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킹 비도어

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목차

1. 개요

킹 비도어(King Vidor, 1894-1982)는 미국의 영화 감독으로, 무성 영화 시대부터 유성 영화 시대를 거치며 다양한 장르의 작품을 연출했다. 1900년 갤버스턴 허리케인을 경험한 것이 그의 작품 세계에 영향을 미쳤으며, 1920년대에는 '빅 퍼레이드', '군중' 등의 걸작을 통해 명성을 얻었다. 1930년대에는 '할렐루야', '챔프', '우리의 일용할 양식' 등 사회적 메시지를 담은 작품을 선보였으며, 1940년대에는 '태양의 결투'를 연출했다. 그는 또한 미국 감독 조합(DGA)의 전신인 스크린 감독 조합(SDG) 결성을 옹호하는 등 영화계 발전에 기여했다. 1950년대에는 '전쟁과 평화', '솔로몬과 시바'를 연출했으며, 1982년에는 배우로도 활동했다. 그는 아카데미 감독상 후보에 5번 지명되었으며, 1979년 아카데미 명예상과 1982년 베네치아 국제 영화제 명예 금사자상을 수상했다.

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킹 비도어 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
킹 비도어, 미국 영화 감독 (1894-1982)
1925년
본명킹 월리스 비도어
다른 이름킹 W. 비도어, 존 비도어
직업영화 감독
영화 프로듀서
영화 각본가
활동 기간1913년–1980년
배우자플로렌스 아르토 (1915년 결혼, 1924년 이혼)
엘리너 보드먼 (1926년 결혼, 1931년 이혼)
엘리자베스 힐 (1932년 결혼, 1978년 사별)
자녀2명
출생일1894년 2월 8일
출생지미국 텍사스주 갤버스턴
사망일1982년 11월 1일
사망지미국 캘리포니아주 패소로블레스
수상
아카데미상명예상 (1978년)
베네치아 국제 영화제감독상 (1935년, 《결혼의 밤》)
영예 황금사자상 (1982년)
로스앤젤레스 영화 비평가 협회상평생 공로상 (1977년)
골든 글로브상외국어 영화상 (1956년, 《전쟁과 평화》)
기타 수상할리우드 명예의 거리 (영화 산업에 대한 공헌, 영화 및 연극 업계에 대한 업적)
기타 정보
베를린 국제 영화제제12회 베를린 국제 영화제 심사위원장 (1962년)
주요 작품《빅 퍼레이드》
《군중》

2. 초기 생애 및 경력

킹 비도어는 1894년 2월 8일 텍사스주 갤버스턴의 부유한 가정에서 태어났다. 부친은 목재 사업가였고, 모친은 스코틀랜드-영국계 혈통이었다.[16] 그의 조부인 카로이 찰스 비도어는 1848년 헝가리 혁명의 난민이었다.[15]

6살 때 1900년 갤버스턴 허리케인을 목격했으며,[19][20] 이 경험은 훗날 오즈의 마법사의 사이클론 시퀀스 및 뮤지컬 넘버 "Over the Rainbow" 연출에 영향을 미쳤다.[22] 미국 감독 조합(DGA)과의 인터뷰에서 비도어는 "마을의 모든 목조 구조물이 평평하게 휩쓸려 나갔고... [거리는] 죽은 사람들로 가득 찼으며, 나는 첫 번째 예인선을 탔다. 보트의 뱃머리로 올라가 보니 만이 시체, 말, 동물, 사람, 모든 것으로 가득 차 있었다."라고 회상했다.[21]

1920년 2월 21일자 ''Exhibitors Herald''에 실린 비도어


어린 시절 박스 브라우니 카메라로 친척들의 사진을 찍고 현상하는 일을 했다.[25] 16세에 메릴랜드에 있는 사립 고등학교를 중퇴하고 갤버스턴으로 돌아와 니켈로디언 매표원 및 영사기사로 일했다. 18세에 아마추어 뉴스 영화 제작자로 활동하며 영화 제작 기술을 습득했다.[26] 지역 허리케인, 휴스턴 육군 퍼레이드(제목:''The Grand Military Parade'')[26], 자동차 경주 등을 촬영하여 뉴스 영화 회사에 판매했다.

15세 때 본 『달세계 여행』에 매료되어 영화의 매력에 빠져 단편 영화를 찍기 시작했고, 21세에 Florence Vidor영어와 함께 할리우드로 향했다.

비도어는 보드빌 배우이자 영화 사업가인 에드워드 세지윅과 파트너십을 맺고 1914년 저예산 1~2릴 영화를 제작하기 위해 Hotex Motion Picture Company를 설립했다("HO"는 휴스턴, "TEX"는 텍사스를 의미).[27]

텍사스 출신 배우 코린 그리피스의 주선과 찰스 로셔의 촬영으로 이루어진 스크린 테스트를 바탕으로, 플로렌스 비도어는 비타그래프 스튜디오와 계약을 맺고 성공적인 영화 경력을 시작했다. 킹 비도어는 비타그래프와 인스빌 스튜디오에서 단역을 맡았다. 유니버설 픽처스에서 하급 사무원으로 일하던 중, "찰스 K. 왈리스"라는 가명으로 자신의 시나리오를 제출하려다 해고되었지만, 곧 단편 영화 작가로 스튜디오에 재고용되었다.[29][30]

윌리스 브라운 판사는 사회 개혁가로, 1915년부터 비행 청소년의 갱생을 다룬 단편 영화 시리즈를 제작했다. 킹 비도어는 이 시리즈 중 10편의 영화에서 각본가 및 감독으로 활동했다. 비도어의 영화 감독 경력 초기 작품 중 현존하는 유일한 필름은 ''버드의 신병''이다.

1918년, 24세의 비도어는 브렌트우드 영화사(Brentwood Film Corporation) 소속 의사 및 치과의사 그룹의 후원을 받아 크리스천 사이언스 전도 소책자를 영화화한 첫 할리우드 장편 영화인 ''길의 전환''(The Turn in the Road, 1919)을 연출했다.[33]

비도어는 브렌트우드 영화사를 위해 ''더 나은 시대''(Better Times), ''또 다른 절반''(The Other Half), 그리고 ''가난한 친척''(Poor Relations)를 포함하여 세 편의 영화를 더 제작했다. 이 영화들에는 모두 당시에는 무명 코미디언이었던 자수 피츠가 출연했다. 이 영화들에는 미래의 영화 감독 데이비드 버틀러도 출연했으며, 1915년에 결혼한 비도어의 당시 부인이자 할리우드에서 떠오르는 배우였던 플로렌스 아르토 비도어가 주연을 맡았다. 비도어는 1920년에 브렌트우드 그룹과의 관계를 종료했다.[34]

킹 비도어는 뉴욕에 기반을 둔 영화 흥행사 퍼스트 내셔널(First National)과 협력하여 캘리포니아주 산타 모니카에 "비도어 빌리지"(Vidor Village)라는 작은 영화 제작 시설을 건설했다.[35][36]

비도어 빌리지에서 제작한 첫 번째 작품은 ''잭 나이프 맨''(The Jack Knife Man, 1920)이었다.[39]

킹 비도어와 콜린 무어, 캘리포니아 트럭키 근처에서 ''하늘 조종사'' 촬영


1920년, 비도어는 낭만 코미디 ''가문의 명예''(The Family Honor)를 제작했다.[40] 1921년에는 캘리포니아의 높은 시에라 네바다 산맥에서 촬영된 대규모 서부극 ''스카이 파일럿''(The Sky Pilot)을 제작했다. 존 바우어스(John Bowers)가 용감한 설교자 역을, 콜린 무어(Colleen Moore)가 그가 사랑하고 구출한 소녀 역을 맡았다.[41] 비도어와 무어는 ''스카이 파일럿'' 촬영장에서 3년간의 로맨스를 시작했고, 40년 후(1963년)에 관계를 재개하여 1982년 비도어가 사망할 때까지 가까운 관계를 유지했다.[42][43] 같은 해, 비도어는 ''사랑은 결코 죽지 않는다(Love Never Dies, 1921)''를 제작했다.[44]

1922년, 비도어는 아내 플로렌스 비도어를 위해 풍속 코미디와 세실 B. 데밀이 페이머스 플레이어스-라스키 스튜디오에서 제작한 낭만적인 멜로드라마에 부합하는 영화를 제작 및 연출했다.[45] 비도어는 ''여자를 정복하라(Conquering the Woman)''에 이어 ''여자여, 깨어나라''와 ''진정한 모험''(모두 1922)을 제작했다.[46][47]

1920년대 초, 플로렌스 비도어는 주요 영화 스타로 떠올랐고 남편과 별개로 경력을 쌓고 싶어했다. 두 사람은 1926년에 이혼했다.[48] 1922년에 비도어 빌리지는 파산했고, 스튜디오가 없는 비도어는 영화 업계의 최고 경영자들에게 자신의 서비스를 제공했다.[49]

2. 1. 갤버스턴에서의 아마추어 견습 시절 (1900-1914)

킹 비도어는 1894년 2월 8일 텍사스주 갤버스턴의 부유한 가정에서 태어났다. 그의 아버지는 목재 사업가였고, 어머니는 스코틀랜드-영국계 혈통이었다.[16] 6살 때 1900년 갤버스턴 허리케인을 목격했으며,[19][20] 이 경험은 훗날 오즈의 마법사의 사이클론 시퀀스 및 뮤지컬 넘버 "Over the Rainbow" 연출에 영향을 미쳤다.[22]

어린 시절 박스 브라우니 카메라로 친척들의 사진을 찍고 현상하는 일을 했다.[25] 16세에 메릴랜드에 있는 사립 고등학교를 중퇴하고 갤버스턴으로 돌아와 니켈로디언 매표원 및 영사기사로 일했다. 18세에 아마추어 뉴스 영화 제작자로 활동하며 영화 제작 기술을 습득했다.[26] 지역 허리케인, 휴스턴 육군 퍼레이드(제목:''The Grand Military Parade'')[26], 자동차 경주 등을 촬영하여 뉴스 영화 회사에 판매했다. 15세 때 본 『달세계 여행』에 매료되어 영화의 매력에 빠저 단편 영화를 찍기 시작했다.

2. 2. Hotex Motion Picture Company (1914)

비도어는 보드빌 배우이자 영화 사업가인 에드워드 세지윅과 파트너십을 맺고 1914년 저예산 1~2릴 영화를 제작하기 위해 Hotex Motion Picture Company를 설립했다("HO"는 휴스턴, "TEX"는 텍사스를 의미).[27] 이 회사는 설립을 알리는 전국적인 보도 자료를 무빙 픽처 월드에 게재했다.[27]

2. 3. 할리우드 견습 시절 (1915-1918)

킹 비도어는 15세 때 Georges Méliès프랑스어의 『달세계 여행』에 매료되어 영화의 매력에 빠져 단편 영화를 찍기 시작했다.[29][30] 21세에 Florence Vidor영어와 결혼한 후, 할리우드로 향했다.[29][30]

텍사스 출신 배우 코린 그리피스의 주선과 찰스 로셔의 촬영으로 이루어진 스크린 테스트를 바탕으로, 플로렌스 비도어는 비타그래프 스튜디오와 계약을 맺고 성공적인 영화 경력을 시작했다. 킹 비도어는 비타그래프와 인스빌 스튜디오에서 단역을 맡았는데, 스파이 드라마 ''음모''(1916)에서 운전사 역할을 맡은 것이 남아있다. 유니버설 픽처스에서 하급 사무원으로 일하던 중, "찰스 K. 왈리스"라는 가명으로 자신의 시나리오를 제출하려다 해고되었지만, 곧 단편 영화 작가로 스튜디오에 재고용되었다.[29][30]

2. 4. Judge Willis Brown 시리즈 (1915-1918)

윌리스 브라운 판사는 사회 개혁가로, 1915년부터 비행 청소년의 갱생을 다룬 단편 영화 시리즈를 제작했다. 이 시리즈는 브라운 판사가 직접 쓰고 제작했으며, 총 20편의 영화로 구성되었다. 킹 비도어는 이 시리즈 중 10편의 영화에서 각본가 및 감독으로 활동하며 이 프로젝트에 대해 "깊이 믿고 있었다"고 밝혔다. 비도어의 영화 감독 경력 초기 작품 중 현존하는 유일한 필름은 ''버드의 신병''이다.

2. 5. Brentwood Film Corporation 및 "Preachment" 영화 (1918-1919)

1918년, 24세의 비도어는 브렌트우드 영화사(Brentwood Film Corporation) 소속 의사 및 치과의사 그룹의 후원을 받아 크리스천 사이언스 전도 소책자를 영화화한 첫 할리우드 장편 영화인 ''길의 전환''(The Turn in the Road, 1919)을 연출했다.[33] 비도어는 당시 할리우드 영화 제작에 처음으로 발을 들여 놓았을때를 회상하며 "나는 [길의 전환]의 시나리오를 써서 여기저기 보냈고... 아홉 명의 의사가 각각 1,000달러를 댔고... 성공했지. 그게 시작이었어. 나는 대학교에 갈 시간이 없었어." 라고 하였다.[33]

비도어는 브렌트우드 영화사를 위해 ''더 나은 시대''(Better Times), ''또 다른 절반''(The Other Half), 그리고 ''가난한 친척''(Poor Relations)를 포함하여 세 편의 영화를 더 제작했는데, 이 영화들에는 모두 당시에는 무명 코미디언이었던 자수 피츠가 출연했다. 비도어는 할리우드 노면전차에서 그녀를 발견했다. 이 영화들에는 미래의 영화 감독 데이비드 버틀러도 출연했으며, 1915년에 결혼한 비도어의 당시 부인이자 할리우드에서 떠오르는 배우였던 플로렌스 아르토 비도어가 주연을 맡았다. 비도어는 1920년에 브렌트우드 그룹과의 관계를 종료했다.[34]

2. 6. "Vidor Village" 및 First National Exhibitors (1920-1925)

킹 비도어는 뉴욕에 기반을 둔 영화 흥행사 퍼스트 내셔널(First National)과 협력하여 캘리포니아주 산타 모니카에 "비도어 빌리지"(Vidor Village)라는 작은 영화 제작 시설을 건설했다.[35][36] 비도어는 기독교 과학에 대한 공감에서 영감을 받아 영화 제작을 위한 도덕적 완화제를 제시하는 "신조와 서약"이라는 설립 선언문을 발표했는데, ''버라이어티(Variety)'' 잡지 1920년 1월호에 실렸다.[38]

비도어 빌리지에서 제작한 첫 번째 작품은 ''잭 나이프 맨''(The Jack Knife Man, 1920)이었다.[39] 이 영화는 가난하지만 친절한 은둔자에 의해 길러진 고아 소년에 대한 이야기로, 전직 연극 배우 프레드 터너(Fred Turner)가 은둔자 역을 맡았다. "신조와 서약"의 교훈을 담은 이 영화의 "끈질긴 사실주의"는 퍼스트 내셔널의 임원들을 기쁘게 하지 못했고, 그들은 극장을 채울 수 있는 엔터테인먼트를 요구했다.[39] 영화 평론가 존 벡스터(John Baxter)는 이 경험이 비도어의 영화 제작 태도에 근본적인 영향을 미쳤다고 언급했다.[40]

1920년, 비도어는 낭만 코미디 ''가문의 명예''(The Family Honor)를 제작했다.[40] 1921년에는 캘리포니아의 높은 시에라 네바다 산맥에서 촬영된 대규모 서부극 ''스카이 파일럿''(The Sky Pilot)을 제작했다. 존 바우어스(John Bowers)가 용감한 설교자 역을, 콜린 무어(Colleen Moore)가 그가 사랑하고 구출한 소녀 역을 맡았다.[41] 비도어와 무어는 ''스카이 파일럿'' 촬영장에서 3년간의 로맨스를 시작했고, 40년 후(1963년)에 관계를 재개하여 1982년 비도어가 사망할 때까지 가까운 관계를 유지했다.[42][43] 같은 해, 비도어는 ''사랑은 결코 죽지 않는다(Love Never Dies, 1921)''를 제작했다. 이 영화는 아래 강으로 추락하는 기관차와 화물차의 탈선 장면을 묘사하는 장대한 재난 장면을 담고 있으며, 강의 극적인 연출은 비도어 영화의 표준 모티프가 되었다.[44]

1922년, 비도어는 아내 플로렌스 비도어를 위해 풍속 코미디와 세실 B. 데밀이 페이머스 플레이어스-라스키 스튜디오에서 제작한 낭만적인 멜로드라마에 부합하는 영화를 제작 및 연출했다.[45] 비도어는 ''여자를 정복하라(Conquering the Woman)''에 이어 ''여자여, 깨어나라''와 ''진정한 모험''(모두 1922)을 제작했으며, 각각 남성이 지배하는 세상에서 성공적으로 자신을 주장하기 위해 고군분투하는 여성을 묘사했다.[46][47]

1920년대 초, 플로렌스 비도어는 주요 영화 스타로 떠올랐고 남편과 별개로 경력을 쌓고 싶어했다. 두 사람은 1926년에 이혼했다.[48] 1922년에 비도어 빌리지는 파산했고, 스튜디오가 없는 비도어는 영화 업계의 최고 경영자들에게 자신의 서비스를 제공했다.[49]

3. 메트로-골드윈-메이어(MGM) (1923-1944)

루이 B. 메이어에게 헌신적으로 봉사한 비도어는 1923년 골드윈 픽처스에 입성했고, 이 회사는 곧 메트로-골드윈-메이어와 합병되었다. 1920년대 초 새뮤얼 골드윈을 비롯한 영화 제작자들은 영화 시나리오의 기초로 "문학적" 텍스트를 선호했다. 신흥 부유층인 영화 제작자들은 종종 저속하고 돈에만 몰두하는 산업으로 여겨지는 영화 산업에 품격 또는 "톤"을 부여하고자 했다.

비도어는 이러한 "명성 있는 작품"을 각색하여 스튜디오의 신뢰할 수 있는 자산으로서의 명성을 확고히 하는 데 만족했다.[53] 이 시기의 그의 작품은 후기의 작품 수준에는 미치지 못했지만, 몇몇 영화는 눈에 띈다. 조지아 해안 지역의 자연적 특징은 도망자가 도착하여 시골 주민을 공포에 떨게 하는 곳에서 사악하고 살인적인 잠재력을 부여받는다. 조셉 허게스하이머의 이야기를 각색한 ''와일드 오렌지''(1924)는 사운드 시대에 그의 최고의 작품의 전조로서 주목할 만하다. 이처럼 이 영화는 인간 갈등의 측면을 상징하기 위해 자연을 사용하는 비도어의 특징을 보여준다.[54]

헨드릭 사르토프(촬영 감독), 킹 비도어(감독), 어빙 탈버그(제작) & 릴리언 기시(공동 출연)가 영화 ''라 보엠'' 세트장에 있다.


존 길버트는 메트로 골드윈 메이어(Metro-Goldwyn-Mayer)의 떠오르는 스타였다. 비도어는 엘리너 글린의 "열정적인 로맨스"를 바탕으로 한 ''그의 시간''(His Hour)(1924)의 연출을 맡았고, 이 영화는 길버트가 러시아 귀족 그리츠코 왕자 역을 맡아 아일린 프린글을 유혹하는 연기를 너무 열정적으로 하여 한 장면이 삭제되었다.[55]

킹 비도어(가운데)와 르네 아도레, 존 길버트. ''빅 퍼레이드'' 세트장에서


1925년 비도어는 무성 영화 시대의 가장 호평을 받은 영화 중 하나이자 엄청난 상업적 성공을 거둔 ''빅 퍼레이드''를 연출했다.[60] 존 길버트가 주연을 맡은 전쟁 로맨스 영화인 ''빅 퍼레이드''는 비도어를 향후 10년 동안 MGM의 최고 스튜디오 감독 중 한 명으로 자리매김하게 했다. 이 영화는 동시대 감독인 G. W. 파브스트의 ''서부 전선 1918''과 루이스 마일스톤의 ''서부 전선 이상 없다''(모두 1930년)에 영향을 미쳤다.[61] 프로듀서 어빙 탈버그는 비도어에게 길버트가 출연하는 두 편의 영화, 즉 1926년에 개봉한 ''라 보엠''과 ''바르델리스 더 매그니피슨트''를 더 촬영하도록 주선했다. "훌륭하고 지속적인 가치"를 지닌 영화인 ''라 보엠''에서 여주인공 릴리언 기시는 영화 제작에 상당한 영향력을 행사했다. 시대극 활극인 ''바르델리스 더 매그니피슨트''는 더글러스 페어뱅스의 영화를 모방했다. 비도어는 자신의 영화 ''쇼 피플''(1928)에서 코미디언 매리언 데이비스와 함께 이 영화를 패러디했다.[62]

1920년대 후반 유럽 영화, 특히 독일 감독들의 영화는 국제적으로 영화 제작자들에게 강력한 영향을 미쳤다. 비도어의 군중은 이러한 대중주의 영화와 공명하며, 젊은 노동자가 고립과 사기 저하로 떨어지는 과정을 "가차 없이 연구"하는데, 그는 궁극적으로 도시의 "조립 라인"에 의해 짓눌리고, 그의 아내는 그들의 관계에서 어느 정도 질서를 유지하기 위해 고군분투한다. 비도어의 작품 중 가장 이례적인 작품이었지만, 그는 개인적으로 가장 좋아하는 작품이었다. 그는 이 영화가 "내 내면에서 나왔다"고 말했다.

비교적 알려지지 않은 배우들을 기용하여, 이 영화는 흥행에 그다지 성공하지 못했지만, 평론가들로부터 널리 호평을 받았다. 1928년 비도어는 아카데미 감독상 후보에 올랐으며, 이는 그의 첫 번째 감독상 후보 지명이었다. 비도어에게 "실험적인" 영화를 허용하는 데 만족했던 M-G-M 경영진은 군중의 암울한 사회적 전망이 우려스러웠는데, 이는 영화 개봉을 1년이나 늦춘 데서 반영되었다. 군중은 이후 무성 영화 시대 말기의 "걸작" 중 하나로 인정받았다.

윌리엄 랜돌프 허스트의 오랜 연인 매리언 데이비스가 출연한 코미디 영화 더 패치(1928)를 촬영하였는데, 데이비스는 여기서 글로리아 스완슨, 릴리언 기시 등을 흉내냈다.[67] 쇼 피플(1928)은 슬랩스틱으로 영화 경력을 시작한 화려한 글로리아 스완슨에서 영감을 받았다. 데이비스의 배역인 코미디 배우 페기 페퍼는 하이스타일 스타인 패트리샤 페포어로 승격된다. 무성 영화 시대의 가장 유명한 영화 스타들이 카메오로 출연했고, 비도어 자신도 출연했다. [68] 데이비스와 함께 한 비도어의 세 번째이자 마지막 영화는 조지 S. 카우프만의 1921년 브로드웨이 코미디 ''덜시''를 각색한 ''낫 소 덤''(1930)이었다.[69]

1928년 초, 비도어는 아내 엘레노어 보드먼과 함께 스콧과 젤다 피츠제럴드 부부와 프랑스를 방문했다. 그곳에서 제임스 조이스와 어니스트 헤밍웨이를 비롯한 문학적 망명자들과 교류했다.[70] 비도어는 미국 영화 스튜디오와 극장이 사운드 기술로 전환되고 있다는 소식에 충격을 받아 무성 영화에 미칠 영향에 대해 우려하며 급히 할리우드로 돌아왔다.[70] 사운드의 등장에 적응하기 위해 비도어는 오랫동안 원했던 흑인 미국인의 시골 생활을 음악적 사운드트랙과 함께 담은 영화 제작에 착수했다. 그는 ''할렐루야''의 시나리오 집필을 완료하고, 흑인 배우들을 캐스팅했다.[71]

《할렐루야》 (1929)에서 칙 역을 맡은 니나 매키니


비도어의 첫 번째 유성 영화인 《할렐루야(1929)》는 극적인 농촌 비극과 남부의 흑인 소작농 공동체를 다큐멘터리처럼 묘사한 내용을 결합했다. 다니엘 L. 헤인스가 지크 역을, 니나 매키니가 칙 역을, 윌리엄 폰테인이 핫 샷 역을 맡아 복수 살인으로 이어지는 삼각관계를 그렸다. 준-뮤지컬 형식으로, 재즈와 가스펠을 포함하여 비도어의 혁신적인 사운드 통합은 영화적 효과를 크게 더했다.[73]

텍사스 출신 3세대인 비도어는 어린 시절 아버지의 제재소에서 일하는 흑인 노동자들을 접했고, 그곳에서 그들의 스피리추얼을 접하게 되었다. 성인이 된 그는 1920년대 남부 백인들에게 흔했던 인종적 편견에서 자유롭지 못했다. "진짜 흑인"의 성격을 안다는 그의 가부장적인 주장은 몇몇 시골 흑인 캐릭터를 "어린애처럼 단순하고, 음탕하며, 광적으로 미신적이고, 게으른" 것으로 묘사하는 데 반영되어 있다. 그럼에도 불구하고, 비도어는 자신의 캐릭터를 엉클 톰의 전형으로 축소하는 것을 피했고, 그의 처리 방식은 D. W. 그리피스의 《국가의 탄생》(1915)에 나타난 노골적인 인종차별과는 전혀 다르다.[74]

흑인 소작농들은 1934년 비도어가 칭찬했던 《우리의 일용할 양식》에 나오는 가난한 백인 농업 기업가들과 더 유사하며, 그의 주제는 인종보다는 계급을 강조한다. 이 영화는 성적 욕망과 복수의 원초적인 힘이 가족의 애정과 공동체적 연대 및 구원과 대조를 이루는 인간 비극으로 나타난다.[75]

《할렐루야》는 미국과 해외에서 압도적으로 긍정적인 반응을 얻으며 영화 예술가로서, 그리고 인간적인 사회 평론가로서의 비도어의 위상을 칭찬했다. 비도어는 1929년 아카데미 시상식에서 감독상 후보로 지명되었다.[76][77]

프로덕션 코드 통과 직전에 촬영된 비도어의 ''빌리 더 키드''(1930)는 이후 할리우드에서 전형적인 선한 사람 대 악당의 서부극을 특징짓는 고정된 도덕적 이중성에서 자유롭다. 전직 풋볼 챔피언 조니 맥 브라운이 빌리 역을, 월리스 비리가 그의 숙적인 팻 개릿 보안관 역을 맡은 이 영화에서, 주인공들은 1946년 비도어의 걸작 ''태양의 결투''(1946)를 예고하는 무자비한 폭력을 보여준다. 살인적인 행위는 잔혹하고 치명적인 사막 풍경과 공명하며, 간결함과 사실성 면에서 어니스트 헤밍웨이적이다. 스튜디오 임원들은 과도한 폭력이 관객들을 소외시킬 것을 우려했지만, 금주법 시대의 미국은 갱스터 관련 살인 사건 소식으로 가득했다.

새로운 70mm 그랑데르 시스템으로 부분 촬영된 이 영화는 제작자들이 서사시로 구상했지만, 새로운 와이드 스크린 기술을 처리할 수 있는 영화관은 거의 없었다. 이 영화는 흥행에 실패했다.

새뮤얼 골드윈을 위해 ''스트리트 씬''을 완성하기 위해 떠났다가 M-G-M으로 돌아온 비도어는 배우 월리스 비리를 주연으로 하고, 이번에는 아역 배우 재키 쿠퍼와 함께 ''챔프''(1931)를 두 번째 작품으로 제작했다. 프랜시스 매리언의 이야기를 바탕으로, 비도어는 사회적, 경제적으로 어려움을 겪는 부모가 아이를 험악한 환경에서 벗어나 더 나은 미래를 보장하기 위해 아이를 포기하는 표준적인 플롯을 각색했다. 이 영화는 찰리 채플린 감독의 ''키드''(1921)와 비도어 자신이 윌리스 브라운 판사을 위해 제작한 초기 무성 단편의 후손이다. 비도어는 임원들이 1931년에 더 실험적인 ''스트리트 씬''을 제작하도록 허락한 후 M-G-M에 더 전통적이고 "확실한" 작품을 빚지고 있었다. 챔프는 비리에게 성공적인 작품이 되었고 그를 M-G-M 영화 스타들 중 최고 반열에 올려놓았다.

월리스 비리가 주연한 감성적인 영화, ''챔프''를 마친 후, 비도어는 제작자 데이비드 O. 셀즈닉을 위해 "남태평양" 로맨스를 제작하기 위해 라디오-키스-오페움(RKO)로 임대되었으며, 이는 미국 하와이에서 촬영되었다.[82] 돌로레스 델 리오와 조엘 매크리가 주연을 맡은 ''버드 오브 파라다이스''의 열대 배경과 혼혈 로맨스 테마는 누드와 성적 에로티시즘을 포함했다.[82]

제작 과정에서 비도어는 스크립트 보조 엘리자베스 힐과 불륜을 시작했고, 이는 일련의 매우 생산적인 각본 협업과 1937년 결혼으로 이어졌다.[83][84] 비도어는 ''버드 오브 파라다이스''가 완성된 직후 배우 엘리너 보드만과 이혼했다.[83][84]

''낯선 자의 귀환''(1933)과 ''우리의 일용할 빵''(1934)은 대공황 시대의 영화로, 높은 실업률과 노동 불안에 시달리는 도시 미국에서 벗어나 잃어버린 시골의 정체성을 찾거나 농촌에서 새로운 시작을 하려는 주인공들을 보여준다. 비도어는 뉴딜 정책에 대한 열정과 프랭클린 D. 루스벨트가 1933년 취임사에서 노동력을 산업에서 농업으로 전환할 것을 촉구한 것에 대해 열의를 보였다.[85]

''낯선 자의 귀환''에서 도시 여성(미리엄 홉킨스)은 아이오와에 있는 할아버지(라이오넬 배리모어)를 방문하기 위해 대도시에서의 삶을 버린다. 할아버지는 가족 농장의 늙은 가장이다. 그녀의 방문은 할아버지 스토르가 세상을 떠날 것을 예상하여 재산을 차지하려는 기생적인 친척들의 계획을 망친다. 이 시나리오는 먼지 폭풍 속에서도 농장을 "풍요로운" 곳으로 묘사하는데, 이는 은행들이 미국 중서부에서 수만 개의 독립적인 가족 농장을 압류하고 수백만 명을 저임금 계절 농업 노동으로 내몰았던 상황과 대조된다.[86] 이 영화는 뉴욕에서 자랐지만 가족 농장을 물려받아 농업 유산을 존중하려는 손녀의 헌신을 통해 나타나는 가족의 "혈연" 관계와 농촌 세대 연속성에 대한 찬가이다.[87]

비도어는 1934년작 ''우리의 일용할 빵''에서 "토지로 돌아가자"라는 주제를 이어갔다. 이 영화는 그가 "전쟁, 밀, 철"이라고 칭한 3부작 중 두 번째 작품이다. 그의 1925년 영화 ''빅 퍼레이드''는 "전쟁"이었고, 1944년 영화 ''아메리칸 로맨스''는 "철"이었다. ''우리의 일용할 빵'' - "밀" - 은 그의 무성 영화 걸작 ''군중''(1928)의 후속작이다.[88][89]

''우리의 일용할 빵''은 비도어가 M-G-M 임원들이 제작 지원을 거부했을 때 직접 자금을 조달한 매우 개인적이고 정치적으로 논란이 많은 작품이다. M-G-M은 대기업, 특히 부패한 은행을 묘사하는 것에 불편함을 느꼈다.[90]

대공황 시대의 한 부부(도시 출신)가 황폐한 농장을 상속받아 생산적인 사업으로 만들기 위해 다양한 재능과 헌신을 가진 실업자들과 협력하여 협동조합을 설립한다. 이 영화는 미국의 민주주의 체제의 정당성과 정부가 강요하는 사회 프로그램에 대한 의문을 제기한다.[91]

이 영화는 사회 및 영화 평론가들 사이에서 엇갈린 반응을 얻었는데, 일부는 자본주의에 대한 사회주의적 비판으로, 다른 일부는 파시즘으로 기울어져 비도어 자신의 사회적 관점을 예술적으로 구성하는 데 있어 양가적인 감정을 보여주었다는 평가를 받았다.[92][93]

킹 비도어는 1930년대에 M-G-M 스튜디오와 계약을 맺고 있었지만, 1924년에 메트로-골드윈-마이어와 합병된 골드윈 스튜디오 출신의 독립 프로듀서 새뮤얼 골드윈(Samuel Goldwyn)에게 외주를 주어 네 편의 영화를 제작했다. 골드윈은 스크린 각색을 위해 구입한 권위 있는 문학 작품에 충실할 것을 주장하며, 비도어를 포함한 영화 감독들에게 영화 제작상의 제약을 가했다.

새뮤얼 골드윈과의 협력을 통해 《거리의 정경(Street Scene)》(1931), 《시나라(Cynara)》(1932), 《결혼의 밤(The Wedding Night)》(1935), 그리고 《스텔라 달라스(Stella Dallas)》(1937)를 제작했다.

무성 영화 시대 이후 그들의 첫 번째 협업은 ''거리의 정경(Street Scene)''(1931)이었다. 엘머 라이스(Elmer Rice)의 퓰리처상 수상 연극을 각색한 이 영화는 미국 대도시의 축소판과 그 사회적, 경제적 불평등을 묘사한다. 뉴욕 시의 한 블록에 있는 셋집 건물과 민족적으로 다양한 주민들로 제한된 단일 세트가 가하는 영화적 제약은 비도어에게 독특한 기술적 과제를 안겨주었다. 그와 촬영 감독 조지 반스(George Barnes)는 크레인에 장착된 이동식 카메라를 사용하여 이러한 구조적 제약에 대응하고 보완했는데, 이는 초기 사운드 기술의 최근 발전에 힘입어 가능해진 혁신이었다. 브로드웨이 프로덕션에서 대거 차출된 훌륭한 출연진은 골드윈이 기획한 대규모 홍보 캠페인과 마찬가지로 영화의 비평적 성공에 기여했다. "거리의 정경"의 엄청난 흥행 수익은 영화 스튜디오가 파산할 것을 두려워했던 초기 대공황 시대의 금융 및 경제 위기를 무색하게 만들었다.

''시나라(Cynara)''(1932)는 영국 변호사와 상점 여직원 사이의 짧지만 비극적인 로맨스 멜로 드라마로, 비도어가 골드윈과 함께 한 두 번째 사운드 협업이었다. 할리우드에서 가장 유명한 스타인 로널드 콜먼(Ronald Colman)과 케이 프랜시스(Kay Francis)가 출연한 이 이야기는 영국을 배경으로 상류층과 하류층의 성적 불륜에 관한 경고성 이야기이다. 연극과 소설에서와 같이, 기혼 변호사 워록(콜먼 분)이 들려주는 일련의 회상 장면으로 구성된 이야기는 변호사의 명예로운 구원과 그의 정부의 죽음으로 끝을 맺는다. 비도어는 그렇지 않으면 "대화 중심적"인 토키였던 이 영화에 "순수한 영화"를 주입할 수 있었다.

골드윈과의 세 번째 협업에서 비도어는 소비에트에서 훈련받은 러시아 여배우 안나 스텐(Anna Sten)에게 투자한 프로듀서의 막대한 투자를 구제하는 임무를 맡았다. 골드윈은 스텐을 마를렌 디트리히(Marlene Dietrich)나 그레타 가르보(Greta Garbo)의 지위로 끌어올리려는 노력을 끊임없이 홍보했음에도 불구하고 비도어가 ''결혼의 밤(The Wedding Night)''(1935)의 연출을 맡기 전까지 실패했다. 기혼 뉴요커(게리 쿠퍼 분)와 구세계 폴란드 출신 농부 소녀(스텐 분)의 불행한 사랑 이야기를 다룬 비도어는 쿠퍼와 스텐에게 사려 깊은 연출을 제공했으며, 촬영 감독 그레그 톨랜드(Gregg Toland)는 효과적인 조명과 촬영 기법을 고안했다.

1937년 비도어는 새뮤얼 골드윈과 함께 마지막이자 가장 수익성 있는 영화인 ''스텔라 달라스(Stella Dallas)''를 제작했다. 골드윈의 가장 성공적인 무성 영화인 1925년 ''스텔라 달라스(Stella Dallas)''의 리메이크작이며, 올리브 히긴스 프라우티(Olive Higgins Prouty)의 인기 소설을 각색한 작품이기도 하다. 바바라 스탠윅(Barbara Stanwyck)은 사운드 리메이크에서 "모성의 순교자"로 출연한다. 비도어는 헨리 킹(Henry King)의 무성 영화 연출 방식을 분석하여 일부 영화 구조와 연출 방식을 통합하거나 수정했다. 비도어의 과도한 간섭 없이 스탠윅의 연기는 뛰어났으며, 벨 베넷(Belle Bennett)의 유명한 연기를 선택적으로 검토한 덕을 봤다.

《스텔라 달라스》는 큰 성공을 거두었지만, 비도어는 촬영장에서 프로듀서의 격렬한 반응에 지쳐 골드윈과 함께 한 마지막 작품이 되었다. 비도어는 "변덕스러운" 프로듀서와 다시는 일하는 것을 단호하게 거부했다.

파라마운트 픽처스에서 킹 비도어는 《붉은 장미》(1935)와 《텍사스 레인저》(1936)를 연출했다.[102][105]

파라마운트 프로덕션 매니저인 에른스트 루비치는 비도어에게 남부의 관점을 제공하는 이야기를 바탕으로 한 영화, 미국 남북 전쟁 서사시인 《붉은 장미》의 연출을 맡도록 설득했다. 텍사스 출신인 비도어는 백인 플랜테이션 계급 사이에서 일어난 전쟁에 대한 남북 전쟁 전의 미국 남부의 반응에 대한 이중적인 시각을 제시하며 그들의 투쟁과 패배를 묘사했다. 《붉은 장미》는 서사 및 주제에서 작가 마가렛 미첼의 《바람과 함께 사라지다》(1936)를 예견했지만, 흥행에는 실패했다.[103][104]

1930년대에 서부 영화가 저예산 B급 영화로 전락한 시기에 파라마운트는 비도어에게 62만 5천 달러(주연 게리 쿠퍼가 프레드 맥머레이로 교체되면서 45만 달러로 인하)의 A급 서부 영화 제작을 투자했다.[105] 파라마운트를 위한 비도어의 두 번째이자 마지막 영화인 《텍사스 레인저》는 월터 프레스콧 웹의 《텍사스 레인저: 텍사스 레인저의 변방 방어 역사》를 느슨하게 기반으로 했으며, 텍사스 레인저 부대 창설 100주년을 기념하여 제작되었다.[108] 이 영화는 표준적인 B급 서부극의 특징을 포함하며, 비도어의 《빌리 더 키드》(1931)와 마찬가지로, 제작자 데이비드 O. 셀즈닉의 《애수》(1946)에서 문명과 자연의 야만성을 묘사하는 것을 예견한다.[109][110]

제작 책임자 윌리엄 르바론은 비도어를 파라마운트에 남겨두기 위해 텍사스 아이콘인 샘 휴스턴의 전기 영화를 제안했지만, 비도어는 이를 거절했다.[111]

1930년대에 비도어는 미국 감독 조합(DGA)의 전신인 스크린 감독 조합(SDG) 결성을 적극적으로 옹호하였다.[112] 하워드 혹스, 윌리엄 웰먼, 에른스트 루비치, 루이스 마일스톤 등 10여 명의 주요 감독들을 직접 독려하여 노조를 결성하도록 했고, 이는 1936년 1월 SDG의 설립으로 이어졌다.[112] 1938년까지 이 단체는 창립 멤버 29명에서 할리우드 감독 및 보조 감독 600명을 포괄하는 노조로 성장했다.[112] 비도어의 SDG 재임 기간 동안의 요구 사항은 온건했으며, 영화 촬영 전에 각본을 검토하고 영화의 첫 편집을 할 수 있는 기회를 늘리는 것을 목표로 했다.[112]

SDG의 초대 회장이자 반공 단체인 미국 이상 수호 영화 동맹의 창립 멤버였던 비도어는 SDG가 이미 배우와 시나리오 작가를 조직한 미국 노동 연맹(AFL)과 제휴하는 데 실패했다.[113] 1939년이 되어서야 당시 SDG 회장이었던 프랭크 카프라의 지휘 하에 감독들은 이러한 자매 조합과 합의를 맺게 된다.[113]

3. 1. 무성 영화 시대 (1923-1928)

비도어는 루이 B. 메이어에게 헌신적으로 봉사하여 1923년 골드윈 픽처스에 입성했고, 이 회사는 곧 메트로-골드윈-메이어와 합병되었다. 1920년대 초의 새뮤얼 골드윈을 비롯한 영화 제작자들은 영화 시나리오의 기초로 "문학적" 텍스트를 선호했다. 신흥 부유층인 영화 제작자들은 종종 저속하고 돈에만 몰두하는 산업으로 여겨지는 영화 산업에 품격 또는 "톤"을 부여하고자 했다.

비도어는 이러한 "명성 있는 작품"을 각색하여 스튜디오의 신뢰할 수 있는 자산으로서의 명성을 확고히 하는 데 만족했다.[53] 이 시기의 그의 작품은 후기의 작품 수준에는 미치지 못했지만, 몇몇 영화는 눈에 띈다. 조지아 해안 지역의 자연적 특징은 도망자가 도착하여 시골 주민을 공포에 떨게 하는 곳에서 사악하고 살인적인 잠재력을 부여받는다. 조셉 허게스하이머의 이야기를 각색한 ''와일드 오렌지''(1924)는 사운드 시대에 그의 최고의 작품의 전조로서 주목할 만하다. 이처럼 이 영화는 인간 갈등의 측면을 상징하기 위해 자연을 사용하는 비도어의 특징을 보여준다.[54]

3. 1. 1. 존 길버트와의 협업 (1925-1926)

존 길버트는 메트로 골드윈 메이어(Metro-Goldwyn-Mayer)의 떠오르는 스타였다. 비도어는 엘리너 글린의 "열정적인 로맨스"를 바탕으로 한 ''그의 시간''(His Hour)(1924)의 연출을 맡았고, 이 영화는 길버트가 러시아 귀족 그리츠코 왕자 역을 맡아 아일린 프린글을 유혹하는 연기를 너무 열정적으로 하여 한 장면이 삭제되었다.[55]

3. 1. 2. 무성 영화 시대의 걸작: 《빅 퍼레이드》(1925)



1925년 비도어는 무성 영화 시대의 가장 호평을 받은 영화 중 하나이자 엄청난 상업적 성공을 거둔 ''빅 퍼레이드''를 연출했다.[60] 존 길버트가 주연을 맡은 전쟁 로맨스 영화인 ''빅 퍼레이드''는 비도어를 향후 10년 동안 MGM의 최고 스튜디오 감독 중 한 명으로 자리매김하게 했다. 이 영화는 동시대 감독인 G. W. 파브스트의 ''서부 전선 1918''과 루이스 마일스톤의 ''서부 전선 이상 없다''(모두 1930년)에 영향을 미쳤다.[61] 프로듀서 어빙 탈버그는 비도어에게 길버트가 출연하는 두 편의 영화, 즉 1926년에 개봉한 ''라 보엠''과 ''바르델리스 더 매그니피슨트''를 더 촬영하도록 주선했다. "훌륭하고 지속적인 가치"를 지닌 영화인 ''라 보엠''에서 여주인공 릴리언 기시는 영화 제작에 상당한 영향력을 행사했다. 시대극 활극인 ''바르델리스 더 매그니피슨트''는 더글러스 페어뱅스의 영화를 모방했다. 비도어는 자신의 영화 ''쇼 피플''(1928)에서 코미디언 매리언 데이비스와 함께 이 영화를 패러디했다.[62]

3. 1. 3. 《군중》(1928)과 영화적 포퓰리즘

1920년대 후반 유럽 영화, 특히 독일 감독들의 영화는 국제적으로 영화 제작자들에게 강력한 영향을 미쳤다. 비도어의 군중은 이러한 대중주의 영화와 공명하며, 젊은 노동자가 고립과 사기 저하로 떨어지는 과정을 "가차 없이 연구"하는데, 그는 궁극적으로 도시의 "조립 라인"에 의해 짓눌리고, 그의 아내는 그들의 관계에서 어느 정도 질서를 유지하기 위해 고군분투한다. 비도어의 작품 중 가장 이례적인 작품이었지만, 그는 개인적으로 가장 좋아하는 작품이었다. 그는 이 영화가 "내 내면에서 나왔다"고 말했다.

비교적 알려지지 않은 배우들을 기용하여, 이 영화는 흥행에 그다지 성공하지 못했지만, 평론가들로부터 널리 호평을 받았다. 1928년 비도어는 아카데미 감독상 후보에 올랐으며, 이는 그의 첫 번째 감독상 후보 지명이었다. 비도어에게 "실험적인" 영화를 허용하는 데 만족했던 M-G-M 경영진은 군중의 암울한 사회적 전망이 우려스러웠는데, 이는 영화 개봉을 1년이나 늦춘 데서 반영되었다. 군중은 이후 무성 영화 시대 말기의 "걸작" 중 하나로 인정받았다.

3. 1. 4. 매리언 데이비스 코미디 (1928-1930)

윌리엄 랜돌프 허스트의 오랜 연인 매리언 데이비스가 출연한 코미디 영화 더 패치(1928)를 촬영하였는데, 데이비스는 여기서 글로리아 스완슨, 릴리언 기시 등을 흉내냈다.[67] 쇼 피플(1928)은 슬랩스틱으로 영화 경력을 시작한 화려한 글로리아 스완슨에서 영감을 받았다. 데이비스의 배역인 코미디 배우 페기 페퍼는 하이스타일 스타인 패트리샤 페포어로 승격된다. 무성 영화 시대의 가장 유명한 영화 스타들이 카메오로 출연했고, 비도어 자신도 출연했다. [68] 데이비스와 함께 한 비도어의 세 번째이자 마지막 영화는 조지 S. 카우프만의 1921년 브로드웨이 코미디 ''덜시''를 각색한 ''낫 소 덤''(1930)이었다.[69]

3. 2. 초기 유성 영화 시대 (1929-1937)

1928년 초, 비도어는 아내 엘레노어 보드먼과 함께 스콧과 젤다 피츠제럴드 부부와 프랑스를 방문했다. 그곳에서 제임스 조이스와 어니스트 헤밍웨이를 비롯한 문학적 망명자들과 교류했다.[70] 비도어는 미국 영화 스튜디오와 극장이 사운드 기술로 전환되고 있다는 소식에 충격을 받아 무성 영화에 미칠 영향에 대해 우려하며 급히 할리우드로 돌아왔다.[70] 사운드의 등장에 적응하기 위해 비도어는 오랫동안 원했던 흑인 미국인의 시골 생활을 음악적 사운드트랙과 함께 담은 영화 제작에 착수했다. 그는 ''할렐루야''의 시나리오 집필을 완료하고, 흑인 배우들을 캐스팅했다.[71]

3. 2. 1. 《할렐루야》(1929)



비도어의 첫 번째 유성 영화인 《할렐루야(1929)》는 극적인 농촌 비극과 남부의 흑인 소작농 공동체를 다큐멘터리처럼 묘사한 내용을 결합했다. 다니엘 L. 헤인스가 지크 역을, 니나 매키니가 칙 역을, 윌리엄 폰테인이 핫 샷 역을 맡아 복수 살인으로 이어지는 삼각관계를 그렸다. 준-뮤지컬 형식으로, 재즈와 가스펠을 포함하여 비도어의 혁신적인 사운드 통합은 영화적 효과를 크게 더했다.[73]

텍사스 출신 3세대인 비도어는 어린 시절 아버지의 제재소에서 일하는 흑인 노동자들을 접했고, 그곳에서 그들의 스피리추얼을 접하게 되었다. 성인이 된 그는 1920년대 남부 백인들에게 흔했던 인종적 편견에서 자유롭지 못했다. "진짜 흑인"의 성격을 안다는 그의 가부장적인 주장은 몇몇 시골 흑인 캐릭터를 "어린애처럼 단순하고, 음탕하며, 광적으로 미신적이고, 게으른" 것으로 묘사하는 데 반영되어 있다. 그럼에도 불구하고, 비도어는 자신의 캐릭터를 엉클 톰의 전형으로 축소하는 것을 피했고, 그의 처리 방식은 D. W. 그리피스의 《국가의 탄생》(1915)에 나타난 노골적인 인종차별과는 전혀 다르다.[74]

흑인 소작농들은 1934년 비도어가 칭찬했던 《우리의 일용할 양식》에 나오는 가난한 백인 농업 기업가들과 더 유사하며, 그의 주제는 인종보다는 계급을 강조한다. 이 영화는 성적 욕망과 복수의 원초적인 힘이 가족의 애정과 공동체적 연대 및 구원과 대조를 이루는 인간 비극으로 나타난다.[75]

《할렐루야》는 미국과 해외에서 압도적으로 긍정적인 반응을 얻으며 영화 예술가로서, 그리고 인간적인 사회 평론가로서의 비도어의 위상을 칭찬했다. 비도어는 1929년 아카데미 시상식에서 감독상 후보로 지명되었다.[76][77]

3. 2. 2. MGM 1930-1931: 《빌리 더 키드》와 《챔프》

프로덕션 코드 통과 직전에 촬영된 비도어의 ''빌리 더 키드''(1930)는 이후 할리우드에서 전형적인 선한 사람 대 악당의 서부극을 특징짓는 고정된 도덕적 이중성에서 자유롭다. 전직 풋볼 챔피언 조니 맥 브라운이 빌리 역을, 월리스 비리가 그의 숙적인 팻 개릿 보안관 역을 맡은 이 영화에서, 주인공들은 1946년 비도어의 걸작 ''태양의 결투''(1946)를 예고하는 무자비한 폭력을 보여준다. 살인적인 행위는 잔혹하고 치명적인 사막 풍경과 공명하며, 간결함과 사실성 면에서 어니스트 헤밍웨이적이다. 스튜디오 임원들은 과도한 폭력이 관객들을 소외시킬 것을 우려했지만, 금주법 시대의 미국은 갱스터 관련 살인 사건 소식으로 가득했다.

새로운 70mm 그랑데르 시스템으로 부분 촬영된 이 영화는 제작자들이 서사시로 구상했지만, 새로운 와이드 스크린 기술을 처리할 수 있는 영화관은 거의 없었다. 이 영화는 흥행에 실패했다.

새뮤얼 골드윈을 위해 ''스트리트 씬''을 완성하기 위해 떠났다가 M-G-M으로 돌아온 비도어는 배우 월리스 비리를 주연으로 하고, 이번에는 아역 배우 재키 쿠퍼와 함께 ''챔프''(1931)를 두 번째 작품으로 제작했다. 프랜시스 매리언의 이야기를 바탕으로, 비도어는 사회적, 경제적으로 어려움을 겪는 부모가 아이를 험악한 환경에서 벗어나 더 나은 미래를 보장하기 위해 아이를 포기하는 표준적인 플롯을 각색했다. 이 영화는 찰리 채플린 감독의 ''키드''(1921)와 비도어 자신이 윌리스 브라운 판사을 위해 제작한 초기 무성 단편의 후손이다. 비도어는 임원들이 1931년에 더 실험적인 ''스트리트 씬''을 제작하도록 허락한 후 M-G-M에 더 전통적이고 "확실한" 작품을 빚지고 있었다. 챔프는 비리에게 성공적인 작품이 되었고 그를 M-G-M 영화 스타들 중 최고 반열에 올려놓았다.

3. 2. 3. 《버드 오브 파라다이스》와 RKO Pictures: 하와이 체류 (1932)

월리스 비리가 주연한 감성적인 영화, ''챔프''를 마친 후, 비도어는 제작자 데이비드 O. 셀즈닉을 위해 "남태평양" 로맨스를 제작하기 위해 라디오-키스-오페움(RKO)로 임대되었으며, 이는 미국 하와이에서 촬영되었다.[82] 돌로레스 델 리오와 조엘 매크리가 주연을 맡은 ''버드 오브 파라다이스''의 열대 배경과 혼혈 로맨스 테마는 누드와 성적 에로티시즘을 포함했다.[82]

제작 과정에서 비도어는 스크립트 보조 엘리자베스 힐과 불륜을 시작했고, 이는 일련의 매우 생산적인 각본 협업과 1937년 결혼으로 이어졌다.[83][84] 비도어는 ''버드 오브 파라다이스''가 완성된 직후 배우 엘리너 보드만과 이혼했다.[83][84]

3. 2. 4. 대공황 (1933-1934)

''낯선 자의 귀환''(1933)과 ''우리의 일용할 빵''(1934)은 대공황 시대의 영화로, 높은 실업률과 노동 불안에 시달리는 도시 미국에서 벗어나 잃어버린 시골의 정체성을 찾거나 농촌에서 새로운 시작을 하려는 주인공들을 보여준다. 비도어는 뉴딜 정책에 대한 열정과 프랭클린 D. 루스벨트가 1933년 취임사에서 노동력을 산업에서 농업으로 전환할 것을 촉구한 것에 대해 열의를 보였다.[85]

''낯선 자의 귀환''에서 도시 여성(미리엄 홉킨스)은 아이오와에 있는 할아버지(라이오넬 배리모어)를 방문하기 위해 대도시에서의 삶을 버린다. 할아버지는 가족 농장의 늙은 가장이다. 그녀의 방문은 할아버지 스토르가 세상을 떠날 것을 예상하여 재산을 차지하려는 기생적인 친척들의 계획을 망친다. 이 시나리오는 먼지 폭풍 속에서도 농장을 "풍요로운" 곳으로 묘사하는데, 이는 은행들이 미국 중서부에서 수만 개의 독립적인 가족 농장을 압류하고 수백만 명을 저임금 계절 농업 노동으로 내몰았던 상황과 대조된다.[86] 이 영화는 뉴욕에서 자랐지만 가족 농장을 물려받아 농업 유산을 존중하려는 손녀의 헌신을 통해 나타나는 가족의 "혈연" 관계와 농촌 세대 연속성에 대한 찬가이다.[87]

비도어는 1934년작 ''우리의 일용할 빵''에서 "토지로 돌아가자"라는 주제를 이어갔다. 이 영화는 그가 "전쟁, 밀, 철"이라고 칭한 3부작 중 두 번째 작품이다. 그의 1925년 영화 ''빅 퍼레이드''는 "전쟁"이었고, 1944년 영화 ''아메리칸 로맨스''는 "철"이었다. ''우리의 일용할 빵'' - "밀" - 은 그의 무성 영화 걸작 ''군중''(1928)의 후속작이다.[88][89]

''우리의 일용할 빵''은 비도어가 M-G-M 임원들이 제작 지원을 거부했을 때 직접 자금을 조달한 매우 개인적이고 정치적으로 논란이 많은 작품이다. M-G-M은 대기업, 특히 부패한 은행을 묘사하는 것에 불편함을 느꼈다.[90]

대공황 시대의 한 부부(도시 출신)가 황폐한 농장을 상속받아 생산적인 사업으로 만들기 위해 다양한 재능과 헌신을 가진 실업자들과 협력하여 협동조합을 설립한다. 이 영화는 미국의 민주주의 체제의 정당성과 정부가 강요하는 사회 프로그램에 대한 의문을 제기한다.[91]

이 영화는 사회 및 영화 평론가들 사이에서 엇갈린 반응을 얻었는데, 일부는 자본주의에 대한 사회주의적 비판으로, 다른 일부는 파시즘으로 기울어져 비도어 자신의 사회적 관점을 예술적으로 구성하는 데 있어 양가적인 감정을 보여주었다는 평가를 받았다.[92][93]

3. 3. 골드윈 영화 (1931-1937)

킹 비도어는 1930년대에 M-G-M 스튜디오와 계약을 맺고 있었지만, 1924년에 메트로-골드윈-마이어와 합병된 골드윈 스튜디오 출신의 독립 프로듀서 새뮤얼 골드윈(Samuel Goldwyn)에게 외주를 주어 네 편의 영화를 제작했다. 골드윈은 스크린 각색을 위해 구입한 권위 있는 문학 작품에 충실할 것을 주장하며, 비도어를 포함한 영화 감독들에게 영화 제작상의 제약을 가했다.

새뮤얼 골드윈과의 협력을 통해 《거리의 정경(Street Scene)》(1931), 《시나라(Cynara)》(1932), 《결혼의 밤(The Wedding Night)》(1935), 그리고 《스텔라 달라스(Stella Dallas)》(1937)를 제작했다.

무성 영화 시대 이후 그들의 첫 번째 협업은 ''거리의 정경(Street Scene)''(1931)이었다. 엘머 라이스(Elmer Rice)의 퓰리처상 수상 연극을 각색한 이 영화는 미국 대도시의 축소판과 그 사회적, 경제적 불평등을 묘사한다. 뉴욕 시의 한 블록에 있는 셋집 건물과 민족적으로 다양한 주민들로 제한된 단일 세트가 가하는 영화적 제약은 비도어에게 독특한 기술적 과제를 안겨주었다. 그와 촬영 감독 조지 반스(George Barnes)는 크레인에 장착된 이동식 카메라를 사용하여 이러한 구조적 제약에 대응하고 보완했는데, 이는 초기 사운드 기술의 최근 발전에 힘입어 가능해진 혁신이었다. 브로드웨이 프로덕션에서 대거 차출된 훌륭한 출연진은 골드윈이 기획한 대규모 홍보 캠페인과 마찬가지로 영화의 비평적 성공에 기여했다. "거리의 정경"의 엄청난 흥행 수익은 영화 스튜디오가 파산할 것을 두려워했던 초기 대공황 시대의 금융 및 경제 위기를 무색하게 만들었다.

''시나라(Cynara)''(1932)는 영국 변호사와 상점 여직원 사이의 짧지만 비극적인 로맨스 멜로 드라마로, 비도어가 골드윈과 함께 한 두 번째 사운드 협업이었다. 할리우드에서 가장 유명한 스타인 로널드 콜먼(Ronald Colman)과 케이 프랜시스(Kay Francis)가 출연한 이 이야기는 영국을 배경으로 상류층과 하류층의 성적 불륜에 관한 경고성 이야기이다. 연극과 소설에서와 같이, 기혼 변호사 워록(콜먼 분)이 들려주는 일련의 회상 장면으로 구성된 이야기는 변호사의 명예로운 구원과 그의 정부의 죽음으로 끝을 맺는다. 비도어는 그렇지 않으면 "대화 중심적"인 토키였던 이 영화에 "순수한 영화"를 주입할 수 있었다.

골드윈과의 세 번째 협업에서 비도어는 소비에트에서 훈련받은 러시아 여배우 안나 스텐(Anna Sten)에게 투자한 프로듀서의 막대한 투자를 구제하는 임무를 맡았다. 골드윈은 스텐을 마를렌 디트리히(Marlene Dietrich)나 그레타 가르보(Greta Garbo)의 지위로 끌어올리려는 노력을 끊임없이 홍보했음에도 불구하고 비도어가 ''결혼의 밤(The Wedding Night)''(1935)의 연출을 맡기 전까지 실패했다. 기혼 뉴요커(게리 쿠퍼 분)와 구세계 폴란드 출신 농부 소녀(스텐 분)의 불행한 사랑 이야기를 다룬 비도어는 쿠퍼와 스텐에게 사려 깊은 연출을 제공했으며, 촬영 감독 그레그 톨랜드(Gregg Toland)는 효과적인 조명과 촬영 기법을 고안했다.

1937년 비도어는 새뮤얼 골드윈과 함께 마지막이자 가장 수익성 있는 영화인 ''스텔라 달라스(Stella Dallas)''를 제작했다. 골드윈의 가장 성공적인 무성 영화인 1925년 ''스텔라 달라스(Stella Dallas)''의 리메이크작이며, 올리브 히긴스 프라우티(Olive Higgins Prouty)의 인기 소설을 각색한 작품이기도 하다. 바바라 스탠윅(Barbara Stanwyck)은 사운드 리메이크에서 "모성의 순교자"로 출연한다. 비도어는 헨리 킹(Henry King)의 무성 영화 연출 방식을 분석하여 일부 영화 구조와 연출 방식을 통합하거나 수정했다. 비도어의 과도한 간섭 없이 스탠윅의 연기는 뛰어났으며, 벨 베넷(Belle Bennett)의 유명한 연기를 선택적으로 검토한 덕을 봤다.

《스텔라 달라스》는 큰 성공을 거두었지만, 비도어는 촬영장에서 프로듀서의 격렬한 반응에 지쳐 골드윈과 함께 한 마지막 작품이 되었다. 비도어는 "변덕스러운" 프로듀서와 다시는 일하는 것을 단호하게 거부했다.

3. 4. 파라마운트 픽처스 (1935-1936)

파라마운트 픽처스에서 킹 비도어는 《붉은 장미》(1935)와 《텍사스 레인저》(1936)를 연출했다.[102][105]

파라마운트 프로덕션 매니저인 에른스트 루비치는 비도어에게 남부의 관점을 제공하는 이야기를 바탕으로 한 영화, 미국 남북 전쟁 서사시인 《붉은 장미》의 연출을 맡도록 설득했다. 텍사스 출신인 비도어는 백인 플랜테이션 계급 사이에서 일어난 전쟁에 대한 남북 전쟁 전의 미국 남부의 반응에 대한 이중적인 시각을 제시하며 그들의 투쟁과 패배를 묘사했다. 《붉은 장미》는 서사 및 주제에서 작가 마가렛 미첼의 《바람과 함께 사라지다》(1936)를 예견했지만, 흥행에는 실패했다.[103][104]

1930년대에 서부 영화가 저예산 B급 영화로 전락한 시기에 파라마운트는 비도어에게 62만 5천 달러(주연 게리 쿠퍼가 프레드 맥머레이로 교체되면서 45만 달러로 인하)의 A급 서부 영화 제작을 투자했다.[105] 파라마운트를 위한 비도어의 두 번째이자 마지막 영화인 《텍사스 레인저》는 월터 프레스콧 웹의 《텍사스 레인저: 텍사스 레인저의 변방 방어 역사》를 느슨하게 기반으로 했으며, 텍사스 레인저 부대 창설 100주년을 기념하여 제작되었다.[108] 이 영화는 표준적인 B급 서부극의 특징을 포함하며, 비도어의 《빌리 더 키드》(1931)와 마찬가지로, 제작자 데이비드 O. 셀즈닉의 《애수》(1946)에서 문명과 자연의 야만성을 묘사하는 것을 예견한다.[109][110]

제작 책임자 윌리엄 르바론은 비도어를 파라마운트에 남겨두기 위해 텍사스 아이콘인 샘 휴스턴의 전기 영화를 제안했지만, 비도어는 이를 거절했다.[111]

3. 5. 스크린 감독 조합 (1936-1939)

1930년대에 비도어는 미국 감독 조합(DGA)의 전신인 스크린 감독 조합(SDG) 결성을 적극적으로 옹호하였다.[112] 하워드 혹스, 윌리엄 웰먼, 에른스트 루비치, 루이스 마일스톤 등 10여 명의 주요 감독들을 직접 독려하여 노조를 결성하도록 했고, 이는 1936년 1월 SDG의 설립으로 이어졌다.[112] 1938년까지 이 단체는 창립 멤버 29명에서 할리우드 감독 및 보조 감독 600명을 포괄하는 노조로 성장했다.[112] 비도어의 SDG 재임 기간 동안의 요구 사항은 온건했으며, 영화 촬영 전에 각본을 검토하고 영화의 첫 편집을 할 수 있는 기회를 늘리는 것을 목표로 했다.[112]

SDG의 초대 회장이자 반공 단체인 미국 이상 수호 영화 동맹의 창립 멤버였던 비도어는 SDG가 이미 배우와 시나리오 작가를 조직한 미국 노동 연맹(AFL)과 제휴하는 데 실패했다.[113] 1939년이 되어서야 당시 SDG 회장이었던 프랭크 카프라의 지휘 하에 감독들은 이러한 자매 조합과 합의를 맺게 된다.[113]

4. MGM 복귀 (1938-1944)

새뮤얼 골드윈(Samuel Goldwyn)과의 불화로 비도어는 M-G-M으로 돌아와 5편의 영화 계약을 맺고, 《시타델》(1938), 《노스웨스트 패시지》(1940), 《동지 X》(1940), 《H. M. 풀햄, Esq.》(1941), 《미국식 로맨스》(1944)를 제작했다.[114] 1939년에는 《오즈의 마법사》의 주요 촬영 마지막 3주를 연출했다.[114] 특히, 도로시 주디 갈랜드가 "Over the Rainbow"를 부르는 장면과 양귀비 밭에서 도로시와 그녀의 동료들이 잠에 빠지는 모습을 그린 테크니컬러 시퀀스의 일부를 촬영했다.[121]

비도어는 주디 갈랜드가 Over the Rainbow를 부르는 장면을 포함하여 오즈의 마법사(1939)의 흑백 시퀀스를 연출했다.


영화 역사학자 존 벅스터(John Baxter)는 이 시기 M-G-M의 스튜디오 시스템이 비도어와 같은 작가주의 감독에게 요구한 사항을 다음과 같이 묘사했다.[115]

  • M-G-M의 조립 라인 시스템은 비도어와 같은 최고의 감독조차도 따라잡았는데, 이들은 새로운 작품에 대한 판단을 내리거나 프로젝트를 준비하도록 요청받을 수 있었지만, 며칠 후면 다른 일로 바뀌는 것을 발견했다.[115]


계약에 따라 제작된 첫 번째 작품이자 스크린 감독 조합(SDG)에 따라 제작된 첫 번째 작품은 1938년의 《시타델》이었다. 이 영화는 A. J. 크로닌의 동명의 소설을 거의 그대로 각색한 작품으로, 의사들이 가난한 사람들을 희생시키면서 상류층을 섬기도록 유도하는 의료계의 용병적 측면을 폭로한다.[118] 아카데미 상에서 작품상, 남우주연상(로버트 도나트), 감독상, 각본상 후보에 올랐다.[120]

1939년 여름, 비도어는 새로운 테크니컬러 시스템을 사용하여 서부극 《노스웨스트 패시지》(1940)를 촬영했다.[123] 미국 식민지 시대의 서사 소설을 바탕으로 한 이 영화는 프랑스-인디언 전쟁 중 영국군 불규칙병 부대의 아베나키 (이로쿼이) 마을에 대한 응징적 원정을 묘사한다.[124] 폭력의 수위는 제2차 세계 대전 이후 시대와 매카시즘의 필름 느와르를 예고한다.[126]

《동지 X》는 소련을 배경으로 한 정치 코미디로,[130] 클라크 게이블이 미국 신문에 소련 시대의 문화적 허위성을 폭로하는 냉소적인 미국 언론인 역할을 맡았다. 1941년 6월 독일이 소련을 침공했을 때, 영화 개봉 불과 6개월 후 M-G-M 임원들은 영화가 단지 풍자극일 뿐, 소련에 대한 적대적 비판이 아니라고 관객들에게 확신시키는 면책 조항을 삽입했다.[130]

《H. M. 풀햄, Esq.》에서 비도어는 옛 연인과의 관계를 되살리려는 유혹을 받는 결혼한 남자의 이야기를 통해 자신의 젊은 시절의 실패한 로맨스에 대한 기억을 되살린다.[134]

1944년의 《미국식 로맨스》는 비도어의 "전쟁, 밀, 강철" 3부작의 "강철" 부분이며, 그의 "산업 서사시" 역할을 한다.[138] 비도어는 인간과 자연 자원 간의 관계를 의인화하여 인간이 자연에 자신의 목적을 부과하려고 고군분투하는 모습을 보여준다.[139] M-G-M의 변형에 혐오감을 느낀 비도어는 스튜디오와의 20년 관계를 종료했다.[142]

4. 1. 《시타델》(1938)

4. 2. 《노스웨스트 패시지》(1940)

4. 3. 《동지 X》(1940)

4. 4. 《H. M. 풀햄, Esq.》(1941)

4. 5. 《미국식 로맨스》(1944)

5. 음향 시대의 걸작: 《백주의 결투》(1946)

비도어는 1944년 말, 프로듀서 데이비드 O. 셀즈닉과 함께 니븐 부쉬의 소설 ''결투(Duel in the Sun)''를 각색하여 서부극으로 제작하는 데 합의했다.[147] 셀즈닉은 자신의 연인인 제니퍼 존스를 홍보하고 ''바람과 함께 사라지다''에 필적하는 영화를 만들고자 했기에, "성, 폭력, 볼거리"를 강조하는 방향으로 제작 계획을 확장했다.[147] 이러한 셀즈닉의 지나친 간섭에 비도어는 촬영장을 떠났고, 셀즈닉은 8명의 감독을 추가로 고용하여 영화를 완성했다.[148][149]

''결투''는 맥캔리스 가문의 두 세대 간의 갈등을 다룬 서부극으로, 필름 누아르적인 결말을 보여준다.[150] 늙고 다리가 불편한 맥캔리스 (라이오넬 배리모어)와 그의 병든 아내 로라 벨 캔들스 (릴리안 기시)는 광대한 소떼 목장을 다스린다. 그들의 두 아들 르트와 제스는 정반대의 성격을 지녔는데, 교육받은 제스 (조셉 코튼)는 어머니를, 르트 (그레고리 펙)는 아버지를 닮았다. 혼혈 고아 소녀 펄 차베스 (제니퍼 존스)의 등장은 맥캔리스 가문에 파멸을 가져온다.[150]

펄과 르트 사이의 "억제되지 않은 성적 매력"은 미국 의원과 영화 검열관들의 비난을 불러일으켰고, 최종 개봉 전에 일부 장면이 삭제되었다.[153] 셀즈닉은 대규모 홍보 캠페인과 함께 수백 개의 극장에서 ''결투''를 개봉했다.[154] 비평가들은 혹평했지만, 흥행 수입은 ''우리 생애 최고의 해''에 필적했다.[154]

6. 《즐거운 길로》(1948), 유니버설 스튜디오

미국식 로맨스(1944)와 Duel in the Sun(1946)의 비평적 실패 이후, 비도어는 헐리우드 영화 제작에서 손을 떼고 캘리포니아주 파소 로블스에 있는 자신의 윌로우 크릭 목장을 매입했다.[157]

''A Miracle Can Happen''(1948)은 비도어가 레슬리 펜턴과 함께 공동 연출한 옴니버스 영화이다. 베이비 붐 시대 초기의 "저예산" 유니버설 픽처스 영화로, 버제스 메러디스, 폴레트 고다드, 도로시 라무어, 제임스 스튜어트, 존 휴스턴, 조지 스티븐스 등 다양한 배우와 감독이 참여했다. 영국 배우 찰스 로튼이 출연한 에피소드는 최종 릴리스에서 제외되었는데, 이는 비도어에게 실망감을 안겨주었다.[158] 영화의 제목은 개봉 직후 ''On Our Merry Way''(즐거운 길로)로 변경되었다. 비도어는 나중에 이 영화를 자신의 작품 목록에서 제외했다.[158]

7. 워너 브라더스 (1949-1951)

비도어는 워너 브라더스 스튜디오에서 《분수》(1949), 《숲을 넘어서》(1949), 《번개는 두 번 친다》(1951) 세 편의 영화를 만들었다.[160][161] 그는 자신의 영화 《태양의 결투》(1946)에서 보여준 과도하고 비도덕적인 폭력을, 자신의 기독교 과학 윤리에 맞는 미국의 개인주의를 건설적으로 제시하는 것과 조화시키고자 했다.[160][161]

《분수》(1949)는 아인 랜드의 1938년 소설 《분수》를 각색한 것으로, 비도어는 원작자에게 직접 각본을 요청하여 책의 이야기나 대사에서 벗어나는 것을 허용하는 조항을 포함한 계약을 맺었다.[162] 랜드의 객관주의 철학은 건축가 하워드 로크(게리 쿠퍼)를 통해 드러나는데, 그는 자신의 디자인에 타협하지 않고, 훼손된 건물을 다이너마이트로 파괴하는 과감함을 보인다. 로크는 재판에서 자신의 행동을 변호하고 배심원단에 의해 무죄를 선고받는다.[163][164] 비도어는 미국 개인주의에 대한 자신의 대중주의적 개념을 발전시키려 했지만, 랜드의 객관주의적 시나리오와 각본은 영화의 많은 부분에 영향을 미쳤다. 프랭크 로이드 라이트가 로크 캐릭터의 모티브가 되었다.[163][164] 비도어는 맨해튼 고층 건물과 스카이라인의 양식화된 이미지를 통해 영화적 혁신을 보여주었으며, 미술 감독 에드워드 캐러가 만든 도시 풍경은 독일 표현주의의 영향을 받아 《분수》를 매력적인 ''필름 누아르''로 만드는데 기여했다.[165]

《숲을 넘어서》(1949)는 보바리 부인과 같은 로자 몰린(베티 데이비스)의 타락을 그린 ''누아르'' 멜로드라마로, "캠프" 클래식으로 명성을 얻었으며, 에드워드 올비의 작품에 영감을 준 "What a dump!"라는 대사가 인용되기도 한다.[168] 잭 워너가 배역에 불만을 가진 베티 데이비스는 비도어와의 갈등에도 불구하고 뛰어난 연기를 선보였으며, 이 영화는 워너 브라더스와의 마지막 작품이 되었다.[169] 비도어는 데이비스를 세련되지 않은 고르곤과 같은 로자로 묘사하여 팬들과 평론가들에게 "비도어 경력 최악의 작품"이라는 평가를 받았다.[170] 맥스 스타이너는 시카고 테마를 활용하여 영화 음악으로 아카데미상 후보에 올랐다.[171]

《번개는 두 번 친다》(1951)는 리처드 토드, 루스 로만, 메르세데스 맥캠브리지가 출연하는 ''필름 누아르''였지만, 비도어에게 적합하지 않은 캐스팅이었다. 비도어는 이 영화가 "끔찍하게 잘못되었다"고 평가했으며, 서부 배경과 성적 갈등 탐구를 제외하고는 자신의 작품을 대표하지 않는다고 생각했다.[172]

7. 1. 《분수》(1949)

7. 2. 《숲을 넘어서》(1949)

7. 3. 《번개는 두 번 친다》(1951)

8. 《일본인 전쟁 신부》(1952), 20세기 폭스

조셉 로지 감독의 ''무법자''(1950)와 마크 롭슨 감독의 ''용감한 고향''(1949)을 포함하여 당시 할리우드 영화에서 제2차 세계 대전 이후 미국에서의 백인의 인종적 편견은 여러 차례 다루어진 바 있다.[174] 공동 제작자인 앤슨 본드의 이야기는 한국 전쟁 참전 용사 짐 스털링(돈 테일러)이 일본인 간호사 태(셜리 야마구치)와 함께 캘리포니아 센트럴 밸리에 있는 부모님의 농장으로 돌아오면서 시작된다.[175] 짐의 올케가 태를 부정하게 비난하면서 갈등이 발생하고, 인근 니세이 소유의 농장과의 갈등이 촉발된다.[175] 이 영화는 비백인에 대한 인종 차별 행위를 사회적으로 구성된 편견이 아닌 개인적인 신경증으로 묘사한다.[175] 비도어는 B 무비로 자금이 지원된 이 영화에 대한 예술적 기여는 최소한이었지만, 현장과 공장의 노동자들의 경험을 세심하게 기록했다.[176] 비도어는 ''일본인 전쟁 신부''의 연출을 시작하기 전에 이미 자신의 다음 작품이자 그의 경력에서 "마지막 위대한 영화"가 될지도 모르는 ''루비 젠트리''(1952)의 자금 지원을 버나드와 합의해 놓았다.[177]

9. 《루비 젠트리》(1952), 20세기 폭스

킹 비도어는 1952년 작 《루비 젠트리(Ruby Gentry)》에서 결투의 태양(1946)의 주제와 시나리오를 다시 다루었다.[178] 가난한 젊은 여성인 제니퍼 존스(루비 코리, 이후 젠트리)는 부유한 부부에게 입양된다. 양어머니(조세핀 허친슨)가 죽자 루비는 안전을 위해 과부인 남편(칼 몰든)과 결혼하지만, 그 역시 루비에게 의혹을 남기는 상황에서 죽음을 맞이한다. 루비는 복음주의 설교자인 오빠(제임스 앤더슨)에게 괴롭힘을 당하고, 지역 토지 소유자의 아들(찰턴 헤스턴)과의 로맨스는 치명적인 총격전으로 이어진다.[178]

비도어는 저예산 영화 제작을 위해 자신의 급여를 연기했고, 그의 캘리포니아 목장에서 "노스캐롤라이나" 풍경을 촬영했다. 미국의 비평가들은 일반적으로 이 영화를 폄하했다.[179]

영화 역사가 레이몬드 더그넛은 《루비 젠트리》를 "진정으로 위대한 미국 영화... 급진적인 사회적 이해와 할리우드적인 외관, 그리고 강렬한 개인적인 예술적 진술을 결합한 ''필름 느와르''"라고 옹호했다.[180] 비도어는 《루비 젠트리》를 자신의 가장 예술적으로 만족스러운 작품 중 하나로 꼽으며 "나는 이 영화를 촬영하는 데 완전한 자유를 얻었고, 제니퍼 존스에게 영향을 줄 수 있었던 셀즈닉은 개입하지 않았다. 나는 제니퍼로부터 무언가, 매우 심오하고 미묘한 무언가를 얻는 데 성공했다고 생각한다."라고 밝혔다.[180] 루비와 그녀의 연인 보크가 서로를 사냥하는 늪 시퀀스는 "아마도 [비도어가] 촬영한 최고의 시퀀스일 것이다."[181]

《루비 젠트리》는 인간성과 자연에 내재된 격정의 극단을 묘사하는 비도어 작품의 본질적인 요소를 보여준다. 비도어는 이러한 요소에 대해 "내가 가장 좋아하는 장면이 하나 있는데... 그것은 매우 중요한 것에 부합하기 때문이다. 그 장면은 소녀 [제니퍼 존스]가 댐을 파괴하는 장면이다. 땅이 물에 잠기는 순간, 남자 [찰턴 헤스턴]는 파괴된다. 그의 모든 야망은 무너진다. 나는 거기에 훌륭한 상징이 있다고 생각한다."라고 언급했다.[182]

10. 자서전: 《나무는 나무다》(1953)

1953년, 비도어의 자서전 《나무는 나무다》가 출판되어 널리 호평을 받았다.[183] 영화 평론가 댄 캘러한은 이 책에서 "나는 우리 각자가 이 세상에서 가장 중요한 일이 인간 진보의 멈출 수 없는 움직임에, 아무리 작은 것이라도, 기여하는 것이라고 믿는다. 내가 보기에, 인류의 행진은 요람에서 무덤까지가 아니다. 오히려 동물적인 것, 육체적인 것에서 정신적인 것으로의 행진이다. 비행기, 원자 폭탄, 라디오, 레이더, 텔레비전은 모두 정신의 자유를 위해 육체적 한계를 극복하려는 열망의 증거이다. 사람은 의식하든 않든, 삶의 기간 동안 수행해야 할 분명한 상승적 사명이 있다는 것을 속 깊이 알고 있다. 그는 자신의 삶의 목적이 궁극적인 망각이라는 말로 표현될 수 없다는 것을 알고 있다."라는 내용을 인용했다.[183]

11. Light's Diamond Jubilee, 제너럴 일렉트릭 (1954)

1954년, 토머스 에디슨의 전구 발명 75주년을 기념하여 킹 비도어는 데이비드 O. 셀즈닉이 제작한 텔레비전 단편 영화를 연출했다. 이 작품은 미국의 모든 주요 TV 네트워크를 통해 방영되었다.[184] 비도어가 참여한 작품에는 작가 아서 고든의 "중위에게 키스"와 소설가 존 스타인벡의 단편 소설 "사람들의 지도자"(1937, 그의 소설 ''붉은 조랑말'')의 각색이 포함되어 있다. 벤 헥트가 두 에피소드의 대본을 썼다.[185]

12. 《별 없는 사나이》(1955)

보든 체이스가 각본을 쓴 서부극 《별 없는 사나이》(Man Without a Star)는 부유한 목장주 리드 보우만(잔 크레인)과 소규모 농민들 사이의 가혹한 투쟁을 그렸다. 방랑하는 카우보이이자 총잡이인 뎀시 레이(커크 더글러스)는 폭력의 소용돌이에 휘말리고, 결국 몇 년 전 레이의 남동생을 살해했던 고용된 총잡이 스티브 마일스(리처드 분)를 상대로 승리한다.[187][188]

커크 더글러스는 주연 배우이자 비공식 제작자로, 비도어 감독과 협력하여 영화를 제작했으나, 둘 다 결과에 완전히 만족하지는 못했다. 비도어는 개인의 자유와 유산으로서의 토지 보존의 균형이라는 주제적 개념을 충분히 발전시키지 못했다는 평가를 받았다.[189]

비도어와 더글러스는 뎀시 레이라는 훌륭한 캐릭터를 만들어냈는데, 특히 각본가 보든 체이스가 "순수한 킹 비도어"라고 칭한 살롱-밴조 시퀀스에서 중요한 힘을 발휘한다.[190]

전기 작가 존 백스터는 《별 없는 사나이》를 "중요하지 않은 작품"으로 평가하며, 비도어가 할리우드를 바라보는 철학적 전환점을 보여준다고 평가했다. 뎀시 레이는 개인적인 정체성을 유지하면서도 "따라야 할 별이 없고, 이상도 목표도 없는 남자"로, 이는 미국적인 주제에 대한 감독의 열정 감소를 반영한다. 비도어의 마지막 두 영화인 《전쟁과 평화》 (레프 톨스토이의 소설을 각색)와 《솔로몬과 시바》는, 스스로 구상한 영화 제안이 상업 영화 기업에서 환영받지 못할 것이라는 감독의 깨달음 이후에 제작되었다. 이 두 편의 역사 시대극은 할리우드 밖에서 제작되었으며, 유럽에서 촬영 및 자금 지원을 받았다.[191]

13. 《전쟁과 평화》(1956)

킹 비도어는 1955년 이탈리아의 독립 프로듀서 디노 데 로렌티스의 제안으로 레프 톨스토이의 소설 《전쟁과 평화》(1869)를 영화화했다.[192][193] 나폴레옹 시대 후반을 다룬 이 소설은 저작권이 소멸되어 여러 스튜디오에서 영화화가 검토되었으나, 파라마운트 픽쳐스와 데 로렌티스는 각색을 완료하기도 전에 제작을 서둘렀고, 촬영 내내 각본을 수정해야 했다.[194][195] 최종 편집본은 3시간 분량으로, 원작을 매우 압축한 버전이었다.[194][195]

비도어는 개인주의, 가족, 국가에 대한 충성, 농업적 평등주의 등 톨스토이의 주제에 매료되었다. 그는 소설의 핵심 인물인 피에르 베주호프 (헨리 폰다 분)가 자신의 영화에서 여러 번 다루었던 캐릭터와 같다고 언급했다.[196] 그러나 비도어는 헨리 폰다의 캐스팅에 만족하지 않고 피터 유스티노프를 지지했으나, 데 로렌티스는 낭만적인 주인공이어야 한다며 거부했다.[197] 비도어는 피에르를 통해 도덕적 진실을 찾으려는 개인의 고뇌를 표현하려 했으나, 각본의 피상성과 폰다의 연기 부족으로 좌절되었다.[198]

반면, 비도어는 오드리 헵번이 연기한 나타샤 로스토바의 생동감 넘치는 연기에는 만족했다. 그는 나타샤의 성숙 과정을 《전쟁과 평화》의 핵심 주제로 보았다.[199]

촬영 감독 잭 카디프는 피에르와 쿠라긴의 일출 결투 장면을 시각적으로 인상적인 시퀀스로 연출했다.[200] 비도어는 전투 장면을 감독했고, 마리오 솔다티는 주연 배우들과 여러 장면을 촬영했다.[200][201]

《전쟁과 평화》는 미국에서는 흥행에 실패했지만, 평론가들에게는 호평을 받았다. 소련에서는 큰 인기를 얻어, 소련 정부는 1967년 자체적으로 영화 《전쟁과 평화 (영화 시리즈)》를 제작했다.[202]

이후 비도어는 《왕중왕》(1961)을 포함한 역사 서사시 영화 제안을 받았고, 미겔 데 세르반테스의 삶에 대한 각본을 개발하기도 했다. 그는 결국 《솔로몬과 시바》를 선택했고, 이 영화는 그의 마지막 할리우드 영화가 되었다.[203]

14. 《솔로몬과 시바》(1959)

《솔로몬과 시바》는 1950년대 할리우드에서 인기를 끌었던 구약성서를 바탕으로 한 서사시 영화 중 하나이다. 이 영화는 비도어의 할리우드에서의 긴 경력 중 마지막 상업 영화로 가장 잘 기억된다.[204]

제작 6주차에 주연 배우인 45세의 타이론 파워가 검술 장면 촬영 중 심장마비로 사망하는 비극적인 사건이 발생했다.[205] 솔로몬 역은 율 브린너로 대체되었으나, 비도어는 타이론 파워의 연기가 솔로몬의 복잡한 본질을 더 잘 파악했다고 평가했다. 율 브린너와 비도어는 솔로몬의 캐릭터 해석을 두고 대립했으며, 주연 여배우 지나 롤로브리지다도 율 브린너의 접근 방식을 지지하여 감독과의 불화가 있었다.[206][207]

《솔로몬과 시바》는 솔로몬 군대가 빛나는 방패를 이용해 적을 물리치는 전투 장면 등 인상적인 액션 시퀀스를 포함하고 있다.[208] 영화 역사가 앤드류 새리스는 "비도어는 그의 등급의 어떤 감독보다 더 많은 위대한 순간과 더 적은 위대한 영화를 만든 앤솔로지를 위한 감독이었다"고 언급했다.[208]

제작 과정의 어려움과 재촬영으로 인한 비용 증가에도 불구하고, 《솔로몬과 시바》는 상업적으로 큰 성공을 거두었다.[209] 비도어가 이 영화를 마지막으로 상업 영화 제작에서 손을 뗀 것은 사실이지만, 이는 그의 나이(65세)와 더 작고 개인적인 영화를 추구하려는 열망 때문이었다.[210]

15. 할리우드 이후 프로젝트 (1959-1981)

15. 1. 《진실과 환상: 형이상학 입문》(1964)

비도어는 1960년대 중반, 개인의 인식 본성에 대한 자신의 철학을 제시하는 26분 분량의 16mm 단편 영화를 제작했다.[211] 감독의 내레이션으로 진행되며, 조나단 에드워즈와 버클리 주교의 말을 인용하며, 이미지는 그가 제시하는 추상적인 아이디어를 보완하는 역할을 한다.[211] 이 영화는 물질 세계는 인간의 마음속에만 존재하는 환상이며, 인류가 경험하는 세계를 창조한다는 주관적 관념론에 대한 담론이다.[211]

비도어는 휘트먼풍의 어조로 다음과 같이 묘사한다.

"자연은 사실 우리 자신에게 돌려야 할 것에 대한 공로를 인정받는다. 즉, 장미는 향기를, 나이팅게일은 노래를, 태양은 광채를 인정받는다. 시인들은 완전히 잘못 생각하고 있다. 그들은 자신에게 서정시를 바치고 자축의 송가로 바꿔야 한다."[212]

''진실과 환상''은 비도어의 작품 속 주제의 중요성에 대한 통찰력을 제공하며, 그의 크리스천 사이언스의 가르침과 일치한다.[213]

마이클 니어리가 이 영화의 조감독을 맡았고, 프레드 Y. 스미스가 편집을 담당했다. 이 영화는 상업적으로 개봉된 적이 없다.[214]

15. 2. 《은유: 킹 비도어, 앤드루 와이어스를 만나다》(1980)

비도어는 다큐멘터리 영화 《은유》(The Metaphor)에서 화가 앤드루 와이어스와의 인터뷰를 진행했다.[215] 와이어스는 1970년대 후반 비도어에게 연락하여 그의 작품, 특히 1925년작 전쟁 로맨스 영화 《빅 퍼레이드》에 대한 존경심을 표했다.[215]

이 다큐멘터리는 비도어, 와이어스, 그리고 그의 배우자 베치 간의 대화를 담고 있으며, 와이어스의 그림과 《빅 퍼레이드》의 짧은 클립을 교차 편집하여 몽타주를 구성했다.[216] 비도어는 이를 통해 예술적 영감의 근원을 보여주는 "내면의 은유"를 드러내고자 했다.[216]

《은유》는 비도어가 사망할 당시 미완성 작품이었으며, 1980년 미국 영화 연구소에서 초연되었다.[217] 일반 개봉은 이루어지지 않았고, 상영되는 경우도 드물다.[218]

15. 3. 미제작 영화 프로젝트

비도어는 영화 ''노스웨스트 패시지''의 속편을 제작하려 했으며, 로저스 레인저스가 노스웨스트 패시지를 찾는 내용을 담을 예정이었다. 하지만 작가 케네스 로버츠가 프로젝트에 협력하지 않았고, MGM이 첫 번째 영화를 테크니컬러로 제작하는 데 비용이 너무 많이 들었다고 생각하여 촬영이 시작되지 않았다.[219]

1950년대 후반, 비도어는 크리스찬 사이언스의 창시자 메리 베이커 에디의 전기를 연구했다.(''브라이트 라이트'')[220]

1960년, 비도어는 1919년 영화 ''길의 턴''의 유성 영화 버전(''정복'')을 제작하기 위한 노력을 재개했다. 그의 재구성된 시나리오는 영화 산업에 환멸을 느낀 할리우드 감독이 가상의 콜로라도 마을 "아르카디아"에서 아버지로부터 주유소를 상속받는 이야기를 다루고 있다. 시나리오의 대화에는 (''빅 퍼레이드'' (1925)와 ''군중'' (1928))을 포함한 비도어의 여러 무성 영화에 대한 간접적인 언급이 포함되어 있다. ''정복''은 주유소에서 휘발유를 주유하면서 "모든 사람의 문제에 대한 해답"이 되는 "여성적 원형"(융 철학의 인물)인 신비로운 젊은 여성을 소개한다. 그녀는 갑자기 사라지고, 감독은 영감을 받아 할리우드로 돌아간다. 이탈리아 감독 페데리코 펠리니의 ''8 ½'' (1963)에 감명을 받은 비도어는 ''정복''을 쓰는 동안 펠리니와 잠시 서신을 주고받았다. 비도어는 시드 그라우먼이 권리를 구입했음에도 불구하고 "유행에 뒤떨어진" 영화를 제작하려는 15년간의 노력을 곧 포기했다. 심지어 소규모 예산 요청조차도 소규모 얼라이드 아티스트에 의해 거부되었고, 그들은 이 프로젝트를 중단했다.[221]

비도어는 나다니엘 호손의 1860년 소설 ''대리석의 목신''을 "꽤 충실하게" 각색한 작품을 만들고자 했다.[220]

비도어는 1928년 무성 영화 걸작 ''군중''을 개정하여, 앤 헤드의 1967년 소설 ''미스터 앤 미세스 보 조 존스''의 1960년대 속편(그의 참여 없이 TV 특집으로 제작됨)과 1970년대 초의 또 다른 시도인 ''브라더 존''을 개발했다.[222]

비도어는 브루노 프랑크의 소설을 각색하는 시나리오 작업(''세르반테스라는 남자'')에 참여했지만, 시나리오 변경에 불만을 품고 프로젝트에서 물러났다. 이 영화는 1967년 ''세르반테스''로 촬영되어 개봉되었지만, 비도어는 제작에서 그의 이름을 삭제했다.[223]

비도어는 1922년 미스터리한 상황에서 살해된 무성 시대 배우 겸 감독 윌리엄 데스몬드 테일러의 살인 사건(''윌리엄 데스몬드 테일러'')을 조사했다. 시나리오는 나오지 않았지만, 작가 시드니 D. 키르크패트릭은 그의 소설 ''킬러의 캐스트'' (1986)에서 비도어가 살인 사건을 해결했다고 주장한다.[224]

1979년, 비도어는 비도어의 ''군중'' (1928)의 스타인 불운한 제임스 머레이의 전기(''배우'')를 위한 자금 조달을 모색했다.[225]

15. 3. 1. 학술 발표

비도어는 1950년대 후반과 1960년대에 캘리포니아 대학교 로스앤젤레스 캠퍼스와 서던캘리포니아 대학교에서 영화 제작 및 연출에 관해 강의했다.[226] 1972년에는 영화 제작 핸드북 《영화 제작에 관하여》를 출판했다.

비도어는 서던캘리포니아 대학교에서 영화 역사가인 아서 나이트의 수업에서 한 번 이상 발표를 했다.[226]

16. 배우로서의 비도어: 《사랑과 돈》(1982)

비도어는 영화 경력 동안 엑스트라나 카메오로 출연했다. 1915년부터 1916년까지 비타그래프 스튜디오와 인세빌에서 단역을 맡았으며, 1926년 《패치》, 1934년 《우리의 일용할 양식》 등 자신의 영화에 카메오로 출연하기도 했다.[227]

85세였던 1981년, 제임스 토백 감독의 《러브 앤 머니》에 출연하여 노망난 할아버지 월터 클라인 역을 연기했다.[227] 비도어가 이 역할을 수락한 이유는 현대 영화 제작 기술을 관찰하고 싶었기 때문이다.[227] 《러브 앤 머니》는 비도어의 사망 직전인 1982년에 개봉되었다.[227]

17. 개인적인 삶

킹 비도어는 공화당원이자 반공산주의 단체인 미국 이상 수호를 위한 영화 연합의 회원이었다.[228] 크리스천 사이언스 신자로, 교회 간행물에 글을 기고하기도 했다.[229][230][231] 1953년에는 자서전 ''나무는 나무다''(A Tree is a Tree)를 출판했다.

비도어는 세 번 결혼하여 세 딸을 두었다. 플로렌스 아토(1915–1924), 엘리너 보드먼(1926–1931), 엘리자베스 힐(1932–1978)과 결혼했다.

18. 죽음

킹 비도어는 1982년 11월 1일, 캘리포니아주 파소 로블스에 있는 자신의 목장에서 88세의 나이로 심장마비로 사망했다.[232] 사망하기 전 주말에는 오랜 친구이자 초기에 연인이었던 콜린 무어와 함께 샌 시메온에 있는 윌리엄 랜돌프 허스트의 성에 가서, 60년 전 허스트의 손님으로 그곳에 있었을 때 찍었던 홈 비디오를 시청했다.[232]

《스카이 파일럿》(1921) 세트장에서 킹 비도어와 콜린 무어

19. 작품 목록

킹 비도어의 작품 목록은 다음과 같다.

'''초기 단편'''


  • ''그랜드 밀리터리 퍼레이드''(The Grand Military Parade, 1913)
  • ''갈베스턴의 허리케인''(Hurricane in Galveston, 1913)
  • ''음모''(The Intrigue, 1916) (어린 배우로 출연)
  • ''잃어버린 거짓말''(The Lost Lie, 1918)
  • ''버드의 신병''(Bud's Recruit, 1918)
  • ''갱의 초콜릿''(The Chocolate of the Gang, 1918)
  • ''태드의 수영장''(Tad's Swimming Hole, 1918)
  • ''고발하는 발가락''(The Accusing Toe, 1918)
  • ''나는 남자다''(I'm a Man, 1918)


'''초기 장편'''

  • ''길의 전환''(The Turn in the Road, 1919)
  • ''더 나은 시절''(Better Times, 1919) (킹 W. 비도어 역)
  • ''다른 절반''(The Other Half, 1919) (킹 W. 비도어 역)
  • ''가난한 친척''(Poor Relations, 1919)
  • ''가문의 명예''(The Family Honor, 1920) (킹 W. 비도어 역)
  • ''잭나이프 맨''(The Jack-Knife Man, 1920)
  • ''스카이 파일럿''(The Sky Pilot, 1921)
  • ''사랑은 결코 죽지 않는다''(Love Never Dies, 1921)
  • ''진정한 모험''(The Real Adventure, 1922)
  • ''황혼에서 새벽까지''(Dusk to Dawn, 1922)
  • ''여인 정복''(Conquering the Woman, 1922)
  • ''나의 마음의 페그''(Peg o' My Heart, 1922)
  • ''청동의 여인''(The Woman of Bronze, 1923)
  • ''세 명의 현자''(Three Wise Fools, 1923)
  • ''와일드 오렌지''(Wild Oranges, 1924)
  • ''행복''(Happiness, 1924)
  • ''청춘의 와인''(Wine of Youth, 1924)
  • ''그의 시간''(His Hour, 1924)
  • ''켄타우로스의 아내''(The Wife of the Centaur, 1924)
  • ''자부심''(Proud Flesh, 1925)
  • ''빅 퍼레이드''(The Big Parade, 1925)
  • ''라 보엠''(La Bohème, 1926)
  • ''바르데리 웅장한 사람''(Bardelys the Magnificent, 1926)
  • ''군중''(The Crowd, 1928)
  • ''패치'', 다른 제목 ''정치적인 플래퍼''(The Politic Flapper, 1928)
  • ''쇼 피플''(Show People, 1928)
  • ''할렐루야''(Hallelujah, 1929)
  • ''별로 멍청하지 않다''(Not So Dumb, 1930)
  • ''빌리 더 키드'', 미국 TV 제목 ''고속도로 기사가 타다''(The Highwayman Rides, 1930)
  • ''스트리트 씬''(Street Scene, 1931)
  • ''챔프''(The Champ, 1931)
  • ''버드 오브 파라다이스''(Bird of Paradise, 1932)
  • ''시나라''(Cynara, 1932) 미국 재개봉 제목 ''나는 충실했다''(I Was Faithful)
  • ''낯선 사람의 귀환''(The Stranger's Return, 1933)
  • ''우리의 일용할 양식''(Our Daily Bread, 1934)
  • ''결혼의 밤''(The Wedding Night, 1935)
  • ''그래서 빨간 장미''(So Red the Rose, 1935)
  • ''텍사스 레인저스''(The Texas Rangers, 1936)
  • ''스텔라 댈러스''(Stella Dallas, 1937)
  • ''요새''(The Citadel, 1938)
  • ''오즈의 마법사''(The Wizard of Oz, 1939) (캔자스 장면만) ''(크레딧 없음)''
  • ''노스웨스트 통로''(Northwest Passage, 1940)
  • ''동지 X''(Comrade X, 1940)
  • ''H. M. 풀햄, 에스콰이어''(H. M. Pulham, Esq., 1941)
  • ''미국 로맨스''(An American Romance, 1944)
  • ''태양의 결투''(Duel in the Sun, 1946)
  • ''즐거운 길로'', 다른 제목 ''기적은 일어날 수 있다''(A Miracle Can Happen, 1948)
  • ''분수''(The Fountainhead, 1949)
  • ''숲 너머''(Beyond the Forest, 1949)
  • ''두 번의 번개''(Lightning Strikes Twice, 1951)
  • ''일본인 전쟁 신부''(Japanese War Bride, 1952)
  • ''루비 젠트리''(Ruby Gentry, 1952)
  • ''빛의 다이아몬드 주빌리''(Light's Diamond Jubilee, 1954) (TV)
  • ''별이 없는 남자''(Man Without a Star, 1955)
  • ''전쟁과 평화''(War and Peace, 1956)
  • ''솔로몬과 시바''(Solomon and Sheba, 1959)


'''후기 단편'''

  • ''진실과 환상''(Truth and Illusion, 1964)
  • ''은유''(The Metaphor, 1980)

20. 수상 및 후보

연도상영화결과
1927–28감독상군중프랭크 보제 – 제7의 천국
1929–30할렐루야루이스 마일스톤 – 서부 전선 이상 없다
1931–32작품상챔프어빙 탈버그 – 그랜드 호텔
감독상프랭크 보제 – 배드 걸
1938시타델프랭크 카프라 – 유 캔트 테이크 잇 위드 유
1956전쟁과 평화조지 스티븐스 – 자이언트
1979아카데미 명예상영화 제작자이자 혁신가로서 그의 비할 데 없는 업적에 대하여
1982베네치아 국제 영화제 명예 금사자상



킹 비도어는 아카데미 감독상 후보에 5회 지명되었다.

참조

[1] 논문 King Vidor Film Analysis 2020
[2] 논문 King Vidor's The Big Parade and its Influence 2025
[3] 논문 King Vidor's Career in the 1940s and 1950s 1973
[4] 논문 King Vidor's Personal Expressiveness in Film null
[5] 논문 King Vidor's Glorification of Western Civilization 2007
[6] 논문 King Vidor's Depiction of the American Landscape 1976
[7] 논문 King Vidor as a Poet of the American Landscape 1972
[8] 논문 King Vidor's Shifting Focus from Common Man to Individualist 1972
[9] 논문 King Vidor's Later Films and the Changing American Culture 2007
[10] 논문 King Vidor as an Actors' Director 2020
[11] 논문 King Vidor's Awards and Recognition 2007
[12] 웹사이트 King Vidor http://www.imdb.com/[...] null
[13] 웹사이트 12th Berlin International Film Festival: Juries http://www.berlinale[...] 2010-02-01
[14] 웹사이트 6th Moscow International Film Festival (1969) https://web.archive.[...] 2012-12-17
[15] 논문 King Vidor's Family Background 1988
[16] 논문 King Vidor's Ancestry https://medium.com/s[...] 1988
[17] 논문 1976
[18] 논문 2007
[19] 뉴스 King Vidor, 88, Director of Films for More Than 40 Years, Is Dead https://www.nytimes.[...] 1982-11-02
[20] 서적 Isaac's Storm http://www.randomhou[...] Random House Publishing
[21] 논문 2007
[22] 논문 2007
[23] 논문 King Vidor's Religious Beliefs and its Influence on his Work 1988
[24] 논문 1976
[25] 논문 1976
[26] 논문 King Vidor's Early Film "In Tow" 1988
[27] 논문 1988
[28] 논문 King Vidor's Early Life in San Francisco 1988
[29] 논문 King Vidor's Early Career and Relationship with D.W. Griffith 1988
[30] 논문 null
[31] 논문 1976
[32] 논문 2020
[33] 논문 King Vidor's Film "The Turn in the Road" and its Reception 2011
[34] 논문 King Vidor's Lost Early Films 1988
[35] 논문 1976
[36] 서적 Berlinale 2020 2020
[37] 서적 Durgnat and Simmons 1988
[38] 서적 Baxter 1976
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[40] 서적 Gustafsson 2016
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[43] 웹사이트 King Vidor's romance with Colleen Moore 2007
[44] 서적 Baxter 1976
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[58] 서적 Berlinale 2020 2020
[59] 서적 Higham 1973
[60] 서적 Thomson 2007
[61] 서적 Berlinale 2020 2020
[62] 서적 Baxter 1976
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[65] 서적 Holliman
[66] 서적 Baxter 1976
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[69] 서적 Durgnat and Simmon 1988
[70] 서적 Baxter 1976
[71] 서적 Vidor's long-cherished project about southern black life... 1988
[72] 서적 1988
[73] 서적 "...both is and isn't a musical..." 2020
[74] 서적 "real negro" 1972
[75] 서적 1988
[76] 서적 2007
[77] 서적 2020
[78] 서적 1972
[79] 서적 1988
[80] 서적 1988
[81] 서적 1988
[82] 서적 1988
[83] 서적 1988
[84] 서적 1976
[85] 서적 1988
[86] 서적 1988
[87] 서적 1988
[88] 서적 1972
[89] 서적 1976
[90] 서적 1972
[91] 서적 1988
[92] 서적 1988
[93] 서적 2010
[94] 서적 1976
[95] 서적
[96] 서적 2011
[97] 서적 2020
[98] 서적
[99] 서적 1988
[100] 서적
[101] 서적
[102] 서적 1988
[103] 서적 1976
[104] 서적 1988
[105] 서적 1988
[106] 서적
[107] 서적
[108] 서적
[109] 서적
[110] 영화제 Berlinale 2020
[111] 서적
[112] 서적
[113] 서적
[114] 서적
[115] 서적
[116] 서적
[117] 서적 TMC
[118] 서적
[119] 서적
[120] 서적 TMC
[121] 서적
[122] 서적
[123] 서적
[124] 서적
[125] 서적 TMC
[126] 서적
[127] 서적
[128] 서적
[129] 서적 TMC
[130] 서적
[131] 서적 TMC
[132] 서적
[133] 서적
[134] 서적 TMC
[135] 서적
[136] 서적
[137] 서적
[138] 서적
[139] 서적
[140] 서적
[141] 서적 The "actors ... subservient to the landscape" 1976
[142] 서적 Baxter lists the family scenes deleted that retained "would have made it less of a stylized spectacular" 1976
[143] 서적 for quote. And p. 232: "The critical reaction to the film was overwhelmingly negative" 1988
[144] 서적 American Romance is one of those broken films that gropes compellingly for ultimate answers. It remains Vidor's most concentrated attempt at dramatizing the galvanizing power that leads a man to work and get ahead. 2007
[145] 서적 On "spirit" And p. 232: "in some real way, the experience altered Vidor's spirit. His post-war films are turbulent, almost spiritually desperate." And p. 235: "severing the bond with MGM was just the needed jolt" Vidor required to inspire him to continue filmmaking. 1988
[146] 서적 1988
[147] 서적 1988
[148] 서적 Selznick "planning a modest Western which expanded as he went along, until he proclaimed his ambition to ... 'top' Gone with the Wind." And Vidor considered Garrett's script "dull" and wished to limit the film to a "small" but "intense Western situation." And Selznick's repeated "script revisions" delivered in person on the set led Vidor to withdraw amid "mutual recriminations" 1988
[149] 서적 Duel in the Sun "marks a shift...to ''film noir'' [that incorporated] neurotic violence and in vindicating a 'notorious' woman." 1988
[150] 서적 Duel in the Sun is 'the tale of a sun blistered romance involving a half-breed Indian girl and two dagger-eyed Texas brothers, one of them very good and the other very bad' (Bosley Crowther, N.Y. Times). 1982
[151] 서적 1976
[152] 서적 a brief remark on the Griffith-Gish-Barrymore incident by Durgnat. 1988
[153] 서적 Duel in the Sun elicited "complaints in Congress about the picture's unbridled sexuality." TMC
[154] 서적 Selznick, "opening the film in hundreds of theaters around the country rather than starting slowly in a few first-run houses...[Duel in the Sun] proved a box-office bonanza as audiences, prodded by a $2 million publicity campaign, raced to see the film wherever it played. Despite pretty awful reviews, the picture grossed $10 million, making it the second-highest-grossing film of the year (behind The Best Years of Our Lives). And "Lust in the Dust" quote TMC
[155] 서적 1982
[156] 서적 The film still has scenes – like the sado-masochistic conclusion where Jones and Gregory Peck kill each other in a harsh rocky landscape – that are a novel injection of disturbed psychology in the Western genre. It is the model of Hollywood going over the top – yet it would not be as vivid without Vidor. 2007
[157] 서적 Both films "production disasters." 1988
[158] 서적 Vidor "omitted the picture from his filmography" and "Little of the film bears serious consideration." See also for actors involved. 1976
[159] 서적 "A 26-episode serial of Westerns for television." And Warner's' offer to direct The Fountainhead. "Vidor was immediately keen on it." 1988
[160] 서적 The Fountainhead and Beyond the Forest with Ruby Gentry, in which Jennifer Jones played a ferocious "free woman," became a trilogy. 1972
[161] 서적 Vidor wished to reclaim the "lost faith" that "America (and Hollywood) in the transcendent energy that had brought his heroes moral success..."The Fountainhead, Beyond the Forest and...Lightning Strikes Twice can each be seen as responses to Duel in the Sun...to show some constructive resolution...[and] despite some extremely violent sequences [Vidor] maintained his lifelong sympathy for Christian Science." 1988
[162] 서적 Vidor was under contractual constraint to follow the book. 1988
[163] 서적 The Fountainhead is a "uniquely right-wing contribution" to the films of this period. TMC 1988
[164] 서적 "...the novel's rage seems directed at the New Deal..." 1988
[165] 서적 The Fountainhead's "large, artificial sets designed by Edward Carrere who was heavily influenced by German Expressionism." TMC
[166] 서적 The movie was released in June 1949, and it was another hit for Vidor, but it was not reviewed kindly. 2007
[167] 서적 The relatively happy production experience led him to sign a two picture contract with Warners. And: Beyond the Forest "came with a star set..." 1988
[168] 서적 Durgnat considers Beyond the Forest and Flaubert's Madame Bovary "approximate pairs" in theme. 1988
[169] 서적 Vidor and the actress did not get on well, but the lyrical melodrama and mix of ugliness and passion in Davis' character, a Midwest Emma Bovary, is more impressive than the film's reputation suggests. 2007
[170] 서적 "worst" of his career. 1988
[171] 서적 Beyond the Forest contrasts Loyalton with Chicago. Whenever Rosa goes to–or thinks of–Chicago, the soundtrack plays a nightmarish version of "Chicago, Chicago" (which Judy Garland made popular). 2005
[172] 서적 "fullest attempt at ''film noir'' 'turned out terribly' owing in part to casting problems..." 1988
[173] 서적 1988
[174] 서적 1988
[175] 서적 1988
[176] 서적 The film "hides any depth of commitment behind...B film setups…" And p. 284: "The visual style argues that Japanese War Bride remained an impersonal production for Vidor." And: "he establishes the documentary community...lettuce field-hands...packing plant…Cannery Row." 1988
[177] 서적 Vidor's eye was on Ruby Gentry..." Baxter, 1976 p. 78: "...the wild and remarkable Ruby Gentry, Vidor's last great film." 1988, 1976
[178] 서적 See here thumbnail sketch of the story compared to Duel in the Sun. 1988
[179] 서적 "Disliked by most 'serious' critics in the United States, Ruby Gentry won some respect from English critics" And "Hollywoodwise [Ruby Gentry] was something of an anomaly, with major stars in such a low-budget, violently personal film. 1988
[180] 서적 "...Vidor has called Ruby Gentry one of his favorite works…" And: "In its anguished lyricism, Ruby Gentry marks the end of the line for the phase that began back in Duel in the Sun. The reasons for this sudden finale...are no doubt a mix of personal and professional...[in] any case, he would never again have such control over a studio production." Baxter, 1976 p. 78: "...the wild and remarkable Ruby Gentry, Vidor's last great film." 1988, 1976
[181] 서적 1976
[182] 서적 1976
[183] 서적 "...a well-received biography…" Callahan, 2007: "In his autobiography, ''A Tree is a Tree'' (1953), he states his case in a nutshell..." See quote above. 2010, 2007
[184] 서적 TV networks included CBS, NBC, ABC and DuMont. 1988
[185] 서적 1988
[186] 서적 1988
[187] 서적 "Hollywood's collective iconography...and the barbed=wire theme…" And "barbed-wire was the symbolic center of freedom's restraints and [on the other hand] the ruthless plundering of nature." 1988
[188] 서적 1976
[189] 서적 "...Vidor strove to establish a wider theme of land as a heritage deserving conservation…" And p. 299: "...it anticipates the conservationist concerns of the next generation." And "...a reverent sense of property and ecology." 1988
[190] 서적 "One must include the saloon sequence as one of the most dazzling" of both Douglas and Vidor. And Borden Chase quote. Baxter, 1976 p. 80: "...Douglas' charmingly lecherous performance…" 1988, 1976
[191] 서적 "a minor work..." Durgnat and Simmon, 1988 p. 299: "The film indicates, without exploring, a transition between Vidor's critical [analysis] of contemporary America and his more affirmative pair of costume epics...Vidor's interests seemed to have moved on from America...American had become as constricted as the Old World had been." And p.320: "Vidor's last commercial films – ''Man Without a Star'', War and Peace and Solomon and Sheba – celebrate heroes who, though deeply tainted by their societies, achieve a private integrity." Durgnat and Simmon, 1988 p. 8 And p. "One might surmise that Vidor's recent failures...to find producers for his more personal projects engendered a certain defeatism, rendering him not unopposed to costume epics..." And p. 260: Vidor: "War and Peace...came to me through an agent, and I did not set out to do [it] as a personal project..." 1976, 1988
[192] 서적 Vidor "had made few real epics [in his career] but in the sixties [1960s] he accepted two of the then fashionable spectacles, both credible exercises in the contrast between man and nature." 1976, 1988
[193] 서적 Vidor "had made few real epics [in his career] but in the sixties [1960s] he accepted two of the then fashionable spectacles, both credible exercises in the contrast between man and nature." 1976
[194] 서적 "The epic sprawl of Tolstoy's novel...and the piecemeal script construction." Baxter, 1976 p. 80: Author Leo Tolstoy's epic "was boiled down into four hours" though often cut in distribution "to less than three, mutilating what was already a condensed and simplified version" of the novel. 1988, 1976
[195] 인터뷰 Vidor: "I would rather direct a battle scene with six thousand soldiers [than to] direct a love scene with two important stars…" Cady, TMC: "it was in the public domain. No author royalties! David O. Selznick wanted to do it, Mike Todd wanted to do it, but the ultimate winner was Italian producer Dino De Laurentis…" Thomson, 2007: "War and Peace has amazing spectacle...War and Peace in 208 minutes. 1976, 2007
[196] 서적 1988
[197] 인터뷰 "The producer, the late Dino de Laurentis, wanted Henry Fonda for box-office reasons; Vidor, on the other hand, wanted Peter Ustinov – overweight, anti-heroic, and very European. 'I think he would have given the film more stature,' said Vidor." Cady, TMC: "For the overweight, bespectacled Pierre, the center of the novel, many names were thrown about including the most likely candidate Peter Ustinov, but after many compromises, Henry Fonda was cast in the part." 2007
[198] 서적 Tolstoy's Pierre in War and Peace, to whom Vidor made central to his [1956] film." And p. 302-303: See detailed discussion on themes, and Fonda's performance. And p.306: "Vidor's [interpretive] conflicts with Fonda…" And p. 301 for quoted comment by Vidor on Fonda. Baxter, 1976 p. 80: "...Henry Fonda's languid, puzzled Pierre…" Gallagher, 2007: See Gallaghar for a presentation of these themes. "...his hero is only apparently heroic...Heroic pretensions are chimeras, born in alienation, desperation and sexual will-to-power: only by realizing our common lot within society and family can our lives hold any reason." 1988, 1976, 2007
[199] 서적 "It really founders on the crucial miscasting of the male leads, but Audrey Hepburn's perfect Natasha is diverting..."And Vidor quoted in full regarding Natasha. And: "[Hepburn's Natasha] is the locus of our empathy; through the star we experience the passions of life. We stare in wonder, at the world with the star and at the star, and a magical interplay breaks out – best achieved with Natasha." 2007
[200] 서적 "British cinematographer Jack Cardiff...is largely responsible of the film's most memorable scene, the duel in the snow between Pierre and Kuragin...more remarkable for the fact that the whole scene is shot on a soundstage..." 1976
[201] 서적 1988
[202] 웹사이트, 서적 "Critics praised the results but American audiences never warmed to it. Russian audiences, however, did and this version became a big hit in the Soviet Union, a great embarrassment to Soviet officials. This was at the height of the Cold War and surely the Americans could not be allowed to create the only movie version of the greatest Russian novel ever written..." "La classifica dei film più visti di sempre al cinema in Italia". movieplayer.it. January 25, 2016. Retrieved October 4, 2019. Durgnat and Simmon, 1988: p. 302"...the 1967 Soviet adaption...a mixture of sentimentality and superficial realism…" https://movieplayer.[...] 1988, 2016-01-25
[203] 서적 "...producers offered Vidor a variety of epic subjects...King of Kings...Cervantes [but] in 1958 took on the unpromising of ''Solomon and Sheba'' (1959)... 1976
[204] 서적, 인터뷰 Steinberg, TMC: "One of the many Hollywood biblical epics that enjoyed a vogue in the '50s, Solomon And Sheba (1959) is best remembered as the final project in the long and distinguished career of director King Vidor." 1988
[205] 인터뷰
[206] 서적, 인터뷰 "...ultimate nightmare…" And Vidor's "fondness" for the Powers film footage and Vidor's "rare public dislike for [a cast member] Brynner." And "Vidor's complaints about Brynner's refusal to display vulnerability are borne out on film." Steinberg, TMC: "The project's salvaging was not remembered fondly by either the director or his substitute lead. Vidor felt that Brynner's reading lacked the threads of self-doubt that Power brought to the role. "Tyrone Power had understood the dualistic problem of the anguished king," the director recounted in Raymond Durgnat and Scott Simmon's King Vidor, American. Brynner, he continued, 'fought the idea of a troubled monarch and wanted to dominate each situation without conflict. It was an attitude that affected...the integrity of the film.'"" Baxter, 1976 p. 85: Baxter reports the same disparity between Power's and Brynner's understanding of the Solomon character as Vidor wished it to be performed." 1988, 1976
[207] 서적, 인터뷰 Baxter, 1976 p. 85 Berlinale 2020, 2020: "It was important to Vidor that Tyrone Power could play that conflict, because it echoed [Vidor's] experience in life." 1976, 2020
[208] 서적, 인터뷰 "In the climax, Solomon's small force dooms the larger army by burnishing their shields until the sun's dazzle lures the charging cavalry into a canyon [over a cliff]. The genre's de rigueur miracle comes down to human ingenuity and effort." Callahan, 2007: "It's striking moments like this in the midst of more prosaic scenes that led Andrew Sarris to proclaim Vidor 'a director for anthologies [who] created more great moments and fewer great films than any director of his rank.'" 1988, 2007
[209] 인터뷰, 서적 "Although critics of the period were indifferent at best to Solomon and Sheba, the film's global grosses still ensured a multi-million dollar profit despite the on-set disaster." Durgnat and Simmon, 1988: p. 317: Solomon and Sheba "more than earned back its costs, which had ballooned from four million to six because of reshooting after Tyrone Powers death…" 1988
[210] 서적 "Solomon and Sheba has the reputation of being the disaster that killed Vidor's career." And "...at sixty-five he could hardly help having been wearied by the production chaos of his previous two epics...Vidor was intent on returning to [non-commercial] projects closer to his own spirit." Thomson, 2007: "Vidor stopped directing commercial pictures after Solomon and Sheba. He had other projects – a film about Cervantes and a version of Hawthorne's The Marble Faun – but he admitted he wasn't cut out to be an independent producer. 'I'm glad I got out of it,' he said." 1988, 2007
[211] 서적 In the unyielding terms of Jonathan Edwards (theologian), which Vidor cites approvingly in Truth and Illusions (1964), the material world exists only in the mind. 1988
[212] 서적 See here for quote and Whitman comment. 1988
[213] 서적 Vidor "expounded directly on his view that man is God and mind is all... and it is very valuable as a summation of most of his themes." 2007
[214] 서적 1988
[215] 서적 The Metaphor arose from a fan letter from [artist] Andrew Wyeth praising Vidor's 1925 film ''The Big Parade''. 1988
[216] 서적 Relevant clips of The Big Parade and insert shots of particular Wyeth paintings [were] cut to as they come up in the course of conversation. [Film editor Rex] McGee worked extensively on integrating clips of ''The Big Parade'' into Metaphor. And "The fact that these inspirations came to Wyeth from the films of King Vidor hammered home this whole idea of what creativity is and what a limited definition we have of it in this country. 2011
[217] 서적 The Metaphor, "which he never finished to his satisfaction…" 1988
[218] 서적 2011
[219] 웹사이트 Northwest Passage http://www.tcm.com/t[...]
[220] 서적 1988
[221] 서적 And p. 17 1988
[222] 서적 1988
[223] 서적 1988, 2007
[224] 서적 Vidor's research...led to the solution"...of the crime, as described in Kirkpatrick's novel. And "Vidor's research for script based on the 'silencing' of the 1922 William Desmond Taylor murder led to his solution of it...recounted by Sydney D. Kirkpatrick in A Cast of Killers 1988, 2007
[225] 서적 an unsuccessful attempt in 1979 to raise finance for a film about James Murray, the star of 'The Crowd' and an alcoholic who had died an early death from drowning in 1936. 1988, 1976, 2010
[226] 서적 Vidor "gave occasional lectures on movie directing and film making at the University of Southern California and the University of California at Los Angeles." 1988, 2007, 2010
[227] 서적 In 1981, he took a supporting role in James Toback's Love and Money – and played it with great charm. 1988, 1976, 2007
[228] 서적 When Hollywood Was Right: How Movie Stars, Studio Moguls, and Big Business Remade American Politics https://books.google[...] Cambridge University Press 2013-10-21
[229] 웹사이트 Overcoming Fear as Ignorance https://sentinel.chr[...] 1963-06-15
[230] 웹사이트 Confidence in Ever-Present Supply https://journal.chri[...] 1959-01
[231] 웹사이트 That which hath been is now http://journal.chris[...] 1961-03
[232] 서적 1988
[233] 웹사이트 Golden Plate Awardees of the American Academy of Achievement https://achievement.[...] American Academy of Achievement
[234] 웹사이트 11th Moscow International Film Festival (1979) http://36.moscowfilm[...] 2013-01-20
[235] 웹사이트 King Vidor | Deutsche Kinemathek https://www.deutsche[...]
[236] 웹사이트 Berlinale 2020: Retrospective "King Vidor" https://www.berlinal[...] 2020-02-28


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