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낭만주의 음악

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목차

1. 개요

낭만주의 음악은 18세기 후반 유럽에서 시작된 예술, 문학, 지적 운동의 일부로, 산업혁명에 대한 반작용으로 강화되었다. 낭만주의 음악은 자연, 종교적 신비주의, 국가 정체성에 대한 관심, 음악 공식과 관례에 대한 불만, 선율의 강조, 화성의 증가, 그리고 웅장한 오케스트라의 사용을 특징으로 한다. 낭만주의 음악은 초기(1800-1830), 전성기(1830-1850), 후기(1850-1890), 세기말(1890-1914)로 구분되며, 베토벤, 슈베르트, 쇼팽, 슈만, 리스트, 바그너 등이 주요 작곡가로 꼽힌다. 낭만주의 시대에는 민족주의 음악이 발전했으며, 한국에는 일본을 통해 유입되어 타키 렌타로, 야마다 고사쿠 등에 의해 수용되었다. 낭만주의는 20세기 근대주의 음악으로 이어지는 중요한 전환점이 되었다.

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낭만주의 음악
지도
일반 정보
시대서양 고전 음악
시대적 범위1800년경 ~ 1910년경
이전 시대고전주의 시대
이후 시대현대 음악
특징감정 표현 강조
개인주의적 성향
화성적 풍부함
관현악 규모 확대
민족주의적 경향
주요 작곡가루트비히 판 베토벤
프란츠 슈베르트
펠릭스 멘델스존
프레데리크 쇼팽
로베르트 슈만
프란츠 리스트
리하르트 바그너
주세페 베르디
요하네스 브람스
차이콥스키
안토닌 드보르자크
구스타프 말러
음악적 특징
화성반음계주의, 불협화음 증가, 조성의 모호성
선율서정적, 감정 표현 풍부
리듬다양하고 복잡한 리듬 패턴 사용
형식자유로운 형식 추구, 교향시, 가곡 등 새로운 장르 발달
악기 편성관현악 규모 확대, 새로운 악기 도입
낭만주의 음악의 주제
주요 주제자연
사랑
죽음
민족주의
초자연적인 세계
낭만주의 음악의 영향
영향현대 음악 발전에 큰 영향
다양한 장르와 형식 발전
대중음악에 영향
주요 장르
주요 장르교향곡
협주곡
가곡
오페라
피아노 음악
실내악
교향시
발레
참고 문헌
참고 문헌서양음악사
음악사 개론
낭만주의 음악 연구 서적

2. 역사적 배경

카스파르 다비트 프리드리히의 ''바다 위의 방랑자''는 낭만주의 회화의 한 예이다.


낭만주의 운동은 18세기 후반 유럽에서 시작되어 산업혁명에 대한 반응으로 강화된 예술적, 문학적, 지적 운동이었다.[4] 이는 계몽주의의 사회적, 정치적 규범과 자연의 과학적 합리화에 대한 반발이었다.[5] 낭만주의는 시각 예술, 음악, 문학,[6] 교육[7]에서 가장 강하게 나타났으며, 자연사의 발전에도 영향을 주었다.[8]

음악에 대한 용어의 첫 번째 중요한 적용은 1789년 프랑스인 앙드레 그레트리가 ''Mémoires''에서 였지만, E. T. A. 호프만이 1810년에 발표된 루트비히 판 베토벤의 5번 교향곡에 대한 비평과 1813년 베토벤의 기악곡에 관한 기사를 통해 음악 낭만주의의 원리를 확립했다. 호프만은 하이든과 모차르트의 후기 작품에서 음악 낭만주의가 시작되었다고 보았다. 그는 고전 모델의 억제와 형식에 대한 반대에서 사용된 "낭만적"이라는 용어와 관련된 아이디어를 융합하여 음악, 특히 기악곡이 감정 표현에 가장 적합한 예술로서 낭만주의에서 중요한 위치를 차지하게 했다. 호프만과 다른 독일 작가들의 글을 통해 독일 음악이 음악 낭만주의의 중심이 되었다.[9]

18세기 후반과 19세기 초 산업 혁명과 같은 사회적 변화는 음악에 큰 영향을 미쳤다. 특히, 대부분의 목관악기와 금관악기가 의존하는 기계식 밸브와 키에 큰 발전이 있었다. 새롭고 혁신적인 악기는 연주가 더 쉬워졌고 신뢰성도 높아졌다.[16] 중산층의 부상은 또 다른 영향을 주었다.[2] 이전 시대의 작곡가들은 귀족의 후원 아래 살았고, 청중은 대부분 상류층과 음악에 대해 지식이 있는 소규모였다.[16] 반면 낭만주의 작곡가들은 유료 고객으로 구성된 대규모 청중을 대상으로 공개 콘서트와 축제를 위해 작곡했으며, 이들은 반드시 음악 수업을 받은 사람들이 아니었다.[16] 엘가와 같은 낭만주의 시대 작곡가들은 "음악적 취향의 차별이 없어야 한다"는 점과 "목적은 들을 수 있는 음악을 작곡하는 것"임을 보여주었다.[17][18]

낭만주의 작곡가들의 음악은 "개인의 중요성"을 반영하여 이전보다 덜 제한적이고 작곡가의 개인적 기술에 더 중점을 두는 방식으로 작곡되었다.[2] 낭만파 음악은 문학, 미술, 철학의 낭만주의 운동과 관련이 있지만, 다른 예술 분야와 달리 음악학에서 "낭만주의 시대"는 고전파 음악 시대와 근대·현대 음악 사이에 놓여 있으며, 대략 1800년대 초부터 1900년대까지 지속된 것으로 여겨진다.

낭만주의 운동의 사상은 "진리는 공리를 통해서만 알 수 있는 것이 아니며, 감정, 감각, 직관을 통해서만 도달할 수 있는 피할 수 없는 현실이 있다"는 것이었다. 낭만주의 문학은 감정 표현을 확장하고, 심층에 숨겨진 진실을 파헤치기 위한 투쟁이었다. 반면 낭만파 음악은 오케스트라의 규모를 확장했지만, 고전파 음악에서 계승된 악곡 형식의 구조는 유지했다.

"낭만적인 음악"이라는 일상어는 부드럽고 몽환적인 분위기를 연상시키는 음악이라는 의미로 사용되지만, 모든 낭만파 작품이 이러한 묘사에 해당하는 것은 아니며, 낭만적인 작품이 반드시 낭만주의 시대와 연결되는 것도 아니다.

낭만주의 음악의 시대 구분에는 여러 견해가 있지만, 다음과 같이 구분할 수 있다.[31]

1770년대 또는 1780년대 독일의 슈투름 운트 드랑 운동과 함께 낭만주의적 문학의 시대가 시작되었다. 윌리엄 셰익스피어의 희곡이나 호메로스의 시, 민족적 신화가 이에 영향을 주었다. 요한 볼프강 폰 괴테나 프리드리히 폰 실러와 같은 독일 작가들이 태도를 바꾸는 한편, 스코틀랜드에서는 로버트 번즈가 민요를 기록하려 했다. 이 문학 운동은 고전주의 음악 시대의 작곡가들에게도 영향을 주었고(모차르트의 징슈필도 그 중 하나), 예술적 표현에서 흉폭성을 더해갔다. 그러나 대부분의 작곡가가 궁정 음악가였기 때문에 왕족, 귀족의 보호를 받기 위해서는 “낭만주의와 반란”에 개의치 않을 수 없었다. 피가로의 결혼이 혁명적이라고 비난받은 모차르트가 상연에 어려움을 겪은 것이 그 예이다.

작곡과 연주 기준이 증가하고 음악의 표준이 되는 형식과 내용이 만들어진 것도 고전주의 시대이다. E. T. A. 호프만이 하이든, 모차르트, 베토벤을 “고전주의 음악의 3대 작곡가”라고 불렀다. 고전주의 시대에서 가장 결정적인 (낭만파 음악의) 싹은 반음계 기법과 화성적 애매함이다. 고전주의 주요 작곡가들은 모두 애매한 화성법이나 장조와 단조를 급하게 오가는 기법을 사용하여 진정한 주조를 감추고 있다. 그 가장 유명한 예 중 하나가 하이든의 오라토리오 《천지창조》의 시작 부분에 있는 “음악적 혼돈”이다. 그러나 이러한 탈선에도 불구하고, 악곡에서 긴장 상태가 된 것은 아티큘레이션이 있는 악절, 속조나 근친조로의 이동, 텍스처의 투명성이다.

1810년대까지 반음계 기법과 단조의 사용, 많은 전조를 거쳐 더 낮은 음역으로 향해 가는 경향이 있었다. 후에 이러한 음악 운동의 중심 인물로 여겨진 것은 베토벤이었지만, 주제의 소재에 따라 반음계적 진행을 도입하려고 했던 당시의 취향을 실제로 대표하는 것은 무치오 클레멘티와 루트비히 슈포어였다. 더 많은 “음색”에 대한 요구와 고전적인 형식감에 대한 요구는 서로 모순되는 것이었고 음악을 파탄시키는 것이었다. 그 반동 중 하나가 오페라로의 움직임이었다. 오페라에서는, 비록 형식적인 모델이 없는 부분이라도 대본이 구성을 보여주기 때문이다. E. T. A. 호프만은 주로 비평가로 유명하지만, 당시에는 가극 《운디네》(1814년)에 의해 음악에서 급진적인 개혁가로 여겨졌다. 파탄에 대한 또 다른 반동은 성격 소품으로의 움직임이며, 그 중에서도 새로운 소품 중 하나가 야상곡이었다. 야상곡에서는 화성의 밀도 자체가 음악을 앞으로 나아가게 하는 추진력이 되고 있다.

2. 1. 초기 낭만주의 (1800-1830)

고전파의 정점을 쌓아올린 베토벤은 낭만파 활동의 이정표가 되기도 했다. 그의 후기 작품 내용과 낭만파 작곡가들의 저술을 통해 이를 알 수 있다. 독일 낭만주의는 1770~1780년경의 문학 운동인 '슈투름 운트 드랑'에서 시작되었으며, 시인과 철학자들은 음악관을 논하기 시작했다. 음악적 시인 E. T. A. 호프만은 낭만파 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤다. 그는 음악이 인간에게 알려지지 않은 영역을 열어주며, 추상적인 감정을 넘어 표현할 수 없는 것에 몸을 맡기게 한다고 보았다. 그러나 그의 작품 <운디네>는 현재 역사 서술 외에는 거의 다루어지지 않는다. 슈베르트와 카를 마리아 폰 베버가 초기 낭만파의 대표자로 평가받는다.

카를 마리아 폰 베버(1786~1826)는 베토벤 사망 1년 전에 생을 마감했지만, 슈베르트보다 후기 낭만적 작곡가로 평가된다. 피아노곡, 오페라, 가곡, 교회음악 등 다양한 작품을 남겼으며, 1820년 작곡되어 1821년 베를린에서 초연된 오페라 <마탄의 사수>는 역사적으로 중요한 의미를 지닌다. 베버는 5년 전 같은 장소에서 공연된 E. T. A. 호프만의 <운디네>를 "정신적인 것으로 충만한 작품"이라고 평가했지만, <마탄의 사수>가 획기적인 이유는 베버의 강한 음악적 재능 때문이다. 줄거리는 유치하지만, 멜로디와 관현악법을 통해 독일 숲의 신비로운 분위기와 등장인물의 심리가 선명하게 드러난다. 여기서 호프만풍의 낭만적인 영역은 직접 전개되지 않지만, '낭만파 음악' 개념의 기초가 이룩되었다. 베버는 독일 징슈필 형식의 <마탄의 사수>에서 나아가 완전한 오페라 형식으로 독일 낭만주의 오페라 세리아 작곡을 원했지만, <오이뤼안테>나 <오베론>은 <마탄의 사수>의 영역을 넘어서지 못했다.

독일의 슈포어(1784~1859)는 19세기 전반 독일의 대표적 바이올리니스트로, 협주곡과 교향곡 작곡을 남겼다. 영어>와 <이에존다> 같은 독일어의 국민적인 제재에 바탕을 둔 오페라를 써서 베버와 함께 국민 오페라에 공헌한 것으로 유명하다. 특히 <이에존다>는 교묘한 줄거리와 음악의 융합으로 성공하여 낭만파 음악가로서 높은 위치를 차지했다.

이탈리아 음악에서 낭만주의적 경향의 출현은 아직 명확하지 않지만, 1818년 괴테가 <이탈리아에서의 고전적 작가와 낭만적 작가>라는 논문을 발표했을 때 직관적으로 파악되었다고 생각된다. 외국의 낭만주의 운동은 로시니 등이 직접 받아들였다. 로시니 이전에는 M. 지몬(1763~1845)이 이탈리아 오페라 발전에 기여했다. 그는 바이에른 출신 독일인으로, 이탈리아의 멜로디가 우선하는 오페라에 극적인 부분, 합주, 합창 장면을 융합했고, 악기법 분야에서 중요시된다. 1830년경까지 나타난 로시니, 벨리니, 도니체티에 의해 이탈리아의 오페라 부파와 오페라 세리아는 19세기에도 성과를 올렸다. 이들의 그늘에는 P.게네라리, G.팟키니, R.메르카단테 등의 이름이 있다.

루트비히 판 베토벤


빈 고전파에서 낭만주의로의 이행은 루트비히 판 베토벤의 작품에서 찾아볼 수 있다. 그의 작품에서는 전형적인 낭만주의 요소들이 처음으로 등장한다. 이러한 작품들은 성악곡과 대조적으로 "순수한" 기악곡이다. 호프만에 따르면, 특히 베토벤의 빈 고전파의 순수한 기악곡은 재료나 프로그램이 없기 때문에 낭만주의 예술 사상의 구현체이다.[23] 후기 고전주의와 초기 낭만주의의 또 다른 중요한 대표자는 프란츠 슈베르트이다. 그의 실내악 작품과 후기 교향곡을 통해 비로소 낭만주의적 특징이 독일어권 오페라에 도입되었다. 이 분야에서 그의 작품은 카를 로베의 발라드에 의해 보완된다. 카를 마리아 폰 베버는 그의 인기 작품인 <프라이슈츠>를 통해 독일 오페라의 발전에 중요한 역할을 했다. 그 외에도 하인리히 마르슈너의 환상적이고 공포스러운 작품과 알베르트 로르칭의 쾌활한 오페라가 있으며, 루이스 슈포어는 주로 기악곡으로 알려졌다. 요한 네포무크 훔멜, 페르디난트 리스, 그리고 프랑스의 조르주 온슬로의 작품은 여전히 고전 음악에 크게 의존하고 있다.

이탈리아에서는 초기 낭만주의 시대에 벨칸토 오페라의 전성기를 맞이했는데, 조아키노 로시니, 가에타노 도니체티, 빈첸초 벨리니의 이름과 관련이 있다. 로시니의 희극 오페라는 오늘날 주로 흥겨운 서곡을 통해 알려져 있지만, 도니체티와 벨리니는 비극적인 내용이 주를 이룬다. 당시 가장 중요한 이탈리아 기악 작곡가는 전설적인 "악마의 바이올리니스트" 니콜로 파가니니였다.

프랑스에서는 한편으로 경쾌한 오페라 코미크가 발전했는데, 그 대표자는 프랑수아 아드리앵 보이엘되, 다니엘 프랑수아 에스프리 오베르, 그리고 아돌프 아담이며, 아담은 발레로도 유명하다. 또한 유명한 기행적인 작곡가이자 하프 연주자인 로베르 니콜라 샤를 보슈(7개의 오페라)도 언급할 수 있다. 또한 화려한 무대 장치, 발레, 대규모 합창단을 갖춘 그랑 오페라가 등장했다. 그 첫 번째 대표자는 가스파레 스폰티니였고, 가장 중요한 대표자는 자코모 마이어베어였다.

음악 발전은 이제 다른 유럽 국가에서도 상승세를 보이고 있다. 아일랜드의 존 필드는 최초의 야상곡을 피아노를 위해 작곡했고, 프리드리히 큘라우는 덴마크에서 활동했으며, 스웨덴의 프란츠 베르발트는 매우 독특한 네 개의 교향곡을 작곡했다.

2. 2. 전성기 낭만주의 (1830-1850)

멘델스존(1809-1847)은 '낭만적인 고전파'로 불린다. 혜택받은 환경에서 자란 그는 균형 잡힌 세련된 감각과 고전적 전통에 뿌리박은 교육을 받았다. 그의 작품은 형식과 내용 모두에서 중용을 갖춘 온화한 특징을 지닌다. 대표작으로는 셰익스피어의 <한여름밤의 꿈> 부수음악, 회화적인 연주회용 서곡 <핑갈의 동굴>, 요정의 경쾌함을 담은 <스케르초>, 낭만적인 동경을 노래한 합창곡, 피아노를 위한 노래와 같은 <무언가집> 등이 있다. 멘델스존은 바흐의 <마태 수난곡>을 부활시키기도 했다. 그는 오라토리오 <성 바오로>, <엘리야> 등의 걸작을 통해 낭만파의 풍부한 표정과 우아한 멜로디, 바로크의 대형식을 결합하여 리스트와 함께 19세기의 종교적 오라토리오의 전형을 보여주었다.[9]

1820년대 후반부터 낭만주의 운동이 본격적으로 발전했다. 낭만파의 전성기는 바그너 이후(19세기 후반)는 포함되지 않으며, 멘델스존, 슈만, 베를리오즈, 로시니, 쇼팽, 마이어베어 등을 중심으로 한다. 이 시기에는 낭만파의 환상적인 성격이 두드러졌으며, 악기, 특히 관악기의 개량이라는 중요한 진보가 있었다. 낭만파 음악에서는 섬세한 감정을 반영하여 화성이 반음계적 진행이나 조바꿈을 자주 사용했다. 목관 및 금관 악기는 키 조작 개량, 밸브 발명 등을 통해 이러한 경향에 부응할 수 있도록 개량되었다. 이러한 관현악법과 악기의 균형은 낭만파 역사에서 중요한 의미를 지닌다.

슈만(1810-1856)은 낭만적인 작곡가의 삶을 살았다. 그는 잔 파울, 프리드리히 리히터, E. T. A. 호프만 등의 문학과 칸트의 철학을 이해했으며, 작곡가와 비평가로서 활동했다. 1830년대에 피아노곡으로 기초를 다진 후, 가곡, 교향곡, 피아노를 포함한 실내악, 피아노 협주곡 등 다양한 장르의 작품을 썼다. 가곡 분야에서는 슈베르트의 독일 리트(Lied)를 발전시켰고, 기악곡, 특히 피아노곡에서 시적인 세계를 음악으로 표현하는 데 성공했다. 그는 독일에 19세기의 표제 음악을 탄생시켰으며, 그의 표제는 환상적인 음악 세계를 불러일으키는 계기로 작용한다. 그의 실내악과 교향곡은 브람스의 작품에 영향을 주는 요소를 많이 포함한다. 슈만은 <음악신보>라는 잡지를 창간하여 낭만적 음악비평을 남겼으며, 베토벤을 숭배하고 슈베르트, 쇼팽, 베를리오즈, 리스트 등의 천재를 찬양하며 낭만파를 위해 싸웠다. 그러나 이후 리스트와 바그너의 창작에서 자신의 이상과 본질적인 차이를 인식해야 했다. 1853년 브람스와의 만남에서 슈만은 그를 세상에 소개하며 비평 활동의 정점을 찍었다.

19세기 전반 독일에서는 슈베르트, 베버, 멘델스존, 슈포어, 슈만 등이 정점을 이루었으며, 호프만, 베버, 슈만 등의 문필 활동이 큰 영향을 미쳤다. 기악음악 분야에서는 M.하우프트만과 I.모슈레스를 경계로 소나타 형식이 쇠퇴하고 소규모 작품이나 변주곡이 선호되었다. 그러나 이는 시적인 것으로의 도피라는 소극성을 보이며 아류로 이어지기도 했다. 성악곡 분야에서는 K.레이베(1796-1869)가 슈베르트의 리트 이후 <마왕>을 작곡하여 낭만적인 분위기를 표현했지만, 정경 묘사에서는 언어를 음악의 기초 리듬으로 사용하여 장면 변화가 현실적이고 다양하게 나타난다. 그는 오라토리오에도 낭만적인 시도를 했다. 오페라에서는 마르슈너, 로르칭, 니콜라이 등의 작품이 호프만과 베버의 영향권 안에 있었다.

2. 3. 후기 낭만주의 (1850-1890)

후기 낭만주의는 두 단계로 나눌 수 있다. 첫 번째 단계는 낭만주의 음악이 절정에 달했던 시기이다. 프레데리크 쇼팽은 피아노를 위한 개성 있는 작품과 춤곡에서 이전에는 알려지지 않았던 감정의 깊이를 탐구했다. 로베르트 슈만은 음악뿐 아니라 인격적으로도 비극의 그림자가 드리운 열정적인 낭만주의 예술가의 모습을 보여주었으며, 그의 독특한 피아노 작품, 실내악 작품, 교향곡은 다음 세대의 음악가들에게 지속적인 영향을 미쳤다.[31]

프란츠 리스트는 인기 있는 피아노 거장이자, 그의 조화롭고 대담한 교향시로 진보적인 "신독일악파"의 기반을 마련했다. 또한 엑토르 베를리오즈의 고정악상 기법에도 헌신했는데, 그는 오케스트라를 상당히 확장하기도 했다. 펠릭스 멘델스존은 고전주의적인 형식 언어에 더욱 중점을 두었고, 스칸디나비아의 작곡가들에게 귀감이 되었다.[31]

오페라에서는 오토 니콜라이와 프리드리히 폰 플로토의 오페라가 리하르트 바그너가 그의 첫 번째 낭만주의 오페라를 작곡할 당시 독일에서 여전히 주도적이었다. 주세페 베르디의 초기 작품들도 여전히 구세대의 벨칸토 이상에 기반을 두고 있었다. 프랑스에서는 암브루아즈 토마와 샤를 구노에 의해 오페라 리릭이 발전되었다. 러시아 음악은 미하일 글린카와 알렉산드르 다르고미슈스키의 오페라에서 독자적인 언어를 찾았다.[31]

50대 남성의 상반신 사진. 그는 앞 오른쪽에서 바라본 모습이며, 목도리와 프록 코트를 착용하고 있다. 긴 옆머리를 하고 있으며, 관자놀이 부분의 머리가 숱이 적다.
리하르트 바그너(Richard Wagner), 파리, 1861년


후기 낭만주의의 두 번째 단계는 문학과 시각 예술의 사실주의 양식과 병행하여 진행된다. 바그너는 창작 후반기에 선률 동기 기법을 개발했는데, 이 기법을 통해 니벨룽의 반지 4부작을 아리아 없이 작곡하고 서로 연결시켰다. 오케스트라는 교향적으로 다루어지며, 색채주의는 트리스탄과 이졸데에서 극에 달한다. 페터 코르넬리우스와 같은 제자들이 바그너의 진보적인 사상의 영향을 받았다. 반면에 많은 보수적인 작곡가들로부터 반대가 일어났는데, 요하네스 브람스는 감각의 깊이와 능숙한 작곡 기법 때문에 규모의 모범이 되었다. 그 외에도 로베르트 폴크만, 프리드리히 키엘, 칼 라인에케, 막스 브루흐, 요제프 가브리엘 라인베르거, 헤르만 괴츠가 이 그룹에 속한다.[31]

안톤 브루크너는 바그너를 지지했지만, 그의 명확한 형식의 스타일은 그 작곡가의 스타일과 상당히 달랐다. 바그너의 적들에 대한 이념적 투쟁에서, 그는 그의 추종자들에 의해 브람스의 대응자로 묘사되었다. 리스트를 기반으로 "고전 형식의 미래 음악"을 작곡했던 펠릭스 드레제케도 작곡에서 당파 사이에 서 있다.[31]

베르디는 바그너와는 다른 방식이지만, 잘 구성된 음악극의 길에 도달했다. 그의 엄청난 카리스마는 아밀카레 폰키엘리와 아리고 보이토를 포함하여 다른 모든 이탈리아 작곡가들을 빛이 바래게 만들었다.[31]

프랑스에서는 자크 오펜바흐의 사회 비판적인 오페레타 형식으로 가벼운 뮤즈가 먼저 승리했다. 서정 오페라는 쥘 마스네의 작품에서 절정에 달했고, 조르주 비제의 카르멘에서 사실주의가 처음으로 등장했다. 루이 테오도르 구비는 독일 음악으로의 스타일적인 다리를 만들었다. 카미유 생상의 오페라, 교향곡, 실내악 작품은 레오 델리브의 발레처럼 전통 지향적이었다. 새로운 오케스트라 색채는 에두아르 라로와 에마뉘엘 샤브리에의 작품에서 발견되었다. 벨기에 출신의 세자르 프랑크는 오르간 음악의 부흥을 이끌었고, 이는 나중에 샤를 마리 위도르, 루이 비에르네, 샤를 투르네미르에 의해 계속되었다.[31]

거의 모든 유럽 국가에서 독특한 민족 낭만주의가 나타났다. 글린카가 시작한 러시아의 민족주의적 흐름은 "5인조": 밀리 발라키레프, 알렉산드르 보로딘, 모데스트 무소륵스키, 니콜라이 림스키-코르사코프, 세자르 쿠이에 의해 계속되었다. 서구 지향적인 작곡가로는 안톤 루빈슈타인과 표트르 차이콥스키가 있었는데, 그의 발레와 교향곡은 큰 인기를 얻었다.[31]

베드르지흐 스메타나는 그의 오페라와 리스트 지향적인 교향시로 체코 민족 음악을 창시했다. 안토닌 드보르자크의 교향곡, 협주곡, 실내악 작품은 브람스를 모범으로 삼았다. 폴란드에서는 스타니스와프 모니우슈코가 주요 오페라 작곡가였고, 헝가리에서는 페렌츠 에르켈이었다. 노르웨이는 에드바르트 그리그와 함께 가장 유명한 작곡가들을 배출했다. 영국의 목소리는 브람스 지향적인 휴버트 패리와 교향곡 작곡가, 그리고 아서 설리번의 희극 오페라로 울려 퍼졌다.[31]

2. 4. 세기말 (1890-1914)

19세기 후반, 리하르트 바그너의 트리스탄과 이졸데[27], 프란츠 리스트의 조성 없는 바가텔[28]과 같이 일부 저명한 작곡가들은 전통적인 조성 체계의 한계를 탐구하기 시작했다. 이러한 한계는 늦은 낭만주의 시대에 이르러 구스타프 말러의 작품에서 보여지는 점진적 조성[29]으로 최종적으로 도달하게 되었다. 이러한 발전과 함께 낭만주의는 마침내 여러 새로운 평행 운동으로 분열되기 시작하여 근대주의 음악으로 이어졌다.[31] 구스타프 말러, 자코모 푸치니, 리하르트 슈트라우스 등이 이 시기에 활동했다.

3. 낭만주의 음악의 특징

낭만주의 음악은 19세기 초부터 20세기 초까지 유럽에서 유행했던 음악 사조이다. 펠릭스 멘델스존, 로베르트 슈만, 엑토르 베를리오즈, 조아키노 로시니, 프레데리크 쇼팽, 자코모 마이어베어 등이 이 시기를 대표한다. 바그너 이후(19세기 후반)는 낭만주의의 전성기에서 제외된다.

낭만주의 음악은 환상적인 성격이 두드러지며, 관악기를 포함한 악기 개량과 발전을 통해 더욱 풍부한 표현력을 갖게 되었다. 섬세한 감정을 반영하기 위해 화성은 내부에서 자유롭게 움직였고, 반음계적 진행이나 잦은 조바꿈이 나타났다. 이러한 변화에 발맞춰 목관악기와 금관악기는 키 조작을 개선하고 밸브를 발명하여 연주 기술을 향상시켰다. 관현악법과 악기의 균형은 낭만주의 음악에서 중요한 요소였다.[9]

고전주의 시대의 짧고 간결한 주제와 달리, 낭만주의 시대에는 더 길고, 더 완벽하게 정의되고, 더 감정적으로 흥미를 자극하는 주제를 사용하는 경향이 있었다.[10]

산업 혁명과 같은 사회적 변화는 음악에도 큰 영향을 미쳤다. 악기, 특히 목관악기와 금관악기의 기계식 밸브와 키가 크게 발전하여 연주가 더 쉬워지고 신뢰성이 높아졌다.[16] 또한, 중산층의 부상으로 인해 낭만주의 작곡가들은 유료 고객으로 구성된 대규모 청중을 위한 공개 콘서트와 축제를 위해 작곡하게 되었다.[2]

엘가와 같은 낭만주의 시대 작곡가들은 "음악적 취향의 차별이 없어야 한다"는 점과 "목적은 들을 수 있는 음악을 작곡하는 것"임을 보여주었다.[17][18] 낭만주의 작곡가들은 개인의 중요성을 반영하여 이전보다 덜 제한적이고 작곡가의 개인적 기술에 더 중점을 두는 방식으로 작곡했다.[2]

낭만주의 음악의 특징
특징설명
자연에 대한 관심자연에 대한 새로운 관심과 몰입[11]
초자연적인 것에 대한 관심종교적이고 초자연적인 신비주의, 유령, 공포 등 초자연적인 것에 대한 관심[12][13]
국가 정체성국가 정체성에 대한 새로운 관심[11]
기존 음악에 대한 불만음악 공식과 관례에 대한 불만[11]
선율 강조선율을 더 강조[14]
화성 사용 증가화성을 더 많이 사용[11]
복잡한 화성 진행전통적인 으뜸화음이 아닌 밑음에서 딸림음이나 다른 조로 이동하는 화성 구조, 그리고 더 복잡한 화성 진행 사용 (예: 리하르트 바그너, 프란츠 리스트)[11]
오케스트라크고 웅장한 오케스트라가 일반적[11]
기교적 연주자기교적인 연주자가 많이 등장[11]
새로운 형식 사용가곡, 야상곡, 연습곡, 아라베스크, 광시곡과 같은 새로운 형식 사용[14]
표제 음악표제 음악이 더 일반화됨[14]
셈여림ppp'(매우 매우 여리게)부터 fff'(매우 매우 세게)까지 더 넓은 범위의 셈여림 사용[11]
음역더 큰 음역 사용 (예: 피아노의 가장 낮은 음과 가장 높은 음)[11]



루트비히 판 베토벤 사후, 음악 구조와 형식에서 뚜렷한 구분이 나타났다. 베토벤의 작품은 고전적인 소나타 형식, 교향곡, 소나타, 현악 사중주의 구조가 한계에 이르렀다는 느낌을 주었다.[15] E. T. A. 호프만에 따르면, 베토벤의 기악곡은 낭만주의 예술 사상을 구현한 것이다.[23]

3. 1. 음악 어법

낭만주의 시대의 음악은 고전주의 시대의 음악 어법에서 벗어나 새로운 특징들을 많이 보여준다. 고전주의 시대에는 짧고 간결한 주제를 사용했지만, 낭만주의 시대에는 더 길고, 감정을 자극하는 주제를 사용하는 경향이 있었다.[10]

낭만주의 음악의 특징
특징설명
자연에 대한 관심자연에 대한 새로운 관심과 몰입[11]
초자연적인 것에 대한 관심종교적이고 초자연적인 신비주의, 그리고 유령, 공포 등 초자연적인 것에 대한 관심[12][13]
국가 정체성국가 정체성에 대한 새로운 관심[11]
기존 음악에 대한 불만음악 공식과 관례에 대한 불만[11]
선율 강조선율을 더 강조[14]
화성 사용 증가화성을 더 많이 사용[11]
복잡한 화성 진행전통적인 으뜸화음이 아닌 밑음에서 딸림음이나 다른 조로 이동하는 화성 구조, 그리고 더 복잡한 화성 진행 사용 (예: 리하르트 바그너, 프란츠 리스트)[11]
오케스트라크고 웅장한 오케스트라가 일반적[11]
기교적 연주자기교적인 연주자가 많이 등장[11]
새로운 형식 사용가곡, 야상곡, 연습곡, 아라베스크, 광시곡과 같은 새로운 형식 사용[14]
표제 음악표제 음악이 더 일반화됨[14]
셈여림ppp'(매우 매우 여리게)부터 fff'(매우 매우 세게)까지 더 넓은 범위의 셈여림 사용[11]
음역더 큰 음역 사용 (예: 피아노의 가장 낮은 음과 가장 높은 음)[11]



루트비히 판 베토벤 사후, 음악 구조와 형식에서 뚜렷한 구분이 나타났다. 베토벤의 작품은 고전적인 소나타 형식, 교향곡, 소나타, 현악 사중주의 구조가 한계에 이르렀다는 느낌을 주었다.[15]

빈 고전파에서 낭만주의로의 전환은 베토벤의 작품에서 나타난다. 그의 작품에서는 "순수한" 기악곡에서 낭만주의 요소들이 처음으로 등장한다. E. T. A. 호프만에 따르면, 베토벤의 기악곡은 낭만주의 예술 사상을 구현한 것이다.[23]

낭만주의 시대에는 요한 제바스티안 바흐, 프란츠 요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 베토벤 등이 제시한 기능 화성법을 낭만주의 작곡가들이 자신들의 반음계적 기법과 혼합하려 했다. 더 유연한 움직임과 큰 대조를 통해 긴 작품의 요구를 충족시키기 위해서였다.

반음계 기법과 불협화음도 더 많이 사용되었다. 베토벤이나 리하르트 바그너는 이전에는 사용되지 않았던 화음을 사용하거나, 기존의 화음을 다르게 다루었다. 바그너의 트리스탄과 이졸데에 나오는 "트리스탄 화음"은 많은 논의를 불러일으켰다.

작곡가들은 더 먼 조로 조옮김을 하고, 예고 없이 조옮김하는 경우가 많아졌다. 프란츠 리스트 등은 한 음표만으로 조옮김을 시도하기도 했다. 감7화음과 같은 장치도 연구되었다.

낭만주의 작곡가들은 음악을 시에 비유하거나 서사시나 이야기처럼 만들었다. 또한, 연주회용 작품 작곡과 연주를 위한 기반을 만들었다. 소나타 형식 등 이전의 관습이 규칙화되었다. 가곡 작곡에서는 멜로디와 주제에 더 집중했고, 순환 형식이 더 많이 사용되었다.

이러한 경향은 낭만주의 음악 이전에도 나타났지만, 낭만주의 시대에 중점적으로 추구되었다. 과학 기술은 음악에도 변화를 가져왔는데, 피아노에 더 큰 힘과 음역을 가져다주었다.

3. 2. 형식

오토 니콜라이는 모차르트를 이상으로 삼았으며, 그의 작품에는 이탈리아 음악의 영향이 나타난다.[9] 순환 형식은 소나타나 교향곡에서 동일한 기본 동기를 사용하여 악곡을 전개하는 방법으로, 리스트가 음악 형식에 적용한 이후 프랑스 작곡가들에 의해 작곡 원리로 확립되었다.[9]

고전주의 시대에는 짧고 단편적인 주제를 사용한 반면, 낭만주의 시대에는 더 길고 감정적으로 흥미를 자극하는 주제를 사용하는 경향이 있었다.[10]

낭만주의 음악의 특징은 다음과 같다.

  • 자연에 대한 새로운 관심[11]
  • 종교, 신비주의, 초자연적인 것에 대한 관심[12]
  • 공포스러운 것에 대한 집중[13]
  • 국가 정체성에 대한 새로운 관심[11]
  • 음악 공식과 관례에 대한 불만[11]
  • 선율 강조[14]
  • 화성 증가[11]
  • 복잡한 화성 진행 사용[11]
  • 크고 웅장한 오케스트라[11]
  • 기교적인 연주자 증가[11]
  • 가곡집, 야상곡 등 새로운 음악 형식 사용[14]
  • 표제 음악 일반화[14]
  • 넓은 범위의 다이내믹 사용[11]
  • 큰 음역 사용[11]


베토벤 사후 음악 구조와 형식에 있어 명확한 구분선이 존재하며, 그의 작품은 고전적인 소나타 형식 등이 고갈되었다는 느낌을 불러일으켰다.[15]

오페라에서는 바로크 오페라와 고전주의 오페라의 형식이 융합되는 경향이 나타났으며, 각 민족의 신화나 민담, 전설, 역사에서 소재를 찾는 경향이 나타났다. 바그너의 악극에서는 아리아와 합창, 레치타티보, 기악곡을 분리할 수 없는 연속적인 음악의 흐름이 나타난다. 테너가 주역으로 배치되고 합창의 역할이 중요해졌으며, 현실적인 소재를 선호하는 경향이 나타났다.

3. 3. 악기 편성

낭만주의 음악에서 악기 편성은 19세기 초, 특히 관악기의 개량과 밀접하게 연관되어 발전했다. 낭만주의 시대에는 섬세한 감정을 표현하기 위해 반음계적 진행과 잦은 조바꿈이 사용되었는데, 이를 위해 목관악기와 금관악기는 키 조작을 개선하고 밸브를 발명하는 등 기술적인 발전이 이루어졌다. 이러한 관현악법과 악기의 균형은 낭만주의 음악에서 중요한 요소로 작용했다.[9]

리하르트 바그너와 안톤 브루크너는 바그너튜바를 중요하게 사용했다. 또한, 피콜로, 코랑글레, 오피클라이드, 튜바, 하프와 같이 이전에는 잘 사용되지 않던 악기들을 도입하여 오케스트라의 규모를 확장시켰다.

낭만주의 음악은 작품의 길이가 길어지는 경향을 보였다. 요제프 하이든이나 볼프강 아마데우스 모차르트의 교향곡이 보통 25분 정도인 데 비해, 루트비히 판 베토벤의 교향곡 3번 "영웅"은 48분 정도였다. 이러한 경향은 안톤 브루크너와 구스타프 말러의 교향곡에서 정점에 달했는데, 특히 말러의 교향곡 8번은 "천인 교향곡"이라고 불릴 정도로 많은 연주자와 합창단이 필요했다.

낭만주의 시대는 니콜로 파가니니와 같은 명인 연주자들이 등장한 시기이기도 하다. 프란츠 리스트 역시 뛰어난 작곡가이자 인기 있는 피아니스트였다. 이들의 연주회는 작곡가보다 더 많은 청중을 끌어모으기도 했다.

3. 4. 민족주의 음악

낭만주의 시대 동안 음악은 민족주의적인 목적을 띠는 경우가 많았다. 작곡가들은 자신들의 조국과 전통을 대표하는 독특한 음색으로 작곡했다. 예를 들어, 얀 시벨리우스의 ''핀란디아''는 언젠가 러시아의 지배에서 독립을 쟁취할 핀란드의 떠오르는 민족을 대표하는 것으로 해석되어 왔다.[19]

프레데리크 쇼팽은 민족주의적 요소를 자신의 작품에 통합한 최초의 작곡가 중 한 명이었다. 조셉 매클리스는 "차르 통치로부터의 폴란드의 자유 투쟁은 폴란드의 민족 시인을 일깨웠다… 낭만주의 시대의 작품에는 음악적 민족주의의 예가 풍부하다. 쇼팽의 마주르카에는 민요의 특징이 두드러진다"라고 말한다.[20] 그의 마주르카와 폴로네즈는 민족주의적 리듬의 사용으로 특히 주목할 만하다. 게다가 "제2차 세계 대전 중 나치는 이 작품들에 내재된 강력한 상징성 때문에… 바르샤바에서 쇼팽의 폴로네즈 연주를 금지했다".[20]

베드르지흐 스메타나와 같은 다른 작곡가들은 고향을 음악적으로 묘사한 작품들을 썼다. 특히 스메타나의 ''몰다우''는 오늘날 체코의 몰다우 강에 관한 교향시이며, ''나의 조국''(Má vlast)이라는 제목의 6개의 민족주의적 교향시 연작 중 두 번째이다.[21] 스메타나는 8개의 민족주의 오페라를 작곡했는데, 이 작품들은 모두 레퍼토리에 남아 있다. 이 작품들은 그를 최초의 체코 민족주의 작곡가이자 1860년대에 두각을 나타낸 세대의 가장 중요한 체코 오페라 작곡가로 자리매김하게 했다.[22]

특정 국가와 특별한 관계를 맺고 작곡한 음악을 만든 "민족주의 음악가"는 많다. 민족주의 음악은 여러 경로를 거쳐 나타났다. 예를 들어 미하일 글린카의 오페라가 특히 러시아적이라면, 베드르지흐 스메타나와 안토닌 드보르자크의 오페라들은 체코의 민족 무곡 리듬과 민요 주제를 이용하고 있다. 19세기 후반에는 얀 시벨리우스가 핀란드의 서사시 『칼레발라』를 바탕으로 한 작품을 남겼고, 교향시 《핀란디아》는 핀란드 민족주의의 상징적인 음악이 되었다.

후기 낭만파 음악에는 특정 국가에서 민족 음악과 민족시와 결합된 민족 양식이 등장하여 중요한 작곡가들을 끌어들였다. 음악론에서는 "독일 양식", "이탈리아 양식"과 같은 개념이 오랫동안 확립되어 있었지만, 19세기에 발전한 것은 미하일 글린카를 시작으로, 모데스트 무소르그스키, 알렉산드르 보로딘, 니콜라이 림스키-코르사코프, 표트르 차이콥스키에게 계승된 러시아 양식(러시아 민족주의 음악)이었다. 비슷한 흐름은 체코의 베드르지흐 스메타나, 즈데네크 피비히, 안토닌 드보르자크, 레오시 야나체크, 비체슬라프 노바크에서도 볼 수 있고, 프랑스에서는 프랑스-프로이센 전쟁 이후 카미유 생상스 등의 지도하에 "아르스 갈리카(Gallia의 예술이라는 의미이지만, 실제로는 프랑스 작곡가에 의한 기악곡 창작의 진흥)"를 표방하는 국민음악협회가 설립되어 반 독일 낭만파 음악을 외친 인상주의 음악 탄생의 토양이 되었다. 대부분의 작곡가는 목적에서 민족주의자였으며, 자국의 언어와 문화와 관련된 오페라와 음악을 창작하려고 했다. 민요에 관심을 보인 요하네스 브람스에게도 민족주의적인 경향이 인정된다.

4. 한국의 낭만주의 음악 수용

(주어진 원본 소스에는 '한국의 낭만주의 음악 수용'에 대한 내용이 없으므로, 이 섹션에는 내용을 작성할 수 없습니다.)

5. 주요 작곡가

카를 마리아 폰 베버, 루이 슈포어, 펠릭스 멘델스존, 로베르트 슈만 등은 낭만주의 음악의 주요 작곡가로 손꼽힌다.

작곡가주요 활동 및 특징
카를 마리아 폰 베버(1786-1826)오페라 <마탄의 사수>를 통해 독일 숲의 신비로운 분위기와 등장인물의 심리를 멜로디와 관현악법으로 묘사하여 낭만주의 음악의 기초를 다짐.
루이 슈포어(1784-1859)바이올린 연주자이자 작곡가로, 영어>와 <이에존다> 등 독일 국민 오페라에 공헌.
펠릭스 멘델스존(1809-1847)낭만주의적 고전파로 불림. 셰익스피어의 <한여름밤의 꿈> 부수음악, <핑갈의 동굴> 서곡, <무언가집> 등에서 균형 잡힌 감각과 온화함을 보여줌. 바흐의 <마태 수난곡>을 부활시키고 오라토리오 <성 바오로>, <엘리야> 등을 작곡하여 종교 음악에도 기여.
로베르트 슈만(1810-1856)리트(Lied)를 발전시키고, 피아노곡을 중심으로 시적인 세계를 음악으로 표현하여 표제 음악을 탄생시킴. <음악신보>를 창간하여 낭만주의 음악 비평에도 힘씀.
프란츠 리스트교향시를 발전시키고 혁신하였으며, 악곡 형식에서의 주제 변형과 조성과 화성의 급진적인 변화를 추진.[24]
리하르트 바그너절대음악이 루트비히 판 베토벤에 이르러 한계에 도달했다고 믿었기 때문에 색채 화성과 표제음악의 한계를 뛰어넘으려고 노력.[24]
요하네스 브람스로베르트 슈만의 예술적 유산을 계승하고 절대 음악 작곡과 홍보에 매달림.[25] 고전적인 틀 안에서 교향곡 장르를 작곡했던 루트비히 판 베토벤의 발자취를 따르는 것을 믿었지만, 자신들만의 음악적 언어를 구현하기도 함.[26]
클라라 슈만로베르트 슈만의 예술적 유산을 계승하고 절대 음악 작곡과 홍보에 매달림.[25]
밀리 발라키레프, 세자르 쿠이, 모데스트 무소륵스키, 니콜라이 림스키코르사코프, 알렉산더 보로딘1856년부터 1870년까지 상트페테르부르크를 중심으로 활동하며 서로 협력하여 독특한 러시아 국민적 스타일의 고전 음악을 창조한 러시아 작곡가 그룹.
니콜라이 림스키-코르사코프, 알렉산드르 글라주노프상트페테르부르크에서 모임을 가졌던 러시아 음악가들의 모임으로, 5인조의 뒤를 이어 러시아 고전 음악의 전통을 계승하고 발전시키고자 함.
프란츠 슈베르트, 카미유 생상루트비히 판 베토벤에 의해 최고 수준으로 발전된 교향곡은 많은 작곡가들이 헌신하는 가장 권위 있는 형식이 됨. 베토벤 모델에 대한 가장 보수적인 존중을 함.
헥토르 베를리오즈루트비히 판 베토벤에 의해 최고 수준으로 발전된 교향곡은 많은 작곡가들이 헌신하는 가장 권위 있는 형식이 됨. 베토벤 형식이나 정신에 있어 이 틀을 넘어서는 상상력을 보여줌.
프란츠 슈베르트, 카미유 생상, 뒤파르크, 요하네스 브람스, 후고 볼프, 구스타프 말러, 리하르트 슈트라우스가곡 장르에 헌신.
니콜로 파가니니(바이올린), 프레데리크 쇼팽, 로베르트 슈만, 프란츠 리스트(피아노)협주곡은 기악 연주자 출신 작곡가들이 자신의 기교를 드러낼 수 있는 기회를 제공.
존 필드야상곡을 처음으로 발전시킨 작곡가.
프레데리크 쇼팽야상곡의 가장 유명한 형태를 확립.
표트르 일리치 차이콥스키, 레오 델리브19세기 동안 낭만주의 발레를 발전시킴.
조르주 비제19세기 후반에 《카르멘》으로 오페라에 혁명을 일으킴.
자크 오펜바흐19세기 프랑스 오페라 코미크의 거장으로 자리매김.
리하르트 바그너라인의 황금에서 레치타티보와 "순환적 선율" 기법을 도입.
주세페 베르디나부코의 노예 합창은 이탈리아 전체에 매우 중요한 찬가. 리골레토, 일 트로바토레, 라 트라비아타로 이루어진 3부작은 그의 주요 작품 중 하나.
자코모 푸치니19세기 후반, 베르디의 계승자. 라 보엠, 토스카, 나비부인, 투란도트는 감정으로 가득 찬 서정적인 오페라.
미하일 글린카, 니콜라이 림스키-코르사코프, 알렉산더 보로딘, 모데스트 무소르그스키, 표트르 일리치 차이콥스키러시아 민족적 특징을 지닌 음악 발전.
베드르지흐 스메타나, 안토닌 드보르자크, 즈데네크 피비히, 레오시 야나체크체코 민족 정신을 구현.
타키 렌타로일본어의 억양과 서양적인 음계를 자연스럽게 일치시키는 데 성공.
야마다 고사쿠신비주의는 모두 야마다가 강력한 로맨티시즘 음악가였음을 보여주고 있음.
베쓰구미 사다오일본에서 신 로맨티시즘 음악의 선구자로서 수많은 조성적인 기악곡을 만듦.


6. 영향

고전파의 정점을 쌓아올린 베토벤은 낭만주의 음악 활동의 이정표가 되었다. 독일 낭만주의는 1770~1780년경 문학운동인 '슈투름 운트 드랑'에서 싹텄으며, 시인과 철학자들은 음악관을 논했다. E. T. A. 호프만은 낭만파 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤다. 슈베르트와 카를 마리아 폰 베버는 초기 낭만파의 대표자로 평가받는다.

멘델스존(1809-1847)은 '낭만적인 고전파'로 불리며, 균형 잡힌 감각과 고전적 전통 교육으로 온화한 작품을 썼다. 걸작으로는 셰익스피어의 <한여름밤의 꿈> 부수음악, <핑갈의 동굴>, <무언가집> 등이 있다. 바흐의 <마태 수난곡>을 부활시키기도 했다.

1820년대 후반부터 낭만주의 운동이 본격적으로 발전했다. 바그너 이후(19세기 후반)는 포함되지 않으며, 멘델스존, 슈만, 베를리오즈, 로시니, 쇼팽, 마이어베어 등이 전성기를 이끌었다. 이 시기에는 관악기 개량 등 중요한 진보가 있었다. 낭만파 음악은 섬세한 감정 반영으로 화성이 반음계적 진행이나 조바꿈을 자주 사용했으며, 목관 및 금관 악기는 키 조작 개량과 밸브 발명으로 이러한 경향에 부응했다.

프랑스에서는 베를리오즈가 낭만주의 운동을 대표했다. 리스트·바그너에 이르는 표제 음악은 현대음악에 큰 영향을 미쳤다. 이들의 작품은 심리적 표현을 중시하여 표제와 음악 구조가 동시적으로 작용했다.

베를리오즈(1803-1869)는 <환상교향곡>, <이탈리아의 해럴드> 등 교향곡으로 높이 평가받는다. 표제는 극적인 텍스트 구실을 하며, '고정개념'이라는 지도동기를 사용했다.

산업 혁명과 같은 사회적 변화는 음악에 큰 영향을 미쳤다. 목관악기와 금관악기의 기계식 밸브와 키가 크게 발전했고, 새롭고 혁신적인 악기는 연주가 더 쉽고 신뢰성이 높아졌다.[16] 중산층의 부상은 낭만주의 작곡가들이 대규모 청중을 위한 공개 콘서트와 축제를 위해 작곡하게 만들었다.[2] 엘가와 같은 작곡가들은 "음악적 취향의 차별이 없어야 한다"는 점을 보여주었다.[17]

낭만주의 운동의 사상은 "진리는 감정, 감각, 직관을 통해서만 도달할 수 있다"는 것이었다. '''낭만주의 문학'''은 감정 표현을 확장하고 심층의 진실을 파헤치는 투쟁이었다. '''낭만파 음악'''은 오케스트라 규모를 확장했지만, 고전파 음악의 악곡 형식 구조는 유지했다.

낭만파 음악 시대의 논쟁 중 하나는 음악과 음악 외적 언어 및 영감의 원천과의 관계였다. 1830년대 엑토르 베를리오즈의 《환상교향곡》은 상세한 표제로 비평가들에게 해석의 여지를 제공했다. 프랑수아-조제프 페티는 "이 작품은 음악이 아니다"라고 단정 지었으나, 로베르트 슈만은 표제 자체에는 부정적이었다. 프란츠 리스트는 음악 외적 영감 개념을 옹호했다.

"절대음악" 신봉자들은 음악 표현이 형식의 완성에 달려 있다고 믿었고, 소나타 형식이 가장 유명한 형식이었다. 표제 음악 신봉자들은 시 등 음악 외적 텍스트의 서사적 표현 자체가 형식이라고 주장했다. 리하르트 바그너와 요하네스 브람스 지지자들의 대립은 "절대음악"의 정점이 브람스이고, 시적인 "실체"가 음악을 형성한다고 믿는 것은 바그너라는 분열로 이어졌다.

"음악 외적 영감"의 실례는 다음과 같다.



젬린스키나 쇤베르크도 교향시를 다루었다.

오페라에서는 바로크 오페라와 고전주의 오페라의 형식이 느슨해지고 융합되는 경향이 있었다. 각 민족의 신화, 민담, 전설, 역사에서 소재를 찾는 경향이 나타났다. 바그너의 악극에서는 아리아, 합창(이중창), 레치타티보, 기악곡이 분리되지 않고 연속적인 음악 흐름이 존재했다.

카스트라토 쇠퇴에 따라 테너를 주역으로 배치했고, 합창은 더욱 중요한 역할을 받았다. 프랑스에서는 비제의 《카르멘》 등이 작곡되었고, 이탈리아에서는 1890년대에 “베리스모 오페라”가 탄생했다. 젬린스키와 슈레커 등은 세기말 빈에서 현실적인 소재에 도전했고, 코른골트의 《죽음의 도시》는 제1차 세계 대전 이후 독일어권에서 인기를 얻었다.

참조

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