노이즈 (음악)

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1. 개요
2. 역사
3. 하위 장르
4. 주요 아티스트
5. 연주 및 제작 방식
6. 사회적 관점
7. 비판적 관점
참조

1. 개요

노이즈 음악은 리듬과 선율이 없는 음악으로, 산업 제품, 자연의 소리, 전자 음악 등을 활용하여 소리를 구성하는 예술이다. 미래주의, 다다이즘 등 초기 예술 운동에서 기원했으며, 존 케이지, 루이지 루솔로 등 다양한 예술가들이 소음을 음악의 재료로 탐구했다. 구체 음악, 인더스트리얼 음악, 노이즈 록 등 다양한 하위 장르로 발전했으며, 파워 일렉트로닉스, 하쉬 노이즈, 하쉬 노이즈 월 등이 대표적이다. 메르츠보우, 히조카이단 등 주요 아티스트들이 있으며, 전기 제품, 자연물, 자작 악기 등 다양한 매체를 활용하여 연주하고 제작한다.

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노이즈 (음악)
장르 정보
이름	노이즈 음악
스타일 기원	모더니즘 전자 미래주의 다다 구체 음악
문화적 기원	1910년대, 이탈리아
파생 장르	다크 앰비언트 산업 노 웨이브 아웃사이더 하우스 데인저 뮤직
하위 장르	파워 일렉트로닉스 하쉬 노이즈 월
융합 장르	글리치 노이즈 팝 노이즈 록 파워 노이즈 베이퍼웨이브
지역적 특징	일본 인도네시아
관련 항목	앰비언트 음악 아방가르드 음악 전자 음향 음악 실험 음악 익스트라톤 파운드 사운드 플럭서스 자유 즉흥 연주 불확정성 노이즈 음악가 목록 로-파이 마이크로사운드 구체 음악 노이즈 퍼포먼스 아트 사운드 스컬프처 초현실주의

2. 역사

노이즈 음악은 리듬이나 선율을 포함하지 않고, 공구, 산업 제품, 전자 음악, 거리 소리, 자연의 소리, 함성 등을 악곡 구성에 사용한다. 시대에 따라 스타일이 변천하며, 현대에는 소리를 데이터로 채취하여 컴퓨터로 가공·혼합하기도 한다.^[108] 덴마크의 노이즈 및 음악 이론가 토르벤 상길은 음악에서의 노이즈에 대한 단일 정의는 불가능하며, 대신 세 가지 정의를 제시한다: 음악 음향학적 정의, 의사소통적 정의, 주관성에 기반한 정의.^[20] 머레이 섀퍼는 노이즈의 네 가지 유형으로 원치 않는 노이즈, 음악적이지 않은 소리, 시끄러운 소리, 신호 시스템 방해를 제시한다.^[21]

음악과 관련하여 무엇을 노이즈로 간주하는지에 대한 정의는 시간이 지남에 따라 변해왔다.^[22] 벤 왓슨(음악 작가)은 루트비히 판 베토벤의 "대 푸가"(1825)가 당시 청중에게 "노이즈처럼 들렸다"고 지적한다.^[23] 폴 헤거티(2007)는 장 보드리야르, 조르주 바타유, 테오도어 아도르노의 작품을 인용하여 노이즈의 역사를 추적하고, 존 케이지의 ''4분 33초''가 노이즈 음악의 시작을 나타낸다고 주장한다. 일본 노이즈 음악에 대해 그는 "장르가 아니지만, 다양한 장르이며, 이 다양성으로 특징지어진다"고 말한다.^[105]

더글러스 칸은 ''노이즈, 물, 고기: 예술에서의 소리의 역사''(1999)에서 노이즈를 매체로 사용하는 것을 논하고, 앙토냉 아르토, 조지 브레히트, 윌리엄 버로스 등의 아이디어를 탐구한다. 자크 아탈리는 ''노이즈: 음악의 정치 경제''(1985)에서 노이즈 음악을 사회 변혁의 중요한 예시로 간주하며, 노이즈 음악과 사회의 미래의 관계를 탐구한다.^[24]

루 리드의 ''메탈 머신 뮤직''(1975)은 노이즈 음악 장르의 주요 특징을 담고 있는 것으로 인용된다.^[81] 1970년대 후반, 펑크 록의 영향으로 카바레 볼테르, 쓰로빙 그리스틀 등의 영국 밴드들이 인더스트리얼 음악을 이끌었다. 이들은 퇴폐적인 테마, 아트워크, 사운드 스타일을 통해 이후 노이즈 음악에 큰 영향을 주었다.^[119] 1978년 호주의 정신 병원에서 결성된 SPK의 초기 공격성과 1980년 MB로 활동을 시작한 이탈리아의 마우리치오 비안키의 초기 작품은 노이즈 음악의 원형을 보여주었다.

2. 1. 기원: 미래파와 소음 예술

리듬과 선율은 존재하지 않는다. 노이즈 뮤직에서는 공구 및 산업 제품, 전자 음악, 거리의 소리, 심장 소리와 새소리와 파도 소리 같은 자연의 소리 등을 악곡을 구성하는 데 사용하며, 그 외에도 함성 등을 이용하여 음악을 구성한다.^[108] 시대를 거듭해 갈 때마다 스타일이 변천해 가는 것도 특징이며, 현대의 노이즈 음악은 그 소리를 데이터로 채취하여 컴퓨터를 통해 가공·혼합하는 사용 방법도 많이 사용되고 있다.

1913년 미래주의 예술가 루이지 루솔로는 자신의 선언문인 ''L'Arte dei Rumori'', 즉 ''소음의 예술''을 썼으며,^[35] 산업 혁명이 현대인에게 더 복잡한 소리를 감상할 수 있는 능력을 부여했다고 주장했다. 루솔로는 전통적인 멜로디 음악이 제약적이라고 생각했고, 노이즈 음악을 미래의 대체물로 구상했다. 그는 ''인토나루모리''라고 불리는 여러 개의 소음 발생 장치를 설계하고 제작했으며, 이를 연주하기 위한 소음 오케스트라를 구성했다. ''Risveglio di una città''(도시의 각성)와 ''Convegno d'aeroplani e d'automobili''(비행기와 자동차의 만남)라는 작품은 모두 1914년에 처음 공연되었다.^[36]

그의 ''Gran Concerto Futuristico''(1917) 공연은 루솔로 자신이 예상했던 대로 청중의 강한 반대와 폭력에 직면했다. 그의 인토닝 장치는 하나도 남아 있지 않지만, 최근에 일부가 재건되어 공연에 사용되고 있다. 루솔로의 작품은 자파노이즈와 같은 현대 노이즈 음악과는 거의 유사성이 없지만, 그의 노력은 노이즈를 음악적 미학으로 소개하고 소리에 대한 인식을 예술적 매체로 넓히는 데 기여했다.^[37]^[38]

루이지의 형이자 이탈리아 미래주의 작곡가인 안토니오 루솔로는 오리지널 ''인토나루모리''가 등장하는 두 작품의 녹음을 제작했다. 1921년에 제작된 축음기 음반에는 ''Corale''와 ''Serenata''라는 작품이 수록되어 있으며, 유명한 소음 기계에 대비되는 기존의 오케스트라 음악을 결합한 것으로, 유일하게 남아 있는 녹음 음반이다.^[40]

루솔로는 "소음"을 낼 수 있는 특제 악기 인토나루모리를 발명하여 제작했다. 실물은 제2차 세계 대전에서 소실되었지만, 음색의 기록은 남아있어 지금도 들을 수 있다.

1916년 마르셀 뒤샹의 초기 다다 관련 작품 또한 노이즈를 다루었지만, 거의 무음의 방식으로 다루었다. 마르셀 뒤샹의 레디메이드 중 하나인 ''A Bruit Secret''(숨겨진 소리와 함께)는 월터 아렌스버그와 협력하여 제작한 노이즈 악기였다.^[41] ''A Bruit Secret''을 흔들 때 안에서 무엇이 흔들리는지는 미스터리로 남아 있다.^[42]

2. 2. 초기 실험: 다다이즘과 구체 음악

1910년 이삭 알베니스의 제자였던 카롤-베라르는 ''기계적 힘의 교향곡''을 작곡하고 노이즈 음악의 악기 편성 문제에 대해 글을 썼으며, 표기법을 개발했다.^[34]

1913년 미래주의 예술가 루이지 루솔로는 자신의 선언문인 ''L'Arte dei Rumori'', 즉 ''소음의 예술''을 통해,^[35] 산업 혁명이 현대인에게 더 복잡한 소리를 감상할 수 있는 능력을 부여했다고 주장했다. 루솔로는 전통적인 멜로디 음악이 제약적이라고 생각했고, 노이즈 음악을 미래의 대체물로 보았다. 그는 ''인토나루모리''라고 불리는 여러 개의 소음 발생 장치를 설계하고 제작했으며, 이를 연주하기 위한 소음 오케스트라를 구성했다. ''Risveglio di una città''(도시의 각성)와 ''Convegno d'aeroplani e d'automobili''(비행기와 자동차의 만남)이라는 작품은 모두 1914년에 처음 공연되었다.^[36] 그의 ''Gran Concerto Futuristico''(1917년) 공연은 루솔로 자신이 예상했던 대로 청중의 강한 반대와 폭력에 직면했다. 그의 인토닝 장치는 하나도 남아 있지 않지만, 최근에 일부가 재건되어 공연에 사용되고 있다. 루솔로의 작품은 자파노이즈와 같은 현대 노이즈 음악과는 거의 유사성이 없지만, 그의 노력은 노이즈를 음악적 미학으로 소개하고 소리에 대한 인식을 예술적 매체로 넓히는 데 기여했다.^[37]^[38]

루이지의 형이자 이탈리아 미래주의 작곡가인 안토니오 루솔로는 오리지널 ''인토나루모리''가 등장하는 두 작품의 녹음을 제작했다. 1921년에 제작된 축음기 음반에는 ''Corale''와 ''Serenata''라는 작품이 수록되어 있으며, 유명한 소음 기계에 대비되는 기존의 오케스트라 음악을 결합한 것으로, 유일하게 남아 있는 녹음 음반이다.^[40]

1916년 마르셀 뒤샹의 초기 다다 관련 작품 또한 노이즈를 다루었지만, 거의 무음의 방식으로 다루었다. 마르셀 뒤샹의 레디메이드 중 하나인 ''A Bruit Secret''(숨겨진 소리와 함께)는 월터 아렌스버그와 협력하여 제작한 노이즈 악기였다.^[41] ''A Bruit Secret''을 흔들 때 안에서 무엇이 흔들리는지는 미스터리로 남아 있다.^[42]

같은 시기에 음악적 자원으로 파운드 사운드의 활용이 탐구되기 시작했다. 초기 사례로는 1917년 5월 18일 파리의 샤틀레 극장에서 제작된 공연인 ''퍼레이드''(Parade)가 있는데, 장 콕토가 기획하고, 파블로 피카소가 디자인했으며, 레오니트 마신이 안무하고, 에릭 사티가 작곡했다. 이 작품에 사용된 음악 외적 자료는 콕토에 의해 ''트롱프 로레이유''(trompe l'oreille, 착각) 사운드라고 불렸으며, 발전기, 모스 부호 기계, 사이렌, 증기 기관, 비행기 모터, 타자기가 포함되었다.^[43] 아르세니 아브라아모프의 작품인 ''공장 사이렌 교향곡''은 해군 함선 사이렌과 호루라기, 버스와 자동차 경적, 공장 사이렌, 대포, 안개 경적, 포병총, 기관총, 수상 비행기, 특히 소음으로 ''인터내셔널가''와 ''라 마르세예즈''를 연주하도록 설계된 증기 호루라기 기계를 포함했으며, 1922년 바쿠에서 공연될 때 깃발과 권총을 사용하는 팀이 지휘했다.^[44] 1923년, 아르투르 오네게르는 증기 기관차의 소리를 모방한 모더니즘 음악 작품인 ''퍼시픽 231''(Pacific 231)을 만들었다.^[45] 또 다른 예시는 오토리노 레스피기의 1924년 관현악 작품 ''로마의 소나무''(Pines of Rome)로, 축음기를 통해 밤꾀꼬리 녹음을 재생했다.^[43] 또한 1924년에 조지 안테일은 16대의 피아노, 3개의 프로펠러, 7개의 전기 벨을 포함하는 악기로 구성된 작품인 기계 발레를 만들었다. 이 작품은 원래 더들리 머피와 페르낭 레제의 동명의 다다이즘 영화를 위한 음악으로 구상되었지만, 1926년 독립적으로 콘서트 작품으로 초연되었다.^[46]^[47]

1930년에 파울 힌데미트와 에른스트 토흐는 음향 몽타주를 만들기 위해 레코드를 재활용했고, 1936년에는 에드가르 바레즈가 레코드를 실험하며 거꾸로 재생하고 다양한 속도로 재생했다.^[48] 바레즈는 이전에 음향 악기로는 달성할 수 없는 소리의 "연속적인 흐름"을 만들기 위해 사이렌을 사용했다. 1931년, 바레즈의 ''이오니제이션''은 13명의 연주자를 위해 2개의 사이렌, 사자 울음을 특징으로 하며, 37개의 타악기를 사용하여 음고가 없는 소리의 레퍼토리를 만들었으며, 이것은 소음만을 기반으로 구성된 최초의 음악 작품이 되었다.^[49]^[50] 바레즈의 기여에 대해 미국 작곡가 존 케이지는 바레즈가 "음악의 현재 본질을 확립"했으며, "다른 사람들이 '음악적 음'과 소음을 구별하는 동안 그는 소리 자체의 영역으로 이동했다"고 말했다.^[51]

1937년에 쓰여진 에세이에서 케이지는 음악 외적 자료의 사용에 관심을 표명했으며,^[52] 파운드 사운드(그는 소음이라고 불렀다)와 음악적 소리(예: 비, 라디오 채널 사이의 잡음, "시속 80킬로미터의 트럭")를 구별하게 되었다. 본질적으로 케이지는 자신의 관점에서 모든 소리가 창의적으로 사용될 잠재력을 가지고 있다고 보았다. 그의 목표는 음향 환경의 요소를 포착하고 제어하며, 바레즈에서 빌려온 용어인 사운드 조직 방법을 사용하여 소리 자료에 의미를 부여하는 것이었다.^[53] 케이지는 1939년부터 자신의 목표를 탐구하는 일련의 작품을 만들기 시작했는데, 그 첫 번째 작품은 주파수 녹음이 있는 두 개의 가변 속도 턴테이블을 포함한 악기를 위한 ''상상의 풍경 #1''이었다.^[54]

1961년, 제임스 테니는 컴퓨터로 합성된 노이즈를 사용하여 ''아날로그 #1: 노이즈 연구''(테이프용)를 작곡했고, 유명한 엘비스 프레슬리 녹음을 샘플링하고 조작하여 ''콜라주 No.1 (블루 스웨이드)''(테이프용)를 작곡했다.^[55]

2. 3. 확장: 전위 음악과 실험 음악

1917년 5월 18일 파리 샤틀레 극장에서 장 콕토 기획, 파블로 피카소 디자인, 레오니트 마신 안무, 에릭 사티 작곡의 ''퍼레이드''(Parade) 공연이 열렸다. 이 작품에는 발전기, 모스 부호 기계, 사이렌, 증기 기관, 비행기 모터, 타자기 등 음악 외적 자료가 사용되었는데, 콕토는 이를 ''트롱프 로레이유''(trompe l'oreille, 착각) 사운드라고 불렀다.^[43] 1922년 바쿠에서는 아르세니 아브라아모프의 ''공장 사이렌 교향곡''이 공연되었는데, 해군 함선 사이렌, 호루라기, 버스·자동차 경적, 공장 사이렌, 대포, 안개 경적, 포병총, 기관총, 수상 비행기, 그리고 ''인터내셔널가''와 ''라 마르세예즈''를 연주하는 증기 호루라기 기계 등이 사용되었고, 깃발과 권총을 사용하는 팀이 지휘했다.^[44] 1923년 아르투르 오네게르는 증기 기관차 소리를 모방한 모더니즘 음악 작품 ''퍼시픽 231''(Pacific 231)을 만들었다.^[45] 1924년 오토리노 레스피기는 축음기로 밤꾀꼬리 녹음을 재생한 관현악 작품 ''로마의 소나무''(Pines of Rome)를 작곡했다.^[43] 같은 해 조지 안테일은 16대의 피아노, 3개의 프로펠러, 7개의 전기 벨을 포함하는 악기로 구성된 기계 발레를 만들었다. 이 작품은 원래 더들리 머피와 페르낭 레제의 동명 다다이즘 영화 음악으로 구상되었으나, 1926년 독립적인 콘서트 작품으로 초연되었다.^[46]^[47]

1930년 파울 힌데미트와 에른스트 토흐는 음향 몽타주를 위해 레코드를 재활용했고, 1936년 에드가르 바레즈는 레코드를 거꾸로 재생하거나 다양한 속도로 재생하는 실험을 했다.^[48] 바레즈는 이전에는 음향 악기로는 불가능했던 "연속적인 흐름"의 소리를 만들기 위해 사이렌을 사용했다. 1931년 그의 ''이오니제이션''은 13명의 연주자를 위해 2개의 사이렌, 사자 울음을 포함, 37개의 타악기로 음고가 없는 소리 레퍼토리를 만들었는데, 이는 소음만으로 구성된 최초의 음악 작품이었다.^[49]^[50] 존 케이지는 바레즈가 "음악의 현재 본질을 확립"했으며, "다른 사람들이 '음악적 음'과 소음을 구별하는 동안 그는 소리 자체의 영역으로 이동했다"고 평가했다.^[51]

1937년 에세이에서 케이지는 음악 외적 자료 사용에 대한 관심을 표명하며,^[52] 파운드 사운드(그는 소음이라 불렀다)와 음악적 소리(예: 비, 라디오 채널 사이 잡음, "시속 80킬로미터 트럭")를 구분했다. 그는 모든 소리가 창의적으로 사용될 잠재력이 있다고 보았고, 음향 환경 요소를 포착·제어하여 소리 자료에 의미를 부여하는 '사운드 조직'(바레즈에게서 빌린 용어) 방법을 목표로 했다.^[53] 1939년부터 케이지는 이를 탐구하는 작품을 만들기 시작했는데, 첫 작품은 주파수 녹음이 있는 두 개의 가변 속도 턴테이블을 위한 ''상상의 풍경 #1''이었다.^[54] 1961년 제임스 테니는 컴퓨터 합성 노이즈로 ''아날로그 #1: 노이즈 연구''(테이프용)를 작곡하고, 엘비스 프레슬리 녹음을 샘플링·조작하여 ''콜라주 No.1 (블루 스웨이드)''(테이프용)를 작곡했다.^[55]

1932년 바우하우스 예술가 라슬로 모호이너지, 오스카 피싱어, 폴 아르마는 레코드 홈의 물리적 내용을 변경하는 실험을 했다.^[55] 1940년대 후반 샌프란시스코에서 헨리 카웰의 영향으로,^[56] 루 해리슨과 존 케이지는 '고물'(폐기물) 타악기 앙상블 음악을 작곡하기 시작, 고물상과 차이나타운 골동품 가게에서 조율된 브레이크 드럼, 화분, 징 등을 찾았다.

유럽에서는 1940년대 후반 피에르 셰페르가 테이프의 소리, 즉 처음 발생한 소스에서 분리된 소리의 독특한 특성을 지칭하는 ''구체 음악''이라는 용어를 만들었다.^[57] 셰페르는 2차 대전 중 파리 프랑스 라디오 텔레비전 방송국의 스튜디오 데세이 설립에 기여했는데, 처음에는 프랑스 레지스탕스를 지원했으나 이후 전자 장치를 작곡에 구현하는 데 중점을 둔 음악 개발 중심지가 되었다. 이 그룹에서 구체 음악이 개발되었다. 전자 음향 음악의 일종인 구체 음악은 녹음된 소리, 전자 장치, 테이프, 생물체·무생물체 소스, 다양한 조작 기법을 사용한다. 셰페르의 ''Cinq études de bruits''(''다섯 개의 소음 에튀드'') 중 첫 곡 ''Étude aux chemins de fer''(1948)는 변형된 기관차 소리로 구성되었고,^[12] 마지막 ''Étude pathétique''(1948)는 냄비와 운하 보트 녹음 소리를 사용한다. ''Cinq études de bruits''는 1948년 10월 5일 ''Concert de bruits''라는 제목으로 라디오 방송을 통해 초연되었다.

구체 음악에 이어 리처드 맥스필드, 카를하인츠 슈톡하우젠, 고트프리트 미하엘 쾨니히, 피에르 앙리, 이안니스 크세나키스, 라 몬테 영, 데이비드 튜더 등 다른 현대주의 예술 음악 작곡가들은 발견된 소리를 사용한 중요한 전자, 보컬, 기악 작품을 작곡했다.^[55] 1947년 말 앙토냉 아르토는 ''Pour en Finir avec le Jugement de dieu^프랑스어''(''신의 심판을 끝내기 위해'')를 녹음했는데, 다양한 실로폰 소리와 타악기 요소, 충격적인 인간의 울음, 비명, 으르렁거림, 의성어, 글로소라리아 소음이 섞여 있다.^[58]^[59] 1949년 누보 레알리슴 예술가 이브 클라인은 40분짜리 오케스트라 곡 ''모노톤 교향곡''(공식적으로 ''모노톤-침묵 교향곡'', 1947-1948년 구상)을 작곡했는데, 단일 20분 지속 화음(이후 20분 침묵)으로 구성되어^[60] 드론 소리가 어떻게 음악을 만들 수 있는지 보여준다. 같은 해 피에르 불레즈는 에릭 사티 음악 연구를 위해 파리를 방문한 존 케이지와 친구가 되었다. 케이지는 전쟁 기간 동안 준비된 피아노, 고물 타악기, 전자 장치를 위한 작곡을 하며 음악을 더욱 놀라운 방향으로 밀고 나갔다.^[61]

1951년 케이지의 ''Imaginary Landscape #4''는 12개 라디오 수신기를 위한 작품으로 뉴욕에서 초연되었다. 연주는 다양한 파장, 지속 시간, 다이내믹 레벨을 나타내는 악보를 필요로 했는데, 모두 우연성 조작으로 결정되었다.^[62]^[63] 1952년 케이지는 우연성 방식을 테이프 기반 작곡에 적용했다. 같은 해 카를하인츠 슈톡하우젠은 ''Etude''라는 구체 음악 학생 작품을 완성했다. 케이지 작업은 약 600개 테이프 조각으로 구성되어 ''주역'' 요구에 따라 배열된 ''윌리엄스 믹스''로 이어졌다. 1952년 여름 블랙 마운틴 칼리지에서 최초의 예술 "해프닝"과 논란의 "침묵 작품" ''4분 33초''를 공개하며 케이지의 초기 급진적 단계는 절정에 달했다. ''4분 33초'' 초연은 데이비드 튜더가 연주했다. 청중은 그가 피아노에 앉아 뚜껑을 닫고, 잠시 후 연주 없이 뚜껑을 열고, 다시 닫고, 얼마 후 뚜껑을 열고 일어서는 것을 보았다. 튜더나 다른 누구도 의도적 소리를 내지 않았지만, 그는 악보를 넘기며 스톱워치로 길이를 쟀다. 그때서야 청중은 케이지의 주장, 즉 침묵은 없으며 소음은 항상 음악적 소리를 만든다는 것을 인식했다.^[64] 1957년 에드가 바레즈는 긁고, 두드리고, 부는 소리로 만들어진 소음을 사용한 전자 음악 작품 ''Poème électronique''을 테이프에 만들었다.^[65]^[66]

1960년 존 케이지는 '스타일러스'를 대체하는 이물질과 접촉 마이크로 증폭된 작은 소리를 사용한 포노 카트리지용 소음 작곡 ''Cartridge Music''을 완성했다. 같은 해 백남준은 고정 테이프와 수동 제어 테이프 재생 헤드를 위한 ''Fluxusobjekt''를 작곡했다.^[55] 1960년 5월 8일 고스기 다케히사, 톤 야스나오 등 6명의 젊은 일본 음악가들은 소음 음악 테이프 녹음 ''Automatism''과 ''Object''로 그룹 온가쿠를 결성했다. 이 녹음은 진공 청소기, 라디오, 오일 드럼, 인형, 접시 세트와 전통 악기를 혼합하여 사용했고, 테이프 속도 조작으로 소리를 더욱 왜곡시켰다.^[67] 캐나다 니힐리스트 스파즘 밴드는 세계에서 가장 오래 지속되는 소음 밴드로, 1965년 온타리오주 런던에서 결성되어 현재까지 공연과 녹음을 계속하며, 소닉 유스 서스턴 무어, 히조카이단 히로시게 조조 등 영향을 받은 새로운 세대와 함께 작업하며 생존했다. 1967년 라이브 어쿠스틱/전자 즉흥 연주 그룹 무지카 에레트로니카 비바는 로마에서 결성, 베를린 아카데미 데어 쿤스테에서 유리판, 모터 오일 캔 등 "비음악적" 물체에 접촉 마이크를 사용한 ''SpaceCraft''를 녹음했다.^[68]^[69] 60년대 말 그들은 예술가 미켈란젤로 피스톨레토가 시작한 집단 소음 액션 ''Lo Zoo''에 참여했다.

미술 평론가 로잘린드 크라우스는 1968년경 로버트 모리스, 로버트 스미슨, 리처드 세라 등이 "논리적 조건이 더 이상 모더니스트로 묘사될 수 없는 상황에 들어섰다"고 주장했다.^[70] 사운드 아트는 같은 조건에 놓였지만 유통 강조가 더해졌다.^[71] 안티폼 프로세스 아트는 이 포스트모던 포스트 산업 문화와 그 과정을 설명하는 용어가 되었다.^[72] 예술 음악은 격렬한 소음으로 이에 대응했다. 라 몬테 영 플럭서스 작곡 ''89 VI 8 C. 1:42–1:52 AM Paris Encore''는 ''의자, 테이블, 벤치 등을 위한 시'' 발췌, 영의 ''Two Sounds''(1960)는 증폭 타악기와 유리창 작곡, ''Poem for Tables, Chairs and Benches, Etc.'' (1960)는 바닥을 가로지르는 가구 긁는 소리를 사용했다. AllMusic은 1960년대 영국 실험 그룹 AMM을 일렉트로니카, 자유 즉흥 연주, 노이즈 음악 창시자로 평가하며 "노이즈 밴드는 주요 소스를 확인해야 한다"고 썼다.^[73]

2. 4. 대중음악의 영향: 노이즈 록과 노 웨이브

1970년대 후반, 펑크 록의 대폭발 이후, 카바레 볼테르, 스롭빙 그리슬 등의 영국 밴드들이 인더스트리얼 음악을 이끌었다. 이들은 퇴폐적인 테마, 아트워크, 사운드 스타일을 통해 이후 노이즈 음악에 큰 영향을 주었다.^[119] 1978년 호주의 정신 병원에서 결성된 SPK의 초기 공격성과 1980년 MB로 활동을 시작한 이탈리아의 마우리치오 비안키의 초기 작품은 노이즈 음악의 원형을 직접적으로 보여주었다.

노이즈 록은 록 음악과 노이즈를 융합한 장르로, 일반적인 "록" 악기를 사용하지만 왜곡과 전자 효과를 더 많이 사용하고, 무조성, 즉흥 연주, 백색 소음을 다양한 정도로 활용한다. 이 장르의 대표적인 밴드로는 소닉 유스가 있으며, 이들은 노 웨이브 작곡가 글렌 브란카와 리스 채텀(라 몬테 영의 제자였다)^[94]에게 영감을 받았다.

마스와 DNA와 같은 초기 다크 노이즈 그룹은 펑크 록, 아방가르드 미니멀리즘, 퍼포먼스 아트에서 영감을 얻었다.^[95] 1981년 6월 소닉 유스의 서스턴 무어가 뉴욕 예술 공간 화이트 칼럼스에서 주최한 9일간의 노이즈 음악 행사 ''노이즈 페스트''^[96]^[97]와 1983년 5월 라이브 스컬 멤버들이 조직한 ''스피드 트라이얼'' 노이즈 록 시리즈는 이 흐름에서 중요한 역할을 했다.

2. 5. 인더스트리얼 음악의 등장

1970년대에 예술 자체의 개념이 확장되면서, 서바이벌 리서치 래버러토리스, 보르베토마구스, 엘리엇 샤프와 같은 그룹들은 이러한 음악적/공간적 개념의 가장 불협화음적이고 접근하기 어려운 측면을 수용하고 확장했다.^[98] 같은 시기에, 팝 그룹^[99], 쓰로빙 그리스틀, 카바레 볼테르, NON(일명 보이드 라이스)과 함께 인더스트리얼 노이즈 음악의 첫 번째 포스트모던 물결이 나타났다.^[100] 이러한 카세트 문화 릴리스는 종종 기괴한 테이프 편집, 뚜렷한 타악기 및 가혹한 노이즈로 변질될 수 있을 정도로 왜곡된 반복적인 루프를 특징으로 했다.^[101]

1970년대와 1980년대에, 킬링 조크, 쓰로빙 그리스틀, 마크 스튜어트 & 더 마피아, 코일, 라이바흐, 더 템플 오브 사이킥 유스, 스멕마, 너스 위드 운드 그리고 아인스튀르첸데 노이바텐과 같은 인더스트리얼 노이즈 그룹들은 시끄러운 금속 타악기, 기타, 그리고 정교한 무대 공연에서 해머드릴과 뼈와 같은 특이한 "악기"들을 섞어 인더스트리얼 노이즈 음악을 연주했다. 이러한 인더스트리얼 아티스트들은 다양한 정도의 노이즈 생성 기술을 실험했다.^[101] 단파 라디오의 사용에 대한 관심도 이 시기에 발전했는데, 특히 존 던컨의 녹음과 라이브 공연에서 두드러졌다. 포스트 인더스트리얼 노이즈 아트에 영향을 미친 다른 포스트모던 예술 운동으로는 개념 미술과 네오다다에서 사용된 집합, 몽타주, 브리콜라주, 전용과 같은 기술이 있다. 테스트 뎁트, 클락 DVA, 팩트릭스, 오토프시아, 녹터널 이미션스, 화이트하우스, 세버드 헤즈, 서트클리프 융겐트 그리고 SPK가 곧 뒤를 이었다.

1970년대에 가정용 카세트 녹음 기술의 갑작스러운 포스트 인더스트리얼 경제성은 펑크 록의 동시적인 영향과 결합되어, 노 웨이브 미학을 확립하고 오늘날 노이즈 음악이라고 일반적으로 불리는 현상을 촉발했다.^[101]

펑크 록의 대폭발 이후 데뷔한 카바레 볼테르, 쓰로빙 그리스틀 등의 영국의 밴드들이 선도한 인더스트리얼이 제시한 퇴폐적인 테마나 아트워크, 사운드 스타일은 그 이후의 노이즈 뮤직에 영향을 미쳤다. 1978년에 그레이엄 레벨과 닐 힐이 호주의 정신 병원에서 결성한 SPK의 초기 공격성이나 1980년에 MB로서 활동을 시작한 이탈리아의 마우리치오 비안키의 초기 작품의 부식된 사운드 등은 보다 직접적으로 노이즈 뮤직의 원형을 시사했다.

파워 일렉트로닉스 (음악)는 노이즈 음악의 일종으로, 일반적으로 정전기, 쇳소리 같은 피드백 파, 아날로그 신시사이저에 의한 서브 베이스 펄스나 고주파 울음소리, (때로는) 비명과 같은 일그러진 보컬로 구성된다. 이 장르는 인더스트리얼의 영향을 받은 것으로 알려져 있다.

2. 6. 일본 노이즈 음악 (자파노이즈)

리듬과 선율은 존재하지 않는다. 노이즈 뮤직에서는 공구 및 산업 제품, 전자 음악, 거리의 소리, 심장 소리와 새소리, 파도 소리 같은 자연의 소리 등을 악곡을 구성하는 데 사용하며, 함성 등을 이용하여 음악을 구성하는 예술가도 있다. 시대를 거듭해 갈 때마다 스타일이 변천해 가는 것도 특징이며, 현대의 노이즈 음악은 그 소리를 데이터로 채취하여 컴퓨터를 통해 가공·혼합하는 사용 방법도 많이 사용되고 있다.

1980년대 초부터,^[102] 일본은 자파노이즈라고도 불리는 특징적인 하드코어 아티스트와 밴드를 상당수 배출했다. Government Alpha, Alienlovers in Amagasaki, 코지 타노 등이 있으며, 아마도 가장 잘 알려진 사람은 메르츠보우(다다 예술가 쿠르트 슈비터스의 ''메르츠'' 예술 프로젝트의 영향을 받은 일본 노이즈 아티스트 아키타 마사미의 예명)일 것이다.^[103]^[104] 1970년대 말과 1980년대 초, 아키타는 ''Metal Machine Music''을 출발점으로 삼아 기타 기반의 피드백에서 벗어나 소리의 미학을 더욱 추상화했다. 헤가티(2007)에 따르면, "여러 면에서 일본 음악에서 다양한 종류의 노이즈가 등장한 이후에야 비로소 노이즈 음악에 대해 이야기하는 것이 타당하며, 양적으로는 1990년대 이후와 관련이 있다... 마침내 일본 노이즈의 엄청난 성장과 함께 노이즈 음악은 장르가 된다".^[105] 이러한 활동의 급증에 기여한 다른 주요 일본 노이즈 아티스트로는 Hijokaidan, Boredoms, C.C.C.C., Incapacitants, KK Null, 야마자키 마소의 Masonna, Solmania, K2, the Gerogerigegege 및 Hanatarash가 있다.^[104]^[106] ''The Wire''의 닉 케인은 "1990년 이후 노이즈 음악의 주요 발전 중 하나"로 메르츠보우, Hijokaidan, Incapacitants와 같은 일본 노이즈 아티스트의 "우위"를 꼽았다.^[107]

3. 하위 장르

노이즈 음악은 리듬이나 선율 없이, 공구, 산업 제품, 전자 음악, 거리 소리, 자연의 소리 등을 사용하여 악곡을 구성한다. 시대에 따라 스타일이 변천하며, 현대에는 컴퓨터를 이용해 소리를 가공하고 혼합하기도 한다.^[108] 하위 장르로는 하쉬 노이즈, 하쉬 노이즈 월 등이 있다.

하쉬 노이즈의 라이브 연주에 사용되는 페달 보드의 한 예 (Timișoara)

3. 1. 파워 일렉트로닉스

파워 일렉트로닉스 (음악)는 노이즈 음악의 한 종류로, 보통 정전기, 쇳소리와 같은 피드백 파, 아날로그 신시사이저로 만든 서브 베이스 펄스나 고주파 울음소리, 그리고 때로는 비명과 같이 일그러진 보컬로 구성된다. 이 장르는 인더스트리얼 음악의 영향을 받은 것으로 알려져 있다.^[120]

파워 일렉트로닉스는 일반적으로 노이즈 음악처럼 무조(無調) 음악이다. 과도한 소리와 함께, 파워 일렉트로닉스는 가사, 앨범 아트, 라이브 공연 등에서 극단적인 주제와 시각적 콘텐츠를 많이 사용한다.^[120]

파워 일렉트로닉스는 초기 인더스트리얼 레코드 씬과 관련이 있지만, 나중에 노이즈 음악과 연결되었다.^[121]

'''대표적인 아티스트''': WHITE HOUSE, SUTCLIFFE JUGENT, CON-DOM, GENOCIDE ORGAN, PRURIENT

3. 2. 하쉬 노이즈

금속 조각, 신시사이저 또는 믹서 피드백 등을 발신원으로 하여 기타 페달, 믹서, 앰프로 증폭 및 변조한 청각적으로 폭력적이고 에너제틱한 형식이 하쉬 노이즈(HARSH NOISE)로 인식되어 90년대 경에 정착되었다.

'''대표적 아티스트''' : MERZBOW, MACRONYMPHA, C.C.C.C., INCAPACITANTS

3. 3. 하쉬 노이즈 월

프랑스 예술가 로맹 페로(Romain Perrot)는 캐나다 밴쿠버 출신 예술가 SAM MCKINLAY의 노이즈 음악 유닛 "THE RITA"의 사운드 스타일에 호응하여 VOMIR라는 이름으로 솔로 노이즈 유닛을 시작했다. 2006년 Ordre Abîmiste라는 가명으로 "[https://culture.dotsmark.com/blog/2018/05/04/013820 HNW 선언]^[122]"을 발표했다. 이 문서는 프랑스 레코드 가게 BIMBO TOWER 등에서 배포되었다. 선언이 가리키는 가치관과 연주의 포기, 음색의 무변화를 철저히 한 사운드 스타일은 전 세계 다른 노이즈 아티스트들에게 모방·재생산되어 하쉬 노이즈 월(HNW)이라는 새로운 장르/운동을 낳았다.

'''대표 아티스트'''： VOMIR, THE RITA

4. 주요 아티스트

노이즈 음악의 주요 아티스트는 다음과 같다.

아티스트	설명
존 케이지	1937년 "음악의 미래: 크레도"에서 전기 악기를 이용한 음악과 소음의 사용이 증가할 것이라고 예견했다. 1940년대 후반 루 해리슨과 함께 고물(폐기물) 타악기 앙상블을 위한 음악을 작곡했다. 1951년에는 12개의 라디오 수신기를 위한 작품 Imaginary Landscape #4를 초연했고, 1952년에는 테이프 기반 작곡에 우연성 조작을 적용한 윌리엄스 믹스를 발표했다. 같은 해 논란이 된 "침묵의 작품" 4분 33초를 공개했다.^[64] 1960년에는 Cartridge Music을 완성했다.
피에르 셰페르	1940년대 후반 구체 음악이라는 용어를 만들었다.^[57] 프랑스 라디오 텔레비전 방송국의 스튜디오 데세이 설립에 기여했으며, 이곳에서 구체 음악이 개발되었다. 1948년 Cinq études de bruits(다섯 개의 소음 에튀드)를 발표했다.^[12]
카를하인츠 슈톡하우젠	1952년 구체 음악 학생 작품 Etude를 완성했다.
앙토냉 아르토	1947년 말 오디오 작품 Pour en Finir avec le Jugement de dieu^프랑스어(신의 심판을 끝내기 위해)를 녹음했다.^[58]^[59]
이브 클라인	1949년 40분짜리 오케스트라 곡 모노톤 교향곡(공식적으로 모노톤-침묵 교향곡)을 작곡했다.^[60]
백남준	1960년 Fluxusobjekt를 작곡했다.^[55]
고스기 다케히사, 톤 야스나오	1960년 5월 8일 그룹 온가쿠를 결성하여 소음 음악 테이프 녹음 두 개, Automatism과 Object를 발표했다.^[67]
니힐리스트 스파즘 밴드	1965년 온타리오주 런던에서 결성된 세계에서 가장 오래 지속되는 소음 밴드.^[67]
무지카 에레트로니카 비바	1967년 로마에서 결성된 라이브 어쿠스틱/전자 즉흥 연주 그룹.^[68]^[69]
AMM	1960년대 영국의 실험 그룹으로 일렉트로니카, 자유 즉흥 연주 및 노이즈 음악의 창시자로 평가받는다.^[73]
더 마더스 오브 인벤션	1966년 데뷔 앨범 프리크 아웃!에서 아방가르드 사운드 콜라주를 활용했다.^[74]
벨벳 언더그라운드	1966년 앤디 워홀 프로듀싱으로 첫 녹음을 했고, 그 곡의 제목은 "노이즈"였다.^[75]
The Godz	1966년부터 1968년까지 왱왱거리는 아방가르드 음악 노이즈/정크 비트를 녹음했다.^[76]
비틀즈	1966년 앨범 리볼버의 마지막 트랙 "Tomorrow Never Knows"에서 테이프 루프 효과를 사용했다. 1968년 The White Album의 "Revolution 9"에서 사운드 콜라주를 사용했다.
네드 라긴	1975년 전자 노이즈 음악 앨범 Seastones를 발매했다.^[78]
루 리드	1975년 더블 앨범 메탈 머신 뮤직을 발표했다.^[81]
Neu!, Faust	크라우트록 밴드로 노이즈를 자신들의 곡에 포함시켰다.^[91]^[92]
Can	Tago Mago 앨범은 아방가르드 노이즈 음악에 가장 가까운 앨범으로 불린다.^[93]
소닉 유스	노 웨이브 작곡가 글렌 브란카와 리스 채텀에게 영감을 받았다.^[94] 서스턴 무어는 1981년 노이즈 페스트를 조직했다.^[96]^[97]
쓰로빙 그리스틀, 카바레 볼테르, NON	인더스트리얼 노이즈 음악의 첫 번째 포스트모던 물결을 대표한다.^[99]
아인스튀르첸데 노이바텐	시끄러운 금속 타악기, 기타, 특이한 "악기"들을 섞어 인더스트리얼 노이즈 음악을 연주했다.^[101]
메르츠보우	일본 노이즈 아티스트 아키타 마사미의 예명으로 자파노이즈의 대표적인 아티스트이다.^[103]^[104]
Hijokaidan, Boredoms, C.C.C.C., Incapacitants, KK Null, Masonna, Solmania, K2, the Gerogerigegege, Hanatarash	자파노이즈의 주요 아티스트들이다.^[104]^[106]
WHITE HOUSE, SUTCLIFFE JUGENT, CON-DOM, GENOCIDE ORGAN, PRURIENT	파워 일렉트로닉스 (음악)의 대표적인 아티스트
MERZBOW, MACRONYMPHA, C.C.C.C., INCAPACITANTS	하쉬 노이즈의 대표적인 아티스트
VOMIR, THE RITA	하쉬 노이즈 월(HNW)의 대표적인 아티스트

5. 연주 및 제작 방식

리듬과 선율은 존재하지 않는다. 노이즈 뮤직에서는 공구 및 산업 제품, 전자 음악, 거리의 소리, 심장 소리, 새소리, 파도 소리 같은 자연의 소리 등을 악곡을 구성하는 데 사용하며, 함성 등을 이용하여 음악을 구성하는 예술가도 있다.^[25] 시대를 거듭해 갈 때마다 스타일이 변천해 가는 것도 특징이며, 현대의 노이즈 음악은 그 소리를 데이터로 채취하여 컴퓨터를 통해 가공·혼합하는 사용 방법도 많이 사용되고 있다.^[25]

일반적으로 사용되는 단어 노이즈는 원치 않는 소리 또는 소음 공해를 의미한다.^[26] 백색 잡음은 평탄한 전력 스펙트럼 밀도를 가진 무작위 신호이다.^[28] 즉, 신호는 임의의 중심 주파수에서 고정된 대역폭 내에서 동일한 전력을 포함한다. 백색 잡음은 모든 주파수를 포함하는 백색광과 유사한 것으로 간주된다.^[29]^[30]

초기 모더니즘이 소박 미술에서 영감을 받은 것과 마찬가지로, 일부 현대 디지털 아트 노이즈 음악가들은 와이어 레코더, 8트랙 카트리지, 비닐 레코드와 같은 오래된 오디오 기술에 흥미를 느낀다.^[31] 많은 예술가들은 자체 노이즈 생성 장치를 제작할 뿐만 아니라, 자체 특수 녹음 장비와 맞춤형 소프트웨어도 제작한다.^[32]^[33]

음악적 자원으로 파운드 사운드의 활용이 탐구되기 시작했는데, 초기 사례로는 1917년 5월 18일 파리의 샤틀레 극장에서 제작된 공연인 ''퍼레이드''(Parade)가 있으며, 장 콕토가 기획하고, 파블로 피카소가 디자인했으며, 레오니트 마신이 안무하고, 에릭 사티가 작곡했다. 이 작품에 사용된 음악 외적 자료는 발전기, 모스 부호 기계, 사이렌, 증기 기관, 비행기 모터, 타자기가 포함되었다.^[43] 아르세니 아브라아모프의 작품인 ''공장 사이렌 교향곡''은 해군 함선 사이렌과 호루라기, 버스와 자동차 경적, 공장 사이렌, 대포, 안개 경적, 포병총, 기관총, 수상 비행기, 특히 소음으로 ''인터내셔널가''와 ''라 마르세예즈''를 연주하도록 설계된 증기 호루라기 기계를 포함했으며, 1922년 바쿠에서 공연될 때 깃발과 권총을 사용하는 팀이 지휘했다.^[44]

1923년, 아르투르 오네게르는 증기 기관차의 소리를 모방한 모더니즘 음악 작품인 ''퍼시픽 231''(Pacific 231)을 만들었다.^[45] 1924년 조지 안테일은 16대의 피아노, 3개의 프로펠러, 7개의 전기 벨을 포함하는 악기로 구성된 작품인 기계 발레를 만들었다.^[46]^[47]

1930년에 파울 힌데미트와 에른스트 토흐는 음향 몽타주를 만들기 위해 레코드를 재활용했고, 1936년에는 에드가르 바레즈가 레코드를 실험하며 거꾸로 재생하고 다양한 속도로 재생했다.^[48] 1931년, 바레즈의 ''이오니제이션''은 13명의 연주자를 위해 2개의 사이렌, 사자 울음을 특징으로 하며, 37개의 타악기를 사용하여 음고가 없는 소리의 레퍼토리를 만들었으며, 이것은 소음만을 기반으로 구성된 최초의 음악 작품이 되었다.^[49]^[50]

1937년에 쓰여진 에세이에서 존 케이지는 음악 외적 자료의 사용에 관심을 표명했으며^[52], 파운드 사운드(그는 소음이라고 불렀다)와 음악적 소리(예: 비, 라디오 채널 사이의 잡음, "시속 80킬로미터의 트럭")를 구별하게 되었다. 케이지는 1939년부터 자신의 목표를 탐구하는 일련의 작품을 만들기 시작했는데, 그 첫 번째 작품은 주파수 녹음이 있는 두 개의 가변 속도 턴테이블을 포함한 악기를 위한 ''상상의 풍경 #1''이었다.^[54]

1961년, 제임스 테니는 컴퓨터로 합성된 노이즈를 사용하여 ''아날로그 #1: 노이즈 연구''(테이프용)를 작곡했고, 유명한 엘비스 프레슬리 녹음을 샘플링하고 조작하여 ''콜라주 No.1 (블루 스웨이드)''(테이프용)를 작곡했다.^[55]

음악적 상식으로는 음악으로 간주되지 않는 것을 연주하거나 녹음하여 악곡을 구성한다. 노이즈 예술 자체는 1910년대에 기원을 두고 있다.^[108] 연주나 작곡 기법에 의해 규정되는 장르가 아닌, 개별 아티스트나 작품에 따라 다양한 연주와 작곡 기법이 시도되고 있다.

노이즈 뮤직 제작을 위해서는 이펙트 페달이나 신시사이저 등의 악기뿐만 아니라, 본래 악기가 아닌 전기 제품, 드럼통이나 철판 등의 금속, 눈이나 돌 등의 자연물, 빨래판, 카세트 테이프, 턴테이블, 자작 악기, 마이크, 전화기, 환경음, 타인의 녹음물 등 모든 것이 사용된다. 연주법과 작곡에 대해서도 현대 음악이나 실험 음악, 사운드 아트, 다다^[109], 플럭서스, 초현실주의^[110], 인더스트리얼, 프리 재즈^[111], 얼터너티브 록이나 펑크 록의 기법을 인용하는 등 모든 아이디어가 시도되었다. 또한, 예술의 시각적인 면, 퍼포먼스적인 면에서도 노이즈 이미지의 표현을 위해 다양한 시도가 이루어져 왔다.

음경을 청소기로 빨아들여 빼는 것으로 파열음을 낸다(THE GEROGERIGEGEGE)^[112]
음경을 문지르는 것으로 마찰음을 낸다(THE GEROGERIGEGEGE)^[113]
타인의 저작물을 자신의 작품으로 위조하여 발표한다(Mauthausen Orchestra)^[114]
무대에서 배설한다(히조카이단)^[115]
배트로 관객을 때린다(히조카이단)^[116]

믹서의 아웃풋에서 인풋으로 소리가 루프되도록 연결하여 믹서 내에서 피드백을 발생시켜 사용한다.
컨택트 마이크를 악기 이외의 것(쇠붙이 등)에 부착하여 소리를 증폭하여 사용한다(The New Blockaders)^[117]
집단으로 물건을 부순다(The New Blockaders)^[117]
각종 마이크에서 수집한 소리나 다양한 악기에서 낸 소리를 기타용 이펙터로 증폭・가공한다. 복수의 이펙터를 연결하는 것이 전형적인 수법이다.
PC를 사용한다.

파워 일렉트로닉스 (음악)는 노이즈 음악의 일종으로, 일반적으로 정전기, 쇳소리 같은 피드백 파, 아날로그 신시사이저에 의한 서브 베이스 펄스나 고주파 울음소리, (때로는) 비명과 같은 일그러진 보컬로 구성된다. 이 장르는 인더스트리얼의 영향을 받은 것으로 알려져 있다. 파워 일렉트로닉스는 일반적으로 노이즈 음악과 마찬가지로 무조이다. 과도한 사운드에 맞춰 파워 일렉트로닉스는 가사, 앨범 아트, 라이브 퍼포먼스 등 극단적인 주제와 시각적 콘텐츠에 크게 의존한다.^[120]

'''대표적인 아티스트''': WHITE HOUSE, SUTCLIFFE JUGENT, CON-DOM, GENOCIDE ORGAN, PRURIENT

금속 조각, 신시사이저 또는 믹서 피드백 등을 발신원으로 하여 기타 페달, 믹서, 앰프로 증폭 및 변조한 청각적으로 폭력적이고 에너제틱한 형식이 HARSH NOISE로 인식되어 90년대 경에 정착되었다.

'''대표적 아티스트''': MERZBOW, MACRONYMPHA, C.C.C.C., INCAPACITANTS

6. 사회적 관점

덴마크의 노이즈 및 음악 이론가 토르벤 상길은 음악에서의 노이즈에 대한 단일 정의는 불가능하다고 말한다. 대신 상길은 노이즈에 대한 세 가지 정의를 제시한다. 음악 음향학적 정의, 왜곡이나 통신 신호 방해를 기반으로 하는 의사소통적 정의, 그리고 주관성에 기반한 정의이다. (어떤 사람에게는 노이즈가 다른 사람에게는 의미가 있을 수 있으며, 어제 불쾌하게 여겨졌던 소리가 오늘은 그렇지 않을 수 있다.)^[20]

머레이 섀퍼에 따르면 노이즈에는 원치 않는 노이즈, 음악적이지 않은 소리, 시끄러운 소리, 신호 시스템(예: 전화의 잡음)의 방해와 같은 네 가지 유형이 있다.^[21] 무엇을 노이즈로 간주하는지에 대한 정의는 시간이 지남에 따라 변해왔다.^[22] 벤 왓슨(음악 작가)은 루트비히 판 베토벤의 "대 푸가" (1825)가 당시 청중에게 "노이즈처럼 들렸다"고 지적한다. 베토벤의 출판업자들은 그를 설득하여 "대 푸가"를 현악 사중주의 마지막 악장에서 제거하고, "알레그로"로 대체했다. 그들은 나중에 "대 푸가"를 별도로 출판했다.^[23]

폴 헤거티 (2007)는 장 보드리야르, 조르주 바타유, 테오도어 아도르노의 작품을 인용하여 노이즈의 역사를 추적한다. 그는 노이즈를 "침입적이고 원치 않는", "기술이 부족하고 부적절한", "위협적인 공허함"으로 정의한다. 헤거티는 존 케이지의 ''4분 33초''가 노이즈 음악의 시작을 나타낸다고 주장한다. 헤거티에게 "노이즈 음악"은 ''4분 33초''와 마찬가지로 바람직한 소리와 바람직하지 않은 "노이즈" 사이의 긴장을 나타내는 부수적인 소리로 구성된 음악이다. 일본 노이즈 음악은 다양한 장르를 참조하며, 장르에 대한 질문을 던진다.^[24]

더글러스 칸은 ''노이즈, 물, 고기: 예술에서의 소리의 역사''(1999)에서 노이즈를 매체로 사용하는 것을 논하고 여러 예술가들의 아이디어를 탐구한다.

자크 아탈리는 ''노이즈: 음악의 정치 경제''(1985)에서 노이즈 음악을 사회 변혁의 중요한 예시로 간주하며, 노이즈 음악과 사회의 미래의 관계를 탐구한다. 그는 노이즈가 사회의 잠재의식으로 작용하여 새로운 사회적, 정치적 현실을 검증하고 시험하는 방식을 보여준다.^[24]

몇몇 행위 예술가들은 다음과 같은 과격한 방식으로 노이즈를 표현하기도 한다.

음경을 청소기로 빨아들여 파열음을 냄 (THE GEROGERIGEGEGE)^[112]
음경을 문지르는 것으로 마찰음을 냄 (THE GEROGERIGEGEGE)^[113]
타인의 저작물을 자신의 작품으로 위조하여 발표 (Mauthausen Orchestra)^[114]
무대에서 배설 (히조카이단)^[115]
배트로 관객을 때림 (히조카이단)^[116]

이탈리아의 미래파 예술가 루이지 루솔로는 1913년 3월 11일 논문 『소음 예술 (''L'arte dei rumori'')』을 발표했다. 루솔로는 『소음의 예술』이라는 선언을 통해 '음악의 부정'과 미래파에 걸맞는 음악 창조를 주장했다. 그는 "고대의 생활은 모두 침묵이었다. 19세기에 기계의 발명과 함께 소음이 생겨났다. 오늘날에는 소음이 승리하여 인류의 감성을 지배 통치하고 있다."라고 말했다. 루솔로는 음악이 더 복잡한 다성 음악과 다양한 음색으로 향하고 있다고 논하며, 현대에는 공업 기계의 소음에 포위되어 있기 때문에 베토벤의 《영웅》이나 《전원》보다는 노면 전차, 자동차 엔진, 시끄러운 군중이 내는 새로운 타입의 소리로 향해야 한다고 주장했다. 루솔로는 소음이 가진 고유의 아름다움을 내걸었다.^[118]

루솔로는 실연용으로 "소음"을 낼 수 있는 특제 악기 인토나루모리(Intonarumori)를 제작했다. 실물은 제2차 세계 대전에서 소실되었지만, 음색의 기록은 남아있다.

7. 비판적 관점

덴마크의 노이즈 및 음악 이론가 토르벤 상길은 음악에서 노이즈를 단 하나로 정의하는 것은 불가능하다고 말한다. 대신 그는 노이즈에 대한 세 가지 기본적인 정의를 제시한다. 음악 음향학적 정의, 왜곡이나 통신 신호 방해를 기반으로 하는 의사소통적 정의, 그리고 주관성에 기반한 정의이다. (어떤 사람에게는 노이즈가 다른 사람에게는 의미가 있을 수 있으며, 어제 불쾌하게 여겨졌던 소리가 오늘은 그렇지 않다.)^[20]

머레이 섀퍼에 따르면 노이즈에는 네 가지 유형이 있다. 원치 않는 노이즈, 음악적이지 않은 소리, 어떤 시끄러운 소리, 그리고 어떤 신호 시스템(예: 전화의 잡음)의 방해이다.^[21] 무엇을 노이즈로 간주하는지에 대한 정의는 시간이 지남에 따라 변해왔다.^[22] 벤 왓슨(음악 작가)은 루트비히 판 베토벤의 "대 푸가" (1825)가 당시 청중에게 "노이즈처럼 들렸다"고 지적한다. 베토벤의 출판업자들은 그를 설득하여 현악 사중주의 마지막 악장에서 제거하고, 반짝이는 "알레그로"로 대체했다.^[23]

폴 헤거티 (2007)는 장 보드리야르, 조르주 바타유 및 테오도어 아도르노의 작품을 인용하여 "노이즈"의 역사를 추적한다. 그는 노이즈를 "침입적이고 원치 않는", "기술이 부족하고 부적절한", "위협적인 공허함"으로 정의한다. 헤거티는 존 케이지의 ''4분 33초''가 노이즈 음악의 시작을 나타낸다고 주장한다. 헤거티에게 "노이즈 음악"은 ''4분 33초''와 마찬가지로 바람직한 소리와 바람직하지 않은 "노이즈" 사이의 긴장을 나타내는 부수적인 소리로 구성된 음악이다. 일본 노이즈 음악은 다양한 장르를 참조하며, 장르에 대한 질문을 던진다.^[24]

더글러스 칸은 노이즈를 매체로 사용하는 것을 논하고, 앙토냉 아르토, 조지 브레히트, 윌리엄 버로스 등 여러 예술가들의 아이디어를 탐구한다.

자크 아탈리는 ''노이즈: 음악의 정치 경제'' (1985)에서 노이즈 음악을 사회 변혁의 중요한 예시로 간주하며, 노이즈 음악과 사회의 미래의 관계를 탐구한다. 그는 노이즈가 사회의 잠재의식으로 작용하여 새로운 사회적, 정치적 현실을 검증하고 시험하는 방식을 보여준다.^[24]

이탈리아의 미래파 예술가 루이지 루솔로는 1913년 3월 11일 논문 『소음 예술 (''L'arte dei rumori'')』을 발표했다. 루솔로는 '음악의 부정'과 동시에 미래파에 걸맞는 방식의 음악 창조를 주장했다. 그는 "고대의 생활은 모두 침묵이었다. 19세기에 기계의 발명과 함께 소음이 생겨났다. 오늘날에는 소음이 승리하여 인류의 감성을 지배 통치하고 있다."라고 언급하며, 현대에는 공업 기계의 소음에 완전히 포위되어 있기 때문에 베토벤의 《영웅》이나 《전원》의 소리를 다시 듣는 것보다, 노면 전차, 자동차 엔진, 시끄러운 군중이 내는 새로운 타입의 소리로 향해야 한다고 주장한다. "우리는 락음(sound)이라는 한정된 범위를 깨뜨려야 한다. 그리고, 무한한 다양성을 가진 락음으로서의 소음(noise-sound)을 획득해야 한다."라고 하며 소음이 가진 고유의 아름다움을 내걸었다.^[118]

루솔로는 실연용으로 "소음"을 낼 수 있는 특제 악기 인토나루모리(Intonarumori)를 발명하여 제작했다. 실물은 제2차 세계 대전에서 소실되었지만, 음색의 기록은 남아있다. --

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