미국의 미술
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1. 개요
미국의 미술은 초기 식민지 시대부터 21세기 현대 미술에 이르기까지 다양한 양상으로 발전해 왔다. 초기에는 아메리카 원주민과 식민지 시대의 초상화가, 풍경화가 등장했고, 독립 이후에는 역사화와 초상화가 주를 이루었다. 19세기에는 허드슨 강파, 사실주의, 인상주의 등 다양한 사조가 나타났으며, 20세기에는 아모리 쇼를 통해 모더니즘이 도입되고, 추상표현주의, 팝 아트, 미니멀리즘 등 새로운 흐름이 등장했다. 21세기에는 문화 다원주의 시대에 접어들어 다양한 양식과 매체가 공존하며, 현재도 여러 방향으로 발전하고 있다.
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《아메리칸 고딕》은 그랜트 우드가 1930년에 그린 유화 작품으로, 아이오와주의 디블 하우스를 배경으로 여동생과 치과 의사를 모델로 하여 부녀의 모습을 고딕 건축 양식과 반복되는 구성을 통해 묘사했으며, 시카고 미술관 공모전에서 수상하고 다양한 매체에서 패러디되며 대중적인 인기를 얻었다. - 미국의 미술 - 팝 아트
팝 아트는 1950년대 영국과 미국에서 시작된 미술 운동으로, 대중문화를 예술 소재로 활용하여 추상표현주의에 반발하고 대중적인 이미지를 작품에 도입했으며, 광고 미술과 대중문화에 큰 영향을 미쳤다.
| 미국의 미술 | |
|---|---|
| 미술 개요 | |
 | |
| 국가 | 미국 |
| 시대 | 1750년 이후 |
| 세부 분야 | |
| 양식 | 미국 식민지 미술 미국 지역주의 애슈캔파 허드슨 강파 팝 아트 추상 표현주의 초현실주의 미니멀리즘 |
| 주요 인물 | |
| 화가 | 메리 카사트 프레더릭 처치 토머스 에이킨스 헬렌 프랑켄탈러 윈슬로 호머 에드워드 호퍼 조지 이네스 프레더릭 레밍턴 조지아 오키프 잭슨 폴록 마크 로스코 앤디 워홀 |
| 조각가 | 알렉산더 칼더 데이비드 스미스 |
| 사진작가 | 도로시아 랭 알프레드 스티글리츠 |
| 관련 항목 | |
| 박물관 | 메트로폴리탄 미술관 국립 미술관 휘트니 미술관 필라델피아 미술관 보스턴 미술관 시카고 미술관 로스앤젤레스 카운티 미술관 |
| 기타 | 미국 문화 |
2. 초기 식민지 시대 미술 (17세기~18세기 초)
영국 정착지는 전문 예술가를 지원할 만큼 성장했고, 주로 초상화가들이 활동했는데, 그들은 대개 독학으로 미술을 익혔다.
가장 초창기 인물 중 한 명은 1728년 미술 교수가 되기 위해 런던에서 이주했지만 대신 보스턴에서 초상화가이자 판화 판매자가 된 훈련된 예술가 존 스마이버트(1688–1751)였다. 그의 친구 피터 펠햄은 화가이자 판화가였다. 둘 다 다른 수입원이 필요했고 상점을 운영했다. 한편, 나중에 아메리카가 될 스페인 영토에서는 주로 원주민 예술가들이 제작한 후기 바로크 양식의 종교 예술을 주로 볼 수 있었고, 아메리카 원주민 문화는 다양한 전통에 따라 예술을 계속 생산했다.
2. 1. 존 화이트와 초기 기록화
영국령 아메리카를 방문한 최초의 화가 중 한 명은 존 화이트(1540년경 – 1606년경)로, 그는 현재 대영 박물관에 소장된 동부 해안 아메리카 원주민 생활에 대한 중요한 수채화 기록을 남겼다. 화이트는 탐험대를 위한 화가이자 지도 제작자로 처음 미국을 방문했으며, 식민지 시대 초기에 서구 양식으로 훈련받은 다른 예술가들은 대부분 군 및 해군 장교였고, 이들의 훈련에는 풍경 스케치가 포함되었다.
3. 18세기 미국 회화
1776년 미국 독립 선언은 미국 국가 정체성의 공식적인 시작을 알렸으며, 새롭게 건국된 국가는 역사를 필요로 했고, 그 역사의 일부는 시각적으로 표현될 것이었다. 18세기 후반부터 19세기 초반까지의 초기 미국 미술은 대부분 역사화와 초상화로 구성된다. 식민지 시대와 마찬가지로, 초상화가 중 다수는 독학으로 그림을 배웠다. 조셉 배저, 존 브루스터 주니어, 윌리엄 제니스 등이 그 예이다.[1]
젊은 미국의 예술가들은 고전 명화 판화와 존 스미버트(1688–1751), 존 월러스턴(1742–1775 활동)과 같은 영국에서 교육받은 이민자들의 그림을 통해 영국 미술 양식을 모방했다.[1]
로버트 페케(1707–1752)는 훈련받지 않은 화가였지만, 스미버트의 그림을 바탕으로 세련된 스타일을 갖추었다.[2] 찰스 윌슨 피일은 스미버트가 유럽 그림을 모사한 것을 연구하여 미술 교육을 받았으며,[3] 미국 독립 혁명의 주요 인물들의 초상화를 그렸다. 피일의 남동생 제임스 피일, 피일의 조카와 아들인 안나 클레이풀 피일, 사라 미리엄 피일, 라파엘 피일, 렘브란트 피일, 루벤스 피일, 티티안 피일 역시 예술가였다.
풍경화는 주로 소유한 재산을 보여주거나 초상화의 배경으로 그려졌다.
3. 1. 미국 독립과 역사화의 등장
존 트럼불은 미국 독립 전쟁의 대규모 전투 장면을 그렸다.[9]
3. 2. 초상화의 발전: 코플리, 웨스트, 스튜어트
존 싱글턴 코플리는 상류층 상인들을 위한 상징적인 초상화를 그렸는데, 대표적으로 폴 리비어의 초상화(약 1768–1770년)가 있다. 그의 가장 유명한 그림인 왓슨과 상어(1778)의 원본은 미국 국립 미술관에 소장되어 있으며,[6] 보스턴 미술관과 디트로이트 미술관에도 다른 버전이 있다. 벤자민 웨스트는 프랑스-인디언 전쟁의 역사화와 초상화를 그렸으며, 런던에서 워싱턴 올스턴,[7] 랄프 얼, 제임스 얼,[8] 새뮤얼 모스, 찰스 윌슨 피일, 렘브란트 피일, 길버트 스튜어트, 존 트럼불, 매더 브라운, 에드워드 새비지, 토머스 설리 등 많은 미국 예술가들을 지도했다.[9] 길버트 스튜어트는 새로 선출된 정부 관리들의 초상화를 그렸으며,[4] 이 초상화들은 19세기와 20세기 초 미국의 다양한 우표에 재현되어 상징적인 작품이 되었다.[5]4. 19세기 미국 회화
19세기 미국은 독립 전쟁 이후 건국과 함께 팽창하였으나, 회화 감상을 위한 풍토는 아직 부족했다. 18세기 말부터 19세기에 걸쳐 벤저민 웨스트가 영국에서 명성을 떨치며 런던에서 미국 젊은 화가들을 지도하여 본국 회화 발전에 기여했다.
길버트 스튜어트는 런던에서 웨스트의 도움을 받아 초상화가로 알려졌고, 《워싱턴의 초상》이 유명하다. 찰스 윌슨 필도 웨스트의 문하에서 공부했으며, 많은 명사의 초상화와 《워싱턴의 상(像)》을 남겼다.
새를 기록한 그림을 그린 존 제임스 오듀본은 초기 미국의 주요 자연주의 예술가 중 한 명이었다. 그의 주요 작품인 ''미국의 새''(1827–1839)는 훌륭한 조류학 작품 중 하나로 꼽힌다. 에드워드 힉스는 미국의 민속 화가이자 퀘이커 목사였으며, 그의 그림은 퀘이커 아이콘이 되었다.
광활한 서부의 그림들은 그 땅의 크기와 원주민들의 문화를 강조하며 독특한 장르가 되었다. 조지 캐틀린은 서부와 그 사람들을 가능한 한 정직하게 묘사했다. 조지 케일럽 빙엄, 프레데릭 레밍턴, 찰스 M. 러셀, 사진작가 에드워드 S. 커티스 등은 미국 서부의 유산과 올드 아메리카 웨스트를 기록했다.
역사화는 19세기 미국 미술에서 덜 인기 있는 장르였지만, 독일 태생의 에마누엘 로이체가 그린 ''워싱턴 델라웨어를 건너다''는 잘 알려진 미국 그림 중 하나이다. 윌리엄 B. T. 트레고의 역사적 및 군사적 그림은 그의 사후에 널리 출판되었다.[10]
19세기 미국의 초상화가로는 애미 필립스와 같은 훈련받지 않은 화가와 토머스 설리, 조지 피터 알렉산더 힐리와 같이 유럽 전통에서 교육을 받은 화가가 있었다.
필라델피아에서 주로 시작된 트롱프뢰유 스타일의 정물화에는 라파엘레 필, 윌리엄 마이클 하네트, 존 F. 페토가 포함되었다.
당대의 성공적인 미국 조각가인 하이라미즈 파워즈는 30대 초반에 미국을 떠나 유럽에서 여생을 보냈고, 그곳에서 그는 ''유혹당하는 이브''와 같은 이상화된 여성 누드를 위해 전통적인 스타일을 채택했다.[12]
4. 1. 허드슨 강 화파와 풍경화의 발전
미국에서 최초로 잘 알려진 회화 학교인 허드슨 강파는 1820년에 등장했다. 토마스 콜은 이 운동의 선구자였으며, 앨버트 비어슈타트, 프레데릭 에드윈 처치, 토머스 도티 등이 여기에 포함되었다. 음악과 문학에서처럼, 이 발전은 예술가들이 신세계, 즉 서부 개척지의 확장이 변경(邊境)의 아름다움을 화가들의 주목을 받게 했다는 사실을 인식할 때까지 지연되었다.
허드슨 강 화가들의 직접적이고 단순한 시각은 존 켄셋과 루미니스트를 비롯하여, 조지 이네스와 토널리스트 (앨버트 핑크햄 라이더와 랄프 앨버트 블레이클록 등), 그리고 미국의 시골—바다, 산, 그리고 그 근처에 사는 사람들을 묘사한 윈슬로 호머 (1836–1910)와 같은 후대 예술가들에게 영향을 미치고 영감을 주었다.
4. 2. 사실주의와 윈슬로 호머
윈슬로 호머(1836∼1910)는 미국의 자연을 그리는 데 몰두하여 해양 화가로서 위치를 든든히 했으며, 수채화에도 좋은 작품들이 있다. 토마스 에이킨스(1844–1916)는 중산층 도시 생활을 사실적으로 묘사하였는데, 젠트리한 낭만적 감상주의에 대한 선호도를 깎아내렸다. 그 결과 생전에는 크게 성공하지 못했지만, 이후 가장 중요한 미국 예술가 중 한 명으로 인정받았다.[11]4. 3. 서부 개척과 미술
제1차 세계 대전 이후, 산타페 철도가 완공되면서 미국 정착민들은 캘리포니아 해안까지 서부로 이동할 수 있게 되었다. 산타페와 타오스를 중심으로 새로운 예술가 공동체가 생겨났으며, 이들은 주로 남서부의 원주민과 풍경을 주제로 작품 활동을 했다.
남서부의 이미지는 광고에 널리 활용되었는데, 특히 산타페 철도는 "오염되지 않은 풍경"을 즐기려는 정착민들을 서부로 유인하기 위해 이러한 이미지를 적극적으로 사용했다. 월터 우퍼, 버트 지어 필립스, E. 어빙 코스, 윌리엄 헨리 잭슨, 마스덴 하틀리, 앤드류 다스버그, 조지아 오키프 등 많은 예술가들이 남서부의 모습을 담은 작품을 남겼다. 19세기 후반에 태어난 조지아 오키프는 꽃, 뼈, 뉴멕시코 풍경을 소재로 한 그림으로 유명하며, 대표작으로는 ''램스 헤드 화이트 홀리호크와 작은 언덕''이 있다. 오키프는 1929년 남서부를 방문한 후 1949년에 영구 정착하여 1986년 사망할 때까지 그곳에서 작품 활동을 이어갔다.
4. 4. 인상주의의 수용: 휘슬러, 사전트, 커샛
제임스 맥닐 휘슬러, 존 싱어 사전트, 메리 커샛은 프랑스 인상주의의 영향을 받았지만, 자신만의 독특한 화풍을 발전시켰다. 특히 커샛은 여성 특유의 섬세함으로 모자(母子)의 정을 그려 신선한 매력을 보여주었다.
테오도르 로빈슨은 1887년 프랑스에서 클로드 모네와 교류하며 인상주의 기법을 미국에 도입한 선구적인 화가 중 한 명이다. 19세기 말에는 차일드 하삼, 프랭크 웨스턴 벤슨 등의 화가들이 미국 인상주의를 발전시켜 대중적인 인기를 얻었다.
5. 20세기 미국 회화
제2차 세계 대전 이후, 미국에서는 추상표현주의라는 새로운 미술 사조가 등장했다. 액션 페인팅은 1952년 미국의 비평가 해럴드 로젠버그가 이름 붙인 표현 양식으로, 이미지보다는 그림을 그리는 행위 자체에서 의미를 찾으려는 경향이다.[20] 잭슨 폴록, 빌럼 데 쿠닝, 프란츠 클라인 등이 대표적인 작가이다.
1960년 전후에는 네오 다다이즘이 나타나 현실적인 기호나 오브제를 화면에 도입했다.[26] 재스퍼 존스와 로버트 라우센버그가 대표적인 화가이다.[26]
1960년대 초에는 팝 아트가 뉴욕을 중심으로 출현했다. 팝 아트는 파퓰러 아트(Popular Art)의 약칭으로, 1950년대 영국에서 로렌스 아로웨이가 선전미술을 지칭하며 사용한 용어이다. 미국의 팝 아트는 도시의 대중적인 이미지를 적극 수용하여 미술을 대중적인 영역으로 확대하였다. 로이 리히텐슈타인, 앤디 워홀, 클래스 올덴버그 등이 대표적인 작가이다.[26]
제1차 세계 대전 이후 많은 미국 예술가들은 아모리 쇼와 파리파의 영향을 받은 현대 미술을 거부하고, 미국 도시 및 농촌 풍경을 묘사하는 아카데믹 사실주의를 채택했다. 그랜트 우드, 레지널드 마시, 가이 펭 드 부아, 찰스 실러는 각기 다른 방식으로 사실주의 경향을 보여준다.
5. 1. 아모리 쇼와 모더니즘의 도입
1913년 2월 뉴욕의 제69연대 병기고에서 포비슴, 표현주의, 퀴비슴 등 유럽 현대미술을 소개하는 대규모 전람회가 열렸다. 이 전람회는 개최 장소의 이름을 따 아모리 쇼라고 불린다. 이 전람회는 당시 유럽의 구미술에 익숙해져 있던 미국 미술계에 큰 충격을 주었다.[1] 특히 퀴비슴이 전시된 화실은 '공포의 방'이라 불렸으며, 마르셀 뒤샹의 《계단을 내려오는 누드 넘버 2》와 같은 작품은 이해하기 어렵다는 이유로 스캔들이 되기도 했다.[1] 그럼에도 불구하고 뉴욕에서 8만 명, 시카고와 보스턴 순회 전람회에서 18만 명의 관람객을 모으며 큰 성과를 거두었다.[1]
5. 2. 애쉬캔 화파와 미국 사실주의
로버트 헨리는 "예술적 가치 따위는 지옥에나 가라"고 선언하며, 도시 생활의 비참한 측면을 묘사한 애쉬캔파 회화의 지도자였다.[1] 미국 사실주의는 20세기 초 미국 시각 예술가들의 새로운 방향이었다.[2] 조지 벨로스, 에버렛 신 등 애쉬캔파 화가들은 사회 의식을 담은 이미지를 작품에 담아냈다.[2]
에드워드 호퍼는 헨리의 제자로, 빛과 형태에 집중하고 노골적인 사회적 내용은 피하는 개성적인 사실주의 스타일을 개발했다.[2] 그의 대표작 중 하나인 밤의 사람들은 고독한 도시 풍경을 통해 현대인의 소외감을 표현하고 있다.
5. 3. 추상표현주의와 뉴욕 화파
제2차 세계 대전 이후, 뉴욕을 중심으로 한 예술가 그룹은 국제적으로 큰 영향력을 행사한 최초의 미국 미술 운동인 추상표현주의를 탄생시켰다. 1919년 베를린에서 처음 사용된 이 용어는 1946년 로버트 코츠가 ''뉴욕 타임스''에서 다시 사용했고, 해럴드 로젠버그와 클레멘트 그린버그 등 주요 미술 비평가들이 받아들였다. 비록 이 용어가 지나치게 광범위하고 역설적이라는 비판도 있었지만, 감정, 정서, 예술가의 내면 등 외부 세계가 아닌 것을 추상 미술로 표현한다는 일반적인 정의를 갖는다.[24]추상표현주의 1세대에는 잭슨 폴록, 빌럼 데 쿠닝, 마크 로스코, 프란츠 클라인, 아르쉴 고르키, 로버트 마더웰, 클리포드 스틸, 바넷 뉴먼, 아돌프 고틀리브, 필립 거스턴, 아드 라인하르트, 제임스 브룩스, 리처드 푸제트-다트, 윌리엄 바지오티스, 마크 토비, 브래들리 워커 톰린, 테오도로스 스타모스, 잭 트워크브, 빌헬미나 베버 펄롱, 데이비드 스미스, 한스 호프만 등이 있다. 밀턴 에이버리, 리 크래스너, 루이즈 부르주아, 알렉산더 칼더, 토니 스미스, 모리스 그레이브스 등도 이 시기에 중요하고 영향력 있는 예술가였다.
이 용어는 매우 다양한 스타일을 포괄하지만, 동시대 비평가들은 몇 가지 공통점을 발견했다. 고르키, 폴록, 데 쿠닝, 클라인, 호프만, 마더웰, 고틀리브, 로스코, 스틸, 거스턴 등은 추상표현주의 운동과 관련된 미국 화가였으며, 대부분 액션 페인팅과 관련이 있었고 1940년대와 1950년대 뉴욕 스쿨의 일원이었다.
많은 1세대 추상표현주의자들은 입체파, 유럽의 초현실주의, 파블로 피카소, 호안 미로, 앙리 마티스, 그리고 미국인 밀턴 에이버리, 존 D. 그레이엄, 한스 호프만의 영향을 받았다. 이들은 형식적인 구성과 실제 객체의 표현을 포기하고, 공간, 선, 형태, 색상의 본능적이고 직관적이며 자발적인 배열을 시도했다. 추상표현주의는 사용된 캔버스의 큰 크기와, 브러시 스트로크의 강하고 특이한 사용 및 새로운 프로세스에 대한 이해를 통한 실험적인 페인트 적용이라는 두 가지 주요 요소로 특징지을 수 있다.
5. 3. 1. 액션 페인팅과 색면 추상
액션 페인팅은 1952년 미국의 비평가 해럴드 로젠버그가 이름 붙인 전후 미국의 대표적인 표현 양식이다. 이미지의 정착보다는 그린다는 행위(액션) 그 자체에서 순수한 의미를 찾으려는 경향이며, 잭슨 폴록, 빌럼 데 쿠닝, 프란츠 클라인 등이 대표적인 작가이다. 본래 제2차 세계 대전으로 미국에 망명한 쉬르레알리스트의 영향으로 쉬르레알리슴이 개척한 오토마티슴 기법을 더욱 철저하게 한 수법(바닥에 펼친 캔버스 위에 유동적인 마티에르를 떨어뜨려 나가는 드리핑 수법 등)도 볼 수 있지만, 쉬르레알리슴의 이미지 주의는 완전히 사라졌다. 유럽의 앵포르멜과 때를 같이하여 1950년대의 미술에 뜨거운 추상의 바람을 일으켰다.[20]색면 회화는 색상의 강조와 강화, 넓게 트인 표면의 확장을 추구한 운동이다. 아드 라인하르트, 아돌프 고틀리브, 마크 로스코, 클리포드 스틸, 바넷 뉴먼이 여기에 해당된다.
빌럼 데 쿠닝은 잭슨 폴록에 대해 "그는 우리 나머지 모두를 위해 얼음을 깼다"고 말했다.[21] 아이러니하게도 폴록의 넓고 반복적인 선형적 공간은 색면 회화의 특징이기도 하다.
추상 표현주의는 미국 미술사에서 전환점을 찍었는데, 1940년대와 1950년대에 국제적인 관심이 유럽(파리) 미술에서 미국(뉴욕) 미술로 이동했다.[22]
색면 회화는 1960년대에도 지속되었으며, 모리스 루이스, 줄스 올리츠키, 케네스 놀란드, 진 데이비스, 헬렌 프랭켄탈러 등은 반복, 줄무늬, 넓고 평평한 색상 영역을 통해 불필요한 표현을 제거한 그림을 만들려고 노력했다.[23]
5. 4. 팝 아트와 대중문화의 수용
1960년대 초엽에 팝 아트가 뉴욕을 중심으로 출현하였다. 팝 아트는 파퓰러 아트(Popular Art)의 약칭으로, 1950년대 영국에서 로렌스 아로웨이가 선전미술을 지칭하며 사용한 명칭이다. 그러나 미국의 팝 아트는 도시의 정보문화가 만들어내는 대중적인 이미지를 적극적으로 수용하여 미술을 대중적인 영역으로 확대하였다. 로이 리히텐슈타인, 앤디 워홀, 클래스 올덴버그 등이 대표적인 팝 아트 작가로 알려져 있다.[26]로버트 라우센버그와 재스퍼 존스는 사진, 신문지, 버려진 물건 등 혼합 매체를 활용한 작품을 선보였다. 한편, 앤디 워홀, 래리 리버스, 로이 리히텐슈타인과 같은 팝 아트 작가들은 코카콜라 병, 수프 캔, 만화 등 미국의 대중문화에 등장하는 일상적인 물건과 이미지를 풍자적으로 재현했다.
5. 5. 미니멀리즘과 다양한 실험
1960년대와 1970년대에는 추상 표현주의에 대한 반응으로 여러 미술 운동이 나타났다. 미니멀 아트는 극도로 절제된 형태와 색채를 사용한 것이 특징인데, 도널드 저드, 솔 르윗 등이 대표적인 작가이다. 마크 로스코의 작품 ''무제 (검은색과 회색)''은 미니멀 아트 및 색면 추상과 밀접한 관련을 보인다.[24]포스트미니멀리즘은 미니멀리즘의 경계를 넓히려 했으며, 산업 재료, 원자재 등을 활용하고 다다와 초현실주의를 언급하기도 했다. 에바 헤세의 조각이 대표적이다.[25]
개념 미술, 대지 미술, 비디오, 퍼포먼스 아트, 설치 미술 등도 이 시기에 현대 미술의 경계를 확장한 주요 미술 운동이었다.[26]
5. 6. 할렘 르네상스와 아프리카계 미국 미술
할렘 르네상스는 미국 미술의 중요한 발전이었다. 1920년대와 30년대에 교육을 받고 정치 감각이 뛰어난 새로운 세대의 아프리카계 미국인 남성과 여성들이 등장하여 인종 차별적인 고정 관념에 맞서기 위해 문학 단체, 미술 전시회 및 산업 전시회를 후원했다. 아프리카계 미국인 커뮤니티 내의 다양한 재능을 보여주는 이 운동은 미국 전역의 예술가들을 포함했지만, 할렘을 중심으로 이루어졌다. 할렘 출신의 화가이자 그래픽 아트 예술가인 에런 더글러스와 사진작가 제임스 반더지의 작품은 이 운동의 상징이 되었다. 로메어 비어든, 제이콥 로렌스, 찰스 올스턴, 오거스타 사바지, 아치볼드 모틀리, 로이스 메일루 존스, 팔머 헤이든, 사전트 존슨 등이 할렘 르네상스와 관련된 예술가들이다.[4]6. 현대 미국 회화 (20세기 후반~현재)
20세기 후반, 미국 회화는 다양한 흐름 속에서 발전했다. 1950년대 추상 표현주의의 지속과 더불어 네오 다다, 후기 회화적 추상, 옵 아트, 하드 에지 페인팅, 미니멀 아트, 쉐이프드 캔버스, 서정적 추상 등의 추상 회화 운동이 나타났다. 이러한 추상화 경향에 대한 반응으로 팝 아트, 베이 에어리어 구상 운동이 등장했으며, 1970년대 후반에는 신표현주의가 등장했다.
플럭서스 운동과 포스트미니멀리즘은 추상 회화와 미니멀리즘의 경계를 넓히려 시도했다. 특히, 서정적 추상은 색면 회화 및 추상 표현주의와 유사성을 가지면서도, 독자적인 스타일을 구축했다.
1960년대부터 1980년대까지, 아돌프 고틀리브, 필립 거스턴, 리 크래스너, 사이 톰블리, 로버트 라우센버그, 재스퍼 존스 등 주요 화가들과 브라이스 마든, 로버트 맹골드, 샘 길리엄, 숀 스컬리 등 젊은 예술가들이 다양한 작품을 선보였다.
21세기 초, 미국 미술은 문화 다원주의를 특징으로 한다. 특정 양식이 주도하는 것이 아니라, 다양한 스타일과 미학이 공존하며, 예술가들은 자유롭게 창작 활동을 펼치고 있다. 하드 에지 페인팅, 기하 추상, 극사실주의, 포토리얼리즘, 표현주의, 미니멀리즘, 서정적 추상, 팝 아트, 옵 아트, 추상 표현주의, 색면 회화, 모노크롬 페인팅, 신표현주의, 콜라주, 디지털 페인팅, 포스트모던 페인팅, 신 다다 회화, 셰이프 캔버스 페인팅, 그래피티, 인물화, 풍경화 등 다양한 경향이 나타나고 있다.
6. 1. 포스트모더니즘과 다원주의
1950년대 미국에서 추상 회화는 네오 다다, 후기 회화적 추상, 옵 아트, 하드 에지 페인팅, 미니멀 아트, 쉐이프드 캔버스, 서정적 추상 등 다양한 운동으로 발전했다. 추상 표현주의 역시 지속되었다. 추상화 경향에 대한 반응으로 팝 아트, 베이 에어리어 구상 운동, 1970년대 후반 신표현주의와 같은 새로운 운동을 통해 이미지가 등장했다.[24]플럭서스 운동과 포스트미니멀리즘(1969년 ''아트포럼''에서 로버트 핀커스-위튼이 처음 사용한 용어)[25]과 함께 서정적 추상은 과정, 새로운 재료, 새로운 표현 방식에 집중함으로써 추상 회화와 미니멀리즘의 경계를 넓히고자 했다. 포스트미니멀리즘은 종종 산업 재료, 원자재, 제작물, 발견된 물건, 설치, 연작 반복을 통합하고 다다와 초현실주의에 대한 언급을 담고 있으며, 에바 헤세의 조각에서 가장 잘 나타난다.[25]
1960년대 중반부터 1970년대까지 서정적 추상, 개념 미술, 포스트미니멀리즘, 대지 미술, 비디오, 퍼포먼스 아트, 설치 미술은 플럭서스, 추상 표현주의, 색면 회화, 하드 에지 페인팅, 미니멀 아트, 옵 아트, 팝 아트, 포토리얼리즘, 뉴 리얼리즘과 함께 현대 미술의 경계를 확장했다.[26]
서정적 추상은 특히 페인트 질감과 표면의 자유로운 사용에서 색면 회화와 추상 표현주의와 유사점을 공유한다. 직접적인 드로잉, 선의 서예적 사용, 브러시로 칠하고, 뿌리고, 얼룩지게 하고, 스퀴지로 긁고, 쏟고, 튀기는 효과는 표면적으로 추상 표현주의와 색면 회화에서 볼 수 있는 효과와 유사하지만, 스타일은 현저하게 다르다.[27][28]
1960년대, 1970년대, 1980년대에 아돌프 고틀리브, 필립 거스턴, 리 크래스너, 사이 톰블리, 로버트 라우센버그, 재스퍼 존스, 리처드 디벤콘, 요제프 알버스, 엘머 비쇼프, 아그네스 마틴, 알 헬드, 샘 프란시스, 케네스 놀랜드, 줄스 올리츠키, 엘스워스 켈리, 모리스 루이스, 진 데이비스, 프랭크 스텔라, 조앤 미첼, 프리델 주바스, 폴 젠킨스와 같은 영향력 있는 화가들과 브라이스 마든, 로버트 맹골드, 샘 길리엄, 숀 스컬리, 엘리자베스 머레이, 월터 다비 배너드, 래리 족스, 로니 랜드필드, 로널드 데이비스, 댄 크리스텐슨, 수잔 로텐버그, 로스 블레크너, 리처드 터틀, 줄리안 슈나벨, 피터 할리, 장-미셸 바스키아, 에릭 피슐과 같은 젊은 예술가들이 생생하고 영향력 있는 그림을 제작했다.
21세기 초 미국의 동시대 미술은 문화 다원주의라는 개념으로 특징지어지는 여러 연속적인 양식으로 지속되고 있다. 오늘날 회화와 현재 미술, 그리고 현재의 미술 비평의 "위기"는 다원주의에 의해 야기되었다. 이 시대의 대표적인 스타일에 대한 합의는 없으며, 그럴 필요도 없다. "무엇이든 허용된다"는 태도가 만연하고, "모든 것이 진행 중"이라는 증후군이 나타나며, 명확한 방향성은 없지만 예술적 고속도로의 모든 차선이 꽉 차 있다. 결과적으로, 훌륭하고 중요한 예술 작품들이 다양한 스타일과 미적 성향으로 미국에서 계속 제작되고 있으며, 시장은 그 가치를 판단하는 데 맡겨져 있다.
하드 에지 페인팅, 기하 추상, 차용, 극사실주의, 포토리얼리즘, 표현주의, 미니멀리즘, 서정적 추상, 팝 아트, 옵 아트, 추상 표현주의, 색면 회화, 모노크롬 페인팅, 신표현주의, 콜라주, 인터미디어 페인팅, 아상블라주 페인팅, 디지털 페인팅, 포스트모던 페인팅, 신 다다 회화, 셰이프 캔버스 페인팅, 환경 벽화, 그래피티, 전통 인물화, 풍경화, 초상화는 21세기 초 회화의 몇 가지 지속적이고 현재의 방향이다.
6. 2. 신표현주의, 개념미술, 설치미술 등 다양한 흐름
1950년대 미국에서 추상 회화는 네오 다다, 후기 회화적 추상, 옵 아트, 하드 에지 페인팅, 미니멀 아트, 쉐이프드 캔버스, 서정적 추상 등 다양한 운동으로 발전했다. 추상 표현주의가 지속되는 가운데, 추상화 경향에 대한 반응으로 팝 아트, 베이 에어리어 구상 운동, 1970년대 후반 신표현주의와 같은 새로운 운동을 통해 이미지가 등장했다.개념 미술과 설치 미술은 플럭서스, 추상 표현주의, 색면 회화, 하드 에지 페인팅, 미니멀 아트, 옵 아트, 팝 아트, 포토리얼리즘, 뉴 리얼리즘과 함께 1960년대 중반부터 1970년대까지 현대 미술의 경계를 확장했다.[26]
1960년대, 1970년대, 1980년대에는 줄리안 슈나벨을 비롯한 여러 예술가들이 영향력 있는 그림을 제작했다.
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