행위 예술
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1. 개요
행위 예술은 20세기 초 다다이즘, 미래주의 등의 전위 예술 운동의 영향을 받아 등장한 예술 표현 방식이다. 카바레 볼테르는 초기 행위 예술의 중요한 거점이었으며, 다다이즘은 반예술 운동으로 행위 예술에 영향을 미쳤다. 1960년대에 독립된 예술 장르로 확립되었으며, 비엔나 액셔니즘, 리빙 시어터, 플럭서스, 해프닝, 프로세스 미술 등이 행위 예술의 다양한 흐름을 형성했다. 1970년대에는 비디오 아트와 인듀어런스 퍼포먼스 아트가 등장했으며, 1980년대 이후에는 제도권 예술계에 수용되어 페미니스트 퍼포먼스 아트 등 다양한 형태로 발전했다. 한국에서는 1960년대 후반부터 시작되어 1970년대에 태동기를 거쳐 1980년대 민주화 운동과 함께 발전했으며, 1990년대 이후 국제적인 교류를 통해 더욱 다양해졌다. 주요 예술가로는 요제프 보이스, 캐롤리 슈니만, 요코 오노, 크리스 버든, 마리나 아브라모비치 등이 있다. 행위 예술은 때로 과격하고 도발적인 표현 방식으로 인해 논란의 대상이 되기도 한다.
행위 예술은 그 정의와 역사적, 교육적 맥락에 대한 논란이 존재한다. "행위 예술"이라는 용어는 다의적이며, 무대 예술과는 근본적으로 다른 개념으로, 무대 예술에 대해 비판적이고 적대적인 입장을 취하며 등장했다.[22] 좁은 의미에서 "행위 예술"은 1960년대 중반부터 1970년대까지 서구 문화의 포스트모더니즘 전통과 관련이 있으며, 앙토냉 아르토, 다다, 상황주의자, 플럭서스, 설치 미술, 개념 미술 등과 연관되어 있다. 행위 예술은 연극에 대한 반(反)명제로 정의되며, 정통적인 예술 형식과 문화적 규범에 도전한다.[23]
1960년대 후반부터 한국에서 행위 예술이 등장하기 시작했다. 1970년대는 한국 행위예술의 태동기로, 한국아방가르드협회(A.G.)를 중심으로 한 젊은 작가들이 실험적인 작품들을 선보였다. 1980년대에는 민주화 운동과 사회 변혁의 분위기 속에서 현실 비판적인 메시지를 담은 행위 예술이 활발하게 전개되었다. 1990년대 이후, 한국 행위 예술은 국제적인 교류가 활발해지고, 다양한 주제와 형식을 포괄하며 더욱 발전해 나가고 있다. 특히, 2000년대 이후에는 푸시 라이엇, 아벨 아스코나, 타니아 브루게라 등과 같이, 사회적 문제에 적극적으로 참여하고 발언하는 행위 예술가들이 등장하며, 예술의 사회적 역할에 대한 논의를 촉발시키고 있다.
1968년 이후 행위 예술가들의 작품은 그 해의 정치적, 문화적 상황의 영향을 여러 번 보여주었다. 바바라 T. 스미스는 1969년 《의례적 식사》로 70년대의 신체 및 장면 페미니스트 예술의 선구자였으며, 캐롤리 슈니만, 조안 조나스 등이 이에 해당한다. 이들은 요코 오노, 요제프 보이스, 백남준, 볼프 포스텔, 앨런 캐프로우, 비토 아콘치, 크리스 버든, 데니스 오펜하임과 함께 신체 미술과 행위 예술의 관계에서 선구적인 역할을 했다.[89]
2. 역사
행위 예술은 단순한 오락 목적의 공연이 아닌, 내용 기반의 의미를 전달하는 개념 예술을 지칭한다. 관객에게 제시되는 공연을 주로 의미하지만, 기존의 연극이나 정형화된 선형적 내러티브, 허구의 등장인물을 묘사하지 않는다. 예술가와 관객 사이의 소통, 행동, 구두 언어를 포함할 수 있으며, 관객의 기대를 무시할 수도 있다. 일부 행위 예술은 공연 예술과 가까울 수 있지만, 기존의 연극에서 사용되는 실제 세계 역학을 의도적으로 풍자하거나 초월하려 한다는 점에서 차이가 있다.
행위 예술가들은 관객에게 새롭고 관습적이지 않은 방식으로 생각하도록 도전하고, 전통 예술의 관습을 깨며, "예술이란 무엇인가"에 대한 기존의 생각을 무너뜨린다. 행위 예술은 풍자적 요소를 포함할 수 있으며, 서바이벌 리서치 래보라토리즈처럼 로봇과 기계를 공연자로 사용하거나, 숀 케이튼처럼 의례적인 요소를 포함하거나, 춤, 음악, 서커스 (공연 예술)와 같은 공연 예술의 요소를 빌려올 수 있다. 또한 건축과의 교차점을 포함하거나, 종교적 실천[24][25] 및 신학과 얽힐 수도 있다.[26]
비엔나 액셔니즘과 신(新)다다를 포함한 일부 예술가들은 자신의 공연 활동을 설명하기 위해 "라이브 아트", "액션 아트", "액션", "개입"(예술 개입 참조) 또는 "기동"이라는 용어를 선호한다. 행위 예술의 장르는 바디 아트, 플럭서스 퍼포먼스, 해프닝, 액션 포에트리, 인터미디어로 나타난다.
행위 예술은 대안적인 예술적 표현 방식으로, 개념 미술의 범주 아래에서 다다이즘과 병행하여 1916년에 등장했다. 트리스탄 차라가 이 운동을 이끌었으며, 그는 다다의 선구자 중 한 명이었다. 서구 문화 이론가들은 행위 예술의 기원을 20세기 초 구성주의, 미래주의 및 다다이즘과 함께 설정했다. 다다는 전통에서 벗어난 시적 행위로 중요한 영감을 주었고, 미래주의 예술가, 특히 러시아 미래주의의 일부 구성원들도 행위 예술의 시작 과정의 일부로 파악될 수 있다.[27][28]
1960년대에는 카바레 볼테르 또는 미래주의에서 유래된 것과 유사한 원칙을 가지고, 다양한 새로운 작품, 개념 및 예술가들이 새로운 종류의 행위 예술을 이끌었다. 비엔나 액셔니즘, 뉴욕시의 아방가르드 행위 예술, 프로세스 아트, 더 리빙 시어터의 발전 또는 해프닝과 구별되는 운동이었지만, 행위 예술의 선구자들이 확고해졌다.[59]
퍼포먼스 아트는 아티스트 액션이라고도 불리며, 아트를 라이브로 즐기는 데 있어 20세기 이후의 전위 예술에서 큰 역할을 해왔다.[261][262] 전쟁 전에는 카바레 볼테르도 하나의 거점이 되었다. 퍼포먼스 아트라는 용어는 1960년대 비토 아콘치, 헤르만 니치, 요제프 보이스, 앨런 캐프로, 캐롤리 슈니만[265] 등의 작품이 등장하면서 사용되기 시작했다. 일본에서의 선구자로는 구타이 미술 협회 등이 있다.
퍼포먼스 아트의 기본적인 요소는 다음과 같다.요소 설명 시간 대부분 1회성이며, 여러 번 연기되는 경우는 없지만, 영상 등으로 재현되는 경우도 있다. 장소 미술관, 갤러리, 카페, 극장, 길거리 등 다양하다. 퍼포머(Performer)의 신체 퍼포머의 신체는 중요한 표현 수단이다. 퍼포머와 관객과의 관계 즉흥적인 경우도 있고, 잘 짜여진 각본에 따라 연습을 충분히 거쳐 연기되는 것도 있다.
2. 1. 서구 행위 예술의 기원
행위 예술은 대안적인 예술적 표현 방식으로 탄생했다. 이 분야는 개념 미술의 범주 아래에서 다다이즘과 병행하여 1916년에 등장했다. 이 운동은 트리스탄 차라가 이끌었으며, 그는 다다의 선구자 중 한 명이었다. 서구 문화 이론가들은 행위 예술의 기원을 20세기 초 구성주의, 미래주의 및 다다이즘과 함께 설정했다. 다다는 전통에서 벗어난 시적 행위로 인해 중요한 영감을 주었고, 미래주의 예술가, 특히 러시아 미래주의의 일부 구성원들도 행위 예술의 시작 과정의 일부로 파악될 수 있다.[27][28]
카바레 볼테르는 후고 발과 에미 헤닝스 부부가 예술적, 정치적 목적을 위해 스위스 취리히에 설립한 곳으로, 새로운 경향이 탐구되는 장소였다. 극장 2층에 위치한 이 카바레는 전시회를 조롱하는 쇼를 열었으며, 공연된 작품들은 아방가르드하고 실험적이었다. 다다이즘 운동이 10제곱미터 규모의 공간에서 시작된 것으로 여겨진다.[29][30] 초현실주의자들도 다다이즘에서 직접 파생된 운동으로 카바레에서 모임을 가졌다. 1916년 여름에 문을 닫아 겨우 6개월 동안만 존재했지만, 다다이스트 선언문이 낭독되었고, 최초의 다다 액션, 퍼포먼스, 하이브리드 시, 조형 예술, 음악 및 반복적인 액션 발표가 열렸다. 리하르트 휘젠베크, 마르셀 얀코, 트리스탄 차라, 소피 토이베르-아르프, 장 아르프와 같은 창립자들은 아나키스트 운동의 기초가 되는 도발적이고 스캔들적인 행사에 참여했으며, 이는 다다로 불렸다.[31]
다다이즘은 예술 세계의 모든 시스템이나 확립된 규범을 파괴하려는 의도로 시작되었다.[33] 그것은 반예술, 반문학, 반시 운동으로, 예술, 문학, 시 자체의 존재에 의문을 제기했다. 창조하는 방식일 뿐만 아니라 살아가는 방식이었고, 완전히 새로운 이데올로기를 창조했다.[34] 영원한 아름다움, 원칙의 영원성, 논리의 법칙, 사상의 부동성, 그리고 명백하게 보편적인 모든 것에 반대했다. 변화, 자발성, 즉시성, 모순, 무작위성 및 질서에 대한 혼돈의 방어, 완벽에 대한 불완전성을 장려했으며, 이는 퍼포먼스 예술과 유사한 아이디어였다. 그들은 종종 풍자적이고 아이러니한 표현 방식을 통해 도발, 반예술 시위 및 스캔들을 옹호했다. 부조리함이나 가치의 부재, 그리고 혼돈은 전통적인 예술 형식으로 그들의 파괴적인 행동을 특징지었다.[33][34][35][36] 카바레 볼테르는 1916년에 문을 닫았지만, 21세기에 부활했다.
미래주의는 1909년에 등장한 예술 아방가르드 운동이었다. 대부분 화가였지만, 처음에는 문학 운동으로 시작되었다. 초기에는 조각, 사진, 음악, 영화도 포함되었다. 제1차 세계 대전으로 이 운동은 종말을 맞이했지만, 이탈리아에서는 1930년대까지 지속되었다. 가장 큰 영향을 미친 국가 중 하나는 러시아였다.[37] 1912년에는 '미래주의 조각 선언'과 '미래주의 건축'과 같은 선언문이 등장했으며, 1913년에는 댄서이자 작가, 프랑스 예술가인 발렌틴 드 생-푸앵트의 '미래주의적 쾌락의 선언'이 발표되었다. 미래주의자들은 공개된 장소에서의 만남, 회의, 강연을 통해 그들의 이론을 전파했으며, 이는 정치적 집회에 가까운 형태였으며, 시와 음악당을 통해 행위 예술을 예고했다.[37][38][39]
바우하우스는 1919년 바이마르에서 설립된 예술 학교로, 신체, 공간, 소리, 빛 사이의 관계를 탐구하는 것을 목표로 실험적인 공연 예술 워크숍을 포함했다. 블랙 마운틴 칼리지는 나치당에 의해 추방된 최초의 바우하우스 강사들이 미국에서 설립했으며, 1960년대 공연사 관련 사건 20년 전에 실험적인 공연 예술을 무대 예술 훈련에 계속 통합했다.[40] 바우하우스라는 이름은 독일어 Bau('건축')와 Haus('집')에서 유래했으며, 아이러니하게도 이름과 설립자가 건축가였음에도 불구하고 바우하우스는 설립 초기에는 건축 부서가 없었다.[41][42]
1940년대와 1950년대에 액션 페인팅 기법 또는 운동은 예술가들에게 캔버스를 행위의 영역으로 해석할 수 있는 가능성을 제공했으며, 그림을 스튜디오에서 예술가의 행위의 흔적으로 만들었다. [44] 미술 평론가 해럴드 로젠버그에 따르면, 이것은 추상 표현주의와 함께 퍼포먼스 아트의 시작 과정 중 하나였다. 잭슨 폴록은 액션 페인팅의 전형으로, 그의 많은 액션을 라이브로 수행했다.[43] 유럽에서는 이브 클랭이 (여성) 신체를 사용하여 캔버스를 공공 행위로 그리는 앙트로포메트리를 수행했다. 주목할 이름으로는 추상 및 액션 페인팅을 포함한 작품을 남긴 빌렘 데 쿠닝과 프란츠 클라인이 있다.[44][45][46]
누보 레알리즘은 퍼포먼스 아트의 시작에서 언급된 또 다른 예술 운동 중 하나이다. 이 운동은 1960년 미술 평론가 피에르 레스태니와 화가 이브 클라인에 의해 밀라노의 아폴리네르 갤러리에서 열린 첫 번째 단체 전시회를 통해 창립되었다. 누보 레알리즘은 플럭서스 및 다른 그룹들과 함께 1960년대의 수많은 아방가르드 경향 중 하나였다. 피에르 레스태니는 테이트 모던을 비롯한 여러 공간에서 다양한 퍼포먼스 아트 어셈블리를 제작했다.[47] 이브 클라인은 이 운동의 주요 대표자 중 한 명이다. 그는 ''무형의 회화적 감수성 구역''(1959–62), ''인체 측정'' (1960), 그리고 포토몽타주 ''무중력 점프''와 같은 개념적 작품을 통해 퍼포먼스 아트의 선구자였다.[48][49] 그의 모든 작품은 라이브 액션으로 창조되었기 때문에 퍼포먼스 아트와 연결되어 있으며, 여성의 신체를 사용하여 제작한 그의 가장 잘 알려진 회화 작품도 이에 해당한다. 이 그룹의 구성원들은 세상을 이미지로 보고 그 일부를 가져와 작품에 통합했으며, 삶과 예술을 더 가깝게 만들고자 했다.[50][51][52]
행위 예술을 예견한 또 다른 운동 중 하나는 일본의 구타이로, 액션 아트 또는 해프닝을 만들었다. 이 운동은 1955년 간사이 지역(교토, 오사카, 고베)에서 시작되었다. 주요 참여자는 요시하라 지로, 모토나가 사다마사, 시마모토 쇼조, 무라카미 사부로, 시라가 카츠오, 사토 세이치, 가나야마 아키라, 다나카 아츠코였다.[53] 구타이 그룹은 제2차 세계 대전 이후에 등장했다. 그들은 자본주의적 소비주의를 거부하고, 잠재된 공격성을 가진 아이러니컬한 행위(객체 파괴, 연기 사용 행위)를 수행했다. 그들은 플럭서스와 같은 그룹과 요제프 보이스, 볼프 포스텔과 같은 예술가들에게 영향을 미쳤다.[53][54][55]
1960년대 후반, 로버트 스미스슨이나 데니스 오펜하임과 같은 다양한 토지 예술가들은 1970년대의 행위 예술에 앞서 환경적인 작품을 만들었다. 벽화 드로잉을 퍼포먼스 행위로 만든 솔 르윗과 같은 1980년대 초의 개념 예술가들의 작품은 이브 클라인과 다른 토지 예술가들의 영향을 받았다.[56][57][58] 토지 예술은 풍경과 예술 작품이 깊이 결합된 현대 미술 운동이다. 자연을 재료(나무, 흙, 돌, 모래, 바람, 불, 물 등)로 사용하여 그 자체에 개입한다. 예술 작품은 장소 자체를 출발점으로 하여 생성된다. 그 결과는 때로는 조각과 건축의 결합이며, 때로는 조각과 조경의 결합인데, 이는 현대 공공 장소에서 점점 더 결정적인 역할을 하고 있다. 창작 과정에 예술가의 신체를 통합할 때, 행위 예술의 시작과 유사성을 얻는다.
2. 2. 1960년대: 행위 예술의 확립
1960년대는 행위 예술이 하나의 독립된 예술 장르로 확립된 시기이다. 여러 예술 운동들이 행위 예술의 발전에 영향을 미쳤다.
이 외에도 누보 레알리즘, 구타이, 토지 예술 등 다양한 예술 운동이 1960년대 행위 예술의 확립에 기여했다.
2. 3. 1970년대: 행위 예술의 다양화
1970년대에는 행위 예술이 더욱 다양하게 발전하고, 사회, 정치적 맥락과 결합하는 경향이 나타났다. 비디오 아트는 영상 기술을 활용하여 행위 예술의 기록과 재현, 확장을 가능하게 했다. 인듀어런스 아트는 신체의 한계를 시험하는 극한의 행위를 통해 예술가의 정신력과 인내심을 강조하는 행위 예술의 한 형태이다.[135]
1970년대 초, 행위 예술가들은 비디오 형식을 본격적으로 사용하기 시작했다. 조안 조나스와 비토 아콘치의 몇몇 전시회는 이전의 수행적 과정을 통해 활성화된 비디오로만 구성되었다. 이 시기에는 제네 영블러드의 《확장된 시네마》와 같이 행위 예술가들이 커뮤니케이션 수단, 비디오, 영화를 사용하는 것에 대해 다룬 다양한 책들이 출판되었다. 비디오와 퍼포먼스를 사용한 주요 예술가 중 한 명은 대한민국의 예술가 백남준이다. 그는 1960년대 초에 이미 플럭서스 운동에 참여했으며, 이후 미디어 아티스트가 되어 현재 잘 알려진 시청각 설치 작업으로 발전했다.
캐롤리 슈니먼과 로버트 휘트먼의 1960년대 비디오 퍼포먼스 작업 또한 고려해야 한다. 둘 다 70년대 초에 행위 예술을 독립적인 예술 형식으로 발전시킨 선구자였다.
조안 조나스는 1972년에 실험적인 퍼포먼스에 비디오를 포함하기 시작했고, 브루스 나우만은 자신의 행위를 비디오로 직접 기록하기 위해 연출했다.[136] 나우만은 미국의 멀티미디어 아티스트로, 그의 조각, 비디오, 그래픽 작품, 퍼포먼스는 1960년대부터 문화를 다양화하고 발전시키는 데 기여했다. 그의 불안감을 자아내는 작품들은 예술의 개념적 본질과 창작 과정을 강조했다.[137] 그는 결과보다 아이디어와 창작 과정을 우선시한다. 그의 예술은 엄청난 재료들을 사용하며, 특히 자신의 신체를 활용한다.[138][139]
길버트 앤 조지는 이탈리아 예술가 길버트 프로에쉬와 영국 예술가 조지 패스모어이며, 개념 미술, 퍼포먼스, 바디 아트 분야에서 활동해왔다. 그들은 라이브 조각 행위로 가장 잘 알려져 있다.[140][141] 그들의 초기 작품 중 하나는 "The Singing Sculpture"로, 예술가들이 1930년대의 노래 "Underneath the Arches"를 부르고 춤을 추는 퍼포먼스였다. 이후 그들은 라이브 조각으로 확고한 명성을 얻었으며, 다양한 시간 간격 동안 관객 앞에서 자신을 예술 작품으로 전시했다. 그들은 보통 정장을 입고 넥타이를 매고, 움직임 없이 다양한 자세를 취하지만, 때로는 움직이거나 텍스트를 읽기도 하며, 때로는 모임이나 예술 설치에 등장하기도 한다.[142] 조각 작품 외에도, 길버트 앤 조지는 회화 작품, 콜라주, 포토몽타주를 제작했으며, 그 안에서 그들은 도시 문화와 강렬한 내용을 담아 자신들의 주변에서 가져온 다양한 물건들과 함께 자신들을 묘사했다. 그들은 섹스, 인종, 죽음, HIV, 종교 또는 정치와 같은 주제를 다루며,[143] 여러 번 영국 정부와 기득권 세력을 비판했다. 이 그룹의 가장 다작하고 야심 찬 작품은 "Jack Freak Pictures"로, 유니언 잭에서 빨강, 흰색, 파랑의 색상이 지속적으로 나타났다. 길버트 앤 조지는 아인트호벤의 스테델릭 반 아베 미술관(1980), 런던의 헤이워드 갤러리(1987), 그리고 테이트 모던(2007)과 같은 전 세계 박물관과 갤러리에서 작품을 전시했다. 그들은 베니스 비엔날레에도 참여했다. 1986년에는 터너상을 수상했다.[144]
인듀어런스 퍼포먼스 아트는 트랜스, 고통, 고독, 자유 박탈, 고립 또는 피로라는 주제를 심화시킨다.[145] 오랜 시간이 소요되는 일부 작품은 장기 공연이라고도 알려져 있다.[146] 1970년대부터 캘리포니아에서 활동한 크리스 버든은 이 분야의 선구적인 예술가 중 한 명이었다.[147] 그의 가장 유명한 작품 중 하나는, ''사물함 속 5일'' (1971)로 학교 사물함 안에서 5일 동안 머물렀고, ''사격'' (1971)에서는 총에 맞았으며, ''침대 조각'' (1972)에서는 미술관 내부의 침대에서 22일 동안 생활했다.[148] 또 다른 인듀어런스 예술가의 예시로는 테칭 시에가 있다. 1980–1981년에 제작된 퍼포먼스인 (''타임 클락 피스'')에서 시에는 1년 동안 매시간마다 스튜디오에 설치된 타임 클락 옆에서 자신의 사진을 찍었다. 시에는 또한 자유 박탈에 관한 퍼포먼스로도 유명하며, 그는 1년 전체를 갇힌 채로 보냈다.[149] 마리나 아브라모비치는 ''바다가 보이는 집'' (2003)에서 12일 동안 음식 없이 침묵 속에서 생활했다.[150] 9번의 감금 또는 자유 박탈은 2013년과 2016년에 걸쳐 수행된 비판적인 내용을 담은 개념적 인듀어런스 예술 작품이다. 이 작품들은 모두 부당한 자유 박탈이라는 공통점을 가지고 있다.
1970년대 중반, 철의 장막 뒤의 부다페스트, 크라쿠프, 베오그라드, 자그레브, 노비사드 등 주요 동유럽 도시에서 더욱 실험적인 내용을 담은 무대 예술이 번성했다. 정치적, 사회적 통제에 저항하여 정치적 내용을 담은 퍼포먼스를 펼치는 다양한 예술가들이 등장했다. 오르시 드로즈딕의 퍼포먼스 시리즈인 《개인 신화》 1975–77 및 《누드 모델》 1976–77이 그 예이다. 그녀의 모든 행위는 예술계의 가부장적 담론과 강제적인 해방 프로그램에 대한 비판이었으며, 이는 마찬가지로 가부장적인 국가에 의해 구성되었다.[151] 드로즈딕은 이 두 가지에 대해 선구적이고 페미니스트적인 관점을 보여주며, 동유럽에서 이러한 유형의 비판적 예술의 선구자 중 한 명이 되었다.[152] 1970년대, 퍼포먼스 아트는 동유럽 아방가르드에서 확고한 존재감을 나타냈으며, 특히 폴란드와 유고슬라비아에서 신체에 대한 개념적이고 비판적인 탐구를 하는 수십 명의 예술가들이 등장했다.
1976년 중반, 울라이와 마리나 아브라모비치는 암스테르담 시에서 The Other 집단을 창설했다. 아브라모비치와 울라이가 협업을 시작했을 때[153] 그들이 탐구한 주요 개념은 자아와 예술적 정체성이었다. 이것은 10년간의 협업의 시작이었다.[154] 두 예술가 모두 자신들의 문화유산 전통과 개인의 의식에 대한 욕구에 관심을 가졌다.[155] 그 결과, 그들은 ''The Other''라는 집단을 결성했다. 그들은 하나처럼 옷을 입고 행동했으며 절대적인 신뢰 관계를 형성했다. 그들은 그들의 몸을 통해 관객의 상호 작용을 위한 추가적인 공간을 창출하는 일련의 작품을 만들었다. ''Relation in Space''에서 그들은 방 안을 뛰어다녔고, 두 개의 몸은 마치 두 개의 행성 같았으며, 남성적 에너지와 여성적 에너지를 융합하여 "그 자아"라고 불리는 세 번째 구성 요소를 만들었다.[156] ''Relation in Movement''(1976)에서는 그 커플이 박물관 안에서 차를 몰고 365번 회전하는 퍼포먼스를 선보였다. 검은 액체가 차에서 흘러나와 조각상을 형성했고, 각 회전은 1년을 나타냈다.[157] 그 후 그들은 ''Breathing In/Breathing Out''을 제작했는데, 여기서 둘은 입술을 맞대고 서로가 내쉬는 공기를 들이마시며 모든 산소를 소진할 때까지 이어나갔다. 퍼포먼스 시작 후 정확히 17분 만에 둘 다 폐에 이산화탄소가 가득 차 의식을 잃었다. 이 작품은 한 사람이 다른 사람의 생명을 흡수하여 그들을 변화시키고 파괴할 수 있는 능력에 대한 아이디어를 탐구했다. 1988년, 긴장된 관계를 맺어온 지 몇 년 후, 아브라모비치와 울라이는 집단을 끝낼 정신적인 여행을 하기로 결정했다. 그들은 만리장성을 따라 걸으며, 반대편에서 시작하여 중간 지점에서 서로를 만났다. 아브라모비치는 꿈속에서 이 산책을 구상했고, 그것은 그녀에게 신비주의, 에너지, 매력으로 가득 찬 관계에 적절하고 낭만적인 결말을 제시했다고 생각했다.[158] 울라이는 고비 사막에서 시작했고, 아브라모비치는 황해에서 시작했다. 각자 2500km를 걸었고, 중간에서 서로를 만나 작별 인사를 했다.
1973년, 로리 앤더슨은 뉴욕 거리에서 《얼음 위 듀엣》을 공연했다. 마리나 아브라모비치는 퍼포먼스 《리듬 10》에서 신체 훼손을 개념적으로 포함시켰다.[159] 30년 후, 강간, 수치심, 성적 착취에 대한 주제는 ''클리포드 오웬스'',[160] ''길리언 왈시'', ''팻 올레즈코'' 및 ''레베카 파텍''과 같은 현대 예술가들의 작품에서 재해석되었다.[161] 급진적인 행위를 하는 새로운 예술가들은 퍼포먼스의 주요 선구자로 자리 잡았는데, 예를 들어 1971년 조수에게 5미터 거리에서 팔에 총을 맞은 크리스 버든의 《슛》, 같은 해 비토 아콘치의 《씨드베드》가 있다. 1963년 캐롤리 슈니만의 《아이 바디》는 이미 퍼포먼스 아트의 원형으로 여겨졌다. 1975년, 슈니만은 예술적 매체로서 여성의 신체를 보여주는 《인테리어 스크롤》과 같은 혁신적인 솔로 행위에 의존했다.
주요 예술가 중 한 명은 이탈리아 출신 프랑스 예술가인 지나 판이었다.[162] 그녀는 1960년부터 1965년까지 파리 국립고등미술학교에서 공부했고[163] "아르 코포렐"이라고 불리는 1970년대 프랑스의 퍼포먼스 아트 운동의 일원이었다.[164] 그녀의 예술 활동과 병행하여 판은 1975년부터 1990년까지 르망 국립미술학교에서 가르쳤고 1978년부터 1979년까지 퐁피두 센터에서 퍼포먼스 아트를 전문으로 하는 ''아틀리에''를 운영했다.[164] 그녀의 가장 잘 알려진 작품 중 하나는 그녀가 촛불이 켜진 곳에 금속 침대 스프링에 누워있었던 《컨디셔닝》(1973)이다. 《컨디셔닝》은 마리나 아브라모비치에게 헌정되었으며, 2005년 뉴욕 솔로몬 R. 구겐하임 미술관에서 열린 그녀의 《7개의 쉬운 작품》 (2005)의 일부였다. 그녀의 작품의 상당 부분은 자기 학대에 의해 주도되었으며, 1970년대의 다른 대부분의 여성 예술가들과 그녀를 차별화했다. 면도칼로 피부를 베거나 맨손과 맨발로 불을 끄는 폭력을 통해 판은 방문객에게 '실제 경험'을 불러일으키고 그들의 불편함에 감동을 주려고 했다.[162] 그녀가 선호하는 대로, 이러한 최초의 퍼포먼스 아트 작품 또는 액션의 충격적인 본질은 종종 그녀의 다작의 사진 및 조각 작품을 가렸다. 그럼에도 불구하고, 신체는 판의 작품에서 문자 그대로 또는 개념적으로 주요 관심사였다.
2. 4. 1980년대 이후: 행위 예술의 제도화와 확장
1980년대부터 행위 예술은 미술관과 갤러리 등 제도권 예술계에 본격적으로 수용되기 시작했다.[165][166][167] 로즈리 골드버그는 저서 『미래주의에서 현재까지의 행위 예술』에서 "행위 예술은 대중에게 직접적으로 어필하고, 관객에게 예술과 문화의 관계에 대한 자신들의 개념을 재평가하도록 충격을 주는 방식이 되어 왔다"고 언급했다. 1980년대에는 정치적 맥락이 예술적 발전, 특히 퍼포먼스에 중요한 역할을 했으며, 비판적이고 정치적인 담론을 담은 거의 모든 작품이 이 분야에서 창작되었다.[168]
페미니스트 퍼포먼스 아트는 여성의 신체와 경험을 중심으로 성차별과 사회적 억압에 저항하는 행위 예술의 중요한 흐름으로 자리 잡았다. 1973년부터 로스앤젤레스의 여성의 건물에 있는 페미니스트 스튜디오 워크숍은 페미니스트 행위에 영향을 미쳤지만, 1980년까지 완전히 융합되지 않았다. 1968년 학생 운동과 페미니스트 운동의 영향을 받은 여성들이 두각을 나타낸 예술가 그룹이 있었다.[170] 이 연결은 현대 미술사 연구에서 다루어졌다. 표현과 쇼에서 혁신적인 기여를 한 여성 중 가장 중요한 인물은 피나 바우쉬와 1985년 뉴욕시에서 등장한 게릴라 걸스였다.[171] 게릴라 걸스는 익명의 페미니스트이자 반인종차별주의 예술 단체로,[175][172][173][174] 정치적 퍼포먼스 아트를 통해 예술에서 여성에 대한 차별을 비난하기 위해 게릴라 전술을 사용했기 때문에 그 이름을 선택했다.[175][176][177][178][179]
신디 셔먼은 미국의 사진 작가이자 예술가이다. 그녀는 대부분의 퍼포먼스 사진에 등장하지만, 그들을 자화상으로 여기지 않는다. 셔먼은 우리 사회에서 여성이 하는 역할과 미디어에서 묘사되는 방식, 그리고 예술 창작의 본질과 같은 현대 세계의 다양한 주제를 표현하는 수단으로 자신을 사용한다. 2020년 그녀는 ''울프 예술상''을 수상했다.[182]
주디 시카고는 미국의 페미니스트 예술과 퍼포먼스 아트의 선구적인 예술가이다. 1970년대에 시카고는 미국 최초의 페미니스트 예술 프로그램을 설립했다. 시카고의 가장 잘 알려진 작품은 역사 전반에 걸쳐 여성의 업적을 기념하고 최초의 서사적 페미니스트 예술 작품으로 널리 여겨지는 ''디너 파티''이며, 이는 브루클린 미술관의 엘리자베스 A. 새클러 페미니스트 미술 센터에 영구적으로 설치되었다.
뉴미디어 아트는 컴퓨터, 인터넷 등 새로운 기술을 활용하여 행위 예술의 표현 방식을 확장시켰다. 1990년대 후반과 2000년대에 들어서면서 많은 예술가들이 월드 와이드 웹, 디지털 비디오, 웹캠, 스트리밍 미디어와 같은 기술을 퍼포먼스 작품에 통합했다.[206] 코코 푸스코, 슈 리청, 프레마 머피와 같은 예술가들은 인터넷과 관련하여 젠더, 인종, 식민주의, 신체의 역할에 주목하는 퍼포먼스 아트를 제작했다.[207]
코코 푸스코는 미국에서 거주하며 활동하는, 학제간의 쿠바계 미국인 예술가, 작가, 큐레이터이다. 그녀는 자신의 작품을 통해 정체성, 인종, 권력, 젠더와 같은 주제를 퍼포먼스를 통해 탐구한다.[212][22]
1990년대 이후, 베니스 비엔날레 등 주요 국제 미술 행사에서 행위 예술이 주요 부문으로 다뤄지면서, 그 위상이 더욱 높아졌다. 1990년대는 전형적인 유럽의 퍼포먼스 예술이 부재했던 시기였기에 퍼포먼스 예술가들은 조용히 활동했다. 그럼에도 불구하고 동유럽에서는 정점을 경험했다. 한편, 라틴 아메리카의 퍼포먼스는 계속해서 번성했으며, 페미니스트 퍼포먼스 아트도 마찬가지였다. 베니스 아트 비엔날레가 퍼포먼스 아트에 문을 열면서 퍼포먼스 아트 전시에 대한 관심이 높아지는 등 전반적인 전문화가 이루어졌으며, 이 분야의 여러 예술가들이 황금사자상을 수상했는데, 여기에는 안네 임호프, 레지나 호세 갈린도, 산티아고 시에라 등이 포함된다.
1990년대 서구 세계에서 행위 예술은 주류 문화에 합류했다. 다양한 행위 예술 작품을 라이브, 사진 또는 기록을 통해 갤러리와 박물관에서 예술 분야로 이해하기 시작했다.[199] 1990년대 이후 베네치아 비엔날레, 상파울루 비엔날레, 리옹 비엔날레와 같은 중요한 비엔날레에 더 많은 행위 예술가들이 초청되었다.
3. 한국의 행위 예술
4. 주요 예술가 및 작품
1970년대 초, 행위 예술가들은 비디오 형식을 본격적으로 사용하기 시작했다. 조안 조나스와 비토 아콘치의 몇몇 전시회는 이전의 수행적 과정을 통해 활성화된 비디오로만 구성되었다. 캐롤리 슈니먼과 로버트 휘트먼의 1960년대 비디오 퍼포먼스 작업 또한 1970년대 초에 행위 예술을 독립적인 예술 형식으로 발전시킨 선구자로 여겨진다.[135]
조안 조나스는 1972년에 실험적인 퍼포먼스에 비디오를 포함하기 시작했고, 브루스 나우만은 자신의 행위를 비디오로 직접 기록하기 위해 연출했다.[136]
길버트 앤 조지는 이탈리아 예술가 길버트 프로에쉬와 영국 예술가 조지 패스모어이며, 개념 미술, 퍼포먼스, 바디 아트 분야에서 활동해왔다. 그들은 라이브 조각 행위로 가장 잘 알려져 있다.[140][141]
1973년, 로리 앤더슨은 뉴욕 거리에서 《얼음 위 듀엣》을 공연했다. 마리나 아브라모비치는 퍼포먼스 《리듬 10》에서 신체 훼손을 개념적으로 포함시켰다.[159]
주요 예술가 중 한 명은 이탈리아 출신 프랑스 예술가인 지나 판이었다.[162] 그녀는 1960년부터 1965년까지 파리 국립고등미술학교에서 공부했고[163] "아르 코포렐"이라고 불리는 1970년대 프랑스의 퍼포먼스 아트 운동의 일원이었다.[164]
페미니스트 퍼포먼스 아트와 관련하여, 1973년부터 로스앤젤레스의 여성의 건물에 있는 페미니스트 스튜디오 워크숍은 페미니스트 행위에 영향을 미쳤지만, 1980년까지 완전히 융합되지 않았다. 1968년 학생 운동과 페미니스트 운동의 영향을 받은 여성들이 두각을 나타낸 예술가 그룹이 있었다.[170] 이 연결은 현대 미술사 연구에서 다루어졌다. 표현과 쇼에서 혁신적인 기여를 한 여성 중 가장 중요한 인물은 피나 바우쉬와 1985년 뉴욕시에서 등장한 게릴라 걸스였다.[171] 게릴라 걸스는 익명의 페미니스트이자 반인종차별주의 예술 단체이다.[175][172][173][174]
신디 셔먼은 미국의 사진 작가이자 예술가이다. 그녀는 대부분의 퍼포먼스 사진에 등장하지만, 그들을 자화상으로 여기지 않는다. 셔먼은 우리 사회에서 여성이 하는 역할과 미디어에서 묘사되는 방식, 그리고 예술 창작의 본질과 같은 현대 세계의 다양한 주제를 표현하는 수단으로 자신을 사용한다.
주디 시카고는 미국의 페미니스트 예술과 퍼포먼스 아트의 선구적인 예술가이다. 시카고는 출생과 창조의 이미지에 대한 그녀의 큰 협력적인 예술 설치 작품으로 알려져 있으며, 이는 역사와 문화에서 여성의 역할을 검토한다.
1970년대~1980년대 동안 행위 예술은 대학교와 학술 기관에서 제공하는 워크숍과 프로그램을 통해 라틴 아메리카로 확산되었다. 주로 멕시코, 콜롬비아(예: ''마리아 테레사 힌카피''), 브라질, 아르헨티나에서 발전했다.[196]
아나 멘디에타는 쿠바에서 태어나 미국에서 자란 개념 미술가이자 행위 예술가였다. 그녀는 주로 랜드 아트 분야의 작품과 행위 예술로 알려져 있다. 그녀는 자신의 작품을 ''흙-몸 예술''이라고 묘사했다.[189][190]
타니아 브루게라는 행위 예술과 정치 예술을 전문으로 하는 쿠바 예술가이다. 그녀는 관람객의 반응과 행동에 직면한 언어와 신체의 한계에 초점을 맞춰 자신의 예술적 실천을 정의하기 위해 "행동 예술"과 같은 개념을 개발했다.
레지나 호세 갈린도는 행위 예술을 전문으로 하는 과테말라 예술가이다. 그녀의 작품은 자신의 몸을 대결과 사회 변혁의 도구로 사용하여 명시적인 정치적, 비판적 내용을 특징으로 한다.[195]
2000년대와 2010년대 동안, 푸시 라이엇, 타니아 브루게라, 표트르 파블렌스키와 같은 예술가들은 다양한 예술적 행위로 평가를 받아왔다.[213]
2012년 2월 21일, 블라디미르 푸틴의 재선에 반대하는 시위의 일환으로, 예술 집단 푸시 라이엇의 여러 여성들이 러시아 정교회의 모스크바 구세주 그리스도 대성당에 들어갔다. 그들은 십자가를 긋고, 성전에 절을 한 뒤 "성모 마리아, 푸틴을 몰아내소서"라는 구호 아래 노래와 춤으로 구성된 퍼포먼스를 시작했다. 3월 3일, 그들은 구금되었다.[214]
2012년 이후, 예술가 아벨 아스코나는 그의 작품 중 일부로 기소되었다.
2014년 12월, 타니아 브루게라는 새로운 주장 작업을 수행하지 못하도록 라 아바나에서 구금되었다. 그녀의 퍼포먼스 작품은 그녀에게 혹독한 비판을 받았으며, 그녀는 저항과 공공 소란을 조장했다는 혐의를 받았다.[231][232]
2015년 11월과 2017년 10월, 표트르 파블렌스키는 러시아 연방보안국 본부인 루비안카 빌딩과 프랑스 은행 지점의 입구에 불을 지르는 급진적인 퍼포먼스 작품을 수행하여 체포되었다.[238]
2000년대 이후, 대형 박물관, 기관 및 컬렉션이 행위 예술을 지원해왔다. 2003년 1월부터 런던의 테이트 모던(Tate Modern)은 라이브 아트와 퍼포먼스 큐레이션 프로그램을 운영해왔다.[240]
현대 미술관(MoMA)은 마리나 아브라모비치의 작품에 대한 대규모 회고전과 퍼포먼스 재현을 개최했는데, 이는 MoMA 역사상 가장 큰 규모의 행위 예술 전시였다. 2010년 3월 14일부터 31일까지 진행되었다.[242][243]
4. 1. 주요 작품
| 예술가 | 작품명 | 설명 |
|---|---|---|
| 요제프 보이스 | 《죽은 토끼에게 그림을 설명하는 방법》(1965) | 꿀과 금박으로 얼굴을 가리고 팔에 안은 죽은 토끼에게 자신의 작품을 설명하는 퍼포먼스를 선보였다. 이는 예술가의 신체, 제스처, 의사소통 방식 등을 통해 사회에 대한 치유와 구원의 메시지를 전달하려는 시도였다.[108] |
| 요제프 보이스 | 《나는 미국을 좋아하고 미국도 나를 좋아한다》(1974) | 코요테와 3일 동안 함께 지내며 자본주의의 상징인 미국의 신문을 쌓는 퍼포먼스를 통해 인간과 자연, 자본주의 사회에 대한 비판적 성찰을 담아냈다.[110] |
| 캐롤리 슈니만 | 《고기 기쁨》(1964) | 자신의 신체를 작업의 표면으로 삼아 여성의 신체, 성, 젠더에 대한 탐구를 담은 멀티미디어 작품을 선보였다.[95] |
| 캐롤리 슈니만 | 《내부 두루마리》(1975) | 자신의 신체를 작업의 표면으로 삼아 여성의 신체, 성, 젠더에 대한 탐구를 담은 멀티미디어 작품을 선보였다.[95] |
| 요코 오노 | 《컷 피스》(1964) | 관객이 자신의 옷을 가위로 잘라내는 행위를 통해 참여와 소통을 유도하는 퍼포먼스를 선보였다.[104] |
| 크리스 버든 | 《슛》(1971) | 친구에게 자신의 팔을 총으로 쏘게 하는 퍼포먼스를 통해 개인적 위험을 예술적 표현의 수단으로 활용했다.[127] |
| 크리스 버든 | 《5일 락커 피스》(1971) | 5일 동안 사물함에 갇혀 지내는 퍼포먼스를 통해 신체적, 정신적 한계에 도전했다.[130] |
| 마리나 아브라모비치 | 《리듬 10》(1973) | 칼을 이용해 자신의 신체를 훼손하는 퍼포먼스를 선보였다.[159] |
| 마리나 아브라모비치 | 《예술가는 여기에 있다》(2010) | 현대 미술관에서 726시간 30분 동안 침묵하며 관객과 마주 앉는 퍼포먼스를 통해 예술가와 관객 간의 교감을 탐구했다.[245] |
| 엠마 설코위츠 | 《매트리스 퍼포먼스 (그 무게를 짊어져라)》(2014-2015) | 자신이 겪은 강간 사건에 대한 항의의 표시로 컬럼비아 대학교 캠퍼스에서 매트리스를 들고 다니는 퍼포먼스를 통해 성폭력 문제에 대한 사회적 관심을 촉구했다.[250] |
| 라스테시스 | 《네 길에 강간범이 있다》(2019) | 2019-2020 칠레 시위와 관련된 여성 인권 침해에 대한 항의 퍼포먼스를 통해 여성 폭력 문제에 대한 국제적 연대를 이끌어냈다.[253][254][255] |
5. 행위 예술의 특징
행위 예술은 다음과 같은 몇 가지 기본적인 특징을 갖는다.[261][262]
| 특징 | 설명 |
|---|---|
| 시간 | 특정 시간 동안 진행된다. |
| 장소 | 미술관, 갤러리, 카페, 극장, 길거리 등 다양한 장소에서 행해질 수 있다. |
| 퍼포머(Performer)의 신체 | 행위 예술에서 퍼포머의 신체는 중요한 요소이다. |
| 퍼포머와 관객과의 관계 | 퍼포머와 관객 사이의 관계 또한 행위 예술에서 중요한 부분을 차지한다. |
대부분의 행위 예술은 한 번만 공연되고, 여러 번 반복되지 않는 경우가 많다.[265] 그러나 영상 등을 통해 다시 재현되기도 한다. 또한, 즉흥적으로 이루어지기도 하고, 잘 짜여진 각본에 따라 연습을 거쳐 공연되기도 한다.
6. 비평 및 논란
행위 예술은 때때로 과격하고 도발적인 표현 때문에 논란이 되기도 한다. 특히 신체를 극단적으로 사용하거나 사회적으로 금기시되는 것을 건드리는 작품은 윤리적인 문제와 연결되기도 한다. 빈 액셔니즘은 20세기의 짧고 논란이 많았던 예술 운동으로, 폭력성, 그로테스크함, 시각적 효과로 기억된다.[60]
1990년대 이후 행위 예술이 제도화되고 상업화되면서 예술의 본질과 순수성에 대한 논쟁이 벌어지기도 했다. 2000년대 이후, 테이트 모던이나 현대 미술관(MoMA)과 같은 대형 박물관, 기관 및 컬렉션이 행위 예술을 지원해왔다.
행위 예술의 기록과 보존 문제는 여전히 해결해야 할 과제로 남아있다. 사진, 비디오 등 다양한 매체를 통해 기록되지만, 행위 예술의 현장성과 생생함을 온전히 전달하기는 어렵다.
2000년대와 2010년대에는 푸시 라이엇, 타니아 브루게라, 표트르 파블렌스키와 같은 예술가들이 다양한 예술적 행위로 평가를 받았다.[213] 2012년, 아벨 아스코나는 그의 작품 중 일부로 기소되기도 했다.[223][224]
2014년에는 엠마 설코위츠의 "매트리스 퍼포먼스"라고도 알려진 행위 예술 작품 ''매트리스 퍼포먼스 (그 무게를 짊어져라)''가 제작되었다.[250] 2019년에는 칠레 발파라이소의 페미니스트 단체 라스테시스가 제작한 집단 행위 예술 작품 ''네 길에 강간범이 있다''가 만들어졌다.[253][254][255]
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