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희비극

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목차

1. 개요

희비극은 비극과 희극의 요소를 혼합한 장르로, 고대 그리스 시대부터 르네상스 시대를 거쳐 현대까지 다양한 형태로 나타났다. 고대에는 명확한 정의가 없었으나, 로마 작가 플라우투스가 용어를 만들고, 아리스토텔레스의 시학이 영향을 미쳤다. 르네상스 시대에는 이탈리아의 지랄디와 구아리니가 희비극을 독립된 장르로 발전시키는 데 기여했으며, 영국에서는 셰익스피어 작품을 포함한 로맨틱 연극이 희비극으로 불리기도 했다. 현대에는 레싱, 피란델로 등을 거쳐 부조리극, 메타모더니즘 등 다양한 형태로 나타나며, 영화, 드라마 등 대중문화에서도 널리 활용된다.

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희비극
지도 정보
기본 정보
장르드라마
설명비극과 희극의 요소를 혼합한 극 또는 문학 장르
특징
특징심각하고 슬픈 사건과 가볍고 재미있는 사건의 혼합
긴장과 이완의 반복
어두운 유머, 아이러니, 풍자 등의 표현 기법 사용
해피엔딩이 아닌 모호한 결말
주인공의 고뇌와 성장을 다룸
역사
기원고대 그리스 시대 희극에서 기원
발전19세기 말에 새로운 연극 장르로 발전
20세기 현대 연극에 큰 영향
대표 작품
연극갈매기 (안톤 체호프)
벚꽃 동산 (안톤 체호프)
햄릿 (윌리엄 셰익스피어)
실수연발 (윌리엄 셰익스피어)
겨울 이야기 (윌리엄 셰익스피어)
사랑에는 거짓이 없다 (토르튼 와일더)
고도를 기다리며 (사무엘 베케트)
코뿔소 (외젠 이오네스코)
유리 동물원 (테네시 윌리엄스)
문학돈키호테 (미겔 데 세르반테스)
테레사 라캥 (에밀 졸라)
제9장 (에드나 오브라이언)
슬픔과 축복 (이언 맥큐언)
관련 용어
유사 장르블랙 코미디
멜로드라마
관련 개념페이소스
기타
참고비극
희극
드라마

2. 역사

"희비극"이라는 단어는 플라우투스가 그의 희곡 ''암피트리온''의 서문에서 다소 농담 삼아 만든 용어(''tragicomoedia'' in Latin)에서 유래한다.[3] 등장인물 수은(Mercury)은 희극에 왕과 신이 하인들과 함께 등장하는 것은 부적절하다고 느끼며, 이 희곡을 "희비극"으로 하는 것이 더 낫다고 선언한다.[4]

고대 그리스 시대에는 희비극에 대한 명확한 정의가 없었다. 아리스토텔레스는 그의 저서 ''시학''에서 이중 결말을 가진 비극을 논하며, 르네상스 시대의 희비극 개념, 즉 행복한 결말을 가진 진지한 이야기와 비슷한 개념을 염두에 두었던 것으로 보인다.[2] ''알케스티스''와 같은 여러 그리스 및 로마 희곡들을 희비극이라고 부를 수 있지만, 줄거리 외에는 명확한 속성이 없다.

16세기 중반 이탈리아에서 희비극을 고정된 규칙을 지닌 장르로 발전시키는 데 기여한 두 인물이 있다. 첫 번째는 극작가 조반니 바티스타 지랄디 친치오(Giovanni Battista Giraldi Cinthio)이다. 그는 로마 코미디와 비극을 모델로 한 극에 관한 논문을 발표했는데, 이는 당시 이탈리아 극작가들의 모델이 된 초기 그리스 기반 논문과는 다른 것이었다. 그는 비극적인 이야기를 행복하거나 희극적인 결말로 맺는 비극(tragedia a lieto fine)이 불행한 결말로 끝나는 비극보다 무대 공연에 더 적합하다고 주장했다.[5]

더 중요한 인물은 조반니 바티스타 구아리니(Giovanni Battista Guarini)이다. 1590년에 출판된 그의 ''파스토르 피도(Il Pastor Fido)''는 격렬한 논쟁을 불러일으켰지만, 구아리니의 장르 혁신에 대한 열정적인 옹호는 결국 승리했다. 구아리니의 희비극은 희극이나 비극으로 치우치지 않는 적절한 행동, 젠체하는 인물, 목가적인 배경을 제시했으며, 이 세 가지는 이후 1세기 이상 동안 대륙 희비극의 주요 요소가 되었다.

잉글랜드에서는 이론보다 실제 작품이 앞섰다. 16세기 "희비극"은 필립 시드니(Philip Sidney)가 1580년대 "잡종 희비극(mungrell Tragy-comedie)"이라 비판했던, 시간, 장소, 행동의 통일성을 무시하고 고귀한 인물과 평민을 섞고, 환상적인 행동을 보여주는 잉글랜드 고유의 로맨틱한 연극을 의미했다.

초기 스튜어트 시대에 일부 잉글랜드 극작가들은 과리니 논쟁의 교훈을 받아들였다. 존 플레처의 ''충실한 목녀(The Faithful Shepherdess)''는 과리니의 희극을 각색한 작품으로 1608년에 공연되었다. 플레처는 인쇄본에서 "비극희극은 즐거움과 죽음과 관련하여 그렇게 불리는 것이 아니라, 죽음이 없다는 점에서 비극이 아니고, 그럼에도 불구하고 죽음에 가까운 요소를 가지고 있어 희극도 아닙니다."라고 정의했다. 필립 매싱거(Philip Massinger)[6]와 제임스 셜리(James Shirley)[7]는 인기 있는 희비극을 썼다.

희비극은 1642년 극장 폐쇄까지 상당히 인기를 유지했고, 플레처의 작품들은 복고 시대에도 인기가 있었다. 18세기에 취향이 바뀌면서 옛 스타일은 버려졌다. "행복한 결말을 가진 비극"은 결국 멜로드라마로 발전했다.

르네상스 이후 발전된 비평은 줄거리보다는 희비극의 주제와 형식적 측면을 강조했다. 고틀리프 에프라임 레싱은 희비극을 "진지함이 웃음을 자극하고, 고통이 즐거움을 준다"는 혼합된 감정으로 정의했다.[8]

희비극과 풍자 및 "어두운" 희극과의 유사성은 루이지 피란델로를 포함한 많은 극작가들에게 영향을 미친 현대 연극에서 희비극적 충동을 시사했는데, 여기에는 사뮤엘 베케트와 톰 스토파드도 포함된다.[9] 또한 부조리극에서도 볼 수 있다. 스위스 극작가인 프리드리히 뒤렌마트는 희비극이 20세기를 위한 필연적인 장르라고 제안했다. 그는 자신의 희곡 ''방문''(1956)을 희비극으로 묘사한다. 희비극은 제2차 세계 대전 이후 영국 연극에서 흔한 장르이며, 사뮤엘 베케트, 톰 스토파드, 존 아든, 앨런 에이크번 및 해롤드 핀터와 같이 다양한 작가들이 이 장르로 작품을 쓰고 있다.

2. 1. 고대

고대 그리스 시대에는 희비극에 대한 간결하고 공식적인 정의가 없다. 그리스 철학자 아리스토텔레스는 그의 저서 ''시학''에서 이중 결말을 가진 비극을 논하며, 르네상스 시대의 희비극 의미(즉, 행복한 결말을 가진 진지한 이야기)와 비슷한 개념을 염두에 두었던 것으로 보인다.[2] 이러한 측면에서 ''알케스티스''와 같은 여러 그리스 및 로마 희곡들을 희비극이라고 부를 수 있지만, 줄거리 외에는 명확한 속성이 없다. '희비극'이라는 단어 자체는 로마 희극 작가 플라우투스가 그의 희곡 ''암피트리온''의 서문에서 다소 농담 삼아 만든 용어(''tragicomoedia'' in Latin)에서 유래한다.[3] 수은(Mercury)이라는 등장인물은 희극에 왕과 신이 하인들과 함께 등장하는 것은 부적절하다고 느끼며, 이 희곡을 "희비극"으로 하는 것이 더 낫다고 선언한다.[4]

2. 2. 르네상스 시대의 부흥

고대에는 "희비극"에 대한 완전하고 공식적인 정의가 존재하지 않았다. 아리스토텔레스는 『시학』에서 이중 결말을 가진 비극을 논할 때, 르네상스 시대의 "희비극"과 비슷한 것을 염두에 두었던 것으로 보인다.[17] 이 점에서, 『알케스티스』와 같은 고대 그리스·로마 연극의 많은 작품을 희비극이라고 부를 수도 있지만, 줄거리를 제외하면 명확한 특징은 가지고 있지 않다. "희비극"이라는 말은 플라우투스가 『암피트리온』의 프롤로그에서 신들을 속물적인 연극에 등장시키는 것을 변명하는 데 사용하면서 기원했다.

2. 2. 1. 이탈리아

16세기 중반 이탈리아에서 희비극을 고정된 규칙을 지닌 장르로 발전시키는 데 기여한 두 인물이 있다. 첫 번째는 극작가 조반니 바티스타 지랄디 친치오(Giovanni Battista Giraldi Cinthio)이다. 그는 로마 코미디와 비극을 모델로 한 극에 관한 논문을 발표했는데, 이는 당시 이탈리아 극작가들의 모델이 된 초기 그리스 기반 논문과는 다른 것이었다. 그는 비극적인 이야기를 행복하거나 희극적인 결말로 맺는 비극(tragedia a lieto fine)이 불행한 결말로 끝나는 비극보다 무대 공연에 더 적합하다고 주장했다.[5]

더 중요한 인물은 조반니 바티스타 구아리니(Giovanni Battista Guarini)이다. 1590년에 출판된 그의 ''파스토르 피도(Il Pastor Fido)''는 격렬한 비평 논쟁을 불러일으켰지만, 구아리니의 장르 혁신에 대한 열정적인 옹호는 결국 승리했다. 구아리니의 희비극은 희극이나 비극으로 치우치지 않는 적절한 행동, 젠체하는 인물, 목가적인 배경을 제시했으며, 이 세 가지는 이후 1세기 이상 동안 대륙 희비극의 주요 요소가 되었다.

2. 2. 2. 잉글랜드

잉글랜드에서는 이론보다 실제 작품이 앞섰다. 16세기 "희비극"은 잉글랜드 고유의 로맨틱한 연극을 의미했는데, 필립 시드니(Philip Sidney)가 1580년대 "잡종 희비극(mungrell Tragy-comedie)"이라 비판했던 특징들, 즉 시간, 장소, 행동의 통일성을 무시하고 고귀한 인물과 평민을 섞고, 환상적인 행동을 보여주는 것들이었다. 폴로니우스(Polonius)는 "세상에서 가장 뛰어난 배우들은 비극, 희극, 역사극, 목가극, 목가희극, 역사목가극, 비극역사극, 비극희극역사목가극, 장면이 구분되는 극 또는 무제한의 시에 모두 능숙합니다. 세네카(Seneca)는 너무 무겁지 않을 수 없고, 플라우투스(Plautus)는 너무 가볍지 않을 수 없습니다. 규칙과 자유에 대한 법칙이 바로 이들이 유일하게 따르는 것입니다."라고 증언한다. 셰익스피어의 희극과 비극의 경계를 넘나드는 후기 작품들은 종종 로맨스라고 불린다.

초기 스튜어트 시대에 일부 잉글랜드 극작가들은 과리니 논쟁의 교훈을 받아들였다. 존 플레처의 ''충실한 목녀(The Faithful Shepherdess)''는 과리니의 희극을 각색한 작품으로 1608년에 공연되었다. 플레처는 인쇄본에서 "비극희극은 즐거움과 죽음과 관련하여 그렇게 불리는 것이 아니라, 죽음이 없다는 점에서 비극이 아니고, 그럼에도 불구하고 죽음에 가까운 요소를 가지고 있어 희극도 아닙니다."라고 정의했다. 유진 웨이스(Eugene Waith)는 플레처가 이후 발전시킨 희비극은 갑작스럽고 예상치 못한 계시, 기이한 줄거리, 먼 지역, 정교하고 인위적인 수사에 대한 지속적인 초점과 같은 문체적 특징을 가지고 있었다고 밝혔다.

필립 매싱거(Philip Massinger)[6]와 제임스 셜리(James Shirley)[7]는 인기 있는 희비극을 썼다. 리처드 브롬(Richard Brome)도 이 형식을 시도했지만 성공적이지 못했다. 존 포드, 로도윅 카렐(Lodowick Carlell), 애스턴 콕케인(Aston Cockayne) 등 많은 동시대 작가들이 이 장르에 도전했다.

희비극은 1642년 극장 폐쇄까지 상당히 인기를 유지했고, 플레처의 작품들은 복고 시대에도 인기가 있었다. 18세기에 취향이 바뀌면서 옛 스타일은 버려졌다. "행복한 결말을 가진 비극"은 결국 멜로드라마로 발전했다.

2. 3. 르네상스 이후의 발전

르네상스 이후 발전된 비평은 줄거리보다는 희비극의 주제와 형식적 측면을 강조했다. 고틀리프 에프라임 레싱은 희비극을 "진지함이 웃음을 자극하고, 고통이 즐거움을 준다"는 혼합된 감정으로 정의했다.[8] 희비극이 풍자와 "어두운" 희극과의 유사성은 루이지 피란델로를 포함한 많은 극작가들에게 영향을 미친 현대 연극에서 희비극적 충동을 시사했는데, 여기에는 사뮤엘 베케트와 톰 스토파드도 포함된다.[9] 또한 부조리극에서도 볼 수 있다. 스위스 극작가인 프리드리히 뒤렌마트는 희비극이 20세기를 위한 필연적인 장르라고 제안했다. 그는 자신의 희곡 ''방문''(1956)을 희비극으로 묘사한다. 희비극은 제2차 세계 대전 이후 영국 연극에서 흔한 장르이며, 사뮤엘 베케트, 톰 스토파드, 존 아든, 앨런 에이크번 및 해롤드 핀터와 같이 다양한 작가들이 이 장르로 작품을 쓰고 있다. 블라디미르 나보코프의 1962년 후기 모더니즘 소설 ''희미한 불''은 엘리자베스 시대 희곡에 사로잡힌 희비극이다.[10]

3. 현대의 희비극

르네상스 이후 형식보다 주제에 무게를 두는 비평이 발전했다. 고트홀트 에프라임 레싱은 희비극을 "진지함이 웃음을 자아내고, 고통이 기쁨을 자아내는" 감정의 혼합물로 정의했다.

풍자나 다크 코미디와 희비극의 연관성은 현대 부조리 연극에 희비극의 영향이 강하다는 것을 암시한다. 스위스의 부조리 연극 작가 프리드리히 뒤렌마트는 희비극이 20세기에는 필연적인 장르라고 지적했다. 실제로 희비극은 제2차 세계 대전 이후 영국 연극에서 흔한 장르이며, 사뮤엘 베케트, 톰 스토파드, 존 아든(John Arden), 앨런 에이크번(Alan Ayckbourn), 해롤드 핀터 등 다양한 작가들이 희비극을 쓰고 있다.

3. 1. 주요 작품 예시

(요약 및 참조할 원문 소스가 제공되지 않았으므로, '주요 작품 예시' 섹션에 대한 내용을 작성할 수 없습니다.)

참조

[1] 서적 '"Aristotle and Tragicomedy." Early Modern Tragicomedy' https://books.google[...] Brewer 2012-01-26
[2] 서적 Poetics: XIII, End of 2nd paragraph
[3] 서적 The Name and Nature of Tragicomedy Ashgate
[4] 서적 '"Amphitryon." Qtd. in Introduction to Early Modern Tragicomedy' https://books.google[...] DS Brewer
[5] 논문 The Reception of Ancient Drama in Renaissance Italy https://sites.lsa.um[...] Wiley Blackwell
[6] 학술지 The Self and the Other in Philip Massinger's "The Renegado, the Gentleman of Venice": A Structural View 2019-01-01
[7] 서적 Caroline tragedy http://dx.doi.org/10[...] Manchester University Press 2019-02-25
[8] 학술지 Barbara Fischer / Thomas C. Fox, A Companion to the Works of Gotthold Ephraim Lessing. 2005
[9] 서적 Samuel Beckett's Media Plays http://dx.doi.org/10[...] University of Toronto Press 1998-01-31
[10] 학술지 The Ideology of Restoration Tragicomedy http://dx.doi.org/10[...] 1984
[11] 웹사이트 Infinite Wallace: Tragedy, Comedy, and Faith in the Life of David Foster Wallace https://www.thepubli[...] 2015-12-11
[12] 웹사이트 Pablo Berger Me he pasado a la animación porque me enamoré de Robot Dreams https://www.rtve.es/[...] 2021-10-03
[13] 웹사이트 Life Is Beautiful https://variety.com/[...] 1998-01-04
[14] 웹사이트 Memoir of a Snail movie review (2024) Roger Ebert https://www.rogerebe[...]
[15] 웹사이트 The Best Tragicomedies To Watch In These Amusingly Dire Times https://www.esquire.[...] 2020-08-02
[16] 잡지 The Brilliant, Biting Social Satire of "The White Lotus" https://www.newyorke[...] 2021-07-21
[17] 서적 詩学 第13章1453a
[18] 서적 ハムレット 第2幕第2場 ポローニアス


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