 작품
양혜규는 특정 작품을 통해 역사적 인물들의 만남을 연상시키는 작업을 선보였다. 예를 들어, 2008년 작품 《붉은 산악 미로》의 베네치아 블라인드는 한국 독립운동가 김산과 미국 저널리스트 님 웨일스를,[16] 《치명적 사랑》의 블라인드는 독일 녹색당 대표 페트라 켈리와 전 독일 연방군 장군 게르트 바스티안을 언급한다.[16]
역사적 인물 외에도, 양혜규는 한국계 일본인 수필가 서경식, 작가 프리모 레비, 소설가 조지 오웰, 영화감독 오시마 나기사, 작가 마르그리트 뒤라스(《갈망하는 멜랑콜리 레드》, 2008; 《죽음의 질병》, 2010-진행 중) 등 작가와 영화 제작자를 자주 언급한다.[15]
《사동 30》(2006)은 양혜규의 할머니 댁을 배경으로 제작한 초기 대표작 중 하나이다. 낡고 훼손된 집의 모습을 통해 보편적인 고통을 표현하고자 했다.
제53회 베니스 비엔날레 한국관 개인전에서는 베를린 자택 겸 작업실의 주방을 모델로 한 설치 작품 《살림》(2009)을 포함한 세 작품을 선보였다.[40]
2011년 쿤스트하우스 브레겐츠 개인전에서는 3개 층에 걸쳐 다양한 작품을 전시했다. 1층에는 《낚시》(1995), 《펼쳐지는 장소들》(2004) 등 초기작부터 2008년 작품까지, 2층에는 베네치안 블라인드 설치 작품 《치타델라》(2011), 3층에는 33개의 빛 조각으로 구성된 《전사 신자 연인》(2011)을 설치했다. 특히, 《전사 신자 연인》은 이고르 스트라빈스키의 《봄의 제전》 음악과 함께 연출되었다.[11]
도큐멘타 (13)에서는 카셀 구 기차역의 빈 화물 창고에 자동으로 움직이는 검은색 알루미늄 블라인드 설치 작품을 선보였다.[41]
양혜규의 주요 작품은 다음과 같다.
- 《Science of Communication - A Study on How to Make Myself Understood》(소통의 과학 - 어떻게 하면 나를 이해시킬 수 있을까에 대한 연구, 2000년)
- 《Furnitury Objects-Students’Union Satie》(가구 오브제 - 학생 자치회의 사티, 2000년)
- 《Storage Piece》(저장된 작품, 2004년)
- 《Sadong 30》(사동 30번지, 2006년)
- 《Series of Vulnerable Arrangements - Blind Room》(취약한 배열 연작 - 블라인드 룸, 2006년)
- 《HANDLES》(2019년)
- 《Coordinates of Speculative Solidarity》(추측적 연대의 좌표, 2020년)
3. 2. 작품 세계
양혜규는 개인적이고 주관적인 경험과 관찰을 바탕으로 일상적인 잡동사니를 오브제로 삼아 빛, 열기, 바람, 향기, 소리 등을 투과시키는 작품을 선보인다.[49] 그의 작품은 주관적인 경험에서 출발하지만, 이를 설명하거나 설득하기보다는 관객의 감각과 사고를 일깨우는 데 초점을 맞춘다.[49]B.F.A. 취득 후 독일로 이주하여 1990년대 후반부터 본격적인 예술 활동을 시작했다. 슈테델 미술학교 밖에서 처음으로 참여한 전시는 프랑크푸르트의 rraum이었고,[6] 2000년 베를린의 바바라 빈 갤러리에서 첫 개인전을 개최했다.[6] 초기 작품 판매의 어려움으로 인해 갤러리에 작품을 보관할 수 없었던 경험은 훗날 설치 작품 ''Storage Piece''(2004)로 이어진다.[7]
현재 베를린과 서울을 기반으로 활동하며, 크로이츠베르크에 주요 스튜디오를 두고 있다. 2017년부터는 슈테델 미술학교에서 순수 미술 교수로 재직 중이다.[8] 조각, 설치, 콜라주, 사진, 비디오, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르는 작품 세계를 펼치고 있다. 큐레이터이자 미술 평론가인 니콜라 부리오는 양혜규의 작품이 다양한 기법과 매체에도 불구하고 궁극적으로 공간 속 신체의 존재라는 근본적인 질문을 다루는 조각적이라고 평가한다.[9]
양혜규의 조각 작품은 가정용품과 평범한 재료를 주로 사용하며, 건조대, 전구, 실, 전선, 베네치안 블라인드 등 다양한 오브제를 활용한다. 70년대와 80년대 한국에서의 성장 경험이 이러한 가정용품에 대한 관심에 영향을 미쳤다고 한다.[10] 때로는 오브제에 가습기 증기, 히터와 에어컨을 사용한 온도 변화, 흩어진 냄새와 같은 감각적 요소를 더하기도 한다.[2]
그의 작품 스타일은 "미니멀리즘과 개념주의 사이"로 정의되며, "일종의 모더니즘 역설"을 만들어낸다. 양혜규는 자신의 작품이 "모더니즘적 영감을 낯설게 하기" 위해 "거리감"을 가지며, "현재의 조건을 보기" 위해 "시대착오적인 렌즈"를 장려하고 "모더니즘 추상에 대한 우리의 이해를 수정"한다고 설명한다.[11] 추상이 내러티브의 가능성을 부정하는 것이 아니라 "자체적인 한계를 구성하지 않고도 내러티브를 달성할 수 있게 한다"고 주장한다.[12] 미술 사학자 조앤 키는 양혜규가 형식주의에 관심을 보이는 것은 "형태, 구조에 대한 지속적인 관심을 특징으로 한다"고 분석한다.[13]
페미니즘과의 관계에 대한 질문에, 양혜규는 2009년 제53회 베니스 비엔날레에 전시된 ''Sallim''과 같은 조각 작품이 가사 노동에 대한 언급을 통해 젠더 문제를 다룰 수 있지만, 종교, 이민, 계급 등 다양한 의미로 확장될 수 있다고 답한다.[11] 또한 자신의 작업에 대한 해석에서 디아스포라적 지위에 대한 비평적인 강조에 반대하는 입장을 취해왔다.[10] 미학과 정치의 관계에 대해서는 펠릭스 곤잘레스-토레스의 "나는 미학에 대해 가장 좋은 점은 그것을 관통하는 정치가 완전히 보이지 않는다는 것입니다."라는 말을 인용하며 자신의 생각을 드러냈다.[14]
2006년 상파울루 비엔날레, 2009년 베네치아 비엔날레, 2012년 카셀 도큐멘타 등 주요 국제 미술 행사에 참여했으며, 워커 아트 센터, 리움 등 세계 유수의 미술관에서 개인전을 개최했다.
'''주요 작품'''
- 『Science of Communication - A Study on How to Make Myself Understood』 (소통의 과학 - 어떻게 하면 나를 이해시킬 수 있을까에 대한 연구, 2000년)
- 『Furnitury Objects-Students’Union Satie』 (가구 오브제 - 학생 자치회의 사티, 2000년)
- 『Storage Piece』 (저장된 작품, 2004년)
- 『Sadong 30』 (사동 30번지, 2006년)
- 『Series of Vulnerable Arrangements - Blind Room』 (취약한 배열 연작 - 블라인드 룸, 2006년)
- 『HANDLES』 (2019년)
- 『Coordinates of Speculative Solidarity』 (추측적 연대의 좌표, 2020년)
3. 2. 1. 베네치안 블라인드
양혜규는 2006년 위트레흐트의 BAK에서 열린 전시를 위해 베네치안 블라인드를 사용하기 시작했다.[10] 블라인드가 빛을 걸러 관람객의 시야 조건을 변화시킬 수 있다는 점에 관심을 갖게 되었다.[10] 양혜규는 블라인드를 사용하여 투명성과 불투명성의 상호 작용을 통해 전시 공간을 재구성하며, 전시 공간의 서로 다른 부분을 분리하고 연결한다.[15] 그녀의 대규모 설치 작품인 ''서사적 분산을 수용하며—비정화적 분산의 부피에 관하여''(2012)는 단일한 파악 지점을 거부하고, 빛과 색상을 결합하여 공간을 변형한다.[15] 이 작품에서 베네치안 블라인드의 사용은 관람객이 "물리적으로…지각적으로…[그리고] 개념적으로" 작품과 상호 작용하고 연결되도록 요구한다.3. 2. 2. 역사적, 전기적 참조
양혜규의 특정 작품들은 역사적 인물들 간의 만남을 떠올리게 한다. 예를 들어, 2008년 작 《붉은 산악 미로》에 사용된 베네치안 블라인드는 한국 독립운동가 김산(1905-1938)과 미국 저널리스트 님 웨일스(헬렌 포스터 스노우, 1907-1997)를,[16] 2008년 작 《치명적 사랑》의 블라인드는 독일 녹색당 대표 페트라 켈리(1947-1992)와 전 독일 연방군 장군 게르트 바스티안(1923-1992년으로 추정)을 언급한다.[16]역사적 인물 외에도 양혜규는 한국계 일본인 수필가 서경식, 작가 프리모 레비, 소설가 조지 오웰, 영화감독 오시마 나기사, 작가 마르그리트 뒤라스 (《갈망하는 멜랑콜리 레드》, 2008; 《죽음의 질병》, 2010-진행 중) 등 작가와 영화 제작자를 자주 언급한다.[15] 양혜규가 서경식과 같이 디아스포라 인물들의 작품에 관심을 갖는 것은 레비에 관한 책을 쓴 서경식과 같은 인물에 대한 연구,[19] 여러 지역과 시대를 아우르는 겉보기에는 전혀 다른 인물들 간의 유사성에 대한 고려에서 비롯된다.[19] 양혜규는 그들 사이의 직접적인 연관성을 확립하는 것에는 관심이 적으며, 대신 그녀가 "생산적인 허구의 영역으로 변환"할 수 있는 그들 사이의 간극에 더 관심을 갖는다.[20] 이러한 "생산적인 허구의 영역"을 탐구하는 그녀의 작품은 공적인 삶과 사적인 삶의 관계를 고찰할 수 있게 해준다.[21]
3. 2. 3. 이주와 이동성
양혜규의 조각 작품 중 일부는 이동성을 주제로 삼고 있다. 흔히 움직이는 것으로 여겨지는 재료(예: 베네치안 블라인드 작품 속 움직이는 극장 조명)를 사용하거나,[20] 2013년작 《회전하는 노트--분산된 에피소드 I-V》처럼 공연자가 작품과 상호 작용해야 하는 키네틱 작품을 제작하는 방식이다. 또한 《추측적 연대의 좌표》 (2019)와 같이 디아스포라 인물과 여러 지리적 위치를 언급하는 작품은 국가 경계를 넘나드는 개인의 이동을 고려하고, 이러한 경계가 만들어내는 분열을 반영한다.[24]양혜규의 아스펜 미술관 개인전 제목은 한 걸음마다 먼 거리를 이동한다는 도교와 서양 민간 전승에 존재하는 아이디어를 언급한다.[10]
'''드레스 탈것'' (2012)'''
양혜규의 '드레스 탈것'은 블라인드, 실 또는 마크라메로 만들어진 투과성 표면을 둘러싼 알루미늄 프레임으로 구성된다. 이 조각품들은 전시 공간에서 작품을 움직이기 위해 공연자들이 사용하는 손잡이를 포함한다.[25]
오스카 슐레머의 1922년 작 트리아디셰 발레에서 영감을 받은 "소닉 피겨스"(Sonic Figures)는 바퀴 달린 강철 받침대에 부착된 수많은 놋쇠 도금 종으로 만들어진 복잡한 조각 시리즈이다. 공연자들은 손잡이를 사용하여 종을 울리도록 작품을 회전시킨다. M+는 그녀의 작품인 《소닉 레스큐 로프》(Sonic Rescue Ropes)를 위탁 제작하고 나중에 소장했다.[26]
3. 2. 4. 뒤라스의 『죽음의 병』
2010년 미국 미네아폴리스의 워커 아트 센터 레지던시를 시작으로,[22] 양혜규는 프랑스 작가 마르그리트 뒤라스의 1982년 소설 ''죽음의 질병''에 대한 일련의 낭독회를 개최했다. 각 낭독회의 언어, 출연자, 시각적 요소는 다양했다.2015년 12월, '모바일 M+: 라이브 아트'의 일환으로 양혜규는 홍콩의 선빔 극장에서 ''죽음의 질병''을 무대화하고 소설의 첫 번째 중국어 번역본을 출판하는 ''죽음의 질병: 에크리르 에 리르''를 선보였다. 이틀에 걸쳐 열린 개막 공연에서 홍콩 작가 혼 라이추가 뒤라스의 텍스트를 낭독했다. 무대에는 모기향, 움직이는 조명, 프랑스 여배우 잔 발리바의 이미지 간헐적 배경 투사가 포함되었다.[23]
현재까지 ''죽음의 질병''은 워커 아트 센터, 미네아폴리스 (2010); 남산예술센터, 서울 (2010); 도쿠멘타 (13), 카셀 (2013); 모바일 M+: 라이브 아트, 홍콩 (2015); 페르포마 (2023)에서 공연되었다.
4. 전시
양혜규는 전 세계 유수의 미술관에서 개인전을 개최했으며, 주요 전시 기관으로는 벨기에 겐트 현대미술관 S.M.A.K.(2023), 브라질 상파울루 피나코테카 미술관(2023), 코펜하겐 국립미술관(2022), 국립현대미술관(2020), 영국 테이트 세인트아이브스(2020), 뉴욕 현대미술관(2019), 마이애미 비치 더 바스(2019), 쾰른 루트비히 미술관(2018), 파리 퐁피두 센터(2016), 베이징 울렌스 현대미술센터(2015) 등이 있다.[27]
2009년 베니스 비엔날레 한국관에서 단독 전시를 진행하였고, 오카야마 아트 서밋, 싱가포르 비엔날레 (2022), 시드니 비엔날레, 리버풀 비엔날레(2018), 제12회 샤르자 비엔날레(2015), 타이베이 비엔날레(2014), 제13회 카셀 도쿠멘타(2012), 광주비엔날레(2010) 등 대형 국제전에도 참여했다.
4. 1. 개인전 (선별)
| 연도 | 전시 제목 및 장소 |
|---|---|
| 2023 | |
| 2022 | |
| 2020 | |
| 2019 | |
| 2018 | |
| 2017 | |
| 2016 | |
| 2015 | |
| 2014 | 《Follies, mehrfach: Gabriel Lester – Haegue Yangde》, 본 쿤스트페어라인, 본, 독일 |
| 2013 | |
| 2012 | |
| 2011 | |
| 2010 | |
| 2009 | |
| 2008 | |
| 2007 | |
| 2006 | |
| 2005 | 《크레머 미술상(Cremer Prize영어)》, 베스트팔렌주 주립 미술관, 뮌스터, 독일 |
| 2004 | |
| 2003 | 《일반화하기에 너무나 비현실적인(Unrealistic to generalise영어)》, 퓌블릭, 파리, 프랑스 |
| 2002 | 《공기와 물(Air and Water영어)》, 드레스덴 은행, 프랑크푸르트, 독일 |
| 2001 | |
| 2000 | |
| 1999 | 《함부르거폰스티브(Hamburgefonstiv영어)》, 포룸 1822 프랑크푸르트 슈파카세 은행, 프랑크푸르트, 독일 |
| 1995 | 《라움(rraum영어)》, 프랑크푸르트, 독일 |
5. 수상
| 연도 | 수상 내역 |
|---|---|
| 2007 | 발로아즈 미술상, 함부르크 미술관, 독일 |
| 2008 | 크레머 상, 크레머 컬렉션 재단, 독일 |
| 2015 | 말뫼 라이브 공공 미술 공모전, 스웨덴 |
| 2018 | 볼프강 한 상, 독일 |
| 2018 | 대한민국 문화예술상 (대통령 표창) 시각예술 부문, 대한민국 |
6. 소장처
| 국가 | 도시 | 소장처 |
|---|---|---|
| 대한민국 | 용인 | 아모레퍼시픽 미술관 |
| 대한민국 | 서울 | 리움, 삼성미술관 |
| 대한민국 | 서울 | 국립현대미술관 |
| 대한민국 | 서울 | SeMA, 서울시립미술관 |
| 캐나다 | 토론토 | 온타리오 미술관 |
| 캐나다 | 새스커툰 | 레마이 모던 |
| 영국 | 브리스톨 | 브리스톨 박물관, 미술관 & 기록 보관소 |
| 미국 | 피츠버그 | 카네기 미술관 |
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| 미국 | 휴스턴 | 휴스턴 미술관 |
| 미국 | 미니애폴리스 | 워커 아트 센터 |
| 독일 | 뮌스터 | 베스트팔리셰스 란데스무제움 |
7. 평가
양혜규의 작품은 개인적이고 주관적인 경험과 관찰에서 시작되어, 일상적인 잡동사니를 오브제로 삼아 빛, 열기, 바람, 향기, 소리 등을 투과시킨다. 그의 작품이 주관적 경험이나 관찰에서 출발하였더라도 양혜규는 그것을 설명하거나 설득하지 않고, 관객의 감각과 사고를 일깨운다.[49]
다수의 평론가들은 그녀의 다작과 끊임없이 확장되는 참조 범위를 언급했다. 앤드루 루세스(Andrew Russeth)와 같은 일부 평론가들은 그녀의 다층적인 작품을 칭찬하는 반면, 로베르타 스미스와 카렌 로젠버그는 일부 작품이 다른 작품보다 더 뛰어나다고 평가했다.[36]
엘리자베스 풀러튼과 리카르도 벤투리와 같은 평론가들은 양혜규의 가장 복잡한 작품에서도 나타나는 유희적이고 개방적인 요소를 강조했다.[37] 미미 추는 양혜규가 "다감각적인 절묘한 시체"와 같은 그녀의 작품을 통해 관람객의 "서사적 숙련"에 대한 욕구를 시험한다고 주장한다.[38]
미술사학자 조앤 키는 양혜규의 작품이 "형식주의의 문제, 즉 오늘날의 세계화된 예술계에서 형식주의적 방법의 환원주의를 극복했다고 자부하는 예술계에서 형식주의가 과연 어떤 위치를 차지해야 하는가?"라는 질문을 제기한다고 주장한다. 그러나 그녀는 또한 양혜규가 예술의 형식적 특성을 탐구하려는 노력이야말로 그녀가 글로벌 미술계에서 인지도를 얻을 수 있었던 이유일 수 있다고 지적한다. "형식의 가능성에 대한 그녀의 연구적이고 거의 의례적인 관심을 통해, 그녀의 예술은 그러한 관심이 문화적 차이에 대한 명시적인 발언 외에 비백인, 비유럽계 미국인 예술가가 세계적인 지위를 얻을 수 있는 유일한 실행 가능한 수단인지 질문한다."[39]
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