타히티의 여인들
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1. 개요
타히티의 여인들은 폴 고갱이 타히티를 주제로 그린 그림으로, 1891년에서 1893년 사이에 제작되었다. 이 작품은 두 명의 타히티 여성이 무관심한 표정으로 앉아 있는 모습을 묘사하며, 고갱이 추구했던 상징주의, 종합주의, 원시주의 양식을 보여준다. 고갱은 유럽의 물질주의에 대한 반발로 타히티로 건너가 이 작품을 포함한 여러 작품을 제작했으며, 이 그림은 고갱의 경력 중 중요한 시기에 제작되었다. 이 작품은 고갱의 다른 작품들과 마찬가지로 타히티 원주민 여성의 모습과 그들의 문화를 묘사하지만, 식민주의적 시각과 원주민에 대한 착취라는 비판도 존재한다.
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| 타히티의 여인들 | |
|---|---|
| 작품 정보 | |
| 제목 | 타히티의 여인들 |
| 원제 | fr |
| 화가 | 폴 고갱 |
| 제작 연도 | 1891년 |
| 종류 | 캔버스에 유화 |
| 크기 | 가로 91cm, 세로 69cm |
| 소장 | 오르세 미술관 |
 | |
2. 배경
이 그림은 화가가 타히티에 처음 방문한 기간(1891–1893)의 마지막 무렵에 제작되었다. 고갱은 유럽의 물질주의에서 벗어나 "황홀경, 평온, 예술"을 찾아 프랑스 식민지로 여행을 떠났다.[3] 이러한 생각은 그가 반 고흐에게 보낸 편지에서 "나 자신에게도 있는 야만성"이라고 묘사한 것과 일치한다.[4] 프랑스의 식민지적 영향이 어느 정도 이러한 특성들을 퇴색시켰지만,[5] 고갱은 그럼에도 불구하고 많은 작품을 제작했으며, 이 작품은 더 큰 연작의 일부로 제작되었다. 오늘날 미술사학자들은 이 작품들을 고갱의 상징주의, 종합주의, 원시주의 양식과 연관시킨다.[6] 이 작품들은 이상적이고 오염되지 않은 에덴에서 원주민(거의 모두 여성)을 묘사한다.[7]
이 그림은 폴 고갱이 타히티에 처음 방문했던 기간(1891–1893)의 마지막 무렵에 제작되었다. 고갱은 유럽의 물질주의에서 벗어나 "황홀경, 평온, 예술"을 찾아 프랑스 식민지로 여행을 떠났으며,[3] 반 고흐에게 보낸 편지에서 "나 자신에게도 있는 야만성"을 언급하며 이러한 열망을 드러냈다.[4] 프랑스의 식민지적 영향으로 타히티의 특성이 퇴색되기도 하였지만,[5] 고갱은 이 시기에 많은 작품을 남겼다.
이 작품들은 고갱의 경력의 중간 시점에 속하며, 타히티를 주제로 하지만, 관찰에 덜 집중하고 상징적이고 초자연적인 면에 더 집중하는 그의 후기 작품, 예를 들어 ''우리는 어디에서 왔는가? 우리는 무엇인가? 우리는 어디로 가는가?''와 비교했을 때 현실감이 더 잘 나타난다.[8] ''해변의 타히티 여인들''은 결국 고갱의 친구이자 가장 큰 후원자인 에드가 드가의 제안에 따라 고갱에 의해 파리로 보내져 폴 뒤랑 뤼엘에게 전시되었다.[4]
3. 구성 및 분석
''타히티의 여인들''은 고갱의 상징주의, 종합주의, 원시주의 양식이 나타나는 작품으로, 이상적인 에덴 속 원주민 여성들을 묘사한다.[6][7] 이 작품은 고갱의 경력 중기에 해당하며, 타히티를 주제로 하지만 상징적이고 초자연적인 면에 집중하는 후기 작품(''우리는 어디에서 왔는가? 우리는 무엇인가? 우리는 어디로 가는가?'' 등)에 비해 현실감이 더 잘 드러난다.[8] 이후 에드가 드가의 제안으로 파리의 폴 뒤랑 뤼엘에게 전시되었다.[4]
3. 1. 회화 기법
이 작품은 무관심하고 나른한 상태로 정적으로 앉아있는 두 명의 타히티 여성을 묘사하고 있다. 미술사학자들 사이에서 논쟁의 대상이 되기도 하지만, 제목은 두 여성이 해변에 있지 않을 수도 있다는 점에서 오해의 소지가 있다. 황토색과 노란색 페인트 영역의 대각선과 배경의 녹색과 파란색을 분리하는 흰색 선은 모래와 파도보다는 건축물을 나타낼 수 있다. 미술사학자 찰스 스터키(Charles Stuckey)는 모호함이 이 작품에서 느껴지는 신비감과 미지의 감각을 더해줄 뿐이라고 주장한다.[9] 이전의 타히티 그림들과는 달리, 이 여성들은 어떤 종류의 일에도 적극적으로 참여하지 않는다.[10] 왼쪽에 있는 여성은 전통적인 원주민 ''파레우''를 입고 있는 반면, 오른쪽에 있는 여성은 프랑스 식민지 영향력과 섬에 대한 기독교 선교사의 지속적인 존재를 나타내는 선교사 복장을 하고 있다.[11][8]
여성들은 그 자체로 신비롭고, 멜랑콜리한 분위기를 자아낸다. 고갱은 이 새로운 세계, 특히 그 침묵에 당황했는데, 그는 "다른 어떤 것보다 더 이상하다... 나는 왜 이 사람들이 몇 시간, 며칠 동안 움직이지 않고 앉아 하늘을 바라볼 수 있는지 이해할 수 있다"라고 말했다.[2] 이러한 침묵과 여성들의 모습은 유럽의 낙원에 대한 개념에 도전하고, 그 뒤에 숨겨진 미스터리를 드러낸다. 여성들의 특징 또한 기존의 관념에 도전한다. 짙은 호박색 피부와 강력한 체격은 엄청난 근육질을 보여주며, 조각상에 더 가까운 양성적인 인물을 만든다.[2] 동시에, 그들의 얼굴은 가면과 더 비슷해 보이며, 그림을 초상화에서 장르화로 전환시키고 있다.[10] 고갱은 이러한 묘사를 통해 유럽의 아름다움과 낙원에 대한 개념에 도전한다.[10][1]
구도상으로, 이 그림은 그 시대의 관습에서 벗어난다. 고갱은 캔버스 공간에 두 인물을 밀어 넣었지만, 그들은 서로 완전히 독립적이다.[11] 미술사학자들은 이 작품의 측면을 마네의 ''해변에서''에 등장하는 인물들의 처리와 비교해 왔다.[9]
고갱이 사용하는 색상은 주황색, 노란색, 분홍색, 황토색, 짙은 빨간색, 청록색 및 갈색을 포함한다. 이러한 색상은 장식적이고 패턴과 같은 구조로 배열되어 있다.[10] 선과 색상의 요소는 단순화된 모양과 모티프를 형성한다. 이러한 구성은 상징주의, 종합주의/구획주의, 그리고 원시주의의 특징이다. 이 그림은 그의 후기 작품들과 달리 현실에 초점을 맞추고 있지만, 고갱의 타히티 생활에 대한 관찰은 그의 구성을 통해 해체되어 타히티의 낙원에 대한 생각 주변의 신비와 기이함을 강조하며, 이러한 현실에 대한 개념을 왜곡한다.[8] 고갱은 종합주의를 사용하여 여성과 그들의 환경에 대한 이러한 상징적인 개념을 달성했다. 그가 직접 만든 용어인 종합주의는 구획주의에서 파생되었는데, 이는 어두운 선을 사용하여 색상의 평평한 부분을 분리하여 실제 관찰 가능한 대상의 감각을 줄이고 대신 그 내부의 상징적인 시에 집중한다.[8] 이 기법을 통해 이 작품은 고갱의 관찰의 현실과 이 신비로운 세계를 혼합한다. 이러한 신비주의는 또한 이 그림의 가장 논쟁적인 측면인 원시주의와 관련이 있다. 미술사학자들은 오랫동안 이 작품을 유럽 문명의 "억압성"에 대한 고갱의 반작용의 일부로 묘사해 왔다.[12] 그러나 최근 미술사학자들은 이 작품을 원주민에 대한 식민주의적 제국주의의 반영으로 비판하며, 이 그림과 다른 그림들이 원주민의 "야만성"을 착취했다고 주장하고 있다.[13]
3. 2. 인물 묘사
이 작품은 무관심과 나른함 속에 정적으로 앉아있는 두 명의 타히티 여성을 묘사한다. 미술사학자들 사이에서는 논쟁이 있지만, 제목은 두 여성이 해변에 없을 수도 있다는 점에서 오해의 소지가 있다. 황토색과 노란색 페인트 영역의 대각선과 배경의 녹색과 파란색을 분리하는 흰색 선은 모래와 파도보다는 건축물을 나타낼 수 있기 때문이다. 미술사학자 찰스 스터키는 이러한 모호함이 작품에서 느껴지는 신비감과 미지의 감각을 더해줄 뿐이라고 주장한다.[9] 이전의 타히티 그림들과는 달리, 이 여성들은 어떤 종류의 작업에도 적극적으로 참여하지 않는다.[10] 왼쪽에 있는 여성은 전통적인 원주민 의상인 ''파레우''를 입고 있는 반면, 오른쪽에 있는 여성은 프랑스 식민지 영향력과 섬에 대한 기독교 선교사의 지속적인 존재를 나타내는 선교사 복장을 하고 있다.[11][8]
여성들은 그 자체로 신비롭고 우울한 느낌을 자아낸다. 고갱은 이 새로운 세계, 특히 그 침묵에 당황했는데, "다른 어떤 것보다 더 이상하다... 나는 왜 이 사람들이 몇 시간, 며칠 동안 움직이지 않고 앉아 하늘을 바라볼 수 있는지 이해할 수 없다"라고 말했다.[2] 이러한 침묵과 여성들의 모습은 뚜렷하며, 유럽의 낙원에 대한 개념에 도전하고 그 뒤에 숨겨진 미스터리를 드러낸다. 여성들의 특징 또한 기존의 관념에 도전한다. 짙은 호박색 피부와 강력한 체격은 상당한 근육질을 보여주며, 조각상에 더 가까운 양성적인 인물을 만들어낸다.[2] 동시에, 그들의 얼굴은 가면과 더 비슷해 보이며, 그림을 초상화에서 장르화로 전환시키고 있다.[10] 고갱은 이러한 방식으로 여성들을 묘사함으로써 유럽의 아름다움과 낙원에 대한 개념에 도전한다.[10][1]
구도상으로, 이 그림은 그 시대의 관습에서 벗어난다. 고갱은 캔버스 공간에 두 인물을 밀어 넣었지만, 그들은 서로 완전히 독립적이다.[11] 미술사학자들은 이 작품의 측면을 마네의 ''해변에서''에 등장하는 인물들의 처리와 비교해 왔다.[9]
4. '파라우 아피 (What News?)'
1892년에 완성된 ''파라우 아피''는 ''해변의 타히티 여인들''의 변형된 복제품이다. 고갱은 ''파라우 아피''가 팔렸을 때 격분했다고 전해지는데, 이는 이 작품이 그에게 ''해변의 타히티 여인들''이 얼마나 중요했는지를 강조한다.[10]
''파라우 아피''는 ''해변의 타히티 여인들''과 거의 모든 요소를 동일하게 포함하지만, 몇 가지 수정 사항이 있다. 고갱은 선교사 복장을 줄무늬 ''파레우''로 바꿨고, 황토색은 진한 노란색으로 대체했다. 가장 중요한 것은 그림 오른쪽 상단에 나무 기둥을 추가하여, 여성들이 해변이 아닌 전통적인 타히티 베란다에 앉아 있다는 증거를 제시한다는 점이다.[9]
''파라우 아피''는 현재 독일 드레스덴의 국립 드레스덴 미술관(Staatliche Kunstsammlungen Dresden)에 전시되어 있다.[14]
5. 비판적 시각
이 작품은 유럽의 아름다움과 낙원에 대한 개념에 도전한다. 고갱은 두 명의 타히티 여성을 묘사하면서, 그들의 짙은 호박색 피부와 강력한 체격, 양성적인 인물 묘사를 통해 기존의 관념에 도전한다.[2] 여성들의 얼굴은 가면과 비슷하게 표현되어, 그림을 초상화에서 장르화로 전환시킨다.[10]
고갱은 타히티 여성들의 침묵과 반영을 통해 유럽의 낙원 개념에 도전하고 그 뒤에 숨겨진 미스터리를 드러낸다. 그는 "왜 이 사람들이 몇 시간, 며칠 동안 움직이지 않고 앉아 하늘을 바라볼 수 있는지 이해할 수 없다"라고 말하며, 이 새로운 세계, 특히 그 침묵에 당황했다.[2]
구도상으로도 이 그림은 당시의 관습에서 벗어난다. 고갱은 두 인물을 캔버스 공간에 밀어 넣었지만, 그들은 서로 완전히 독립적이다.[11] 미술사학자들은 이 작품의 측면을 마네의 ''해변에서''에 등장하는 인물들의 처리와 비교하기도 한다.[9]
고갱이 사용하는 색상은 주황색, 노란색, 분홍색, 황토색, 짙은 빨간색, 청록색 및 갈색을 포함하며, 장식적이고 패턴과 같은 구조로 배열되어 있다.[10] 그는 종합주의를 사용하여 여성과 그들의 환경에 대한 상징적인 개념을 표현했는데, 이는 구획주의에서 파생된 기법으로, 어두운 선을 사용하여 색상의 평평한 부분을 분리하고 실제 대상의 감각을 줄여 상징적인 시에 집중한다.[8]
이 작품은 오랫동안 유럽 문명의 "억압성"에 대한 고갱의 반작용으로 묘사되었지만,[12] 최근 미술사학자들은 이 작품을 원주민에 대한 식민주의적 제국주의의 반영으로 비판하며, 원주민의 "야만성"을 착취했다고 주장한다.[13]
6. 갤러리
6. 1. 고갱의 타히티 첫 번째 여행의 그림
이 그림은 화가가 타히티에 처음 방문한 기간(1891–1893)의 마지막 무렵에 제작되었다. 고갱은 유럽의 물질주의에서 벗어나 "황홀경, 평온, 예술"을 찾아 프랑스 식민지로 여행을 떠났다.[3] 이러한 생각은 그가 반 고흐에게 보낸 편지에서 "나 자신에게도 있는 야만성"이라고 묘사한 것과 일치한다.[4] 프랑스의 식민지적 영향이 어느 정도 이러한 특성들을 퇴색시켰지만,[5] 고갱은 그럼에도 불구하고 많은 작품을 제작했으며, 이 작품은 더 큰 연작의 일부로 제작되었다. 오늘날 미술사학자들은 이 작품들을 고갱의 상징주의, 종합주의, 원시주의 양식과 연관시킨다.[6] 이 작품들은 이상적이고 오염되지 않은 에덴에서 원주민(거의 모두 여성)을 묘사한다.[7]이 작품들은 고갱의 경력의 중간 시점에 속하며, 타히티를 주제로 하지만, 관찰에 덜 집중하고 상징적이고 초자연적인 면에 더 집중하는 그의 후기 작품, 예를 들어 ''우리는 어디에서 왔는가? 우리는 무엇인가? 우리는 어디로 가는가?''와 비교했을 때 현실감이 더 잘 나타난다.[8] ''해변의 타히티 여인들''은 결국 고갱의 친구이자 가장 큰 후원자인 에드가 드가의 제안에 따라 고갱에 의해 파리로 보내져 폴 뒤랑 뤼엘에게 전시되었다.[4]
1892년에 완성된 ''파라우 아피''는 ''해변의 타히티 여인들''의 변형된 복제품이다. 고갱은 ''파라우 아피''가 팔렸을 때 격분했다고 전해지며, 이 작품은 그에게 ''해변의 타히티 여인들''이 얼마나 중요했는지를 강조한다.[10] 이 그림은 거의 모든 동일한 요소를 포함하지만, 여러 가지 수정 사항이 있다. 고갱은 선교사 복장을 줄무늬 ''파레우''로 바꿨다. 황토색은 진한 노란색으로 대체되었다. 하지만 가장 중요한 것은 그림 오른쪽 상단에 나무 기둥을 추가하여, 실제로 여성들이 해변이 아닌 전통적인 타히티 베란다에 앉아 있다는 추가적인 증거를 제공한다는 것이다.[9] ''파라우 아피''는 현재 독일 드레스덴의 국립 드레스덴 미술관(Staatliche Kunstsammlungen Dresden)에 전시되어 있다.[14]
참조
[1]
웹사이트
Femmes de Tahiti
https://www.musee-or[...]
musée d'Orsay
2022-07-19
[2]
서적
Gauguin Tahiti
MFA Publications
[3]
웹사이트
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https://www.musee-or[...]
2023-11-12
[4]
서적
Post-impressionist masterpieces from the musée d'orsay.
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[5]
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2023-11-15
[6]
간행물
1886–91 Cloisonism, Synthetism and Symbolism
1982
[7]
간행물
Gauguin's 'Philosophical Eve'
1973
[8]
서적
Nineteenth-Century European Art
Prentice Hall
[9]
서적
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National Gallery of Art; Art Institute of Chicago
[10]
서적
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[11]
서적
Gauguin : artist as alchemist
The Art Institute of Chicago
[12]
간행물
Primitivism and Empire: John Synge and Paul Gauguin
https://www.jstor.or[...]
1989
[13]
간행물
The Trial of Paul Gauguin
https://www.jstor.or[...]
2018
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웹사이트
Art from the Romantic period to the present day
https://albertinum.s[...]
2023-11-18
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