장식 예술
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1. 개요
장식 미술은 순수 미술과 구별되는 예술 형태로, 르네상스 이후 서양 미술에서 그 구분이 시작되었으나, 다른 문화권이나 시대에는 덜 유효할 수 있다. 1970년대 이후 장식 미술의 가치에 대한 재평가가 이루어졌으며, 미술 공예 운동을 통해 사회적 지위가 향상되었다. 대량 생산 시대에 개인의 라이프스타일을 반영하기 위한 맞춤화 및 장식 기법이 활용되면서 현대 미술의 한 흐름을 형성하고 있다.
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| 장식 예술 | |
|---|---|
| 장식 미술 | |
| 정의 | 기능적이면서도 미적인 디자인 및 제조와 관련된 예술 또는 공예 |
| 관련 분야 | 실내 디자인 가구 디자인 보석 디자인 섬유 예술 도예 유리 공예 금속 공예 조명 디자인 벽지 디자인 꽃꽂이 |
| 역사적 맥락 | 고대 문명부터 현대에 이르기까지 다양한 문화권에서 발전 중세 시대의 길드, 르네상스 시대의 후원, 산업 혁명 시대의 대량 생산 등 다양한 요인의 영향을 받음 |
| 주요 특징 | 실용성과 미적 가치의 결합 다양한 재료와 기법 사용 문화적, 역사적, 사회적 맥락 반영 개인의 취향과 개성 표현 |
| 예시 | 아르 누보 아르 데코 바우하우스 공예 운동 |
| 추가 정보 | |
| 목표 | 사물을 아름답게 하고 환경을 개선하는 것 |
| 중요성 | 문화적 정체성을 나타내고, 사회적 가치를 반영하며, 개인의 삶의 질을 향상시키는 데 기여 |
| 교육 | 디자인 학교, 미술 대학 등에서 전문적인 교육 제공 |
2. 순수 미술과의 구분
장식 미술과 순수 미술의 구분은 기본적으로 르네상스 이후 서양 미술에서 비롯되었으며, 이 구분은 대부분 의미가 있다. 그러나 이러한 구분은 다른 문화와 시대의 미술을 고려할 때는 덜 의미가 있는데, 가장 가치 있는 작품, 또는 심지어 모든 작품이 장식적인 매체를 포함하고 있기 때문이다. 예를 들어, 여러 시대와 장소의 이슬람 미술은 종종 기하학적 및 식물 형태를 사용하여 장식 미술로만 구성되며, 많은 전통 문화의 미술도 마찬가지다.[1]
르네상스 이후 서양 미술에서는 장식 미술과 순수 미술을 구분하는 것이 일반적이었다. 하지만 이러한 구분은 다른 문화권이나 시대에는 적용하기 어려울 때가 많다. 예를 들어 이슬람 미술은 기하학적 무늬나 식물 형태를 활용한 장식 미술로만 구성되는 경우가 많으며, 여러 전통 문화의 미술도 장식 미술의 비중이 높다.[1]
장식 미술과 순수 미술의 구분은 중국 미술을 감상하는 데 그다지 유용하지 않으며, 초기의 중세 미술을 유럽에서 이해하는 데도 마찬가지다. 유럽의 그 시대에는 필사본 채색화와 기념 조각과 같은 순수 미술이 존재했지만, 가장 명망 있는 작품은 금세공, 청동과 같은 주조 금속 또는 상아 조각과 같은 다른 기법에 있었다. 대규모 벽화는 훨씬 덜 존중되었고, 조잡하게 실행되었으며, 동시대 자료에서는 거의 언급되지 않았다. 그것들은 아마도 이 시대에는 순수 미술로 간주되어야 하지만 최근 몇 세기 동안 장식 미술로 간주되는 모자이크의 열등한 대체물로 여겨졌을 것이다. 비슷한 운명이 태피스트리에도 닥쳤는데, 후기 중세와 르네상스 시대의 왕족들은 이를 가장 훌륭한 예술 형식으로 여겼고, 확실히 가장 비쌌다. "ars sacra"("성스러운 예술")라는 용어는 금속, 상아, 직물 및 기타 더 가치 있는 재료로 제작된 중세 기독교 미술에 사용되지만, 그 시대의 희귀한 세속 작품에는 사용되지 않는다.
장식을 '덜 중요한 예술'로 보는 시각은 1970년대에 에이미 골딘[2]과 앤 스와츠[3]와 같은 작가와 미술 사학자들에 의해 공식적으로 이의가 제기되었다. 미술의 단일 내러티브에 대한 주장은 포스트모더니즘적 아이러니와 거리 미술 및 민족 장식 전통에 대한 큐레이터의 관심 증가로 인해 20세기 말에 동력을 잃었다. 1980년대 뉴욕 갤러리에서 일어난 패턴과 장식 운동은 비록 짧게 끝났지만, 예술 작품의 가치에 대한 더 포괄적인 평가를 열었다.[4]
3. 다양한 재료의 영향
장식 미술과 순수 미술의 구분은 주로 르네상스 이후 서양 미술에서 비롯되었으며, 대체로 의미가 있다. 그러나 이 구분은 다른 문화권이나 시대의 미술, 특히 가장 가치 있는 작품들이 장식적인 매체를 포함하는 경우에는 그 의미가 덜하다. 예를 들어, 다양한 시대와 지역의 이슬람 미술은 기하학적 무늬와 식물 형태를 활용하여 장식 미술로만 구성되는 경우가 많으며, 이는 여러 전통 문화권의 미술에서도 마찬가지다.[1]
중국 미술이나 초기 유럽의 중세 미술을 이해하는 데 있어서도 장식 미술과 순수 미술의 구분은 유용하지 않다. 유럽 중세 시대에는 필사본 채색화나 기념 조각과 같은 순수 미술이 존재했지만, 가장 명망 높았던 작품은 금세공, 청동 주조, 상아 조각 등이었다. 대규모 벽화는 상대적으로 덜 중요하게 여겨졌고 조잡하게 제작되었으며, 동시대 자료에서도 거의 언급되지 않았다. 벽화는 아마도 당대에는 순수 미술로 여겨졌겠지만, 최근 몇 세기 동안에는 장식 미술로 간주되는 모자이크의 열등한 대체품으로 여겨졌을 가능성이 있다. 태피스트리 역시 비슷한 운명을 겪었는데, 후기 중세와 르네상스 시대의 왕족들은 태피스트리를 가장 훌륭한 예술 형식으로 여겼고, 실제로도 가장 값비싼 예술품이었다. "ars sacra"("성스러운 예술")라는 용어는 금속, 상아, 직물 등 더 가치 있는 재료로 제작된 중세 기독교 미술을 지칭하는 데 사용되지만, 당대의 희귀한 세속 작품에는 적용되지 않는다.
장식을 '덜 중요한 예술'로 보는 관점은 1970년대 에이미 골딘[2]과 앤 스와츠[3] 등의 작가와 미술 사학자들에 의해 공식적으로 도전을 받았다. 미술의 단일 서사에 대한 주장은 포스트모더니즘적 아이러니, 거리 미술과 민족 장식 전통에 대한 큐레이터들의 관심 증가와 함께 20세기 말에 동력을 잃었다. 1980년대 뉴욕 화랑가에서 일어난 패턴과 장식 운동은 비록 짧게 끝났지만, 예술 작품의 가치에 대한 더 포괄적인 평가를 여는 계기가 되었다.[4]
현대 사회에서 다양한 문화권의 예술을 이해하는 방식은 순수 시각 예술 매체를 다른 매체보다 우선시하는 경향, 그리고 매체별 작품 생존율의 차이 때문에 왜곡되는 경향이 있다. 금속, 특히 귀금속으로 만들어진 작품은 유행이 지나면 바로 "재활용"될 위험이 컸고, 소유주가 자금이 필요할 때 녹여서 재산 보관 수단으로 사용하는 경우가 많았다. 반면 삽화 필사본은 재료의 가치가 거의 없고 보관이 용이하여, 특히 교회에 보관될 경우 생존율이 훨씬 높았다.
4. 르네상스 시대의 인식
중국 미술이나 유럽의 초기 중세 미술에서도 장식 미술과 순수 미술의 구분은 뚜렷하지 않다. 중세 유럽에서는 필사본 채색화나 기념 조각 같은 순수 미술도 있었지만, 금세공, 청동 주조, 상아 조각과 같은 장식 미술 작품이 더 높은 평가를 받았다. 대규모 벽화는 상대적으로 덜 중요하게 여겨졌으며, 모자이크의 하위 대체물로 취급되기도 했다. 후기 중세와 르네상스 시대 왕족들이 가장 훌륭한 예술 형식으로 여겼던 태피스트리도 비슷한 경우였다. 중세 기독교 미술에서는 금속, 상아, 직물 등 값비싼 재료로 제작된 작품을 "ars sacra"("성스러운 예술")라고 불렀지만, 세속 작품에는 이 용어를 사용하지 않았다.
유럽에서 순수 미술을 장식 미술보다 중시하는 경향은 르네상스 시대부터 나타났다. 바사리와 같은 이탈리아 이론가들은 성기 르네상스 시대 예술가들의 예술적 가치를 옹호했는데, 이들은 재료의 비용이나 숙련된 노동보다는 예술적 상상력과 미켈란젤로, 라파엘로, 레오나르도 다 빈치와 같은 거장들의 개성을 중요하게 생각했다. 이는 중세 시대와는 다른 가치 체계로, 중세에는 값비싼 재료와 정교한 기법이 중요하게 여겨졌다. 중국에서는 문인들이 주로 제작한 수묵화는 예술가의 상상력을 표현하는 것을 중시한 반면, 중국 도자기와 같은 다른 예술 분야는 다른 가치에 따라 제작되는 등 두 가지 접근 방식이 오랫동안 공존했다.
1970년대에는 에이미 골딘[2]과 앤 스와츠[3] 같은 작가와 미술 사학자들이 장식을 '덜 중요한 예술'로 보는 시각에 이의를 제기했다. 20세기 말에는 포스트모더니즘의 영향과 거리 미술, 민족 장식 전통에 대한 관심 증가로 예술의 단일 내러티브에 대한 주장이 힘을 잃었다. 1980년대 뉴욕 갤러리에서 일어난 패턴과 장식 운동은 예술 작품의 가치에 대한 더 포괄적인 평가를 여는 데 기여했다.[4]
5. 미술 공예 운동
미술 공예 운동은 순수 미술에 비해 장식 미술 작품에 부여된 낮은 지위를 좁히는 데 기여했다. 19세기 후반 영국에서 시작된 이 심미주의 운동은 토마스 칼라일, 존 러스킨, 윌리엄 모리스의 저술에서 영감을 받았다. 이 운동은 유럽 전역에서 장식 미술에 대한 더 큰 인식을 불러일으켰다. 아서 헤이게이트 맥머도는 1882년에 장인들을 위한 센추리 길드를 조직하여 순수 미술과 장식 미술 사이에 의미 있는 차이가 없다는 생각을 옹호했으며, 많은 이들이 이 운동의 아이디어를 전파했다.[5]
미술 공예 운동의 영향으로 장식 미술은 사회에서 더 큰 평가와 지위를 얻었으며, 이는 저작권법 1911의 제정을 통해 법적으로도 반영되었다. 이전에는 순수 미술 작품만이 무단 복제로부터 보호받았으나, 1911년 법은 "예술 작품"의 정의를 "예술적 장인 정신"의 작품을 포함하도록 확장했다.[6][7]
5. 1. 대한민국에서의 미술 공예 운동
미술 공예 운동이 부상하면서 순수 미술에 비해 장식 미술 작품에 부여된 낮은 지위가 좁혀졌다. 19세기 후반 영국에서 시작된 심미주의 운동은 토마스 칼라일, 존 러스킨, 윌리엄 모리스의 저술에서 영감을 받았다. 이 운동은 유럽 전역에서 장식 미술에 대한 더 큰 인식을 시작하는 계기가 되었다. 아서 헤이게이트 맥머도는 미술 공예 운동이 새로운 세대에게 어필하면서 1882년에 장인들을 위한 센추리 길드를 조직하여 순수 미술과 장식 미술 사이에 의미 있는 차이가 없다는 생각을 옹호했다. 전문 예술가들뿐만 아니라 지식인 계급 전체에서 많은 개종자들이 이 운동의 아이디어를 전파하는 데 기여했다.[5]
미술 공예 운동의 영향으로 장식 미술은 사회에서 더 큰 평가와 지위를 얻게 되었고, 이는 곧 법의 변화로 반영되었다. 저작권법 1911 제정 이전에는 순수 미술 작품만이 무단 복제로부터 보호받았다. 1911년 법은 "예술 작품"의 정의를 "예술적 장인 정신"의 작품을 포함하도록 확장했다.[6][7]
6. 대량 생산과 맞춤화
대량 생산과 소비주의의 맥락에서 일부 개인은 대량 생산된 동일한 물건을 받아들여야 할 때 자신의 라이프스타일을 만들거나 유지하거나 정체성을 구축하려 할 것이다. 콜린 캠벨(Colin Campbell)은 그의 글 "장인적 소비자(The Craft Consumer)"에서[8], 이것은 물건을 특정한 의도를 가지고 선택하여 변경함으로써 이루어진다고 말한다. 이물질을 있는 그대로 받아들이는 대신, 이물질은 자신의 라이프스타일과 선택에 맞게 통합되고 변경되거나 맞춤화(Customization (anthropology))된다.
일반적인 물건에 맞춤형 외관과 느낌을 부여하는 한 가지 방법은 데쿠파주, 아트카, 남아시아의 트럭 아트 및 IKEA 해킹과 같이 장식 기법을 적용하여 외부 모양을 변경하는 것이다.
7. 현대 장식 미술의 동향
르네상스 이후 서양 미술에서 비롯된 장식 미술과 순수 미술의 구분은 다른 문화와 시대에는 적용하기 어렵다. 예를 들어, 이슬람 미술은 기하학적 및 식물 형태를 활용한 장식 미술로만 구성되는 경우가 많으며, 이는 여러 전통 문화의 미술에서도 마찬가지이다.[1]
중국 미술이나 초기 유럽의 중세 미술에서도 이러한 구분은 유용하지 않다. 유럽 중세 시대에는 필사본 채색화나 기념 조각과 같은 순수 미술이 있었지만, 가장 명망 있는 작품은 금세공, 청동, 상아 조각 등이었다. 대규모 벽화는 덜 존중되었고, 모자이크의 열등한 대체물로 여겨졌다. 태피스트리 역시 후기 중세와 르네상스 시대 왕족들에게 가장 훌륭한 예술 형식으로 여겨졌다.
1970년대 에이미 골딘[2]과 앤 스와츠[3] 같은 작가와 미술 사학자들은 장식을 '덜 중요한 예술'로 보는 시각에 이의를 제기했다. 포스트모더니즘적 아이러니와 거리 미술, 민족 장식 전통에 대한 관심 증가로 미술의 단일 내러티브 주장은 20세기 말 동력을 잃었다. 1980년대 뉴욕 갤러리에서 일어난 패턴과 장식 운동은 예술 작품 가치에 대한 더 포괄적인 평가를 열었다.[4]
대량 생산과 소비주의 맥락에서, 개인은 라이프스타일을 만들거나 유지하고 정체성을 구축하기 위해 대량 생산된 물건을 선택, 변경하여 자신만의 것으로 만든다. 콜린 캠벨은 "장인적 소비자"[8]에서 물건을 특정한 의도를 가지고 선택, 변경하여 자신의 라이프스타일과 선택에 맞게 통합하고 맞춤화(Customization (anthropology))한다고 설명한다.
일반적인 물건에 맞춤형 외관을 부여하는 방법으로는 데쿠파주, 아트카, 남아시아의 트럭 아트, IKEA 해킹과 같이 장식 기법을 적용하여 외부 모양을 변경하는 것이 있다.
참조
[1]
서적
Dictionary of the Decorative Arts
https://archive.org/[...]
Penguin
[2]
간행물
Patterns, Grids, and Painting
https://www.artforum[...]
1975-09
[3]
웹사이트
With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972–1985
https://www.moca.org[...]
[4]
웹사이트
The Pattern and Decoration Movement Challenged the Machismo of Modernism
https://www.artsy.ne[...]
2020-01-31
[5]
서적
Arts and Crafts movement
https://www.britanni[...]
Encyclopædia Britannica
2014-06-05
[6]
문서
UK Legislation, Copyright Act 1911
[7]
문서
The Decorative Arts and Copyright
http://www.vivalagoo[...]
Lagoon Contemporary Furniture
[8]
기타
The Craft Consumer
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