바로크 바이올린
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1. 개요
바로크 바이올린은 현대 바이올린과 구조, 연주 기법, 활 사용법 등에서 차이를 보이는 바이올린의 한 종류이다. 17세기에서 18세기 사이에 사용되었으며, 현대 바이올린보다 짧은 지판, 굵은 넥, 직선형 또는 곡선형의 활을 사용한다. 바로크 시대의 연주 관습을 따르기 위해 거트 현을 사용하고, 턱받침이나 어깨받침을 사용하지 않는 경우도 있다. 바로크 바이올린 연주는 원전 연주에 대한 관심과 함께 발전해 왔으며, 세계적으로 많은 연주자들이 활동하고 있다.
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전기 바이올린은 공명통 없이 픽업으로 현의 진동을 전기 신호로 변환하여 소리를 내는 악기로, 재즈, 블루스에서 시작해 록, 팝 등 다양한 장르에서 활용되며 MIDI 인터페이스를 통해 전자 음악 연주에도 사용된다. - 바이올린 - 과르네리
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| 바로크 바이올린 |
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2. 특징
현대 바이올린과 바로크 바이올린은 여러 면에서 차이점을 보인다. 가장 두드러진 차이점은 활의 모양이다. 현대 바이올린의 활은 'Σ'자 모양으로 중간 부분이 움푹 들어간 곡선을 그리는 반면, 바로크 바이올린의 활은 직선이거나 중간 부분이 약간 부풀어 오른 곡선이다. 이는 활털의 장력이 약하다는 것을 의미한다.[7]
바로크 시대의 관습에 따라, 많은 바로크 바이올린 연주자들은 거트 현을 사용한다. 이로 인해 약간 부드러운 울림의 소박한 음색을 가지며, 앙상블에서 다른 악기들과 조화하기 쉽다. 최근에는 턱받침과 어깨 받침을 사용하는 연주자도 늘고 있지만, 대부분의 바로크 바이올린 연주자는 바로크 시대에는 아직 발명되지 않았다는 이유로 턱받침이나 어깨 받침 없이 연주한다. 현대 바이올린은 턱받침과 어깨 받침으로 악기를 고정하지만, 바로크 바이올린은 이러한 장치 없이 연주함으로써 자유롭고 자연스러운 자세를 취할 수 있다. 바로크 바이올린은 현대 바이올린보다 전방에 위치하며 현은 쇄골과 수직으로 뻗어 있어, 현대 바이올린에서는 어렵거나 비교적 부자연스러운 아티큘레이션도 쉽게 연주할 수 있다.[1]
바로크 바이올린과 현대 바이올린의 구조, 활, 연주 기법에 대한 자세한 내용은 하위 섹션에서 다루고 있다.
2. 1. 구조
현대 바이올린과 바로크 바이올린은 구조적으로 여러 차이점을 보인다. 바로크 바이올린은 현대 바이올린에 비해 베이스 바(동체 내부의 세로로 붙어 있는 봉)가 작고, 말의 하부가 비교적 얇으며 상부는 비교적 두껍다. 또한 지판이 짧고, 목이 굵으며, 미세 조정기(튜너)가 없다.바로크 시대에는 많은 연주자들이 양 창자로 만든 거트 현을 사용했다. 거트 현은 부드럽고 소박한 음색을 지녀 앙상블에서 다른 악기와의 조화가 용이하다. 최근에는 턱받침과 어깨받침을 사용하는 연주자도 있지만, 대부분은 바로크 시대에 발명되지 않았다는 이유로 사용하지 않는다. 턱받침과 어깨받침이 없으면 자유롭고 자연스러운 자세를 취할 수 있다. 바로크 바이올린은 현대 바이올린보다 전방에 위치하며 현은 쇄골과 수직으로 뻗어 있어, 현대 바이올린에서는 어려운 아티큘레이션도 쉽게 연주할 수 있다.
16세기에 바이올린 발전이 시작되었다. "르네상스 바이올린"은 작은 포셰트(포켓 바이올린)부터 데스칸트, 트레블, 테너 악기까지 다양한 크기의 악기 앙상블을 이루었다. 1610년경 조반니 파올로 시마가 바이올린을 위한 최초의 소나타를 작곡하면서 독주 악기로서의 사용이 시작되었다.[1] 1660년경 바로크 시대가 시작될 무렵 바이올린의 크기와 디자인은 상당히 일관성을 갖게 되었다.[2] 이후 몇 세기 동안 바이올린과 활은 점진적인 변화를 겪었다. 이러한 변화는 악기의 전체적인 소리와 음량을 증가시키고, 고음역에서의 연주 성능을 향상시키며, 더 긴 레가토 프레이즈를 가능하게 했다. 오늘날의 바로크 바이올린은 1650년부터 1750년까지 사용된 바이올린의 방식에 최대한 가깝게 제작된다.
바로크 시대에는 단일 표준 바이올린 모델이 없었다. 당시에도 지금처럼 악기는 개별 장인들이 다양한 유행에 따라 만들었다. 클라우디오 몬테베르디 작품을 연주하는 데 사용된 초기 바로크 악기는 후기 바로크 작곡가들의 악기와 다소 달랐다. 따라서 바로크 시대 전반의 레퍼토리를 연주하지만 악기를 하나만 사용할 수 있는 현대 연주자는 바로크적 특징을 가지면서도 바로크 시대의 특정 부분과 완벽하게 일치하지 않는 악기로 타협해야 한다.[3]
2. 1. 1. 넥과 지판
바로크 바이올린의 넥은 현대 바이올린보다 악기 몸체에 대해 얕은 각도를 가졌지만, 이 또한 큰 차이가 있었다. 넥 각도는 현에서 브리지에 가해지는 압력을 줄일 수 있다. 오래된 넥은 또한 일반적으로 바이올린의 리브에 접착되었고, 두껍고 완만하게 기울어진 넥-힐을 통해 내부 상단 블록에서 못으로 고정된 반면, 현대 넥은 바이올린의 리브와 상단 가장자리에 절단된 구멍에 장부로 삽입된다.[4]바로크 바이올린의 지판은 현대 바이올린의 지판보다 짧다. 바로크 시대에는 바이올린에서 더 높은 포지션의 사용이 증가했다. 1600년에는 일반적인 사용에서 가장 높은 음이 E현 위의 C였지만, 1700년에는 E현보다 한 옥타브 높은 A가 비교적 흔해졌다(예를 들어 바흐의 바이올린 음악에서 사용된 가장 높은 음).[5] 시대 전체에 걸쳐 비르투오소 바이올리니스트들은 가능성의 경계를 계속 넓혀갔고, 피에트로 로카텔리는 22번째 포지션에서 연주했다고 한다.
2. 1. 2. 브리지
바로크 바이올린의 브리지는 모양이 현대 바이올린의 브리지와 다르게 되어 있으며, 측면에 있는 구멍인 "아이(눈)"의 높은 배치로 인해 상반부에 질량이 적고 유연성이 더 크다.[4]2. 1. 3. 현
바로크 시대에는 많은 바로크 바이올린 연주자들이 거트 현을 사용했다.[6] 거트 현은 양의 창자로 만들어지며, 역사적으로 "캣라인(catline)"이라 불렸으나, 때로는 캣 거트(cat-gut)라고 잘못 불리기도 한다. 거트 현은 약간 부드럽고 소박한 음색을 내어 앙상블에서 다른 악기들과 조화되기 쉽다.2. 1. 4. 활
현대 바이올린 활이 'Σ'자 모양으로 중간 부분이 움푹 들어간 곡선 형태인 반면, 바로크 바이올린 활은 직선이거나 중간 부분이 약간 부풀어 오른 곡선 형태이다. 이는 활털의 장력이 약하다는 것을 의미한다.[7]바로크 활은 일반적으로 가운데가 곧거나 약간 바깥쪽으로 굽어 있으며, "백조 부리" 모양의 뾰족한 머리를 가지고 있다. 주로 강하고 무거운 스네이크우드로 만들어진다. 반면 현대 활은 페르남부쿠로 만들어지며, 활털이 느슨해졌을 때 안쪽으로 뚜렷하게 굽고, 자루에 직각으로 "도끼" 머리를 가지고 있다.
17세기 초, 활은 바이올린과 비올 간에 서로 바꿔 사용 가능했다. 특히 짧고 가벼워 춤 음악에 적합했다. 18세기 전반, 아르칸젤로 코렐리의 작품과 같은 이탈리아 음악은 길고 노래하는 음에 더 적합한 긴 활로 연주되었다. 이러한 레가토 연주에 대한 요구에 부응하여 18세기 중반에 안쪽 곡선이 도입되었고, 현대 활은 18세기 후반 프랑수아 투르테가 만든 디자인에서 유래되었다.
활털 장력 조절을 위한 나사 메커니즘은 1747년 프랑스 상점 재고 목록에 처음 언급되었지만, 연주자들이 "클립인" 모델에 만족했기 때문에 10년 이상 보편적으로 사용되지 않았다. 오늘날 제작되는 바로크 스타일 활은 거의 대부분 나사 메커니즘을 사용한다.
활은 말꼬리 털로 만들어진다.
2. 2. 연주 기법
바로크 바이올린은 일반적으로 실제 바로크 시대의 연주 기법과 음악 스타일을 최대한 재현하여 연주한다. 이를 "역사적 연주"라고 부르기도 한다. 현대에는 녹음 기술이 발달했지만, 바로크 시대에는 녹음 기술이 없었기 때문에, 당시의 연주 기법을 알기 위해서는 문서 자료에 의존해야 한다. 또한, 바로크 시대의 악보가 후대에 편집되면서 원래의 연주 방식에서 벗어난 경우가 많으므로, 원본에 가까운 악보를 찾아 연주하는 것이 중요하다.바로크 바이올린의 연주 기법은 크게 악기 잡는 법, 비브라토, 활 사용법으로 나눌 수 있다. 이 세 가지 요소는 서로 밀접하게 관련되어 있으며, 바로크 바이올린 특유의 음색과 표현을 만들어낸다.
2. 2. 1. 악기 잡는 법
바로크 시대에는 턱받침이나 어깨받침이 발명되지 않았기 때문에, 대부분의 바로크 바이올린 연주자는 턱받침이나 어깨받침을 붙이지 않고 연주한다.[1] 현대 바이올린 연주에서는 턱받침과 어깨받침으로 악기를 고정하지만, 바로크 바이올린은 이러한 장치 없이 연주함으로써 자유롭고 자연스러운 자세를 취할 수 있다.[1] 바로크 바이올린은 현대 바이올린보다 앞쪽에 위치하며, 현은 쇄골과 수직으로 뻗는다.[1] 이는 활을 든 손의 위치에 영향을 주어, 현대 바이올린에서는 어렵거나 부자연스러운 아티큘레이션을 쉽게 연주할 수 있게 한다.[1]초기 바이올린과 비올라는 일반적으로 어깨 아래, 왼쪽 가슴에 대고 연주했다.[1] 18세기에는 자세가 조금 더 높아져 어깨 위에 올려놓고 턱이 가끔 바이올린에 닿는 정도였다.[1] 턱받침은 19세기 초에 발명되었고, 어깨받침은 20세기에 발명되었기에 바로크 시대에는 사용되지 않았다.[1]
바이올린의 위치는 연주자의 포지션 이동 능력과 악기의 음역에 영향을 미친다.[1] 가슴에 대고 연주하는 자세에서는 1 포지션 연주가 쉽지만, 위로 포지션을 올리기는 어렵다.[1] 쇄골에 바이올린을 대고 있으면 포지션 이동이 더 쉬워지는데, 이는 바이올린의 몸 위로의 이동과 더 높은 포지션에서의 레퍼토리 개발이 함께 이루어졌을 가능성을 시사한다.[1]
쇄골에 바이올린을 대는 후기 바로크 시대의 자세에서도, 왼손으로 바이올린을 지지해야 했기 때문에 현대 악기보다 포지션 이동이 더 어려웠다.[1] 특히, 아래로 포지션을 이동하는 것이 더 어려웠다.[1]
결과적으로 연주자들은 포지션 이동이 적거나, 작은 "미끄러지는" 이동을 유발하는 운지를 선택했다.[1] 개방현과 왼손의 포지션 변화를 소리 없이 할 수 있는 음악의 아티큘레이션을 사용하여 포지션 이동의 순간을 신중하게 선택했다.[1] 낭만주의 시대에는 가청 포지션 이동(포르타멘토 및 글리산도)이 자주 사용되었지만, 바로크 연주에서는 이러한 기법을 사용하지 않았다.[1] 일부 바로크 시대 자료에서는 낮은 현에서 더 높은 포지션을 의도적으로 사용하는 것을 나타내는데, 일반적으로 피아노 또는 미스테리오 효과를 위해서였지만, 전반적으로 더 큰 음향을 위해 낮은 포지션을 선호했다.[1]
2. 2. 2. 비브라토
바로크 시대의 연주에서 비브라토는 낭만주의 시대의 레퍼토리에서 전형적으로 사용되는 것보다 훨씬 더 제한적으로 사용되었다. 비브라토의 지속적인 사용은 프리츠 크라이슬러 시기인 20세기 초부터 시작되었다는 것이 일반적인 견해이다.[10] 이러한 관점에 따르면, 바로크 시대에는 비브라토가 긴 음표나 강조된 음표에 효과를 주기 위해 사용되었지만, 짧은 음표나 슬러의 끝 부분에는 사용되지 않았다.[11]레오폴트 모차르트는 그의 바이올린 연주에 관한 논문 11장에서 다음과 같이 적고 있다.
> 트레몰로 [비브라토]는 자연 그 자체에서 비롯된 장식이며, 훌륭한 기악 연주자뿐만 아니라 훌륭한 성악가도 긴 음표에 매력적으로 사용할 수 있다... 트레몰로는 하나의 음표에서 순수하게 연주되는 것이 아니라 물결치는 소리가 나기 때문에, 모든 음표를 트레몰로로 연주한다면 곤란할 것이다. 마치 마비된 것처럼 모든 음표에 끊임없이 떨림을 주는 연주자들도 있다. 트레몰로는 자연 그 자체가 그것을 만들어내는 곳에서만 사용되어야 한다....
그러나 이러한 믿음은 비브라토의 의미나 그 사용의 적절성에 대한 보편적인 합의가 없었다고 믿는 음악학자들에 의해 의문을 제기받았다.[13][14]
영향력 있는 바로크 바이올리니스트 프란체스코 제미니아니는 짧은 음표에도 비브라토를 지속적으로 적용할 것을 권장했다.
> 닫힌 SHAKE에 관하여. 이것은 이전의 예처럼 음표로 설명할 수 없다. 연주하기 위해서는 악기의 현을 손가락으로 강하게 누르고 손목을 천천히 그리고 균등하게 안팎으로 움직여야 한다 [...] 짧은 음표에서 만들어지면 사운드를 더욱 즐겁게 만들 뿐이며, 이러한 이유로 가능한 한 자주 사용해야 한다.
작곡가 장 자크 루소는 비브라토가 "음표의 길이가 허용하는 모든 상황에서" 사용되어야 한다고 썼다.
지속적인 비브라토의 사용에 비판적인 저자들조차도 이것이 흔한 관행임을 인정했다. 예를 들어, 로버트 브레머는 다음과 같이 적고 있다.
> 많은 활 악기 연주자들은 트레몰로를 매우 좋아하여 가능한 모든 곳에 적용한다.
비브라토 사용에 대한 논쟁은 시대의 글에서 일관성 없는 용어와 비브라토의 메커니즘에 대한 의견 불일치로 인해 복잡해졌다.[10]
오늘날에는 비브라토가 바로크 시대에 더 널리 사용되었고, 장식만을 위해 사용된 것이 아니라, 그 사용의 정도가 지역, 개인적 취향, 그리고 빠르게 변화하는 유행에 따라 크게 달랐다는 것이 일반적으로 인정되고 있다.[15][16][14]
2. 2. 3. 활 사용법
바로크 활은 일반적으로 현대 활과 같은 방식으로 잡는데, 엄지손가락은 개구리 쪽으로 활대의 아래쪽에 위치한다. 하지만 초기 바로크 시대에는 활의 털에 엄지손가락을 위치시키는 "프랑스식 그립"도 사용되었다.[17]바로크 연주의 중요한 측면 중 하나는 "내림활의 규칙"인데, 이는 종종 과장되게 언급된다. 이 규칙은 강세를 받는 박자, 특히 마디의 첫 박자는 내림활로 연주해야 한다는 것이다. 내림활은 중력의 작용 덕분에 올림활보다 자연스럽게 더 강하고, 이러한 경향은 아래쪽과 중간 부분이 단단하고 팁 부분이 약한 바로크 활에서 더욱 두드러진다. 낭만주의 시대와 그 이후의 바이올린 연주에서는 명확한 멜로디 구절을 생성하기 위해 이러한 자연스러운 경향을 가능한 한 균등하게 만든다. 그러나 많은 바로크 음악은 강한 리듬 강조에 의존했으며, 내림활과 올림활의 대비를 미덕으로 삼았다.[18]
특히 륄리의 오케스트라는 내림활의 규칙에 따라 엄격한 활 사용 규율을 시행했는데, 이는 무파트에 의해 기록되었다. 춤곡 연주에서는 중요하지만, 대위법적인 독일 및 이탈리아 작곡에서는 내림활 규칙이 덜 중요해진다.
바로크 활은 현대 활보다 훨씬 좁은 기술 범위를 가지고 있다. 특히, 상반부에서의 빠른 스트로크(''데타셰''와 ''마르텔레''), 활과 현 사이의 높은 긴장으로 시작하는 스트로크(''콜레''), 그리고 의도적으로 튀는 스트로크(''스피카토''와 ''리코셰'')는 모두 바로크 활로는 달성하기 어려운 후대의 발명품이며, 역사적 연주에는 부적절하다.
당시의 논문에서 두 가지 주요 활 스트로크가 증명되었다. 빠른 알레그로 악절에서, 특히 음표 사이의 도약이 있는 경우, 바로크 연주자들은 음표가 명확하게 분리된 짧은 활 스트로크를 사용했다. 타르티니는 한 통신원에게 16분 음표를 32분 음표와 쉼표로 연주하는 연습을 하여 점차적으로 템포를 높이면서 음표 사이의 분리를 유지하도록 조언했다. 반대로, 느린 ''칸타빌레'' 악절에서는 음표 사이에 거의 분리가 없어야 하지만, 연주자는 각 음표를 부드럽게 시작하여 효과를 내도록 발전시키라고 조언한다. 예를 들어, 메사 디 보체를 사용할 수 있다.[19]
3. 현대 바이올린과의 차이
현대 바이올린과 바로크 바이올린의 주요 차이점은 다음과 같다.
- 추가 설명:
- 바로크 바이올린은 앙상블에서 다른 악기와 조화하기 쉬운 부드럽고 소박한 음색을 낸다.[6]
- 바로크 시대에는 바이올린의 최고 포지션이 높아지는 경향이 있었다. 1600년대에는 E현 위의 C가 최고음이었지만, 1700년대에는 E현보다 한 옥타브 높은 A가 흔하게 사용되었다.[5] 피에트로 로카텔리는 22번째 포지션에서 연주했다고 한다.
- 턱받침과 어깨받침이 없는 바로크 바이올린은 자유롭고 긴장 없는 자연스러운 자세를 취할 수 있게 해준다.
- 바로크 바이올린의 연주 자세는 현대 바이올린에서는 어렵거나 부자연스러운 아티큘레이션을 용이하게 한다.
- 바로크 시대에는 단일 표준 바이올린 모델이 없었고, 개별 장인들이 다양한 유행에 따라 악기를 만들었다. 클라우디오 몬테베르디 시대의 악기는 바로크 후기 작곡가들의 악기와 다소 달랐다.[3]
4. 바로크 바이올린 연주자
바로크 바이올린은 1950년대에 시작되어 1970년대와 1980년대에 걸쳐 증가한 원전 연주에 대한 관심 확장의 일부이다. 바로크 바이올린 연주는 해당 시대의 음악에 가장 적합한 바이올린 연주 스타일을 재발견하려는 시도를 반영한다. 오늘날 많은 악기 제작자들이 초기 세팅의 바이올린족 악기를 제공하지만, 연구할 수 있는 수정되지 않은 원본 악기가 상대적으로 희소하여 아직 알려지지 않은 부분이 많다. 일반적으로, 시대 악기 연주자들은 시대의 논문과 팩시밀리 판본에서 음악과 악기에 적합한 스타일과 미학을 배우려고 시도한다. 이러한 관행을 역사적 고증 연주(HIP)라고 한다.
4. 1. 세계적인 연주자
- 프란츠 요제프 마이어
- 마리 레온하르트
- 앨리스 아르농쿠르
- 진 라몽 (잔느 라몽)
- 야프 슈뢰더
- 시기에발트 쿠이켄
- 모니카 해제트
- 사이먼 스탠디지
- 라인하르트 괴벨
- 파비오 비온디
- 엔리코 오노프리
- 앤드루 만제
- 레이첼 포저
- 로이 굿먼
- 패트릭 비스무스
- 줄리아노 카르미뇰라
- 엘렌 슈미트
- 마르크 데스트뤼베
- 파울 에레라
- 오노 마리
- 테라코베 료
- 토다 가오루
- 와카마츠 나쓰미
- 히로 구로사키
- 다카다 아즈미
- 야마가타 사유리
- 기리야마 겐지
- 아카쓰 마코토
- 다카하시 미키
- 고이케 마도카
- 오카다 준
- 나카야마 유이치
- 히라사키 마유미
- 사토 슌스케
4. 2. 한국의 연주자
- 오카다 준
- 나카야마 유이치
- 사토 슌스케
- 히라사키 마유미
5. 한국에서의 바로크 바이올린
바로크 바이올린은 1950년대에 시작되어 1970년대와 1980년대에 증가한 원전 연주에 대한 관심 확장의 일부이다. 바로크 바이올린의 사용은 해당 시대의 음악에 가장 적합한 바이올린 연주 스타일을 재발견하려는 시도를 반영한다. 오늘날 많은 악기 제작자들이 초기 세팅의 바이올린족 악기를 제공하지만, 연구할 수 있는 수정되지 않은 원본 악기의 상대적인 희소성 때문에 아직 알려지지 않은 부분이 많다. 일반적으로, 시대 악기 연주자들은 시대의 논문과 팩시밀리 판본에서 음악과 악기에 적합한 스타일과 미학을 배우려고 시도한다. 이러한 관행을 역사적 고증 연주(HIP)라고 한다.
참조
[1]
문서
Manze, p.70
[2]
문서
Tarling, p.235
[3]
문서
Tarling, p.234
[4]
문서
The subject is thoroughly examined in: William L. Monical, ''Shapes of the Baroque: the Historical Development of Bowed String Instruments'' (New York: The American Federation of Violin & Bow Makers, 1989). Earlier, less accurate, information appears in: David D. Boyden: ''The History of Violin Playing from its origins to 1761'' (London: Oxford Univ. Pr., 1965).
[5]
문서
Manze, p.67
[6]
문서
Tarling, p244-5.
[7]
문서
Tarling, p.241-3
[8]
문서
Tarling, p.63-69
[9]
문서
Tarling, p73-79
[10]
웹사이트
Vibrato Wars » Early Music America
https://www.earlymus[...]
2020-05-27
[11]
문서
Quoted in Tarling, p.59
[12]
문서
Quoted in Tarling, p.59
[13]
웹사이트
Did early string players use continuous vibrato?
https://www.thestrad[...]
2020-05-27
[14]
논문
The Vibrato Controversy
https://scholarship.[...]
1991
[15]
서적
Violin Technique and Performance Practice in the Late Eighteenth and Early Nineteenth Centuries
Cambridge University Press
1990-07-27
[16]
간행물
Vibrato in the Violin Music of the Baroque Period
https://journals.sag[...]
1999-05-01
[17]
문서
Tarling, p.83-4
[18]
문서
Tarling, p. 88–90
[19]
문서
Tarling, p.134-136
[20]
웹사이트
Geminiani – Art of Playing on the Violin
https://www.scribd.c[...]
2012-08-02
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