장식품
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1. 개요
장식품은 인류 역사와 함께 발전해 온 시각적 요소로, 각 시대와 문화의 특징을 반영하며 다양한 형태로 나타났다. 장식은 섬유 예술, 카롤링거 예술, 오토 왕조 예술, 로마네스크 예술, 고딕 예술 시대를 거치며 발전과 쇠퇴를 반복했으며, 르네상스, 신고전주의, 모더니즘 등 특정 시대에는 장식이 제한되거나 배제되기도 했다. 고대 이집트, 아시리아, 고대 그리스 등 다양한 문화권에서 독자적인 장식 스타일이 발전했으며, 로마 시대에는 건축물과 생활용품에 화려한 장식이 사용되었다. 19세기에는 다양한 장식 양식이 부활하고 연구되었으며, 20세기 이후 현대 건축에서는 장식이 최소화되거나 기능에 통합되는 경향을 보였다.
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| 장식품 | |
|---|---|
| 개요 | |
| 정의 | 건물이나 물체의 일부를 아름답게 꾸미는 데 사용되는 장식 |
| 목적 | 시각적인 매력을 더하고, 특정 문화적, 종교적 의미를 전달하거나, 기능적인 목적을 수행 |
| 형태 | 조각, 몰딩, 그림, 상감, 또는 다양한 재료를 사용하여 만든 요소 |
| 유형별 장식 | |
| 건축 장식 | 건물 내부 및 외부의 미적 요소를 향상시키는 데 사용되는 장식적인 특징 |
| 가구 장식 | 가구의 디자인과 스타일을 강조하기 위해 추가되는 장식 요소 |
| 의복 장식 | 옷을 꾸미고 개성을 표현하기 위해 사용되는 장식품 (예: 자수, 구슬, 레이스) |
| 몸 장식 | 신체를 아름답게 꾸미기 위해 사용되는 장식품 (예: 보석, 문신, 화장) |
| 음식 장식 | 음식의 시각적인 매력을 높이기 위해 사용되는 장식 (예: 고명, 설탕 공예) |
| 역사적, 문화적 중요성 | |
| 고대 문명 | 고대 이집트, 그리스, 로마 등 다양한 문명에서 장식은 사회적 지위, 종교적 신념, 문화적 가치를 반영 |
| 중세 시대 | 교회 건축과 예술에서 중요한 역할 수행, 종교적인 이야기를 시각적으로 전달 |
| 르네상스 시대 | 고전적인 형태와 모티브의 부활, 예술과 건축에서 장식의 중요성 증가 |
| 현대 | 다양한 재료와 기술을 사용하여 실험적인 형태와 스타일의 장식 등장 |
| 재료 및 기술 | |
| 재료 | 돌, 나무, 금속, 유리, 세라믹, 섬유 등 다양한 재료 사용 |
| 기술 | 조각, 몰딩, 그림, 상감, 자수, 직조 등 다양한 기술 사용 |
| 추가 정보 | |
| 관련 개념 | 미술, 공예, 디자인, 건축 |
2. 역사
장식의 역사는 인류의 역사와 함께 시작되었으며, 각 시대와 문화권의 특징을 반영하며 발전해왔다. 많은 문화권의 예술사를 살펴보면 장식의 수준이 일정 기간 증가하다가 갑작스러운 반작용으로 더 단순한 형태로 돌아간 후 다시 점진적으로 장식이 증가하는 파도와 같은 경향이 나타난다.
이러한 패턴은 로마 이후 유럽 예술에서 특히 분명하게 나타난다. 섬유 예술은 유럽 대륙에 영향을 미쳤지만, 고전주의에서 영감을 받은 카롤링거 예술과 오토 왕조 예술이 이를 대체했다. 로마네스크 예술과 고딕 예술 시대에 장식이 증가했지만, 고전주의의 영향을 받은 초기 르네상스 양식에서는 크게 줄었다. 북방 마니에리즘, 바로크 및 로코코 시대에 장식이 다시 증가했지만, 신고전주의와 낭만주의에 의해 제한되었다.
1800년경 남성의 장식 거부 시대에 남성 의복의 장식은 유행에서 사라졌다. 건축과 가구의 장식은 19세기 후반 나폴레옹 3세 양식, 빅토리아 장식 예술 및 다른 국가의 이와 유사한 양식에서 다시 부활했지만, 아츠 앤 크래프츠 운동과 모더니즘에 의해 단호하게 축소되었다.
유라시아 장식 형태에 대한 자세한 연구는 알로이스 리글(Alois Riegl)의 형식주의적 연구인 ''양식 문제: 장식의 역사에 대한 기초 연구(Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik)''에서 시작되었으며, 그는 이 과정에서 ''쿤스트볼렌(Kunstwollen)'' 개념을 개발했다.[2] 리글은 고대 이집트 예술 및 다른 고대 근동 문명을 거쳐 고전 세계, 이슬람 예술의 아라베스크에 이르기까지 장식 식물 형태의 형식주의적 연속성과 발전을 추적했다. 제시카 로슨(Jessica Rawson)은 중국 예술을 포함하도록 분석을 확장하여 중국 장식의 많은 요소들을 같은 전통으로 거슬러 올라가는 것을 추적했다. 이러한 공통된 배경은 몽골의 페르시아 침공 이후 페르시아 예술로 중국 모티프가 동화되는 것을 조화롭고 생산적으로 만드는 데 기여했다.[4]
2. 1. 고대 사회의 장식
고대 이집트 문화는 건물에 순수한 장식을 추가한 최초의 문명 중 하나로 평가받는다. 이집트의 장식은 자연에서 영감을 받아, 파피루스와 야자수 이미지를 기둥과 벽의 주두에 장식했다. 아시리아 문화는 이집트의 영향을 받았지만, 지역의 식물과 동물의 모습을 포함한 독창적인 주제를 발전시켰다.[4]고대 그리스 문명은 다양한 장식 형태를 창조했으며, 알렉산드로스 대왕의 정복과 불교의 전파를 통해 이러한 장식 모티프는 동아시아까지 퍼져나갔다.[5] 서구에서는 고대 로마에 의해 그리스 장식이 라틴화되어 약 천 년 동안 지속되었으며, 고딕 형태로 대체되었다가 이탈리아 르네상스 시대에 다시 부활하여 오늘날까지 널리 사용되고 있다.
2. 2. 로마 시대의 장식
로마 제국 시대에는 대리석, 유리, 흑요석, 금 등 다양한 재료를 사용하여 화려한 장식을 추구했다. 폼페이를 중심으로 한 로마 장식은 학자 제시카 파워스(Jessica Powers)가 저술한 "폼페이 가옥의 회화 너머: 벽 장식과 그 후원자들"이라는 책에서 연구되었다.[6] 파워스는 장식품을 개별적으로 연구하는 대신, 원래 맥락에서 접근해야 한다고 주장하며, 여기에는 작품이 발견된 위치, 주변 물건, 후원자 등이 포함될 수 있다고 보았다.[6]파워스는 특히 폼페이의 카사 델리 아모리니 도라티(Casa Degli Amorini Dorati)를 연구했는데, 이곳에서는 18개의 벽 장식이 발견되어 폼페이의 다른 어떤 집보다 많았다. 폼페이 가옥의 내부 벽 장식은 일반적으로 벽을 3개 이상의 구역으로 나누고, 벽 높이의 약 1/6을 차지하는 벽돌 받침대(dado)를 두었다.[7] 벽 구역은 넓은 벽기둥으로 나뉘었고, 벽 상단에는 프리스(frieze)가 띠처럼 장식되었다. 카사 델리 아모리니 도라티의 장식은 이러한 스타일을 반영하며, 재사용된 물건과 희귀하고 수입된 물건을 포함하고 있었다. 여러 패널은 이전에 다른 벽에 붙어 있었던 것으로, 집주인과 후원자들이 손상되거나 중고 재료를 사용하려는 의지를 보여준다고 파워스는 주장한다. 또한, 장식용 벽 패널에 사용된 재료는 그리스 동부 또는 이집트산으로 확인되어, 로마 제국의 정교한 무역로와 폼페이 외부 재료를 사용한 장식에 대한 관심을 보여준다.
주택 외에도 공공 건물과 사원은 로마 장식 스타일을 보여주는 장소였다. 학자 오웬 존스(Owen Jones)는 그의 책 "로마 장식"에서 로마 사원의 과도한 장식은 자기 과시의 수단으로 사용되었다고 언급했다.[8] 로마 장식 기법에는 표면 조형이 포함되며, 이는 대리석 표면에서 일반적인 장식 스타일이었다.[8] 일반적인 장식 스타일 중 하나는 그리스에서 채택한 아칸서스 잎 무늬였으며, 코린트식 건축 양식의 주두, 사원 및 기타 공공 장소에서 볼 수 있다.
2. 3. 중세 유럽과 르네상스 시대의 장식
섬유 예술은 켈스의 서와 같은 필사본에서 볼 수 있듯이 정교한 장식을 사용했지만, 카롤링거 예술과 오토 왕조 예술은 고전주의의 영향으로 장식을 절제했다. 이후 로마네스크 예술과 고딕 예술 시대에는 장식이 다시 증가했지만, 르네상스 예술 초기에는 고전주의의 영향으로 장식이 크게 줄어드는 경향을 보였다.[2]2. 4. 바로크와 로코코 시대의 장식
17세기 바로크와 18세기 로코코 시대에는 화려하고 과장된 장식이 유행했다. 특히 프랑스를 중심으로 궁정과 귀족 사회에서 극도로 화려한 장식이 선호되었으며, 건축, 가구, 의복 등 생활 전반에 걸쳐 장식적인 요소가 강조되었다.
2. 5. 근대 이후의 장식
19세기에는 신고전주의와 낭만주의의 영향으로 장식이 절제되거나 자연주의적인 경향을 띠었다. 남성 복식에서는 남성의 장식 거부 현상이 나타나면서 장식이 사라졌다. 그러나 빅토리아 시대에는 화려한 장식이 다시 부활하기도 했다. 20세기 초에는 아르누보 운동이 일어나 자연스러운 곡선을 강조한 장식이 유행했지만, 모더니즘 건축에서는 장식을 배제하고 기능성을 강조했다.3. 장식의 유형
장식은 다양한 기준으로 분류할 수 있다.
몇몇 중세 수첩이 남아 있는데, 가장 유명한 것은 빌라르 드 오네쿠르(13세기)의 수첩으로, 예술가와 장인들이 미래에 사용하기 위해 보았던 디자인을 기록한 방법을 보여준다. 판화의 등장과 함께 장식 판화는 특히 독일에서 판화 제작자들의 중요한 산출물이 되었고, 모든 종류의 물건 제작자들에게 새로운 르네상스 양식의 빠른 확산에 중요한 역할을 했다. 그로테스크 양식은 건축 양식과 로마 내부 장식에서 유래했으며, 부활한 고전 장식뿐만 아니라 모레스크와 같이 이슬람 아라베스크를 유럽식으로 각색한 새로운 양식도 포함되었다.
인쇄가 저렴해짐에 따라 단일 장식 판화는 세트로, 그리고 마침내 책으로 바뀌었다. 16세기부터 19세기까지 유럽에서는 패턴 북이 출판되어 장식 요소에 대한 접근성을 높였으며, 결국 전 세계 문화에서 기록된 것들을 포함하게 되었다. 안드레아 팔라디오의 ''건축에 관한 네 권의 책''(베니스, 1570)[9]은 고전 로마 건물의 그림과 그 모티프를 활용한 팔라디오 자신의 디자인을 담고 있어 건축에 관해 쓰여진 가장 영향력 있는 책이 되었다. 나폴레옹은 ''Description de l'Egypte (1809)''에 이집트의 위대한 피라미드와 사원을 기록했다. 오웬 존스는 1856년 ''The Grammar of Ornament''를 출판하여 이집트, 터키, 시칠리아, 스페인의 장식을 채색한 그림으로 소개했다. 그는 알함브라 궁전에 거주하면서 이슬람 장식의 화려한 세부 사항, 아라베스크, 서예, 기하학적 패턴을 포함하여 그림과 석고 주조를 만들었다. 고전 건축에 대한 관심은 그랜드 투어 여행의 전통과 비트루비우스 및 미켈란젤로 작품에서 건축에 대한 초기 문헌 번역에 의해서도 자극받았다.
19세기 동안 장식의 허용 가능한 사용과 정확한 정의는 서구 학술 건축에서 미적 논쟁의 원인이 되었으며, 건축가와 비평가들은 적절한 스타일을 찾았다. 토마스 레버턴 도널드슨은 1847년에 "가장 큰 질문은 우리는 우리 시대의 건축, 19세기의 독특하고, 개별적이고, 명백한 스타일을 가져야 합니까?"라고 물었다.[10] 1849년 매슈 디그비 와이엇은 파리 샹젤리제에 설치된 1844년 프랑스 산업 박람회를 보고 모조 청동과 모조 목재 무늬의 회반죽 장식에 대해 현대적인 용어로 불만을 표했다.[11]
식민주의와 고고학의 새로운 발견을 통한 다른 문화와의 접촉은 부흥 운동가들에게 이용 가능한 장식의 레퍼토리를 확장했다. 1880년 이후 사진은 판화보다 장식의 세부 사항을 훨씬 더 널리 이용할 수 있게 했다.
3. 1. 소재에 따른 분류
장식품은 사용되는 소재에 따라 다양한 문양으로 분류할 수 있다. 주요 문양은 다음과 같다.| 종류 | 설명 | 예시 |
|---|---|---|
| 식물 문양 | 꽃, 잎, 줄기, 열매 등 식물의 형태를 모방 | 아칸서스 잎, 연꽃 문양 |
| 동물 문양 | 사자, 용, 봉황, 호랑이 등 동물의 형태를 모방 | |
| 기하학적 문양 | 원, 삼각형, 사각형, 마름모 등 기하학적인 도형을 반복하거나 조합 | 당초문, 귀갑문 |
| 문자 문양 | 한자, 한글, 범어 등 문자를 활용 | 수복문, 길상문 |
| 인물 문양 | 사람의 모습이나 신화, 전설 속 인물을 표현 |
로마 시대에는 대리석, 유리, 흑요석, 금 등 다양한 재료를 사용하여 장식을 만들었다.[6] 특히, 그리스에서 채택한 아칸서스 잎 무늬와 같은 자연주의적인 모티브는 코린트식 건축 양식의 주두, 사원 및 기타 공공 장소에서 흔히 볼 수 있었다.
3. 2. 기능에 따른 분류
장식은 그 기능에 따라 크게 구조적 장식, 표면 장식, 부가 장식으로 분류할 수 있다.- 구조적 장식: 건축물의 구조적인 요소를 강조하거나 보완하는 장식이다. 예를 들어, 코린트식 건축 양식의 주두에서 볼 수 있는 아칸서스 잎과 기타 자연주의 모티브는 사원 및 공공장소의 구조를 강조하는 역할을 한다.[8]
- 표면 장식: 벽, 천장, 바닥 등 평면에 그림을 그리거나 문양을 새겨 넣어 미적 효과를 높이는 장식이다. 로마 시대에는 벽을 여러 구역으로 나누고 벽기둥과 프리즈(frieze)로 장식하는 방식이 일반적이었다.[7]
- 부가 장식: 가구, 공예품, 의복 등에 추가적으로 아름다움을 더하는 장식이다.
3. 3. 문화권에 따른 분류
동양과 서양, 그리고 이슬람 문화권에서는 각기 독특한 장식 요소들이 발전해 왔다.- 동양 장식: 한국, 중국, 일본 등 동아시아 지역에서는 단청, 당초문, 운룡문과 같은 전통적인 장식 요소들이 사용되었다.
- 서양 장식: 그리스, 로마, 유럽 등 서양 지역에서는 아칸서스 잎, 코린트식 주두, 바로크 양식과 같은 전통적인 장식이 발전했다. 특히 로마 시대에는 대리석, 유리, 흑요석, 금 등 다양한 재료를 활용한 장식이 발달했다. 폼페이 유적에서는 벽을 여러 구역으로 나누고 벽기둥과 프리즈로 장식하는 방식이 발견되었으며, 그리스 동부나 이집트산 재료가 사용되기도 했다.[6][7] 그리스 도자기에서는 다양한 장식 모티프가 사용되었고, 빌라르 드 오네쿠르의 수첩에는 중세 시대 예술가들이 기록한 디자인들이 남아있다. 16세기부터 19세기까지 유럽에서는 패턴 북이 출판되어 장식 요소에 대한 접근성을 높였으며, 안드레아 팔라디오의 ''건축에 관한 네 권의 책''(1570)은 고전 건축 양식을 소개하는 데 큰 영향을 미쳤다.[9]
4. 현대의 장식
현대 목재 가공 장식품은 나무, 플라스틱, 복합재료 등으로 만들어지며 다양한 색상과 모양으로 제공된다.
현대 건축은 순수 기능적 구조를 위해 장식을 제거하는 경향을 보였는데, 이는 건축가들에게 현대 구조물을 적절히 장식하는 방법에 대한 문제를 남겼다.[12] 이러한 위기에 대한 두 가지 방향이 있었다. 하나는 루이스 설리번, 프랭크 로이드 라이트, 안토니 가우디와 같이 본질적으로 현대적이고 새로운 장식 어휘를 고안하는 것이었다. 20세기 초 아르누보는 이러한 "자연스러운" 장식 어휘를 발전시키려는 노력이었다.
다른 하나는 크리스토퍼 드레서처럼 장식 사용을 완전히 포기하는 것이었다. 당시 핀란드 아라비아 공장의 도자기나 전력선의 유리 절연체 등에서 장식이 없는 물건들을 찾아볼 수 있었다.
아돌프 루스는 1908년 논문 ''장식과 범죄''에서 장식의 부재가 발전된 사회의 징후라고 선언했다.[13] 현대주의자들은 루이스 설리번을 미적 단순화의 대부로 지목했지만, 그의 건축물 표면 장식은 무시했다.
1920~30년대 르 코르뷔지에와 바우하우스의 작업을 통해 장식적 세부 사항의 부재는 현대 건축의 특징이 되었고, 1932년 필립 존슨과 헨리-러셀 힉콕은 이를 "국제 양식"이라 불렀다. 현대주의자들은 그들의 방식을 유일하게 허용되는 건축 방식으로 선언했다. 1950년대 미스 반 데어 로에의 전후 시대 작품에서 현대주의 원칙이 매우 엄격해져, 에드워드 더렐 스톤, 에로 사리넨과 같은 건축가들은 미적 규칙을 벗어났다는 이유로 조롱당했다.
존 서머슨은 1941년 "건축은 장식에서 해방되었지만, 장식에 대한 ''두려움''에서 해방되지는 못했습니다."라고 언급했다.[14]
장식과 구조의 차이는 미묘하다. 고딕 건축의 첨두 아치와 부벽은 장식적이지만 구조적으로 필요하다. 피에트로 벨루스키의 국제 양식 고층 건물의 띠는 통합되어 있지만 장식적인 효과가 있다. 건축 장식은 규모 설정, 출입구 표시, 길 찾기 등 실용적 목적을 제공할 수 있지만, 이러한 디자인 전술은 금지되었다. 1950년대 중반 르 코르뷔지에와 마르셀 브로이어는 표현적인 콘크리트 작업을 제작하며 자신의 규칙을 어겼다.
장식에 대한 반대는 1959년 시그램 빌딩 논의에서 절정에 달했고, 1984년 필립 존슨이 장식적인 AT&T 빌딩을 건설하면서 논쟁은 종식되었다. AT&T 빌딩은 최초의 포스트모더니즘 건축물로 평가받는다.
5. 장식 관련 서적 및 자료
19세기에는 다양한 문화권의 장식을 집대성한 서적들이 출판되었다. 주요 서적들은 다음과 같다.
- '''양식 문제''' (1893): 알로이스 리글이 저술한 책으로, 고대 이집트부터 이슬람 예술까지 장식의 형식주의적 발전을 추적한 연구서이다.[2][3]
- '''장식의 문법''' (1856): 오언 존스가 저술한 책으로, 이집트, 터키, 시칠리아, 스페인의 장식을 채색 그림으로 소개했다.
- '''장식의 보고(The Treasury of Ornament)''' (1898): 하인리히 돌메치가 저술한 책이다.
- '''장식 안내서(A Handbook of Ornament)''' (1898): 프란츠 살레스 마이어가 저술한 책이다.
- '''모든 역사적 양식의 채색 장식(The Coloured Ornament of All Historical Styles)''' (1915): 알렉산더 스펠츠가 저술한 책이다.
참조
[1]
서적
Heavenly Mansions
1963
[2]
서적
[3]
웹사이트
“Style”—or whatever
http://www.newcriter[...]
1993-04
[4]
서적
[5]
서적
[6]
서적
Pompeii: Art, Industry and Infrastructure
https://www.jstor.or[...]
Oxbow Books
2011
[7]
서적
The Grammar of Ornament
http://dx.doi.org/10[...]
Princeton University Press
2016-07-26
[8]
서적
The Grammar of Ornament
http://dx.doi.org/10[...]
Princeton University Press
2016-07-26
[9]
웹사이트
Palladio and his Books.
http://www.palladian[...]
[10]
서적
[11]
웹사이트
Second Republic Exposition
http://charon.sfsu.e[...]
[12]
학술지
Structure/ornament and the modern figuration of architecture
http://www.encyclope[...]
1998-12-01
[13]
서적
The Language of Ornament
https://books.google[...]
Thames & Hudson
2001
[14]
웹사이트
Slogans and Battlecries
http://www.paulsheph[...]
2018-05-12
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