장필리프 라모

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1. 개요
2. 생애
3. 음악적 특징
4. 주요 작품
5. 영향 및 평가
참조

1. 개요

장필리프 라모는 프랑스의 작곡가, 음악 이론가이자 오르간 연주자이다. 그는 1722년 발표한 《자연 원리에 따른 화성학 논고》를 통해 서양 음악의 화성 체계를 정립하여 음악 이론에 혁명을 일으켰으며, 근음 개념을 제시했다. 라모는 18세기 프랑스 바로크 오페라를 발전시켰으며, 《이폴리트와 아리시》, 《다르다누스》 등과 같은 오페라와 하프시코드 곡, 칸타타, 모테트 등의 작품을 남겼다. 그의 음악은 후대 작곡가들에게 영향을 미쳤으며, 20세기 후반부터 다시금 재조명받으며 활발히 연주되고 있다.

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장필리프 라모
기본 정보
장-필리프 라모
출생	1683년 9월 25일
출생지	디종
사망	1764년 9월 12일
사망지	파리
국적	프랑스
직업	작곡가, 음악 이론가
장르	바로크 음악
활동 기간	바로크 시대
개인 정보
로마자 표기	Jang Pillipeu Ramo

2. 생애

디종에서 태어난 장필리프 라모는 오르간 연주자인 아버지에게서 음악을 배웠다. 어릴 때부터 하프시코드와 오르간 연주자로 활동했으며, 1706년 《클라브생곡집 제1권》을 출판하였다. 1715년에는 리옹에서 대성당의 오르간 연주자가 되었고, 1722년 파리에서 출판한 《화성론》으로 주목받기 시작했다.

1723년부터 파리에 거주하면서 극장 작품을 쓰기 시작했고, 《클라브생 제2권》을 출간하여 호평을 받았다. 만년에는 궁정 실내악 작곡가가 되었고, 죽기 직전 귀족으로 봉해졌다. 1739년에는 그의 걸작 《다르다누스》가 공연되고 있었다.

라모는 기능화성법 발전의 토대를 마련하고, 바흐와 함께 12평균율을 적극적으로 주장한 인물이다. 프랑스 궁정 오페라 옹호자로서 륄리의 방식을 발전시켜 이탈리아 오페라에 대항했으며, 글루크와 바그너의 오페라 개혁에 영향을 주었다. 쿠프랭과 함께 표제적 경향의 모음곡을 다수 작곡하여 오늘날 연주회 레퍼토리로 널리 애용되고 있다.

륄리에 의해 기초가 확립된 프랑스의 국민적 오페라-발레 양식을 발전시키는 데 공헌하였다. 바흐나 헨델과 함께 후기 바로크를 대표하지만, 프랑스적인 특성과 그의 작품을 알리는 데 부족했던 프랑스 악파로 인해 그의 작품은 프랑스 밖에 널리 알려지지 못했다. 독일 지휘자 아르투르 니키쉬는 "만일 그가 독일인이었다면 바흐보다 더 위대한 음악가로 인정받았을 것이다"라고 말했다. 대표적인 오페라로는 서정 비극인 《이폴리트와 아리시》와 오페라-발레인 《우아한 인도의 나라들》이 있다. 주요 저서로는 《화성론》(1722년)이 있다.

라모의 삶은, 특히 파리로 이주하기 전 초기 40년에 대한 정보가 부족하다. 그는 비밀스러운 사람이었고, 아내조차 그의 어린 시절에 대해 몰랐다.^[7]

원래 법학을 공부했으나, 청년 시절 이탈리아와 파리에서 보낸 후 클레르몽페랑 대성당의 오르간 연주자가 되었다. 이후 파리, 디종, 리옹 등에서 오르간 연주자를 맡았으며, 1723년부터 파리에 정착하여 푸플리니에르의 후원을 받았다. 40대 이후 작곡 분야에서 명성을 얻었고, 1733년 쿠프랭이 사망하면서 프랑스 음악계의 지도적인 작곡가가 되었다. 그 후 라모는 오페라에 몰두하게 된다.

장바티스트 륄리의 뒤를 이어 프랑스어 오페라 작곡가로 활동했지만, 장 자크 루소에게 공격받았다. 볼테르와 함께 수많은 오페라를 작업했고, 《나바르의 공주》를 통해 "프랑스 왕실 작곡가" 칭호를 얻었다. 그의 조카 장프랑수아 라모는 드니 디드로의 소설 『라모의 조카』의 모델이 되었다.

근음이나 전위와 같은 개념을 사용하여 기능 화성법과 조성을 체계적으로 이론화한 최초의 음악 이론가로도 유명하며, '하모니'라는 단어를 화음이나 화성의 의미로 사용하는 관습은 라모에서 비롯되었다(『자연의 제 원리에 환원된 화성론』 (1722년), 『음악 이론의 신체계』 (1726년)).

2. 1. 초기 생애 (1683-1732)

디종에서 태어난 장필리프 라모는 오르간 연주자인 아버지에게서 음악을 배웠다. 어릴 때부터 하프시코드와 오르간 연주자로 활동했으며, 1706년 《클라브생곡집 제1권》을 출판하였다. 1723년부터는 파리에 거주하면서 극장 작품을 쓰기 시작했고, 《클라브생 제2권》을 출간하여 호평을 받았다.^[3]

라모의 초기 생애는 자세히 알려져 있지 않다. 1683년 9월 25일 디종에서 태어나 같은 날 세례를 받았다. 아버지 장은 디종 근처 여러 교회에서 오르간 연주자로 일했고, 어머니 클로딘 데마르티네쿠르는 공증인의 딸이었다. 라모는 글을 읽고 쓰기 전에 음악을 배웠다. 디종의 고드랑에 있는 예수회 대학에서 교육받았지만, 좋은 학생은 아니었고 노래를 부르며 수업을 방해했다. 그는 나중에 12살 때부터 오페라에 대한 열정이 시작되었다고 주장했다.

법학을 공부할 예정이었던 라모는 음악가가 되기로 결심하고, 아버지는 그를 이탈리아로 보냈으며, 밀라노에서 잠시 머물렀다. 돌아온 후, 순회 극단의 바이올린 연주자로 일했고, 이후 지방 대성당에서 오르간 연주자로 일하다가 파리로 이주했다. 1706년, 루이 마샹의 영향을 받은 첫 번째 《피에스 드 클라브생》집을 출판했다.^[4]

1709년, 아버지의 직업을 이어받아 디종으로 돌아가 주요 교회의 오르간 연주자가 되었다. 계약 기간은 6년이었지만, 라모는 그 전에 떠나 리옹과 클레르몽페랑에서 비슷한 직책을 맡았다. 그 기간 동안 교회 공연을 위한 모테트와 세속적인 칸타타를 작곡했다.

1722년, 파리로 돌아와 가장 중요한 음악 이론 저서인 《화성론》(''Traité de l'harmonie'')을 출판하여 큰 명성을 얻었다. 1726년에는 《새로운 음악 이론 체계》가 출판되었다. 1724년과 1729년 (또는 1730년)에도 하프시코드 곡집 두 권을 더 출판했다.

알렉시 피론이 파리 박람회를 위해 쓴 희극극을 위한 노래를 제공해달라고 요청했을 때, 라모는 무대 음악 작곡에 첫 발을 내디뎠다. 1723년 ''론드리악''을 시작으로 네 번의 협업이 이어졌지만, 그 음악은 남아있지 않다.

1726년 2월 25일, 라모는 리옹 출신의 음악가 집안 출신으로 훌륭한 가수이자 기악 연주자인 19세의 마리 루이즈 망고와 결혼했다. 이 부부는 두 아들과 두 딸, 총 네 명의 자녀를 두었고, 결혼 생활은 행복했다고 전해진다.

음악 이론가로서 명성이 높았지만, 라모는 파리에서 오르간 연주자 자리를 찾는 데 어려움을 겪었다.

2. 2. 오페라 작곡가로서의 활동 (1733-1764)

라모는 50세가 다 되어서야 오페라 작곡가로서의 경력을 시작했다. 1733년 10월 1일, 그의 첫 오페라 《이폴리트와 아리시(Hippolyte et Aricie)》가 파리 왕립 음악 아카데미에서 초연되었다. 이 작품은 륄리 사후 프랑스에서 가장 중요한 오페라로 평가받았지만, 반응은 엇갈렸다. 앙드레 캉프라(André Campra) 등은 독창성과 풍부함에 감탄했지만, 다른 이들은 화성적 혁신을 불협화음으로 간주하고 프랑스 음악 전통에 대한 공격으로 여겼다. 이로 인해 '륄리스트(Lullyistes)'와 '라모주의자(Rameauneurs)' 간의 논쟁이 10여 년간 이어졌다.^[5]

이 시기 라모는 금융가 알렉상드르 르 리셰 드 라 푸플리니에르(Alexandre Le Riche de La Poupelinière)의 후원을 받았다. (1753년까지) 라 푸플리니에르의 정부이자 제자였던 테레즈 데 아예(Thérèse des Hayes)는 라모의 열렬한 팬이었다. 1731년, 라모는 라 푸플리니에르의 개인 오케스트라 지휘자가 되었고, 22년간 이 자리를 지켰다. 이후 요한 슈타미츠(Johann Stamitz)와 프랑수아조제프 고섹(François-Joseph Gossec)이 이 자리를 계승했다.^[5] 라 푸플리니에르의 살롱에서 라모는 볼테르 등 당대 주요 문화 인물들을 만났고, 볼테르와 협력하여 오페라를 작곡하기 시작했다.^[5] 그러나 그들의 첫 프로젝트인 음악 비극 《삼손(Samson)》은 종교적 주제 때문에 중단되었다.^[5]

한편, 라모는 오페라-발레(opéra-ballet) 장르인 《우아한 인도(Les Indes galantes)》를 통해 성공을 거두었다. 이후 《카스토르와 폴뤼스(Castor et Pollux)》(1737), 《다르다뉘스(Dardanus)》(1739), 《에베의 축제(Les fêtes d'Hébé)》(1739) 등 대표작을 작곡했다. 이 1730년대 오페라들은 라모의 최고 작품으로 평가받는다.^[5] 1744년에는 《다르다뉘스》의 새로운 버전을 제작했다.^[5]

1745년, 라모는 퐁트누아 전투(Battle of Fontenoy) 승리와 왕세자 결혼을 기념하는 여러 의뢰를 받았다. 희극 오페라 《플라테(Platée)》, 볼테르와의 협업 작품인 《영광의 신전(Le temple de la gloire)》, 《나바르 공주(La princesse de Navarre)》 등을 제작했다.^[5] 이로 인해 라모는 '국왕 내각의 작곡가' 칭호와 연금을 받았다.^[5]

같은 해, 라모와 장 자크 루소(Jean-Jacques Rousseau)의 불화가 시작되었다. 루소는 자신의 오페라 《우아한 뮤즈(Les muses galantes)》가 라모에게 인정받지 못하자, 《라미르의 축제(Les fêtes de Ramire)》 제작에 참여했음에도 불구하고 라모가 자신의 공을 가로챘다고 주장하며 평생 원한을 품었다.^[5]

1752-1754년, 부퐁 논쟁(Querelle des Bouffons)이 벌어졌다. 이는 프랑스 음악 비극과 이탈리아 오페라 부파(opera buffa) 간의 논쟁이었다. 라모는 시대에 뒤떨어졌고, 그의 음악이 페르골레시의 《하녀 마님(La serva padrona)》과 같은 작품의 단순함에 비해 너무 복잡하다는 비난을 받았다.^[5] 1750년대 중반, 라모는 백과전서(Encyclopédie)에 실린 루소의 음악 기고를 비판하며 장 르 롱 달랑베르(Jean le Rond d'Alembert), 드니 디드로(Denis Diderot)와 논쟁을 벌였다.^[5]

1749년에는 《조로아스트르(Zoroastre)》를 작곡했다. 1753년, 라모의 후원자였던 라 푸플리니에르가 잔-테레즈 고에르망(Jeanne-Thérèse Goermans)을 정부로 삼으면서, 요한 슈타미츠(Johann Stamitz)가 라모의 자리를 대신하게 되었다.^[5]

1760년에는 희극 오페라 《레 팔라딘(Les Paladins)》을 작곡했고, 1763년에는 마지막 음악 비극인 《레 보레아드(Les Boréades)》를 작곡했지만, 이 작품은 20세기 후반까지 제대로 공연되지 못했다.^[5]

2. 3. 성격

라모는 내성적이고 비밀스러운 성격의 소유자였다. 그의 아내조차도 그의 어린 시절에 대해 알지 못했을 정도였다.^[7] 평생 동안 음악에 대한 열정과 집념을 보였으며, 필리프 보상은 그를 광적인 사람이라고 칭했다. 알렉시 피롱은 "그의 마음과 영혼은 하프시코드에 있었고, 일단 뚜껑을 닫으면 아무도 집에 없었다"고 묘사했다.^[7]

신체적으로 라모는 키가 크고 유난히 말랐으며,^[7] 루이 카로지 카르몽텔의 초상화에서 이를 확인할 수 있다. 그는 "큰 목소리"를 가졌지만, 그의 필체는 유창하지 않았고 말투도 이해하기 어려웠다. 그는 비밀스럽고, 고독하며, 짜증을 잘 내고, 자신의 업적(작곡가보다는 이론가로서)을 자랑스러워했으며, 그에게 반대하는 사람들에게 무뚝뚝하고 쉽게 화를 냈다.^[7]

만년에는 검소한 생활을 했다. 그의 적들은 그의 검소함을 인색함으로 과장했지만, 이는 오랜 세월 동안 수입이 불확실했기 때문으로 보인다. 그는 조카 장 프랑수아를 돕고, 클로드-베니그 발바스트르의 경력을 지원했으며, 딸 마리 루이즈에게 상당한 지참금을 주고 여동생에게 연금을 지급하는 등 관대함을 보이기도 했다. 그는 죽기 몇 달 전에 귀족으로 봉해졌고 생 미셸 기사단에 임명되었지만, 낡은 옷과 신발, 가구를 유지하며 생활 방식을 바꾸지 않았다. 사망 후 그의 방에서 낡은 단일 건반 하프시코드^[8]와 함께 1691개의 금 루이가 들어 있는 가방이 발견되었다.^[7]

3. 음악적 특징

라모는 이론가 및 작곡가로서 역사상 중요한 인물이다. 기능화성법 발전의 토대를 마련하였고, J.S.바흐와 더불어 12평균율을 적극적으로 주장한 최초의 대가였다.^[1] 프랑스 궁정 오페라 옹호자로서 륄리의 방법을 더욱 발전시켜 이탈리아 오페라의 선율주의, 성악중심주의에 대항하여 후일 글루크와 바그너의 오페라 개혁에 선도적인 역할을 하였다.^[1] 기악 작곡가로서는 F. 쿠프랭과 함께 표제적 경향의 모음곡을 다수 작곡하였는데, 이 곡들은 오늘날 연주회에서 널리 연주되고 있다.^[1] 이들은 쿠프랭의 선율성과 장식적인 세련됨보다 더욱 근대적인, 힘찬 합리적인 화성을 가지고 있으며, J.S.바흐 등 많은 음악가들에게도 큰 영향을 주었다.^[1] 발레, 오페라 분야에서는 J. B. 륄리에 의해 기초가 확립된 프랑스의 국민적 오페라-발레양식을 더욱 발전시켜, 음악적으로 보다 우월하게 만드는 데 공헌하였다.^[1]

라모의 음악은 뛰어난 기술적 지식으로 특징지어진다. 그럼에도 불구하고, 그것은 오로지 지성에만 호소하는 것은 아니며, 라모 자신도 "나는 예술로 예술을 숨기려 한다"고 주장했다. 이 음악의 역설은 전에 알려지지 않은 기술을 사용했지만, 구식 형식의 틀 안에서 이루어졌다는 것이다. 라모는 그의 음악의 복잡한 화성에 당황한 륄리스트들에게는 혁명가처럼 보였고, 내용에만 주의를 기울이고 그 소리를 들으려 하지 않거나 들을 수 없었던 철학자들에게는 반동가처럼 보였다.^[1]

4. 주요 작품

라모의 음악 작품은 크게 네 가지로 나눌 수 있다.^[9] 칸타타, 모테트, 하프시코드 독주곡 또는 다른 악기가 반주하는 하프시코드 곡, 그리고 무대 작품이다. 라모는 성공적인 멜로디를 종종 재사용했지만, 단순한 전사(轉寫)가 아닌 꼼꼼한 각색을 거쳤다. 초기 작품에서는 다른 음악의 영향이 나타나지만, 다른 작곡가의 작품을 차용한 경우는 발견되지 않았다. 라모는 자신의 작품을 여러 번 재작업했는데, 예를 들어 《헤베의 축제》에는 1724년 하프시코드 곡집의 《뮤즈들의 대화》, 무제트, 탕부랭과 칸타타 《충실한 양치기》의 아리아가 포함되어 있다.

라모는 26년 동안 종교 기관에서 오르간 연주자로 활동했지만, 작곡한 종교 음악은 매우 적고 오르간 작품은 없다. 그는 이 분야를 선호하지 않았던 것으로 보이지만, 그의 종교 작품들은 주목할 만하며 전문가들의 작품과 비교해도 손색이 없다. 라모의 모테트로는 'Deus noster refugium', 'In convertendo', 'Quam dilecta', 'Laboravi' 네 곡이 있다.

18세기 초 칸타타는 매우 인기 있는 장르였다. 프랑스 칸타타는 장-밥티스트 루소에 의해 1706년에 "발명"되었고 몽클레르, 캉프라, 클레랑보 등 많은 작곡가들이 이 장르를 받아들였다. 칸타타는 라모가 극음악과 처음 접한 분야였으며, 소규모 인원을 필요로 했기 때문에 무명 작곡가도 접근하기 쉬웠다. 라모의 현존하는 여섯 개의 칸타타는 작곡 연대를 추측하기 어렵고, 대본 작가도 알려져 있지 않다.

프랑수아 쿠프랭과 함께 라모는 18세기 프랑스 하프시코드 음악의 거장이었으며, 두 사람 모두 18세기 초에 절정에 달했던 표준화된 모음곡 형식에서 벗어났다. 라모와 쿠프랭은 서로 다른 스타일을 가졌고, 서로 알지 못했던 것으로 보인다. 쿠프랭은 궁정 음악가였던 반면, 라모는 쿠프랭 사후에 명성을 얻었다.

라모는 1733년 이후 주로 오페라에 전념했다. 18세기 프랑스 바로크 오페라는 동시대 이탈리아 오페라보다 풍부하고 다양하며, 합창과 무용에 많은 부분을 할애하고 아리아와 레시타티보 간의 음악적 연속성을 강조했다. 이탈리아 오페라는 여성 소프라노와 카스트라토에게 주연을 맡긴 반면, 프랑스 오페라는 카스트라토를 사용하지 않았다. 라모 시대의 이탈리아 오페라는 음악 부분(다 카포 아리아, 이중창, 삼중창 등)과 말하는 부분(''레시타티보 세코'')으로 나뉘었고, 아리아의 가사는 가수의 기교를 과시하기 위한 음악에 묻히는 경향이 있었다. 럴리 이후 프랑스 오페라에서는 텍스트를 이해하는 것이 중요했으며, ''gloire^프랑스어''(영광) 또는 ''victoire^프랑스어''(승리)와 같은 특정 단어에 국한된 보컬라이즈를 제한했다. 선율적인 레시타티보와 아리오소에 가까운 아리아, 이탈리아 스타일의 기교적인 "아리에트"가 균형을 이루었다. 이러한 연속적인 음악 형태는 글루크의 "개혁" 오페라보다 바그너의 드라마를 더 잘 예견한다.

라모의 오페라 악보에는 다섯 가지 필수 요소가 있다.

"순수한" 음악(서곡, 리토르넬로, 장면을 닫는 음악): 라모의 서곡은 매우 다양하다. 그는 프랑스 서곡의 표준 모델을 사용하면서도 새롭고 독창적인 작품을 작곡했다. ''자이스''의 서곡(우주의 창조 이전의 혼돈 묘사), ''피그말리온''의 서곡(조각가가 망치로 조각상을 깎는 모습 암시), ''우아한 인도'' 또는 ''다르다뉘스''의 마지막 샤콘느 등이 인상적이다.
무용 음악: ''음악 비극''에서 필수적인 무용 간주는 라모의 독특한 리듬, 멜로디, 안무 감각을 보여준다.^[10] 그는 가보트, 미뉴에트, 루르, 리가돈, 파스피에, 탱부랭, 뮤제트 등 다양한 춤곡을 작곡했다. 커스버트 기들스톤은 "안무와 관련된 모든 것에서 라모의 엄청난 우월성은 여전히 강조될 필요가 있다"고 했으며, 헤르만 볼프강 폰 발터스하우젠은 "라모는 시대를 통틀어 가장 위대한 발레 작곡가였다"고 확언했다.
합창: 파드레 마르티니는 "프랑스인들은 합창에 뛰어나다"고 했는데, 이는 라모를 염두에 둔 것이다. 라모는 모노디, 다성 음악 등 다양한 형태의 웅장한 합창을 작곡했다.
아리아: 이탈리아 오페라보다 빈도가 적지만, 라모는 많은 인상적인 아리아를 작곡했다. ''카스토르와 폴룩스''의 텔레르의 "슬픈 준비", ''다르다뉘스''의 "오, 끔찍한 날"과 "불행한 장소", ''우아한 인도''의 후아스카의 찬가, ''피그말리온''의 마지막 아리에트, ''플라테''의 라 폴리(광기)의 아리아 "Formons les plus brillants concerts / Aux langeurs d'Apollon" 등이 있다.
레시타티보: ''레시타티보 세코''보다 아리오소에 가깝다. 라모는 프랑스 운율을 준수하고 화성 지식을 사용하여 주인공의 감정을 표현했다.

라모는 1740년부터 1744년까지 궁정 음악가로 활동하며 주로 관능성과 이상화된 전원 분위기를 강조하는 작품을 작곡했다. 말년에는 ''팔라디노''와 ''보레아드''에서 초기 스타일을 새롭게 변형하여 돌아왔다.

그의 ''조로아스트르''는 1749년에 처음 공연되었다. 커스버트 기들스톤에 따르면, 이 오페라는 "증오와 질투의 세속적인 열정은 [그의 다른 작품에서보다] 더 강렬하게, 그리고 강한 현실감으로 표현된다."

RCT 번호는 실비 부아수와 데니스 에를랭이 편찬한 ''라모 주제 카탈로그''(Rameau Catalogue Thématique)를 가리킨다.

4. 1. 기악곡

라모의 기악곡으로는 클라브생(하프시코드)을 위한 작품과 실내악곡, 관현악곡 등이 있다.

'''클라브생 곡집''' (Pièces de clavecin)

라모는 프랑수아 쿠프랭과 더불어 18세기 프랑스 클라브생 음악의 거장으로 평가받는다. 그는 1706년 첫 번째 클라브생 곡집을 출판했는데, 여기에는 프랑스 모음곡의 전통을 따르면서도 독창적인 개성을 드러내는 곡들이 포함되어 있다. 도메니코 스카를라티를 연상시키는 기교적인 작품들과 이론가로서의 실험 정신을 보여주는 곡들도 있다.^[4]

제목	출판 연도	비고
클라브생 곡집 제1권 (Premier Livre de Pièces de Clavecin)	1706년	모음곡 (제1번) 가단조 RCT 1
클라브생 곡집과 운지법 (Pièces de Clavecin avec une méthode)	1724년	모음곡 (제2번) 마단조 RCT 2, 모음곡 (제3번) 라장조 RCT 3, 미뉴에트 다장조 RCT 4
신 클라브생 모음곡집 (Nouvelles suites de pièces de clavecin)	1727~28년	모음곡 (제4번) 가단조 RCT 5, 모음곡 (제5번) 사단조 RCT 6

'''콘체르토 형식에 의한 클라브생 곡집''' (Pièces de clavecin en concerts)

1741년에 출판된 이 곡집은 하프시코드, 바이올린, 비올을 위한 5개의 성격 소품으로 구성되어 있다. 라모는 하프시코드가 단순한 통주저음 악기가 아니라 다른 악기들과 동등한 역할을 하는 '콘체르토' 형식을 사용했다.

제목	비고
제1 콘체르토 다단조 RCT 7
제2 콘체르토 사장조 RCT 8
제3 콘체르토 가장조 RCT 9
제4 콘체르토 내림나장조 RCT 10
제5 콘체르토 라단조 RCT 11

기타
라 도핀 (La Dauphine) (1747)
레 프티 마르토 (Les petits marteaux)
관현악 모음곡 (라모의 오페라에서 발췌 및 편곡)

4. 2. 성악곡

라모는 교회 공연을 위한 모테트와 세속적인 칸타타를 작곡했다.^[4] 18세기 초 칸타타는 매우 성공적인 장르였다. 프랑스 칸타타는 시인 장-밥티스트 루소에 의해 1706년에 "발명"되었고,^[4] 곧 몽클레르, 캉프라, 클레랑보와 같은 당대의 많은 유명 작곡가들이 이 장르를 받아들였다. 칸타타는 라모가 극음악과 처음 접한 것이었으며, 칸타타가 요구하는 소규모 인원은 아직 무명이었던 작곡가도 접근할 수 있는 장르임을 의미했다.^[4]

라모의 모테트와 칸타타는 다음과 같다.

제목	RCT	작곡 시기
모테트 Deus noster refugium (주님은 우리의 피난처)	13	1716년 이전
모테트 In convertendo (주께서 시온의 번영을 되찾으실 때)	14	1718년경
모테트 Quam dilecta (주님의 제단이 얼마나 사랑스러운지)	15	1720년
모테트 Laboravi (부르짖어 지쳐 힘을 잃었네)	16	1722년
칸타타 Thétis (테티스)	28	1727년
칸타타 Le berger fidèle (충실한 양치기)	24	1728년

4. 3. 오페라

tragédie lyrique^프랑스어 (서정 비극):

이폴리트와 아리시 (1733)
카스토르와 폴뤽스 (1737)
다르다누스 (1739)
조로아스트르 (1749)
레 보레아드 (1763)

opéra ballet^프랑스어 (오페라 발레):

우아한 인도의 나라들 (1735-36)
에베의 축제 (1739)

기타:

나바르의 공주 (1744)
플라테 (1745)
피그말리옹 (1748)
Naïs (1749)
La Guirlande (1751)
제피르 (1754)
Anacréon (1757)
레 팔라댕 (1760)

4. 4. 저서

자연 원리에 따른 화성학 논고(1722)^[13]
음악 이론의 새로운 체계(1726)
화성 원리의 증명(1750)
실용 음악 규범(1760)

라모는 근음이나 전위와 같은 개념을 사용하여 기능 화성법과 조성을 체계적으로 이론화한 최초의 음악 이론가였다. 화음이나 화성을 의미하는 '하모니'라는 단어는 라모에게서 비롯되었다.^[14]

5. 영향 및 평가

라모는 프랑스 오페라 발전에 크게 기여했다. 토마소 트리에타는 라모의 대본을 번역하여 ''이폴리토 에 아리치아''(1759), ''이 틴타리디''(''카스토르와 폴룩스''를 바탕으로, 1760) 두 편의 오페라를 제작했다.^[11] 트리에타는 프랑스 모델에 따른 개혁의 주요 옹호자인 프란체스코 알가로티 백작의 조언을 받았으며, 알가로티는 크리스토프 빌리발트 글루크에게 큰 영향을 미쳤다. 글루크의 1760년대 이탈리아 개혁 오페라 세 편—''오르페오와 에우리디체'', ''알체스테'', ''파리데와 헬레네''—는 라모의 작품에 대한 지식을 보여준다. 예를 들어, ''오르페오''와 1737년 버전의 ''카스토르 에 폴룩스''는 모두 주요 등장인물 중 한 명이 죽었다가 다시 살아나는 장례식으로 시작한다.^[12] 글루크의 ''알체스테'' 서문에서 옹호된 많은 오페라 개혁은 이미 라모의 작품에 나타나 있었다. 라모는 반주가 있는 레치타티보를 사용했고, 그의 후기 오페라의 서곡은 앞으로의 액션을 반영했다.^[12]

19세기 말, 프랑스-프로이센 전쟁에서 프랑스의 패배는 라모의 음악을 재조명하는 계기가 되었다.^[13] 1894년, 작곡가 뱅상 당디는 프랑스 국립 음악을 장려하기 위해 숄라 칸토룸을 설립했고, 이 단체는 라모의 작품을 여러 차례 부활시켰다. 특히 1903년에 부활된 ''카스토르 에 폴룩스''를 클로드 드뷔시가 높이 평가했다.^[13] 카미유 생상스와 폴 뒤카도 라모의 음악을 옹호했다. 20세기 후반, 존 엘리엇 가디너, 윌리엄 크리스티, 마르크 밍코프스키와 같은 지휘자들에 의해 라모의 오페라가 활발히 연주되고 녹음되었다.

참조

_[1] 서적 A theorist of European stature, he was also France's leading 18th-century composer.
_[2] 서적 "It is customary to couple him with Couperin as one couples Haydn with Mozart or Ravel with Debussy."
_[3] 문서 Éloge de M. Rameau
_[4] 서적 Le clavecin
_[5] 서적
_[6] 서적 Last Words of Saints and Sinners
_[7] 서적
_[8] 문서 Compare the inventories of François Couperin and Louis Marchand after their deaths.
_[9] 문서 Apart from the pieces written for the Paris fairs, which haven't survived
_[10] 서적 "He divined what the dancers themselves did not know. We look upon him rightly as our first master."
_[11] 서적 The Master Musicians: Berlioz
_[12] 간행물 Vincent d'Indy and the Rameau Oeuvres complètes: a case of forgery?
_[13] 서적 The Cambridge History of Western Music Theory https://archive.org/[...] Cambridge University Press
_[14] 서적 The Cambridge History of Western Music Theory https://archive.org/[...] Cambridge University Press
_[15] 서적 Jean-Philippe Rameau : Catalogue thématique des œuvres musicales (T. 1, Musique instrumentale. Musique vocale religieuse et profane) CNRS Édition et Éditions de la BnF
_[16] 서적
_[17] 웹사이트 Dardanus, condensed score (1744) https://digital.libr[...]
_[18] 웹사이트 Score, Platée https://web.archive.[...]