오르페오 (몬테베르디)
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1. 개요
오르페오 (몬테베르디)는 클라우디오 몬테베르디가 작곡한 최초의 오페라 중 하나로, 1607년 만토바에서 초연되었다. 고대 그리스 신화의 오르페우스 이야기를 바탕으로 하며, 16세기 후반 피렌체에서 시작된 오페라의 초기 형태를 보여준다. 대본은 알레산드로 스트리지오가 썼으며, 당시 유행하던 모노디 양식과 마드리갈 양식을 결합하여 극적인 효과를 높였다. 이 작품은 19세기 말 몬테베르디 음악에 대한 관심이 높아지면서 부활하여, 20세기 이후 다양한 형태로 공연되고 있다.
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| 오르페오 (몬테베르디) | |
|---|---|
| 오페라 정보 | |
| 제목 | L'Orfeo (오르페오) |
| 종류 | 음악극 |
| 작곡가 | 클라우디오 몬테베르디 |
| 대본가 | 알레산드로 스트리지오 |
| 언어 | 이탈리아어 |
| 원작 | 그리스 신화의 오르페우스 전설 |
| 초연 날짜 | 1607년 사육제 시즌 |
| 초연 장소 | 만토바 |
| 로마자 표기법 | L'Orfeo (로르페오) |
| 이탈리아어 발음 | /lorˈfɛːo/ |
| 이탈리아어 제목 발음 | /la ˈfaːvola dorˈfɛːo/ |
| 등장인물 | |
| 오르페오 | 테너 |
| 에우리디체 | 소프라노 |
| 음악 | 소프라노 |
| 전령 | 소프라노 |
| 카론테 | 베이스 |
| 플루토 | 베이스 |
| 프로세르피나 | 소프라노 |
| 아폴로 | 테너 |
| 이미지 | |
 | |
2. 역사적 배경
16세기 후반, 피렌체의 예술가, 학자, 음악가 모임인 카메라타는 고대 그리스 비극을 부흥시키고자 새로운 음악 양식을 탐구했다. 이들은 대사에 선율을 붙여 노래하는 모노디 양식을 개발했고, 이는 오페라 탄생의 기반이 되었다.[84] 1598년, 야코포 코르시와 야코포 페리가 작곡한 《다프네》가 최초의 오페라로 여겨지지만, 악보의 대부분이 소실되었다.[84] 현존하는 가장 오래된 오페라는 1600년에 초연된 페리의 《에우리디체》와 줄리오 카치니의 《에우리디체》이다.[84] 이 작품들은 오비디우스의 ''변신 이야기''에 나오는 오르페우스 신화를 다루며, 몬테베르디 《오르페오》의 직접적인 선구자 역할을 했다.[84][85]
몬테베르디는 《오르페오》를 작곡할 당시 이미 16년간 곤차가 궁정에서 일하면서 무대 음악에 대한 풍부한 경험을 쌓았다. 1604년 만토바 카니발을 위해 발레 ''디아나와 엔디미온의 사랑''을 작곡하기도 했다. 그는 아리아, 후렴곡, 레치타티보, 합창, 춤, 극적인 음악적 간주곡 등 다양한 음악 형식을 능숙하게 활용했다.[12] 피렌체 카메라타의 모노디 형식뿐만 아니라, 마드리갈 형식, 성악곡 등 다채로운 형식을 사용하여 이전의 오페라들과는 차별화된 극적 표현을 추구했다.[48]
만토바 공작 빈첸초 곤차가의 궁정 음악가였던 몬테베르디는 다양한 극음악 경험을 쌓았다.[82] 곤차가 가문은 피렌체 메디치 가와의 교류를 통해 새로운 예술 흐름에 민감했으며, 몬테베르디는 이러한 환경에서 오페라라는 새로운 장르를 개척할 수 있었다.[86] 1600년 10월 6일, 마리아 데 메디치가 프랑스 왕 앙리 4세와 결혼하기 위해 피렌체를 방문했을 때, 빈첸초 공작은 페리의 ''에우리디체'' 초연에 참석했다.[86] 몬테베르디 또한 이 공연에 참석했을 가능성이 크다.[87] 공작은 이 새로운 형태의 극적 오락의 참신함과 그것이 가져다줄 명성을 빠르게 인식했다.[87]
3. 작곡
몬테베르디는 출판된 악보에 오케스트라 편성을 명시했지만, 구체적인 악기 사용법은 지정하지 않았다.[12] 이는 당시 관행에 따른 것으로, 연주자들이 각자의 재량과 연주 환경에 맞춰 악기를 선택하고 연주할 수 있도록 했다. 또한, 가수들이 아리아를 장식하는 것도 허용되었는데, 몬테베르디는 오르페오의 "Possente spirto"와 같이 일부 아리아의 평이한 버전과 장식된 버전을 모두 작곡하여 이러한 관행을 반영했다.[14]
오페라의 각 막은 이야기의 한 요소를 다루고 합창으로 끝난다. 5막 구조이지만, 막 사이 간격 없이 연속적으로 연주되었을 것으로 추정된다.[14]
3. 1. 대본
알레산드로 스트리지오가 오비디우스의 《변신 이야기》와 베르길리우스의 《농경시》를 주요 자료로 삼아 대본을 썼다. 스트리지오는 이 외에도 폴리치아노의 희곡 《오르페오 이야기》, 구아리니의 희곡 《충실한 목동》, 오타비오 리누치니의 대본 《에우리디체》 등 다양한 자료를 참고하여 극적 구성을 완성했다.[9]
음악학자 게리 톰린슨은 스트리지오와 리누치니의 텍스트 간에 많은 유사점이 있다고 언급하면서, 《오르페오》의 일부 연설은 "내용과 심지어 어구에 있어서 《에우리디체》의 대응 부분과 밀접하게 일치한다"고 지적했다.[10] 비평가 바바라 루사노 해닝은 스트리지오의 운문이 리누치니의 운문보다 섬세하지는 않지만, 스트리지오의 리브레토 구조는 더 흥미롭다고 평가했다.[7]
스트리지오의 대본은 1607년 초연과 함께 출판되었는데, 여기에는 오르페오가 바쿠스의 여사제들에게 찢겨 죽는 비극적인 결말이 담겨 있었다.[9] 그러나 1609년 출판된 몬테베르디의 악보에는 아폴론의 개입으로 오르페오가 승천하는 결말이 제시되어 있다.[7] 음악학자 니노 피로타는 아폴론 결말이 원래 작품 계획의 일부였지만, 행사를 주최한 작은 방이 이 결말에 필요한 연극 장치를 수용할 수 없었기 때문에 초연에서는 상연되지 않았다고 주장한다.
4. 등장인물
| 역할 | 음역 | 등장 | 비고 |
|---|---|---|---|
| 라 무지카 (음악) | 메조소프라노 카스트라토 (남장) | 프롤로그 | |
| 오르페오 | 테너 또는 하이 바리톤 | 1막, 2막, 3막, 4막, 5막 | |
| 에우리디체 | 메조소프라노 카스트라토 (남장) | 1막, 4막 | |
| 라 메사제라 (전령) | 메조소프라노 카스트라토 (남장) | 2막 | 대본에서는 "실비아"로 명명됨 |
| 라 스페란차 (희망) | 메조소프라노 카스트라토 (남장) | 3막 | |
| 카론테 | 베이스 | 3막 | |
| 프로세르피나 | 메조소프라노 카스트라토 (남장) | 4막 | |
| 플루토네 | 베이스 | 4막 | |
| 아폴론 | 테너 | 5막 | |
| 님파 (요정) | 메조소프라노 카스트라토 (남장) | 1막 | |
| 에코 (에코) | 테너 | 5막 | |
| 님페 에 파스토리 (요정과 목동들) | 메조소프라노 카스트라토 (남장), 알토 카스트라토 (남장), 테너, 베이스 | 1막, 2막, 5막 | 솔리스트: 알토 카스트라토 (남장), 테너 2명 |
| 스피리티 인페르날리 (지옥의 악령들) | 테너, 베이스 | 3막, 4막 | 솔리스트: 테너 2명, 베이스 1명 |
초연에서 각 역할을 누가 불렀는지에 대한 정보는 거의 없다. 1612년 만토바에서 발표된 편지에 따르면, 저명한 테너이자 작곡가인 프란체스코 라시가 주역을 맡았을 것으로 추정된다.[4] 조반니 구알베르토 말리는 프롤로그, 프로세르피나, 라 메사제라 또는 라 스페란차 중 하나의 역할을 맡은 것으로 추정된다.
에우리디체 역은 17세기 초 만토바 궁정과 관계가 있었던 카스트라토인 파드레 지롤라모 바키니가 맡았을 가능성이 있다.[4]
5. 줄거리
이 작품은 트라키아의 들판(1막, 2막, 5막)과 지하 세계(3막과 4막)라는 두 대조적인 장소를 배경으로 한다. 기악 토카타[19]는 "음악의 정신"을 나타내는 라 무지카(La musica)가 등장하여 5절의 서곡을 부르기 전에 연주된다. 라 무지카는 관객을 환영한 후, 감미로운 소리로 "모든 괴로운 마음을 진정시킬 수 있다"고 선언한다. 그녀는 음악의 힘에 대한 또 다른 찬가를 부른 후, "노래로 야수를 홀린" 드라마의 주인공 오르페오를 소개한다.
이어서 기악의 리토르넬로가 연주되는데, 이것이 실제 전주에 해당한다. 이 리토르넬로는 2막의 끝과 5막의 서두에서 다시 등장하며, 지상의 세계를 표현하고 있다.[76] 무지카(음악)는 리토르넬로를 끼워넣어 “프롤로그”(도입부)를 노래한다. 이 프롤로그는 일종의 변주곡 형식을 취하고 있다.[77]
5. 1. 1막
트라키아의 들판에서 님프와 목동들이 오르페오와 에우리디케의 결혼을 축하한다. 이들은 그리스 희극의 합창단처럼 행동하며, 집단으로서 그리고 개인으로서 행동에 대해 논평한다.[78] 한 목자가 이날이 부부의 결혼식 날이라고 알린다. 합창단은 먼저 장엄한 탄원("오시오, 히메네우스, 오시오")으로, 그 다음에는 즐거운 춤("산을 떠나, 샘을 떠나")으로 화답한다.합창과 춤 사이에 독창이 끼어드는 형식이다. 먼저 오르페오가 태양을 찬양하며 “천상의 장미”(Rosa del ciel)를 부른다. 또한 에우리디체는 “내 기쁨이 얼마나 큰지”(Io non dirò qual sia)를 부른다.
후반부는 기악에 의한 리토르넬로를 끼워넣으면서 님프와 목동들의 이중창과 삼중창이 이어진다. 오르페오와 에우리디케는 사원에서 열리는 결혼식에 참석하기 위해 대부분의 사람들과 함께 떠나기 전에 서로에 대한 사랑을 노래한다. 무대에 남은 사람들은 짧은 합창을 부르며, 오르페오가 사랑으로 인해 숭고한 행복의 경지에 이르기 전에는 "한숨이 음식이었고 눈물이 술이었던" 사람이었던 것을 이야기한다.
5. 2. 2막
오르페오는 주합창단과 함께 돌아와 자연의 아름다움을 노래한다. 그러고 나서 오르페오는 과거의 불행을 숙고하지만, "슬픔 후에는 더 만족스럽고, 고통 후에는 더 행복하다"고 선언한다.[1] 만족스러운 분위기는 라 메사제라(실비아)가 등장하여 꽃을 따던 에우리디체가 독사에 치명적으로 물렸다는 소식을 전하면서 갑자기 끝난다.[1] 합창단은 "아, 쓰라린 일이여, 아, 불경하고 잔혹한 운명이여!"라고 고통을 표현하는 반면, 메사제라는 나쁜 소식을 전한 것에 대해 자책하며 "나는 영원히 도망칠 것이며, 고독한 동굴에서 나의 슬픔에 맞는 삶을 살 것이다"라고 말한다.[1] 오르페오는 슬픔과 의심을 토로한 후 "당신은 죽었고, 나는 숨 쉬고 있는가?"라고 말하며 지하 세계로 내려가 지하 세계의 지배자를 설득하여 에우리디체가 생명으로 돌아올 수 있도록 할 의지를 선언한다. 그렇지 않으면 그는 "나는 죽음의 동반자들과 함께 당신 곁에 남을 것이다"라고 말한다.[1] 그는 떠나고 합창단은 다시 슬픔을 노래한다.[1]5. 3. 3막
희망의 인도를 받아 하데스의 문으로 향한 오르페오는 문에 적힌 "여기 들어오는 모든 자들아, 희망을 버려라"라는 글귀를 보게 된다.[79] 단테의 신곡에 나오는 이 구절에서 스페란차(Speranza)는 "희망"을 의미하며, 이는 스트리지오의 "교양 있는 익살"로 여겨진다. 희망은 떠나고, 오르페오는 뱃사공 카론테와 마주한다. 카론테는 오르페오에게 가혹하게 말하며 스틱스 강을 건너 저승으로 보내주기를 거부한다.오르페오는 카론테를 설득하기 위해 "강한 정신과 강력한 신성"이라는 노래를 부르지만, 뱃사공은 꿈쩍도 하지 않는다. 그러나 오르페오가 거문고를 연주하자 카론테는 진정되어 잠에 빠진다. 기회를 잡은 오르페오는 뱃사공의 배를 훔쳐 강을 건너 저승으로 들어간다. 이때 영혼의 합창은 "그는 연약한 나무로 바다를 길들였고 바람의 분노를 경멸했다."라며 자연이 인간을 막을 수 없음을 노래한다.
오르페오는 다시 카론테를 설득하기 위해 "힘센 영혼, 두려운 신이시여"(Possente spirto e formidabil nume)를 부른다.[79] 이 곡은 뛰어난 기교를 요구하며 오페라 전체에서 가장 유명한 곡 중 하나이다.[80] 바이올린 독주, 코르넷, 하프, 현악 합주가 차례로 반주한다.[80]
카론테는 설득되지 않지만 잠이 들고, 오르페오는 그 틈을 타 강을 건넌다. 인간의 힘을 찬양하는 합창으로 막이 내려진다.
5. 4. 4막
저승에서 하데스의 왕비인 프로세르피나는 오르페우스의 노래에 깊이 감동하여 남편인 플루톤에게 에우리디케의 석방을 간청한다.[1] 플루톤은 그녀의 간청에 감동하여, 에우리디케를 저승에서 인간 세상으로 인도하는 동안 뒤를 돌아보지 않는다는 조건으로 허락한다.[1] 만약 그가 뒤를 돌아본다면 "단 한 번의 시선이 영원한 상실로 이어질 것"이다.[1]오르페우스는 에우리디케를 인도하며 자신감 넘치는 노래로 그날 아내의 흰 가슴에 기대어 쉴 것이라고 노래한다.[1] 하지만 노래를 부르는 중에 의심이 든다. "누가 그녀가 따라오고 있다고 나에게 확신을 줄 수 있을까?"[1] 어쩌면 질투심에 사로잡힌 플루톤이 악의적으로 그런 조건을 내걸었을지도 모른다는 생각이 든다.[1]
갑자기 무대 뒤쪽의 소란에 정신이 팔린 오르페우스는 뒤를 돌아본다.[1] 즉시 에우리디케의 모습이 사라지기 시작한다. 에우리디케는 절망적으로 노래한다. "너무 큰 사랑 때문에 나를 잃는 거니?" 그리고 사라진다.[1] 오르페우스는 그녀를 따라가려 하지만 보이지 않는 힘에 끌려간다.[1] 영혼들의 합창은 하데스를 정복한 오르페우스가 자신의 열정에 굴복했다고 노래한다.[1]
5. 5. 5막
트라키아의 들판으로 돌아온 오르페오는 에우리디체의 아름다움을 찬양하며 다시는 큐피드의 화살에 심장을 꿰뚫지 않겠다고 다짐하는 긴 독백을 통해 자신의 상실을 한탄한다. 무대 밖에서 메아리가 그의 마지막 구절을 반복하는데, 이는 오르페오의 고독과 슬픔에 답해주는 것은 메아리뿐임을 나타낸다.[81]갑자기 구름 속에서 아폴론이 하늘에서 내려와 "왜 너는 분노와 슬픔에 자신을 넘겨주느냐?"라며 오르페오를 꾸짖는다. 아폴론은 오르페오에게 세상을 떠나 하늘에서 자신과 합류하도록 초대하며, 그곳에서 별들 사이로 에우리디체의 모습을 알아볼 것이라고 말한다. 오르페오는 그런 현명한 아버지의 조언을 따르지 않는 것은 가치가 없을 것이라고 대답하고 함께 하늘로 올라간다. 양치기들의 합창은 "고난 중에 씨를 뿌리는 자는 모든 은총의 열매를 거둘 것이다"라고 결론짓고, 오페라는 활기찬 모레스카로 끝맺는다.
6. 악기 편성
몬테베르디는 다양한 악기를 사용하여 극의 분위기와 등장인물의 감정을 표현했다. 음악 학자 제인 글로버(Jane Glover)는 몬테베르디의 악기 목록을 현악기, 금관악기, 연속 주곡의 세 가지 주요 그룹으로 나누었으며, 몇 가지 추가 항목은 쉽게 분류하기 어렵다고 설명했다.[92]
인쇄된 악보의 서두에는 다음과 같은 악기들이 기록되어 있으며, 매우 풍부한 편성임을 알 수 있다. 특히 현악기의 종류가 많다. 이것은 인터메디오에 사용되었던 오케스트라와 동일하다.[68][69] 하지만 악보에서 악기가 지정된 부분은 극히 적다. 또한 여기에 없는 악기가 지정된 부분도 있다.[70]
| 그룹 | 악기 |
|---|---|
| 현악기 | 비올라 다 브라치오 10대 (바이올린 2대, 비올라 2대, 첼로 1대로 구성된 5부 앙상블 2개)[92], 더블 베이스( contrabassi de viola ) 2대[92], 키트 바이올린( violini piccoli alla francese ) 2대[92] |
| 금관악기 | 트롬본 4~5대, 트럼펫 3대, 코르넷 2대 |
| 연속 주곡 악기 | 클라비쳄발로 2대, 더블 하프 1대, 키타로네 2~3대, 파이프 오르간 2대, 베이스 비올라 다 감바 3대, 리갈 1대 |
| 기타 | 리코더 2대, 시턴(4막의 끝 부분 지침에 포함)[92] |
7. 음악
몬테베르디는 16세기 마드리갈 양식과 초기 바로크 시대의 모노디 양식을 결합하여, 이전 오페라들보다 훨씬 다양한 음악적 표현을 시도했다. 특히 레치타티보의 비중이 상대적으로 적고, 아리아, 중창, 합창 등 다양한 성악 형식을 활용하여 극적인 전개를 이끌어갔다.[49] 3막에서 오르페오가 부르는 아리아 "Possente spirto"(강력한 영혼)는 화려한 기교와 다양한 악기 반주를 통해 오페라 전체의 중심을 이루는 명곡이다.[41]
''오르페오''는 당시 발전된 음악 예술의 모든 자원을 신생 오페라 장르에 적용하려는 최초의 시도였다는 점에서 중요한 의미를 갖는다. 몬테베르디는 폴리포니 사용에 있어 팔레스트리나가 대표하는 기존 관습을 넘어 대담한 혁신을 이루었다.[37]
몬테베르디는 곤자가 궁정에서 16년간 일하며 극 음악에 대한 깊은 이해를 쌓았다. 1604년에는 발레 ''디아나와 엔디미온의 사랑''을 작곡하기도 했다. 그는 아리아, 후렴곡, 레치타티보, 합창, 무용, 극적인 음악적 간주곡 등 다양한 요소를 융합하여 ''오르페오''의 악보를 구성했는데, 이는 지휘자 니콜라우스 아르농쿠르가 지적했듯이 "가장 새롭고 오래된 가능성들을 하나로 융합하여 실제로 새로운 통일성을 이루었다"는 평가를 받는다.[12]
레들리히에 따르면, ''오르페오''는 16세기 마드리갈 양식과 피렌체 카메라타의 레치타티보, 모노딕 노래 등 두 가지 음악 시대의 요소를 결합한 작품이다. 새로운 양식에서는 텍스트가 음악을 지배하며, 시니피아와 리토르넬리는 행동을 보여주는 반면, 청중의 관심은 주로 가사에 집중된다. 가수들은 단순히 듣기 좋은 목소리를 내는 것을 넘어, 자신이 연기하는 인물을 깊이 있게 표현하고 감정을 전달해야 했다.[36]
몬테베르디의 레치타티보 양식은 페리의 ''유리디체''의 영향을 받았지만, ''오르페오''에서는 레치타티보의 비중이 상대적으로 적다. 1막 음악의 4분의 1 미만, 2막과 3막의 약 3분의 1, 마지막 두 막의 약 절반을 차지한다.
''오르페오''에는 다 카포 아리아, 가절 성악곡, 라이트모티프, 극적인 모티프를 수반한 기악법, 레치타티보 등 후세 오페라에서 사용되는 형식이 이미 제시되어 있다.[50] 그러나 합창을 많이 사용하고, 심포니아 등 순수 기악곡도 많이 사용되는 점은 바로크 오페라와 다른 특징이다.[51]
8. 20세기 이후 부활 공연
19세기 후반 몬테베르디 음악에 대한 재조명이 이루어지면서, 그의 작품들은 학술 저술에서 점점 더 많이 논의되었다.[22] 로베르트 아이트너(Robert Eitner)는 1881년 베를린에서 연구를 목적으로 ''오르페오''의 축약된 악보를 출판했다.
1904년, 작곡가 뱅상 댕디(Vincent d'Indy)는 프랑스어 판을 제작하여 스콜라 칸토룸에서 콘서트 형식으로 공연했는데, 이는 2세기 반 만에 이루어진 첫 공개 공연이었다. 로맹 롤랑(Romain Rolland)은 댕디가 오페라에 생명을 불어넣었다고 칭찬했다. 1911년에는 댕디의 판본을 기반으로 파리 레장 극장(Théâtre Réjane)에서 최초의 현대적 무대 공연이 이루어졌다.[23]
자코모 오레피체(Giacomo Orefice)의 악보 판본(밀라노, 1909년)은 제1차 세계 대전 전후 이탈리아와 다른 곳에서 여러 차례 콘서트 공연을 가졌다. 이 판본은 1912년 뉴욕 메트에서의 콘서트 공연으로 미국 데뷔를 했다. 1924년 런던에서는 프랑스 문화원에서 피아노 반주로 댕디의 판본이 공연되었다.[25] 1925년 옥스퍼드 대학교 오페라 협회는 잭 웨스트럽(Jack Westrup)이 준비한 판본으로 최초의 영국 무대 공연을 올렸다.[26] 1929년 런던 스칼라 극장(Scala Theatre)에서 웨스트럽의 판본이 다시 공연되었고, 같은 해 미국 스미스 칼리지(Smith College)에서 첫 미국 무대 공연이 있었다.[23]
1943년 파울 힌데미트(Paul Hindemith)는 이 작품의 완전한 시대적 재구성을 담은 판본을 준비했고, 1954년 비엔나 페스티벌(Vienna Festival)에서 무대에 올려졌다.[27] 1960년 뉴욕 시티 오페라(New York City Opera)는 레오폴드 스토코프스키(Leopold Stokowski) 지휘로 뉴욕 무대 공연을 가졌다.[28]
20세기 후반, 이 오페라는 전 세계적으로 공연되었다. 1965년 새들러즈 웰스 극장(Sadler's Wells Theatre) (현 잉글리시 내셔널 오페라(English National Opera)(ENO))은 여러 차례 공연 중 첫 번째 공연을 무대에 올렸다.[23] 2007년 초연 400주년을 기념하여 만토바(Mantua)의 비비에나 극장(Teatro Bibiena) 반 무대 공연,[29] 런던 화이트홀 연회장에서 영국 바흐 페스티벌(EBF) 공연,[30] 뉴욕주 쿠퍼스타운(Cooperstown, New York) 글리머글래스 오페라 공연 등 다양한 행사가 열렸다.[31] 2010년 BBC는 밀라노 라 스칼라(La Scala)에서의 공연을 방송했다.[32]
2008년부터 2010년까지 프랑스의 레자르 플로리상은 윌리엄 크리스티 지휘로 마드리드 테아트로 레알(Teatro Real)에서 몬테베르디의 오페라 3부작(''오르페오'', ''율리시즈의 귀환'', ''포페아의 대관식(L'incoronazione di Poppea)'')을 공연했다.[35]
참조
[1]
사전
Monteverdi, Claudio: Cremona
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2010-09-04
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[3]
사전
Monteverdi, Claudio: Mantua
https://web.archive.[...]
2010-09-04
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문서
[7]
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학술지
Madrigal, Monody, and Monteverdi's "via actuale alla imitatione"
[11]
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[13]
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