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마크 로스코

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목차

1. 개요

마크 로스코는 1903년 라트비아에서 태어난 미국의 추상 표현주의 화가로, 색면 추상 회화의 대표적인 인물이다. 그는 유대인 부모에게서 태어나 러시아 제국에서 어린 시절을 보냈으며, 1913년 미국으로 이주하여 교육을 받았다. 예일 대학교를 중퇴하고 미술을 공부한 로스코는 초기에는 다양한 화풍을 시도하다가, 1940년대 후반부터 두세 개의 직사각형 색면을 수직으로 배치하는 자신만의 독창적인 화풍을 확립했다. 그의 작품은 단순한 형태 속에 복잡한 감정을 담아내고자 했으며, 종교적인 경험을 불러일으키는 것을 목표로 했다. 로스코는 시그램 빌딩 벽화, 하버드 대학교 벽화, 로스코 채플 등 주요 프로젝트를 진행했으나, 작품의 상업화와 관련된 문제와 유산 분쟁을 겪기도 했다. 그의 작품은 한국 단색화에 영향을 미쳤으며, 사회적 관점과 평가를 받으며, 연극, 음악 등 다양한 분야에서 영감을 주었다.

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마크 로스코
기본 정보
마크 로스코, 요크타운 하이츠, 1949년경
'콘수엘로 카나가, 마크 로스코, 요크타운 하이츠, . 브루클린 미술관, 콘수엘로 카나가 촬영.'
본명마르쿠스 야코블레비치 로트코비츠
출생일1903년 9월 25일
출생지'드빈스크, 러시아 제국 (현재 다우가프필스, 라트비아)'
사망일1970년 2월 25일
사망지미국 뉴욕 시
국적라트비아
미국 (1938년부터)
분야회화
배우자에디스 사차르 (1932–1943)
메리 앨리스 "멜" 비슬 (1944–1970)
자녀케이트 로스코 프라이젤 (본명: 캐시 린 로스코, 1950년생)
크리스토퍼 로스코 (1963년생)
교육예일 대학교
파슨스 미술 디자인 대학교
후원자페기 구겐하임
존 드 메닐
도미니크 드 메닐
활동
사조추상 표현주의
색면 추상
주요 작품시그램 벽화
로스코 채플
발음
영어 발음/ˈrɒθkoʊ/
로마자 표기Rothko
기타
웹사이트Reviving Mark Rothko's Harvard Murals Using Light
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2. 초기 생애 및 교육

마크 로스코는 1903년 러시아 제국령이었던 라트비아의 다우가프필스에서 유대인 부모에게 태어났다.[112] 그의 아버지 야코프 로스코비치(Jakob Rothkovitch)는 약사이자 지식인이었다.[112] 아버지는 초기에는 마르크스주의자였기 때문에 반종교적이었으며, 자녀들에게 종교보다는 정치와 사회에 대해 가르쳤다.[112] 러시아 제국에서는 유대인에 대한 편견으로 인해 비난과 박해가 있었고, 어린 시절 로스코도 그러한 환경에 대한 두려움을 느꼈다. 로스코의 유년 시절에 아버지는 정통 유대교로 회귀했고, 로스코는 탈무드를 배우게 되었다.[3]

야곱 로스코위츠의 수입이 적었음에도 불구하고, 그 가족은 매우 교육 수준이 높았다.[4] 로스코는 리트비시(Litvish), 히브리어와 러시아어를 구사했다.[4] 아버지가 자신의 젊은 시절로 돌아가 정통 유대교를 믿게 된 후, 로스코는 다섯 살 때 헤데르에 보내져 탈무드를 공부했지만, 그의 형제들은 공립학교에서 교육을 받았다.

1903년부터 1906년에 걸쳐 반유대인 폭행(포그롬)이 성행했고, 야코프는 그의 아들이 러시아 제국 육군에 징집될 것을 우려하여 미국으로 이주하기로 결심했다.[3] 1910년 아버지가 그의 형을 찾아 홀로 미국으로 건너갔고, 2년 후 큰아들 모이세스와 둘째 아들 알버트가 미국으로 건너갔다. 마크와 어머니, 그리고 누나 소니아는 러시아에 남아 있었다. 1913년 겨울, 가족은 엘리스 섬에 도착하여 아버지와 형들이 있는 미국 오리건주 포틀랜드로 이주했다.[3]

1914년 3월, 아버지 야코프는 대장암으로 사망하여 가족은 경제적 기반을 잃게 된다.[3] 누나 소니아는 계산대 직원으로 일했고, 마크 자신도 삼촌의 창고 중 한 곳에서 일하면서 신문을 팔았다.[3] 링컨 고등학교에 진학해서는 문학, 철학, 사회학 등에 관심을 보이는 한편, 그리스 신화에도 친숙해졌다. 1921년 6월 포틀랜드의 린컨 고등학교에서 우수한 성적으로 졸업했다.[5] 마크는 네 번째 언어인 영어를 배우는 동시에 유대인 커뮤니티 센터에서 적극적인 활동 회원이 되어 정치적 논쟁을 즐겼다. 마크는 아버지처럼 노동자의 권리와 여성의 권리 등의 문제에 열정을 쏟았다.

1921년에 장학금을 받고 예일 대학교에 진학했다.[6] 대학교에서는 심리학을 전공했고, 장차 변호사 또는 기술자를 목표로 했다. 그러나 신입생 시절이 끝날 무렵 장학금 연장이 되지 않아 웨이터와 배달부를 하면서 공부했다. 마크는 예일의 많은 학생들이 엘리트주의적이고 차별주의자라는 것을 알게 되었고, 그의 친구 아론 디렉터와 함께 학교의 구식 관습과 부르주아 취향을 풍자하는 풍자 잡지 『예일 새터데이 이브닝 페스트』(Yale Saturday Evening Post)를 발행했다. 2년이 끝난 1923년에 그는 중퇴했고, 46년 후 명예 박사 학위를 받을 때까지 돌아오지 않았다.[6]

1923년 가을에 뉴욕 가먼트 지구로 이주했다. 로스코 자신에 따르면, 그는 친구를 방문하기 위해 아트 스튜던츠 리그를 방문했을 때 누드 드로잉의 모습을 보고 미술 세계에 들어갈 것을 결심했다고 한다. 그러나 2개월 만에 그만두고 포틀랜드로 귀향했다. 조세핀 딜런이 주최하는 극단에서 배우 수업을 받았다. 같은 극단에는 클라크 게이블이 소속되어 있었다.

1925년 다시 뉴욕으로 이주하여 파슨스 미술대학에 입학하여 그래픽 디자인을 전공했다. 당시 그의 지도 교수 중 한 명은 화가 아르실 고르키였다. 고르키의 위압적인 성격을 고려해 볼 때 두 사람이 친해졌다고 생각하기는 어렵지만, 아마도 이것이 로스코에게 있어서 아방가르드와의 첫 만남이었을 것이다(로스코는 고르키의 지도에 대해 “요구가 엄격하고 관리적이었다”고 회상하고 있다).

또한 그 가을 그는 아트 스튜던츠 리그에서 열리는 큐비즘 작가 맥스 웨버의 강좌를 러시아계 유대인 동료들과 함께 수강했다. 웨버는 프랑스의 아방가르드 예술 운동의 일익을 담당했기 때문에 현대 미술의 산 증인으로서 학생들은 그의 가르침을 갈망했다. 웨버의 지도하에 로스코는 미술을 종교적이고 감정적인 표현의 도구로 보게 되었고, 이 시대의 로스코의 작품은 웨버의 영향을 분명히 받고 있다. 수년 후 웨버는 제자였던 로스코의 전시회를 방문했을 때 그의 작품을 칭찬했고, 로스코도 그 칭찬을 매우 기뻐했다.

뉴욕에서의 활동은 풍부한 예술적 분위기 속에서 그를 확립시켰다. 모더니즘 화가들은 뉴욕의 갤러리에서 많은 전시회를 열었고, 또한 시립 미술관 등은 신진 아티스트의 기술과 지식을 육성하기 위한 매우 귀중한 장소였다. 로스코 초기의 중요한 영향을 준 작가로는 독일 표현주의, 파울 클레, 초현실주의, 조르주 루오의 회화가 있다.

1927년, 루이스 브라운 저 『삽화가 있는 성서』의 삽화 작업을 맡았다. 731페이지에 달하는 방대한 저서였기 때문에 로스코는 메트로폴리탄 미술관의 고대 미술 컬렉션을 참고하여 고대 장식 무늬와 브라운 자신의 삽화에서 힌트를 얻어 삽화를 완성했다. 그러나 브라운은 로스코의 그림을 대충 한 것으로 여겨 계약을 해지했다. 1928년 다른 젊은 아티스트들과 함께 오퍼튜니티 갤러리에서 전시회를 열었다. 그의 회화는 어둡고 불길하며 내면의 표출뿐만 아니라 도시의 풍경이 그려져 많은 비평가와 동료들로부터 평가를 받았다.

적은 성공을 거두었지만, 로스코는 자신의 생계를 유지해야 했기 때문에 1929년부터 1952년까지 센터 아카데미에서 교사로서 점토 조각을 가르쳤다. 이 기간에 로스코는 15살 연상의 작가 밀턴 에이버리 주변의 젊은 작가들인 버넷 뉴먼, 조셉 솔먼, 루이스 찬커, 존 그레이엄(John D. Graham)과 함께 아돌프 고틀리브를 만났다. 일레인 드 쿠닝에 따르면 로스코에게 “전문 작가로서의 삶”의 영감을 준 것은 에이버리였다고 한다. 에이버리의 풍부한 색채와 형태에 대한 지식을 사용하여 그린 자연의 그림은 로스코에게 엄청난 영향을 주었다. 얼마 후 로스코의 회화는 1933년-1934년의 《수욕》이나 《해변의 풍경》 등에서 볼 수 있듯이 에이버리와 매우 유사한 주제와 색을 사용하고 있다.

로스코, 아돌프 고틀리브, 버넷 뉴먼, 조셉 솔먼, 존 그레이엄, 그리고 그들의 스승 밀턴 에이버리는 상당한 시간을 함께 보냈다. 조지 호수, 글로스터, 매사추세츠주에서 휴가를 함께 보내며, 낮에는 그림을 그리고 오후에는 예술에 대한 논쟁을 벌였다. 1932년에 조지 호수를 방문했을 때, 그해 가을 결혼하게 될 주얼리 디자이너 에디스 삭처를 만났다.

1933년, 포틀랜드 미술관에서 드로잉과 수채화로 첫 개인전을 열었다. 로스코는 이 전시회에서 그의 센터 아카데미 어린이들의 작품도 전시하는 매우 드문 전시를 했다. 이 무렵의 화풍은 살바도르 달리, 조앙 미로 등 초현실주의 회화의 영향을 강하게 받은 것이었다. 로스코의 가족은 절망적인 경제 상황 때문에 로스코의 화가가 되겠다는 결심을 이해할 수 없었다. 가족은 심각한 재정적 어려움을 겪고 있었지만, 로스코의 경제에 대한 무관심에 당황하고 있었다. 로스코의 가족은 마크가 더 현실적인 직업을 찾지 않는 것으로 그의 어머니를 괴롭히고 있다고 느꼈다.

뉴욕으로 돌아왔을 때 로스코는 현대 미술 갤러리에서 최초의 동부 해안 개인전을 열었다. 거기에서는 몇몇 수채화와 드로잉, 그리고 주로 초상화를 그린 15점의 유화를 전시했다. 이때 전시된 유화는 비평가들의 눈길을 사로잡는 것이었다. 로스코의 풍부한 색면은 에이버리의 영향을 넘어 발전된 것이었다. 1935년 후반 로스코는 일리야 보로토프스키, 벤 시온, 아돌프 고틀리브, 루 해리스, 랠프 로젠, 루이스 찬커, 조셉 솔먼 등과 함께[113] 더 텐(The Ten)을 결성했다. 그들의 사명은 당시 미국 미술계의 옛것을 그리워하는 풍조와 유럽 미술을 중시하는 보수적인 가치에 항의하는 것이었다. 당시 로스코의 스타일은 말년의 그의 유명한 스타일로 발전하고 있었지만, 색에 대한 깊은 탐구에도 불구하고, 아직 신화와 우화의 상징으로부터 영향을 받은 초현실주의적인 회화를 그리며, 다른 형식의 혁신을 탐구하고 있었다.

로스코의 작품은 특히 결성한 아티스트 그룹의 동료들로부터 호평을 받았다. 1937년 초 고틀리브와 솔먼을 포함한 예술가 협회는 자신들이 조직한 그룹 전시회를 시립 미술관에서 열기를 원했다. 전년인 1936년 프랑스의 갤러리 보나파르트에서 열린 그룹 전시회에서는 몇몇 긍정적인 비평을 얻었다(로스코의 그림에 대해 어떤 비평가는 “진정한 색의 가치를 제시했다”고 말했다). 그 후 1938년 뉴욕의 머큐리 갤러리에서 “휘트니 반역자들 전”을 열었다. 이것은 머큐리 갤러리 근처에 있었고, 그룹의 활동을 일부 사건으로 여기며 아메리칸 씬과 지역주의를 추진하고 있던 휘트니 미술관에 대한 비꼬는 행위였다. 또한 이 시기 로스코는 에이버리, 고르키, 폴록, 드 쿠닝과 마찬가지로 뉴딜 정책에 의해 시작된 공공 사업 진흥국(WPA) 사업의 일환인 연방 미술 계획(FAP)에 고용된 시기이기도 했다.

2. 1. 출생과 가족 배경

마크 로스코는 1903년 러시아 제국령이었던 라트비아의 다우가프필스에서 유대인 부모에게 태어났다.[112] 그의 아버지 야코프 로스코비치(Jakob Rothkovitch)는 약사이자 지식인이었다.[112] 아버지는 초기에는 마르크스주의자였기 때문에 반종교적이었으며, 자녀들에게 종교보다는 정치와 사회에 대해 가르쳤다.[112] 러시아 제국에서는 유대인에 대한 편견으로 인해 비난과 박해가 있었고, 어린 시절 로스코도 그러한 환경에 대한 두려움을 느꼈다. 로스코의 유년 시절에 아버지는 정통 유대교로 회귀했고, 로스코는 탈무드를 배우게 되었다.[3]

야곱 로스코위츠의 수입이 적었음에도 불구하고, 그 가족은 매우 교육 수준이 높았다.[4] 로스코는 리트비시(Litvish), 히브리어와 러시아어를 구사했다.[4] 아버지가 자신의 젊은 시절로 돌아가 정통 유대교를 믿게 된 후, 로스코는 다섯 살 때 헤데르에 보내져 탈무드를 공부했지만, 그의 형제들은 공립학교에서 교육을 받았다.

2. 2. 미국 이민과 정착

마크 로스코는 1903년 당시 러시아 제국령이었던 라트비아의 다우가프필스(Daugavpils)에서 유대계 부모에게 태어났다.[112] 그의 아버지 야코프 로스코비치(Jakob Rothkovitch)는 약사이자 지식인이었다.[112] 러시아에서는 유대인에 대한 비난과 박해가 있었고, 어린 시절 로스코도 그러한 환경에 대한 두려움을 느꼈다. 로스코의 유년 시절에 아버지는 정통파 유대교로 회귀했고, 로스코는 탈무드를 배우게 되었다. 아버지 야코프의 수입은 결코 높지 않았지만, 가족은 매우 훌륭한 교육을 받았다. 로스코 자신도 러시아어 외에 이디시어, 히브리어를 구사할 수 있었다. 로스코가 아직 어렸을 때, 아버지는 정통파 유대교로 개종했고, 그 영향으로 가장 막내였던 로스코는 형제들이 공교육을 받는 동안 5살부터 헤데르(cheder)에 다니며 탈무드를 공부했다.

1903년부터 1906년에 걸쳐 반유대인 폭행(포그롬)이 성행했고, 야코프는 그의 아들이 러시아 제국 육군에 징집될 것을 우려하여 미국으로 이주하기로 결심했다.[3] 1910년 아버지가 그의 형을 찾아 홀로 미국으로 건너갔고, 2년 후 큰아들 모이세스와 둘째 아들 알버트가 미국으로 건너갔다. 마크와 어머니, 그리고 누나 소니아는 러시아에 남아 있었다. 1913년 겨울, 가족은 엘리스 섬에 도착하여 아버지와 형들이 있는 미국 오리건주 포틀랜드로 이주했다.[3]

1914년 3월, 아버지 야코프는 대장암으로 사망하여 가족은 경제적 기반을 잃게 된다.[3] 누나 소니아는 계산대 직원으로 일했고, 마크 자신도 삼촌의 창고 중 한 곳에서 일하면서 신문을 팔았다.[3] 링컨 고등학교에 진학해서는 문학, 철학, 사회학 등에 관심을 보이는 한편, 그리스 신화에도 친숙해졌다. 1921년 6월 포틀랜드의 린컨 고등학교에서 우수한 성적으로 졸업했다.[5] 마크는 네 번째 언어인 영어를 배우는 동시에 유대인 커뮤니티 센터에서 적극적인 활동 회원이 되어 정치적 논쟁을 즐겼다. 마크는 아버지처럼 노동자의 권리와 여성의 권리 등의 문제에 열정을 쏟았다.

1921년에 장학금을 받고 예일 대학교에 진학했다.[6] 대학교에서는 심리학을 전공했고, 장차 변호사 또는 기술자를 목표로 했다. 그러나 신입생 시절이 끝날 무렵 장학금 연장이 되지 않아 웨이터와 배달부를 하면서 공부했다. 마크는 예일의 많은 학생들이 엘리트주의적이고 차별주의자라는 것을 알게 되었고, 그의 친구 아론 디렉터와 함께 학교의 구식 관습과 부르주아 취향을 풍자하는 풍자 잡지 『예일 새터데이 이브닝 페스트』(Yale Saturday Evening Post)를 발행했다. 2년이 끝난 1923년에 그는 중퇴했고, 46년 후 명예 박사 학위를 받을 때까지 돌아오지 않았다.[6]

2. 3. 예술 교육

1921년 예일 대학교에서 장학금을 받고 진학하여 심리학을 전공했으나,[112] 1923년 중퇴하였다.[7] 이후 뉴욕으로 이주하여 아트 스튜던츠 리그에서 맥스 웨버에게 미술을 배우면서,[9] 예술을 종교적이고 감정적인 표현의 도구로 보기 시작했다.[9] 파슨스 디자인 스쿨에서 아르쉴 고르키의 수업을 들었으나, 그의 지도 방식은 "감독이 과도하게 많은" 것으로 묘사했다.[8]

뉴욕에서 그는 독일 표현주의 작품들, 파울 클레의 초현실주의 예술, 조르주 루오의 그림에서 초기 영향을 받았다.[10] 1928년에는 다른 젊은 예술가들과 함께 오퍼튜니티 갤러리(Opportunity Gallery)에서 작품을 전시했다.[12]

1929년부터 1952년까지 브루클린 유대인 센터의 센터 아카데미(Center Academy)에서 어린이들에게 드로잉, 페인팅, 점토 조각을 가르쳤다.[11] 1930년대 초, 애돌프 고틀리브를 만났고, 밀턴 에이버리를 중심으로 한 젊은 예술가 그룹의 일원이 되었다.[12] 엘레인 드 쿠닝에 따르면, 에이버리가 "로스코에게 [전문 예술가의 삶]이 가능하다는 생각을 심어주었다"고 한다.[12] 에이버리의 추상적 자연 그림은 로스코에게 큰 영향을 미쳤으며, 로스코의 그림은 에이버리와 유사한 주제와 색채를 띠게 되었다.[13]

1933년 포틀랜드 미술관(Portland Art Museum)에서 첫 개인전을 열었고,[14] 자신의 작품과 함께 센터 아카데미 학생들의 작품을 전시하기도 했다.[14]

3. 작품 세계의 변화와 발전

1920년대에서 1930년대에 걸쳐 마크 로스코는 누드, 자화상, 인물이 있는 내부 정경, 도시와 자연 경관 등을 그린 수백 점의 그림을 종이와 캔버스에 남겼다.[18] 이 시기 로스코의 그림에서 발견되는 형태의 변형과 물감의 적용은 아프리카 및 오세아니아 미술, 어린이 미술 등 비서구 시각 전통의 영향을 받은 것이다.[18] 초기 전시회에는 야외 풍경을 그린 ‘무제’(풍경화)와 같은 수채 풍경화가 많았지만, 점차 도시의 기하학적 구도로 변화하였다.[18]

로스코는 흑연, 잉크, 투명/불투명 수채, 유채를 포함한 다양한 재료를 통해 드로잉과 회화 재료 및 도구에 대한 실험적인 시도를 했다.[18] 1930년대 말, ‘거리 풍경’과 ‘지하철 환타지’에서 로스코는 뉴욕 지하철을 인간 소외를 상징하는 공간으로 탐구했다.[18] 평면적이고 무표정한 인물들은 답답한 지하세계에서 건축적 배경과 뒤섞여 나타난다.[18]

1936년, 로스코는 아이들의 예술과 현대 화가들의 작품 유사성에 대한 책을 쓰기 시작했지만 미완성으로 남았다.[19] 로스코는 원시미술의 영향을 받은 현대주의자들의 작품을 "아이들의 예술이 원시주의로 변형되는 것"과 비교하며, "학문적인 개념에서 드로잉으로 시작하는 전통. 우리는 색으로 시작할 수 있다."라고 언급했다.[20]

1940년대에 이르러 마크 로스코는 '추상 표현주의 화가' 또는 '뉴욕 학파'로 불리는 화가들과 함께 활동했다.[118] 그러나 이들은 뉴욕을 기반으로 활동했지만, 추상화에 대한 접근 방식은 서로 달랐다.[118] 로스코는 추상 이미지가 "휴먼 드라마"의 근원적 속성을 반영하고, 회화가 비극, 환희, 숭고함과 같은 영원한 주제들과도 맥을 같이 할 수 있다고 믿었다.[118] 자신의 예술이 인간 조건의 비극성을 표현하기를 원했던 로스코는 "이제 누구도 형상을 훼손하지 않고는 사용할 수 없는 때가 왔다"라고 말했다.[118] 1940년 즈음, 반복되는 형태와 심하게 분절된 인간 형상을 특징으로 하는 작품을 통해 그리스, 로마 신화를 탐구했다.[118] 이 시기가 진행될수록 이미지는 더욱 상징성을 띠고, 추상화에 더욱 근접했다.[118] 이러한 그림들은 초현실주의에서 영감을 받아 제작되었다.[118]



1947년은 로스코의 회화에서 모든 구상적 이미지는 다 사라지고 "다층 형상"이라 불리는 색면의 비객관적 구도가 등장한다.[118] 이 시기 로스코의 작품 세계는 가장 급격한 변화를 보인다.[118] 캔버스화의 방향과 모양, 그 위에 창조된 형태, 색조 범위는 구도상 절제되고 극도로 복잡한 색면을 특징으로 하는 로스코 독특한 양식의 기초가 된다.[118]

1950년경 마크 로스코는 자신만의 독특한 화풍을 구축하여 ‘단순한 표현 속의 복잡한 심정’이라는 그의 이상을 실현하였다.[118] 이 시기 작품은 보통 두 개에서 네 개의 직사각형이 큰 색면 위에 수직으로 배열되어 있는 구도를 보인다.[118] 이러한 형태 안에서 로스코는 폭넓은 색채와 색조, 여러 가지 양식적 관계를 활용해 극적이고 소박하며 시적이기도 한 다양한 분위기와 효과를 자아냈다.[118]

1958년 무렵에는 화려한 색상 대신 붉은색, 갈색, 고동색, 검은색 등 어두운 색을 선택하여 사용하였고, 특히 생애 마지막 10년 동안 몰두했던 벽화 작업에서 이러한 경향이 두드러진다.[118] 1968년 대동맥류가 발병한 후, 로스코는 커다란 캔버스 대신 종이에 작품을 그리기 시작했다.[118] 1969년작 ‘무제’는 마크 로스코가 생애 마지막에 그린 고동색 혹은 검은색과 회색의 색면으로 이루어져 있다.[118] 하지만 선명한 붉은색으로 가득 찬 1970년작 ‘무제’에서 알 수 있듯이 이 시기 오로지 어두운 색채만이 그의 작품을 압도했던 것은 아니다.[118]

3. 1. 초기 작품 (1920년대-1930년대)

마크 로스코는 1920년대에서 1930년대에 걸쳐 누드, 자화상, 인물이 있는 내부 정경, 도시와 자연 경관 등을 그린 수백 점의 그림을 종이와 캔버스에 남겼다.[18] 이 시기 로스코의 그림에서 발견되는 형태의 변형과 물감의 적용은 아프리카 및 오세아니아 미술, 어린이 미술 등 비서구 시각 전통의 영향을 받은 것이다.[18] 초기 전시회에는 야외 풍경을 그린 ‘무제’(풍경화)와 같은 수채 풍경화가 많았지만, 점차 도시의 기하학적 구도로 변화하였다.[18]

로스코는 흑연, 잉크, 투명/불투명 수채, 유채를 포함한 다양한 재료를 통해 드로잉과 회화 재료 및 도구에 대한 실험적인 시도를 했다.[18] 1935년 말, 로스코는 일리아 볼로토프스키(Ilya Bolotowsky), 벤-지온(Ben-Zion), 아돌프 고틀리브(Adolph Gottlieb), 루이스 해리스(Louis Harris), 랄프 로젠보그(Ralph Rosenborg), 루이스 샹커(Louis Schanker) 및 조셉 솔먼(Joseph Solman)과 함께 "텐(The Ten)"을 결성했다.[17] 이들은 "미국 회화와 사실적 회화의 유사성에 대한 항의"를 목표로 활동했다.[17]

1936년, 로스코는 아이들의 예술과 현대 화가들의 작품 유사성에 대한 책을 쓰기 시작했지만 미완성으로 남았다.[19] 로스코는 원시미술의 영향을 받은 현대주의자들의 작품을 "아이들의 예술이 원시주의로 변형되는 것"과 비교하며, "학문적인 개념에서 드로잉으로 시작하는 전통. 우리는 색으로 시작할 수 있다."라고 언급했다.[20]

1930년대 말, ‘거리 풍경’과 ‘지하철 환타지’에서 로스코는 뉴욕 지하철을 인간 소외를 상징하는 공간으로 탐구했다.[18] 평면적이고 무표정한 인물들은 답답한 지하세계에서 건축적 배경과 뒤섞여 나타난다.[18] 1938년, 뉴욕 머큐리 갤러리에서 열린 "텐" 그룹의 전시회는 위트니 미국미술관에 대한 항의의 의미를 가졌다.[17] 이 기간 동안 로스코는 진보 사업청(Works Progress Administration)에서 일자리를 얻었다.

3. 2. 과도기 (1940년대)

1940년대에 이르러 마크 로스코는 '추상 표현주의 화가' 또는 '뉴욕 학파'로 불리는 화가들과 함께 활동했다.[118] 그러나 이들은 뉴욕을 기반으로 활동했지만, 추상화에 대한 접근 방식은 서로 달랐다.[118] 로스코는 추상 이미지가 "휴먼 드라마"의 근원적 속성을 반영하고, 회화가 비극, 환희, 숭고함과 같은 영원한 주제들과도 맥을 같이 할 수 있다고 믿었다.[118]

자신의 예술이 인간 조건의 비극성을 표현하기를 원했던 로스코는 "이제 누구도 형상을 훼손하지 않고는 사용할 수 없는 때가 왔다"라고 말했다.[118] 1940년 즈음, 반복되는 형태와 심하게 분절된 인간 형상을 특징으로 하는 작품을 통해 그리스, 로마 신화를 탐구했다.[118] 이 시기가 진행될수록 이미지는 더욱 상징성을 띠고, 추상화에 더욱 근접했다.[118] 이러한 그림들은 초현실주의에서 영감을 받아 제작되었다.[118]

1942년, 전쟁으로 인해 미국으로 이민 온 에른스트, 미로, 파알렌, 탕기, 달리의 전시회가 성공을 거두면서 초현실주의는 뉴욕을 강타했다.[19] 로스코와 그의 동료인 고틀리브 그리고 뉴먼은 몬드리안의 예술과 사상에 대해 만나서 논의했다.[19]

1942년 뉴욕시 메이시스(Macy's) 백화점에서 열린 전시회에서 새로운 그림들이 공개되었다. ''뉴욕 타임즈(The New York Times)''의 부정적인 비평에 대한 답변으로 로스코와 고틀리브는 선언문을 발표했다.[19] ''타임즈'' 비평가의 새로운 작품에 대한 자칭 "어리둥절함"에 대해 그들은 다음과 같이 말했다. "우리는 복잡한 사상의 단순한 표현을 지지한다. 우리는 단정함의 영향을 지닌 큰 형태를 지지한다. 우리는 그림 평면을 재확인하고자 한다. 우리는 환상을 파괴하고 진실을 드러내는 평평한 형태를 지지한다."[19]

로스코는 신화를 영적 공허 시대의 재충전 자원으로 보았다. 이러한 믿음은 칼 융(Carl Jung), T.S. 엘리엇(T. S. Eliot), 제임스 조이스(James Joyce), 토마스 만(Thomas Mann) 등 작가들의 글을 읽으면서 시작되었다.[29]

1943년 6월 13일, 로스코는 이혼 후 우울증을 겪었다.[35] 환경 변화를 위해 포틀랜드로 돌아간 그는 버클리에서 클리포드 스틸(Clyfford Still)을 만났고, 두 사람은 가까운 친구가 되었다. 스틸의 깊이 있는 추상화는 로스코의 후기 작품에 상당한 영향을 미쳤다.[92] 1943년 가을, 로스코는 뉴욕으로 돌아와 페기 구겐하임(Peggy Guggenheim)을 만났지만, 그녀는 처음에는 그의 작품을 받는 것을 주저했다.

1945년 후반 구겐하임의 '이 시대의 예술(Art of This Century gallery)'에서 열린 로스코의 개인전은 판매량이 저조했으며, 비평가들의 부정적인 평가를 받았다. 이 기간 동안 로스코는 스틸의 추상적인 색채 풍경화에 자극을 받았고, 그의 스타일은 초현실주의에서 벗어나기 시작했다. 일상적인 형태의 무의식적인 상징을 해석하려는 로스코의 실험은 끝났다. 그의 미래는 추상에 있었다.

1947년은 로스코의 회화에서 모든 구상적 이미지는 다 사라지고 "다층 형상"이라 불리는 색면의 비객관적 구도가 등장한다.[118] 이 시기 로스코의 작품 세계는 가장 급격한 변화를 보인다.[118] 캔버스화의 방향과 모양, 그 위에 창조된 형태, 색조 범위는 구도상 절제되고 극도로 복잡한 색면을 특징으로 하는 로스코 독특한 양식의 기초가 된다.[118]

1947년, 그는 베티 파슨스(Betty Parsons) 갤러리에서 첫 개인전을 열었다.[45] 1949년, 로스코는 앙리 마티스(Henri Matisse)의 ''빨간 작업실(Red Studio)''에 매료되었다. 그는 나중에 이 작품을 자신의 후기 추상화에 대한 또 다른 중요한 영감의 원천으로 인정했다.[61]

3. 3. 원숙기 (1950년대-1970년대)

1950년경 마크 로스코는 자신만의 독특한 화풍을 구축하여 ‘단순한 표현 속의 복잡한 심정’이라는 그의 이상을 실현하였다.[118] 이 시기 작품은 보통 두 개에서 네 개의 직사각형이 큰 색면 위에 수직으로 배열되어 있는 구도를 보인다.[118] 이러한 형태 안에서 로스코는 폭넓은 색채와 색조, 여러 가지 양식적 관계를 활용해 극적이고 소박하며 시적이기도 한 다양한 분위기와 효과를 자아냈다.[118] 그의 회화는 각 변주가 서로 대조되면서도 하나의 건축적 구조 안에 존재하는 일종의 푸가(fugue)와 같은 배열에 비유될 수 있다.

1950년대 중반부터 로스코는 어두운 파랑과 녹색을 사용하기 시작했는데, 많은 비평가들은 이것이 로스코의 개인적인 삶 속에 커지는 어둠을 나타내는 것이라고 제안했다.[52] 1958년 무렵에는 화려한 색상 대신 붉은색, 갈색, 고동색, 검은색 등 어두운 색을 선택하여 사용하였고, 특히 생애 마지막 10년 동안 몰두했던 벽화 작업에서 이러한 경향이 두드러진다.[118]

1968년 대동맥류가 발병한 후, 로스코는 커다란 캔버스 대신 종이에 작품을 그리기 시작했다.[118] 1969년작 ‘무제’는 마크 로스코가 생애 마지막에 그린 고동색 혹은 검은색과 회색의 색면으로 이루어져 있다.[118] 하지만 선명한 붉은색으로 가득 찬 1970년작 ‘무제’에서 알 수 있듯이 이 시기 오로지 어두운 색채만이 그의 작품을 압도했던 것은 아니다.[118]

로스코는 조수에게도 비밀로 유지하려고 했던 여러 가지 독창적인 기법을 사용했다. 전자 현미경 및 자외선 분석 결과, 그는 아크릴 수지, 페놀 포름알데히드, 변형된 알키드 등의 인공 재료뿐만 아니라 계란과 접착제와 같은 천연 물질을 사용했던 것으로 나타났다.[53] 이러한 기법에 대한 그의 숙련도는 로스코 채플을 위해 완성된 그림에서 분명히 드러난다.

4. 주요 프로젝트와 사건

4. 1. 시그램 빌딩 벽화 (1958)

1958년, 마크 로스코는 조셉 시그램 앤 선즈가 의뢰한 시그램 빌딩의 고급 레스토랑인 포 시즌스 벽화 작업을 맡게 되었다.[59] 이는 미술사가 사이먼 샤마가 언급했듯 "그의 기념비적인 드라마를 괴물의 배 속으로 가져오는" 것이었다.[59] 로스코는 이 작업을 통해 크고 특정한 실내 공간에 어울리는 일련의 그림을 디자인해야 하는 새로운 과제를 안게 되었다.

로스코는 어두운 빨강과 갈색 톤으로 40여 점의 그림을 완성했다. 그는 레스토랑의 수직적 특징을 보완하고자 가로 형식을 세로 형식으로 바꾸는 시도를 했다. 같은 해 6월, 로스코는 ''하퍼스 매거진(Harper's Magazine)'' 발행인 존 피셔에게 "그 방에서 식사하는 모든 자식의 식욕을 망치는 것"이 자신의 의도라고 밝혔다.[59] 그는 레스토랑 손님들이 자신의 그림을 통해 "모든 문과 창문이 벽돌로 막힌 방에 갇힌 느낌"을 받기를 바랐다.[59]

라우렌차나 도서관의 현관.


미스터리의 빌라의 프레스코화.


로스코는 미켈란젤로의 라우렌차나 도서관 현관에서 영감을 받아, "방문객에게 문과 창문이 벽으로 막혀 갇힌 느낌을 준다"는 점을 언급했다.[60] 또한 폼페이 미스터리의 빌라 벽화의 음울한 색조에도 영향을 받았다.[60]

그러나 뉴욕으로 돌아온 로스코는 완성된 포 시즌스 레스토랑의 분위기가 자신의 작품과 어울리지 않는다고 판단, 계약을 파기하고 계약금을 돌려주었다.[62] 그는 윌리엄 스콧에게 보낸 편지에서 "그림과 그 그림이 걸릴 장소가 서로 어울리지 않는다"고 밝혔다.[62]

결국 ''시그램 벽화'' 연작은 런던 테이트 브리튼, 일본 가와무라 기념 박물관, 워싱턴 D.C. 국립 미술관에 나뉘어 소장되었다.[64] 2012년, 테이트 모던에 전시 중이던 ''검정색 바탕에 갈색(Black on Maroon)''이 훼손되는 사건이 발생하여 복원에 18개월이 소요되었다.[65][66]

4. 2. 하버드 대학교 벽화 (1961)

로스코는 하버드 대학교 홀리오크 센터 펜트하우스의 한 방을 위한 벽화를 의뢰받았다.[67][68][69][70] 그는 22개의 스케치를 만들었고, 그중 10개의 대형 캔버스 그림이 그려졌으며, 6개가 매사추세츠주 케임브리지로 옮겨졌고, 5개만 설치되었다. 한 벽에는 삼폭화가, 반대편에는 개별 패널 두 개가 걸렸다. 그의 목표는 공공장소를 위한 환경을 조성하는 것이었다. 삼폭화의 종교적 상징에 대한 설명을 들은 하버드 총장 네이선 퓨지는 1963년 1월 그림을 설치하게 했고, 나중에 솔로몬 R. 구겐하임 미술관에서 전시했다. 설치 과정에서 로스코는 방의 조명 때문에 그림이 손상되었다는 것을 알게 되었다. 섬유유리 차양을 설치했음에도 불구하고, 그림들은 1979년까지 모두 제거되었고, 특히 리톨 레드와 같이 일부 빨간 안료의 퇴색성 때문에 어두운 창고에 보관되어 간헐적으로만 전시되었다.[67][68][69][70] 이 벽화들은 2014년 11월 16일부터 2015년 7월 26일까지 새롭게 개조된 하버드 미술관에서 전시되었으며, 안료의 퇴색 문제는 혁신적인 색상 투영 시스템을 사용하여 그림을 비춤으로써 보완되었다.[67][68][69][70]

4. 3. 로스코 채플 (1964-1971)

1964년, 마크 로스코는 뉴욕 69번가 동쪽 157번지에 있는 마지막 작업실로 이사했다. 이 곳에서 그는 로스코 채플을 위해 원하는 조명을 시뮬레이션하기 위해 중앙 큐폴라에서 빛을 조절하는 장치를 설치했다. 로스코는 채플을 자신의 가장 중요한 예술적 성명으로 만들고자 했으며, 건물 배치에 적극적으로 참여했다.

로스코 채플은 텍사스주 휴스턴에 있는 메닐 컬렉션과 세인트 토마스 대학교 인근에 위치한 초교파 예배당이다. 존과 도미니크 드 메닐 부부가 설립했으며, 건물은 작고 창문이 없이 천창만 있는 기하학적이고 포스트모던한 구조를 지니고 있다. 로스코는 채플을 예술의 중심지(이 경우 뉴욕)에서 멀리 떨어진 순례의 장소로 여겼다.

채플에는 어두운 색조의 대형 색면 회화 14점이 설치되어 있다. 중앙 벽에는 부드러운 갈색의 단색 삼폭화가 있고, 양쪽에는 불투명한 검은색 직사각형으로 만들어진 삼폭화 한 쌍이 있다. 삼폭화 사이에는 개별 그림 네 점이 있으며, 반대쪽 벽에는 추가적인 개별 그림 하나가 중앙 삼폭화를 마주보고 있다. 이러한 그림들은 보는 사람을 어둠의 거대하고 인상적인 환영으로 둘러싸는 효과를 준다.

로스코는 쇠약해진 건강으로 인해 여러 겹의 페인트를 바르는 작업을 위해 두 명의 조수를 고용해야 했다. 그는 그림 완성을 "고통"으로 여겼으며, 그 결과는 "보고 싶지 않은 것"을 만드는 것이었다.

채플 그림은 1971년 채플 개관식에서 공개되었으나, 로스코는 완성된 채플을 보지 못하고 1970년에 사망하여 그림을 설치하지 못했다. 1971년 2월 28일 헌정식에서 도미니크 드 메닐은 로스코가 색깔의 "뚫을 수 없는 요새"를 그린 용기를 언급했다.

휴스턴(텍사스주, 북아메리카)의 로스코 채플

5. 한국과의 관계

마크 로스코의 작품은 한국 미술계와 대중에게 큰 영향을 미쳤으며, 특히 단색화 작가들에게 영감을 주었다. 2015년에는 과천 국립현대미술관에서 대규모 회고전이 개최되어 로스코의 예술 세계를 한국 관객에게 소개하는 자리가 마련되었다.

6. 비판과 논란

6. 1. 작품의 상업화와 오해에 대한 우려

로스코는 자신의 작품이 상업적으로 이용되거나 피상적으로 이해되는 것을 경계했다.[56] 그는 사람들이 자신의 그림을 단지 유행으로만 여기고, 수집가, 비평가, 관객들이 작품의 진정한 목적을 이해하지 못할까 봐 두려워했다.[56] 로스코는 자신의 작품이 추상미술을 넘어 고전 예술을 넘어서기를 원했으며, 그림은 고유한 형태와 잠재력을 가진 대상으로서, 관객들이 그림 앞에서 종교적인 경험을 하기를 바랐다.[56]

드 메닐 부부가 로스코 채플을 건립하도록 설득한 것도 이러한 이유 때문일 수 있다. 로스코에게 색채는 "단지 도구"였으며,[57] 기본적인 인간 감정을 표현하는 더 단순하고 순수한 형태였다.[56]

1958년 11월, 로스코는 프랫 인스티튜트 강연에서 예술 작품의 '레시피'라며 죽음에 대한 집착, 관능, 긴장, 아이러니, 위트와 놀이, 덧없음과 우연, 희망 등의 요소를 언급했다.[58] 그는 그림을 그릴 때 이러한 요소들을 신중하게 측정한다고 밝혔다.[58]

6. 2. '로스코 사건'과 유산 분쟁

마크 로스코가 사망한 직후, 그의 유산 관리인들은 로스코의 작품들을 말보로 갤러리(Marlborough Gallery)에 헐값으로 매각하고 그 수익을 갤러리 관계자들과 나누었다.[80] 1971년, 당시 19세였던 로스코의 딸 케이트 로스코는 유산 관리인들인 버나드 라이스(Bernard Reis), 모턴 레빈(Morton Levine), 테오도르 스타모스(Theodore Stamos)를 상대로 소송을 제기했다.[80] 이 소송은 10년 이상 지속되었으며, '로스코 사건'으로 알려지게 되었다.[80]

1975년, 법원은 유산 관리인들의 과실과 이해 상충을 인정하고, 이들을 유산 관리자 직에서 해임하는 한편 말보로 갤러리와 함께 유산에 920만 달러의 손해 배상금을 지불하도록 판결했다.[81] 이는 로스코 작품들의 실제 가치에 비해 매우 적은 금액이었다.[81] 또한 말보로 갤러리는 판매되지 않은 658점[82]의 그림을 양측에 반환해야 했다.[80]

반환된 작품의 절반은 케이트 로스코와 동생 크리스토퍼 로스코가 관리하는 로스코 유산에 주어졌고,[80][82] 나머지 절반은 소송 과정에서 법원이 재설립한 마크 로스코 재단(Mark Rothko Foundation)에 귀속되었다.[80] 재단은 로스코 작품 소장품 전체를 미국과 유럽의 35개 박물관 및 미술 기관에 기증했다.[80] 한편 로스코 유족은 소송 이후 로스코 작품 소장품 중 일부를 박물관에 기증했으며, 2021년 기준으로 페이스 갤러리(Pace Gallery)를 통해 유족 소장품의 그림을 계속 판매하고 있다.[82]

7. 사회적 관점 및 평가

마크 로스코는 민주당을 지지하고 진보적인 사회 이슈에 참여하여 노동자의 권리, 여성 인권, 반전 운동 등을 옹호했다. 그의 작품은 개인의 내면적 성찰과 사회적 메시지를 동시에 담고 있다는 평가를 받는다.

미술사가 데이비드 앤팸(David Anfam)은 로스코의 캔버스 작품 836점을 목록화하여 ''마크 로스코: 캔버스 작품 목록(Mark Rothko: The Works on Canvas: Catalogue Raisonné)'' (1998)을 예일대학교 출판부에서 출판했다.[83] 로스코의 미발표 원고 ''화가의 현실(The Artist's Reality)'' (2004)는 그의 예술 철학에 관한 것으로, 아들 크리스토퍼가 편집하여 예일대학교 출판부에서 출판되었다.[84]

존 로건(John Logan)이 쓴 로스코의 삶을 바탕으로 한 연극 ''레드''는 2009년 런던 돈마 웨어하우스(Donmar Warehouse)에서 초연되었다.[85] 알프레드 몰리나(Alfred Molina)와 에디 레드메인(Eddie Redmayne)이 주연을 맡은 이 연극은 #시그램 벽화(Seagram Murals) 시대를 중심으로 다룬다.[85] 2010년 ''레드''는 브로드웨이에서 초연되어 토니상(Tony Award) 6개를 수상했으며, 최우수 연극상도 포함되었다.[85]

로스코의 출생지인 라트비아 다우가프필스(Daugavpils)시에는 2003년 다우가바 강가에 조각가 로무알다스 기보브스키스(Romualds Gibovskis)가 디자인한 그의 기념비가 세워졌다.[86] 2013년에는 다우가프필스에 마크 로스코 미술 센터(Mark Rothko Art Centre)가 개관했다.[87]

로스코의 작품 다수는 마드리드의 레이나 소피아 국립미술센터(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía)[88]와 티센-보르네미사 미술관(Thyssen-Bornemisza Museum)에 소장되어 있다.[89] 뉴욕주 올버니의 넬슨 A. 로커펠러 주지사 엠파이어 스테이트 플라자 미술품 소장에는 로스코의 그림 ''제목 없음(Untitled)'', (1967)과 알 헬드(Al Held)의 대형 벽화 ''로스코의 캔버스(Rothko's Canvas)'', (1969-70)가 있다.[90]

패션 디자이너 위베르 드 지방시(Hubert de Givenchy)는 1971년 로스코에서 영감을 받은 직물을 선보였다.[91] 로스코의 작품에서 영감을 받은 음악 작품들도 있는데, 여기에는 아담 쇼엔버그(Adam Schoenberg)의 ''로스코 찾기(Finding Rothko)'', (2006)[92]과 안나 클라인(Anna Clyne)의 ''컬러 필드'', (2020)가 포함된다.[93]

8. 연보


  • '''1903년''' 9월 25일 러시아 드빈스크에서 안나 골딘과 야콥 로트코비치 사이에 네 자녀 중 막내로 태어났다.[119]
  • '''1910년''' 아버지 로트코비치가 미국으로 이주하여 오리건주 포틀랜드에 정착하였다.[119]
  • '''1913년''' 마르코와 어머니, 누이가 미국으로 이주함으로써 가족들이 다시 모이게 되었다.[119]
  • '''1914년''' 아버지가 사망하였다.[119]
  • '''1921~23년''' 예일 대학교에 입학하였다.[119]
  • '''1924년''' 뉴욕 시의 아트 스튜던츠 리그(ASL)에서 조지 브리지먼의 해부학 강의를 들었다.[119]
  • '''1925년''' 아트 스튜던츠 리그에서 맥스 웨버의 회화 수업을 들었다. 웨버의 영향으로 표현주의 양식으로 그림을 그렸다.[119]
  • '''1926년''' 웨버 밑에서 계속 회화 공부를 하였다.[119]
  • '''1929년''' 브루클린의 유대인 센터 아카데미에서 아이들을 가르치기 시작하였다.[119]
  • '''1932년''' 밀턴 에이버리와 아돌프 고틀리브를 만나 친구가 되었다. 이디스 사샤와 결혼하였다.[119]
  • '''1933년''' 오리건 주의 포틀랜드 미술관에서 첫 개인전을 열었다. 센터 아카데미에서 드로잉과 수채화를 제자들의 작품과 함께 전시하였다.[119]
  • '''1935년''' 독립 미술가 협회 ‘더 텐’을 공동창립하였다. 벤 자이언, 아돌프 고틀리브, 루이스 해리스, 잭 쿠펠트, 루이스 샹거, 조지프 솔먼, 나훔 차즈바조프 그리고 일리야 볼로토프스키 등이 회원이었다. 로스코는 1940년 그룹이 해체되기까지 ‘더 텐’과만 전시회를 열었다.[119]
  • '''1936년''' 뉴욕의 공공사업촉진국(WPA) 회화부에서 일하였다.[119]
  • '''1938년''' 미국 시민권을 취득하였다.[119]
  • '''1940년''' 이때부터 마크 로스코라는 이름만 사용하였다.[119]
  • '''1941년''' 신화에서 영감을 얻은 주제로 종이나 캔버스에 그렸다.[119]
  • '''1944년''' 초현실주의 양식의 추상화를 수채, 구이슈, 템페라로 종이에 그렸다. 이디스 사샤와 이혼하였다.[119]
  • '''1945년''' 마리 앨리스(‘멜’) 비스틀과 재혼하였다.[119]
  • '''1946년''' 초현실주의 양식의 마지막 작품을 종이에 그렸다.[119]
  • '''1947년''' 멀티폼의 등장으로 점점 더 추상화 경향을 띠고, 이것은 몇 달 후 후기작을 특징짓는 사각형 색면으로 발전하게 된다. 이 시기에 종이에 그리는 일이 적어진다. 뉴욕의 베티 파슨스 화랑에서 첫 개인전을 열었다.[119]
  • '''1948년''' 뉴욕의 휘트니 미술관에서 열린 ‘현대 미국 조각, 수채, 그리고 드로잉 연례 전시’에 참가하였다. 어머니 케이트가 가을에 사망하였다.[119]
  • '''1949년''' 캘리포니아 미술학교에서 회화를 가르치고 현대미술 강의를 맡게 되었다. 베티 파슨스 화랑에서 성숙기 작품을 처음으로 발표하였다. 이후 작품 제목은 모두 번호와 제작 연도로만 이루어지게 된다.[119]
  • '''1950년''' 여객선을 타고 유럽으로 여행을 떠나 영국, 프랑스, 이탈리아를 방문하였다. 딸 케이트가 태어났다.[119]
  • '''1951년''' 브루클린 대학의 드로잉 교수가 되었다.[119]
  • '''1952년''' 뉴욕 근대미술관에서 열린 ‘15인의 미국인전’에 참가하였다.[119]
  • '''1954년''' 시카고 아트 인스티튜트에서 개인전을 열었다.[119]
  • '''1955년''' 시드니 재니스 화랑에서 개인전을 열었다.[119]
  • '''1958년''' 뉴욕의 시그램 빌딩 벽화 제작을 맡게 되었다.[119]
  • '''1961년''' 하버드 대학교로부터 홀리요크 센터의 식당 벽화 주문을 받았다.[119]
  • '''1964년''' 존과 도미니크 드 메닐에게 고용되어 휴스턴의 새 예배당을 위한 기념비적 벽화를 제작하였다.[119]
  • '''1966년''' 세 번째로 유럽을 여행하였다.[119]
  • '''1968년''' 동맥류를 앓아 3주간 병원에 입원하였다.[119]
  • '''1970년''' 2월 25일에 자살하였다.[119]
  • '''1971년''' 텍사스주 휴스턴의 로스코 예배당의 봉헌식이 거행되었다.[119]

9. 대표 작품

마크 로스코의 대표 작품으로는 1956년 작품인 《무제》, 1937년경 제작된 《무제(지하철》, 1949년 작품 《무제(하양과 빨강 위의 바이올렛, 검정, 오렌지, 노랑)》, 1943년 작품 《전조》, 1948년 작품 《무제》, 1954년 작품 《무제(빨강 위의 파랑, 노랑, 초록)》, 1953년 작품 《No. 61(녹빛과 파랑)[파랑 위에 갈색, 파랑, 갈색]》, 1957년 작품 《사프란》, 1953년 작품 《무제(노랑, 빨강, 파랑)》, 1962년 작품 《패널 1(하버드 3면 벽화)》, 1968년 작품 《무제》, 1961년 작품 《No. 207(짙은 회색 위의 빨강과 짙은 파랑)》, 1953년 작품 《No. 14/No. 10(황록색)》, 그리고 1969/1970년 작품인 《무제(회색 위에 검은색)》[120] 등이 있다.

참조

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