Interstellar Space

1. 개요

Interstellar Space는 존 콜트레인과 드러머 라시드 알리가 1967년에 녹음한 4개의 곡으로 구성된 듀엣 모음곡이다. 이 앨범은 최소한의 계획으로 진행되었으며, 콜트레인은 알리와의 즉흥 연주를 통해 음악적 탐구를 시도했다. 앨범은 화성, 금성, 목성, 토성 등 우주의 천체 이름을 딴 곡들로 구성되어 있으며, CD 재발매반에는 보너스 트랙으로 사자자리와 목성 변주곡이 추가되었다. 평론가들은 이 앨범의 실험적인 성격과 콜트레인의 즉흥 연주 능력을 높이 평가했으며, 후대 음악가들에게도 영향을 미쳤다.

2. 구성

Interstellar Space는 드러머 라시드 알리(Rashied Ali)와 함께 연주한 4부분으로 구성된 확장된 듀엣 모음곡으로, 1967년 2월 22일 뉴저지주 잉글우드 클리프스에 있는 반 겔더 스튜디오(Van Gelder Studio)에서 녹음되었다. 이 녹음은 Stellar Regions 앨범의 세션(트랙 "Offering" 포함, 이 곡은 앨범 Expression에도 수록됨)이 있은 지 일주일 후, 그리고 Expression 앨범에 수록된 "Ogunde"와 "Number One" 트랙을 녹음한 세션으로부터 약 2주 전에 이루어졌다.

Stellar Regions와 Interstellar Space의 자료 사이에는 일부 유사성이 발견된다. 예를 들어, "Venus"는 Stellar Regions의 타이틀 트랙과 동일한 멜로디를 공유하며, "Mars"는 "Iris"로 알려진 멜로디를 인용하고 음표 선택과 연주 방식에서 유사점을 보인다.

음악 평론가 프랜시스 데이비스(Francis Davis)는 이 앨범의 구성에 대해 다음과 같이 언급했다.

피아노와 베이스는 콜트레인의 쿼텟 마지막 날에 잔류하게 되었고, 그는 근본적인 화음의 구실을 포기하고 엘빈 존스(Elvin Jones)와 일대일로 붙는 순간을 위해 스스로를 준비했다. 라시드 알리(Rashied Ali)와의 이 듀엣은 거기서 시작되었고, 간결한 작곡 지침은 강도를 높이기만 했다.

작가 벤 래틀리프(Ben Ratliff)에 따르면, Interstellar Space의 녹음은 "최소한으로 계획되었으며", 알리에게는 루디 반 겔더(Rudy Van Gelder) 스튜디오로 가는 평범한 방문처럼 느껴졌다. 알리는 친구 지미 바스와 함께 도착하여 다른 밴드 멤버들을 만날 것으로 예상했지만, 스튜디오에는 콜트레인 외에는 아무도 없었다. 래틀리프는 당시 콜트레인과 알리 사이의 대화를 다음과 같이 전했다.

"아무도 안 오는 거야?" [알리]가 바스에게 말했다. 곧 콜트레인이 도착했다.

"아무도 안 오는 거야?" 그가 콜트레인에게 말했다.

"아니, 너랑 나 뿐이야."

"우리 뭐 연주할 거야? 빠를 거야? 느릴 거야?"

"네가 원하는 대로. 자, 어서. 종을 좀 칠게. 8마디 인트로를 할 수 있어."

래틀리프는 "그들은 한 번의 테이크로 음반을 녹음했다. 알리는 완전히 편안하지 않았고, 모든 것이 갑작스러웠다고 말한다. 그는 만약 준비가 되어 있었다면 더 잘할 수 있었을 것이라고 여전히 느낀다"고 덧붙였다. 라시드 알리는 나중에 이 녹음에 대해 "그 음악이 어디로 향하고 있었는지 거의 알 수 있다. 그는 그것을 파악하고 있었다. 그것은 그가 어디로 가고 있었는지 정말로 보여주었다. 그 레코드 [Interstellar Space]는 그가 했던 마지막 작업 중 하나였다. 그것은 정말로 듣고 느껴야 하는 것이다. 음악가들은 이제 막 이런 종류의 연주를 살펴보기 시작했다"고 회상했다.

참여 음악가는 다음과 같다.
*존 콜트레인 – 테너 색소폰, 벨
*라시드 알리 – 드럼

2.1. 곡 목록

모든 곡은 존 콜트레인이 작곡했다.

오리지널 LP는 사이드 1과 사이드 2로 구성되었으며, CD 재발매반에는 보너스 트랙이 추가되었다. CD 버전에서는 기존 LP의 사이드 1과 2에 해당하는 곡들이 트랙 1번부터 4번까지로 통합되었다.

2.1.1. 사이드 원

모든 곡은 존 콜트레인이 작곡했다.

2.1.2. 사이드 투

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3. 음악적 특징

Interstellar Space는 드러머 라시드 알리(Rashied Ali)와 함께 연주한 4부분으로 구성된 확장된 듀엣 모음곡이다. 앨범은 1967년 2월 22일 반 겔더 스튜디오(Van Gelder Studio)에서 녹음되었는데, 이는 Stellar Regions 앨범 세션 이후 일주일 만이며, Expression 앨범의 일부 트랙 녹음보다는 약 2주 앞선 시점이다. 이 시기 존 콜트레인은 기존 쿼텟의 리듬 섹션(피아노, 베이스) 없이 드러머와 직접 상호작용하는 형식을 탐구하고 있었으며, 알리와의 듀엣은 이러한 음악적 방향을 보여준다.

앨범의 일부 트랙은 콜트레인의 다른 작업과 연관성을 보인다. 예를 들어, 수록곡 "Venus"는 Stellar Regions 앨범의 타이틀 트랙과 동일한 멜로디를 공유하며, "Mars"는 "Iris"로 알려진 멜로디를 인용하는 등 음표 선택과 연주 방식에서 유사점이 나타난다.

오리지널 앨범은 "Mars", "Venus", "Jupiter", "Saturn" 네 곡으로 구성되었으나, 세션에서 녹음된 추가 트랙 "Leo"와 "Jupiter Variation"은 이후 1978년 컴필레이션 앨범 Jupiter Variation을 통해 공개되었다. 2000년 CD 재발행본에는 세션의 모든 녹음이 수록되었다.

3.1. 즉흥 연주와 형식

프랜시스 데이비스(Francis Davis)는 존 콜트레인이 피아노와 베이스 없이 라시드 알리(Rashied Ali)와의 듀엣을 위해 "근본적인 화음의 구실을 포기하고 엘빈 존스(Elvin Jones)와 일대일로 붙는 순간을 위해 스스로를 준비했다"고 언급하며, 알리와의 듀엣은 이러한 준비에서 시작되었고 "간결한 작곡 지침은 강도를 높이기만 했다"고 평가했다.

벤 래틀리프(Ben Ratliff)에 따르면, Interstellar Space의 녹음은 "최소한으로 계획되었다". 알리에게는 루디 반 겔더(Rudy Van Gelder)의 반 겔더 스튜디오(Van Gelder Studio) 방문이 평소와 같은 세션일 것으로 예상했지만, 스튜디오에는 콜트레인 외에 다른 연주자가 없었다. 래틀리프는 당시 콜트레인과 알리 사이의 대화를 다음과 같이 전한다.

"아무도 안 오는 거야?" [알리]가 (함께 온 친구 지미) 바스에게 말했다. 곧 콜트레인이 도착했다.

"아무도 안 오는 거야?" 그가 콜트레인에게 말했다.

"아니, 너랑 나 뿐이야."

"우리 뭐 연주할 거야? 빠를 거야? 느릴 거야?"

"네가 원하는 대로. 자, 어서. 종을 좀 칠게. 8마디 인트로를 할 수 있어."

이처럼 즉흥적인 상황에서 녹음은 한 번에 진행되었다. 알리는 당시 "마음이 완전히 편하지 않았고", 모든 것이 갑작스러웠으며 "준비가 되었다면 더 잘 할 수 있었을 것"이라고 여전히 느낀다고 래틀리프는 전했다. 그럼에도 알리는 나중에 이 녹음에 대해 "그 음악이 어디로 향하고 있었는지 거의 알 수 있다. 그는 그것을 파악하고 있었다. 그것은 그가 어디로 향하고 있었는지 정말로 말해 주었다"고 회상하며, 콜트레인의 음악적 방향성을 보여주는 중요한 작업이었음을 시사했다. 그는 이 앨범이 콜트레인의 마지막 작업 중 하나였으며, "음악가들은 이제 이런 종류의 연주를 살펴보기 시작했다"고 덧붙였다.

3.2. 종교적, 신비주의적 영향

앨범 Interstellar Space의 트랙 제목은 태양계의 행성 이름과 황도12궁의 별자리 이름에서 영감을 받은 것으로 보인다. 이는 존 콜트레인의 우주와 영적인 탐구에 대한 관심을 반영하는 것으로 해석될 수 있다. 오리지널 앨범에는 "Mars", "Venus", "Jupiter", "Saturn" 4개의 트랙이 수록되었고, 세션에서 녹음된 다른 두 트랙 "Leo"와 "Jupiter Variation"은 1978년 컴필레이션 앨범 Jupiter Variation에 포함되어 공개되었다.

녹음 당시 세션 시트에는 일부 트랙이 다른 이름으로 기록되기도 했다. 예를 들어 "Mars"는 "C Major"로, "Venus"는 "Dream Chant"로 표기되었다. 특히 "Venus"는 앨범 Stellar Regions의 타이틀 트랙과 동일한 멜로디를 공유한다.

다음은 앨범 및 관련 컴필레이션에 수록된 트랙과 세션 시트에서의 제목을 정리한 표이다.

이러한 제목들은 콜트레인이 음악을 통해 우주적, 정신적 영역을 탐험하려 했음을 시사한다. 비록 라시드 알리(Rashied Ali)와의 듀엣 녹음이 최소한의 계획하에 즉흥적으로 이루어졌고, 알리 자신도 완전히 준비되지 않은 상태였다고 회상했지만, 이 세션의 결과물은 콜트레인의 음악적 방향성을 보여주는 중요한 기록으로 평가받는다.

3.3. 기술적 측면

Interstellar Space는 존 콜트레인이 드러머 라시드 알리(Rashied Ali)와 함께 연주한 확장된 듀엣 모음곡 형식의 앨범이다. 프랜시스 데이비스(Francis Davis)는 콜트레인이 이 시기에 기존 쿼텟의 피아노와 베이스 반주, 즉 근본적인 화음 구조에서 벗어나 드러머와 직접적으로 상호작용하는 방식을 모색했다고 분석했다. 알리와의 듀엣은 이러한 탐구의 연장선상에 있으며, 최소한의 작곡 지침만이 주어진 상태에서 연주의 강렬함이 더해졌다고 평가했다.

벤 래틀리프(Ben Ratliff)에 따르면, Interstellar Space의 녹음은 "최소한으로 계획되었다". 알리는 녹음 당일 반 겔더 스튜디오(Van Gelder Studio)에 도착했을 때 다른 밴드 멤버들이 있을 것으로 예상했지만, 콜트레인 외에는 아무도 없었다고 회상했다. 당시 대화는 다음과 같이 전해진다.

: 알리: "아무도 안 오는 거야?"
: 콜트레인: "아니, 너랑 나 뿐이야."
: 알리: "우리 뭐 연주할 거야? 빠를 거야? 느릴 거야?"
: 콜트레인: "네가 원하는 대로. 자, 어서. 종을 좀 칠게. 8마디 인트로를 할 수 있어."

래틀리프는 이들이 한 번의 세션으로 앨범 전체를 녹음했으며, 알리는 당시 상황에 완전히 편안함을 느끼지는 못했고 갑작스럽게 진행되었다고 느꼈다고 전했다. 알리 자신도 준비가 더 되었다면 더 나은 연주를 할 수 있었을 것이라고 생각했다. 그럼에도 불구하고 알리는 나중에 이 녹음에 대해 "그 음악이 어디로 향하고 있었는지 거의 알 수 있다. 그는 그것을 파악하고 있었다. 그것은 그가 어디로 향하고 있었는지 정말로 말해 주었다"고 평가하며, 콜트레인의 음악적 방향성을 보여주는 중요한 작업으로 언급했다.

4. 평가

Interstellar Space는 발매 이후 여러 음악 평론 매체로부터 주목을 받았으며, 대체로 긍정적인 평가를 얻었다. 주요 매체들의 평점은 다음과 같다.

이 앨범은 콜트레인의 후기 음악 스타일과 영적인 탐구를 이해하는 데 중요한 작품으로 여겨지지만, 동시에 실험적인 성격으로 인해 감상에 집중을 요한다는 평가를 받는다.

4.1. 긍정적 평가

Interstellar Space는 1974년 9월 임펄스! 레코드에서 발매된 이후 여러 매체와 평론가로부터 주목할 만한 평가를 받았다.

음악 저널리스트 스티븐 데이비스는 발매 당시 롤링 스톤 리뷰에서 이 음반을 "분명히 놀라운" 작품으로 평가했다. 그는 드러머 라시드 알리가 콜트레인의 신비로운 아이디어를 완벽하게 보완한다고 보았다. 데이비스는 "그는 트레인이 뿜어내는 끊임없는 에너지의 분출을 터무니없이 되돌려주고, 그 결과 알리가 테너가 노트의 소나기로 폭발하는 지하의 울림을 제공하는 두 사람의 화산 활동이 벌어진다"고 묘사했다. 로버트 크리스가우는 더 빌리지 보이스 칼럼에서 듀엣 형식에 놀라움을 표하며, "주의를 기울이기 전까지는 짜증나게 들리지만, 집중하기 시작하면 상호 작용은 속도와 형태를 갖추며, 탐구되는 음악적 아이디어와는 거의 관련이 없는 비유적 뉘앙스를 띤다"고 적었다.

Interstellar Space의 확장된 CD 재발매에 대한 리뷰에서, 올뮤직의 스콧 야노우는 이 앨범을 "다소 접근하기 어렵지만 흥미로운 음악"으로 평가하며, 전통적인 재즈 반주 없이 즉흥 연주하는 콜트레인의 뛰어난 재능을 보여주는 변혁적이고 감정적인 듀엣이라고 설명했다. 타이니 믹스 테이프스는 이 "격렬한 프리 재즈 성찰"이 콜트레인의 다른 대표작인 자이언트 스텝스(1960)나 어 러브 수프림(1965)만큼 중요하지는 않을 수 있지만, 멀티포닉, 오버톤 사운드, 알티시모 음역에 대한 그의 이해와 숙련도를 포함하여 콜트레인의 영적이고 스타일적인 성장을 더 잘 보여준다고 평가했다. 다운 비트 잡지는 Interstellar Space가 콜트레인이 그의 더 영적인 음악에 적용한 형식적 원리를 가장 잘 보여주는 앨범이라고 언급했다. 올 어바웃 재즈의 데릭 테일러는 이 앨범을 엘빈 존스와 같은 드러머들과 함께 녹음했던 이전 듀엣 작품들과는 구별되는, 콜트레인의 가장 중요한 녹음 중 하나로 꼽았다. 그는 알리에 대해 "지상 리듬의 경계를 기꺼이 벗어나 미지의 공간으로 나아갈 의향이 있는 드러머를 찾았다"고 평하며, "이 듀엣을 통해 색소폰 연주자는 자신의 내장을 드러내며, 때로는 신성한 부드러움으로 누그러지는 압도적인 자신감을 뿜어낸다. 알리의 얽히고 설킨 범-리듬 패턴은 음악을 열정적으로 앞으로 밀어내면서 감싸고 포용한다"고 덧붙였다.

벤 래틀리프는 앨범에 대해 "콜트레인은 음악을 지휘하며, 그 사이의 음악이 광란의 상태에 이르더라도, 차분한 상태에서 시작하고 끝낸다. 쇼 비즈니스는 아니며, 심지어 히피 쇼 비즈니스도 아니다. 거의 수도원적인 앨범이다"라고 묘사했다. 그는 각 곡이 콜트레인이 흔드는 종소리로 시작하고 끝나며, "딱딱하고 단편적인 구절에서 흐르는 하강하는 12음계까지 다양한 표현"을 담고 있다고 설명했다. 특히 빠르게 연주되는 부분은 "바닥이 당신 아래에서 떨어지는 듯한 물리적 감각"을 주며, 이는 콜트레인이 아르페지오로 자신을 표현하며 하프에 관심을 갖기 시작한 1958년을 연상시킨다고 언급했다. 그는 이를 "사운드의 시트가 훨씬 더 잘 구현된 것"이라고 평가했다.

에릭 니센슨은 앨범 제목 Interstellar Space가 베이스나 피아노의 중력 없이 콜트레인이 자유롭게 즉흥 연주할 수 있다는 점에서 "완벽하게 적절하다"고 보았다. 그는 '화성', '목성' 등 우주와 관련된 곡 제목들이 인간의 행동과 우주의 흐름을 연결 짓는 점성술에 대한 콜트레인의 관심을 반영한다고 해석했다. 또한 이 음악이 아인슈타인과 현대 물리학 연구에서 얻은 아이디어, 즉 우주가 끊임없이 팽창한다는 개념을 구현한다고 보았다. 그는 "멜로디와 리듬은 화음과 박자의 제약에서 벗어나 마음을 위한 빛의 쇼를 만들어낸다"며, "별들이 폭발하고, 혜성이 광활한 공간을 가로질러 날아가는 것을 볼 수 있으며, 모든 별과 행성의 끊임없이 팽창하는 움직임을 볼 수 있다"고 표현했다. 니센슨은 이 듀엣이 'Countdown'이나 'Vigil' 같은 이전 작품들의 연장선상에 있지만, 라시드 알리의 "엄청난 리듬의 자유로움" 덕분에 콜트레인이 강제로 앞으로 나아가지 않고 리듬적 풍경을 탐험할 수 있게 되었다는 점이 차이라고 지적했다. 그는 콜트레인의 밀집되고 광란적인 연주가 때때로 '사운드 시트' 시대를 떠올리게 하지만, 이 앨범에서 콜트레인은 "순수한 음악적 자유의 영역에 깊이 침투해 들어갔고, 자신의 확립된 스타일의 중요한 요소를 유지하면서 표준적인 서양 음악 이론에서 벗어난 것으로 보인다"고 분석했다.

루이스 포터는 그의 저서 존 콜트레인: 그의 삶과 음악에서 Interstellar Space를 상세히 다루며, 특히 "금성(eng)" 트랙을 분석했다. 그는 "콜트레인의 마지막 작품에서 제시된 소리의 난사로 인해 많은 청취자들이 콜트레인 연주의 웅장한 힘을 알아차리지 못할 수도 있다"고 지적하며, "혼돈스러워 보이는 것은 정반대이다. 콜트레인은 테마에서 즉흥 연주로 원활하게 이어지는 긴 솔로를 만들어냈다. 바로 그가 원했던 것이다. 그리고 즉흥 연주는 추상적인 동기적 아이디어를 탐구하는 데 끊임없이 헌신했다"고 강조했다. 포터는 이 앨범이 "콜트레인의 마지막 음악을 이해하려는 청취자에게 이상적인 시작점"이라고 제안하며, 그 이유로 "그가 무엇을 하고 있는지 듣기가 매우 쉽기 때문"이라고 설명했다. 그는 각 곡이 "테마로 시작하여, 거기에서 벗어나 마지막에 다시 돌아온다"는 구조를 가지며, "모든 곡은 클라이맥스까지 고조된 다음 진정되는 과정을 거쳐 재현으로 이어진다"고 분석했다. 포터는 콜트레인이 이 녹음에서 사용하는 세 가지 주요 기술을 다음과 같이 설명했다: 1) "오케스트라 효과를 만들기 위해" "매우 빠르게 하강하는 스케일을 반복해서 반복한다", 이는 "청취자에게 윗 음이 멜로디이고 스케일이 반주라는 인상을 주고 싶어한다"; 2) "급격하고 극단적인 음역 변화"는 "한 번에 두 개의 활동 라인을 제안하려는 시도"이다; 3) "'똑바로와 거꾸로' - 모양을 변경하고, 위로 올라가고 아래로 내려가고, 같은 리듬 또는 같은 수의 음을 다른 방식으로 사용하여 모티프의 변주를 만든다." 포터는 콜트레인의 연주가 "더 길고 빠른 음의 흐름으로 이동하고, 더 난해하고 명확하게 표현되지 않게 됨에 따라" 패턴이 드러나며, "처음 들었을 때는 훈련되지 않은 음의 확산으로 보였던 것이 실제로 다양한 패턴의 정교함이라는 것을 깨닫기 시작한다"고 언급했다. 그는 "금성"에 대한 논의를 마무리하며, "마지막 몇 년 동안 시끄럽고 소란스러운 음악을 연주했다는 비난을 받은 사람에게 가장 인상적인 것은 속삭임에서 고함에 이르기까지 그의 놀라운 역동성 제어"라고 강조하고, "콜트레인은 코드 변화와 꾸준한 비트의 제한을 포기함으로써, 코러스로 나눌 수 없는 매끄러운 음악적 구성을 만들어내는 데 정확하게 성공했다"고 결론지었다.

작가 토니 와이튼은 Interstellar Space의 트랙들이 "콜트레인의 후기 스타일의 모든 영광을 분명히 보여준다"고 평가하며, "확실한 구조, 꾸준한 맥, 명확한 미터 감각을 제거하면 음악이 열리고 청취자를 위한 친숙한 방향 감각이 제거된다"고 지적했다. 그는 이러한 특징 때문에 음악이 "분명히 즉각적인 감각으로 더 많이 경험되는 시점에 이르게 된다"고 보았다. 와이튼은 Interstellar Space와 같은 녹음이 "제품이 아닌 음악적 과정으로 받아들여지도록 이끈다"며, "이전에 일어난 일을 동화하고 다음에 일어날 일을 예측하는 것이 아니라, 지금 여기서 들어보도록 장려한다"고 설명했다. 그는 이러한 감상 방식이 "음악을 재현하는 정경적 명령에 반한다"고 주장하며, 콜트레인의 음악이 "단일한 의미나 일련의 가치를 전달하는 것이 아니라, 음악이 무엇이 될 수 있는지에 대한 담론을 질문하고 열어주는 역할을 한다"고 해석했다. 와이튼에게 스튜디오는 "조사와 발견의 장소"가 되며, 알리와의 듀엣은 "두 창작 예술가 간의 명확한 실험과 상호 작용을 전달한다." 그는 또한 "녹음을 직접 들을 때 마주하는 강렬함, 에너지, 사운드를 표기법만으로는 포착할 수 없다는 분명한 느낌이 있다"고 강조하며, 음향적 경험으로서 Interstellar Space는 "콜트레인이 사운드에 매료된 이유를 명확히 설명하는 풍부하고 관능적인 품질을 가지고 있다"고 덧붙였다. 그는 이 앨범이 "관능적인 사운드로 청취자를 끌어들이고 녹음이 어떻게 우리 귀를 다른 청취 경험에 열 수 있는지를 보여준다"고 평가했다.

후대의 음악가들에게도 영향을 미쳤는데, 판 소닉 밴드의 미카 바니오는 더 퀴에터스와의 인터뷰에서 이 앨범을 자신이 가장 좋아하는 앨범 중 하나로 꼽았다. GQ의 작가 자크 그레이엄은 이 앨범을 "콜트레인의 가장 끈질기고 접근하기 어려운 앨범"이라고 칭하면서도, 선더캣과 켄드릭 라마 같은 현대 음악가들에게 미친 영향을 언급하며 콜트레인의 가장 영향력 있는 음반 중 하나라고 주장했다.

4.2. 중립적/혼합적 평가

로버트 크리스가우는 더 빌리지 보이스 칼럼에서 이 듀엣에 대해 "주의를 기울이기 전까지는 짜증나게 들리지만, 집중하기 시작하면 상호 작용은 속도와 형태를 갖추며, 탐구되는 음악적 아이디어와는 거의 관련이 없는 비유적 뉘앙스를 띤다"라고 평하며 초기 감상과 집중 후 감상의 차이를 언급했다.

Interstellar Space의 확장된 CD 재발매에 대한 리뷰에서, 올뮤직의 재즈 평론가 스콧 야노우는 이 앨범을 "다소 접근하기 어렵지만 흥미로운 음악"으로 평가하며, 전통적인 재즈 반주 없이 즉흥 연주에 대한 콜트레인의 재능을 보여주는 변혁적이고 감정적인 듀엣이라고 평했다. 타이니 믹스 테이프스는 이 "격렬한 프리 재즈 성찰"이 그의 다른 앨범 자이언트 스텝스(1960)와 어 러브 수프림(1965)만큼 중요하지는 않지만, 멀티포닉, 오버톤 사운드, 알티시모 음에 대한 이해와 숙련도를 포함하여 콜트레인의 영적이고 스타일적인 성장을 더 잘 보여준다고 썼다. 다운 비트 잡지에 따르면, Interstellar Space는 콜트레인이 그의 더 영적인 음악에 적용한 형식적 원리를 가장 잘 보여주는 앨범이며, 올 어바웃 재즈의 데릭 테일러는 이 앨범을 엘빈 존스와 같은 사람들과 함께 녹음한 이전 듀엣과는 다른, 그의 가장 중요한 녹음 중 하나라고 불렀다. 테일러는 알리에 대해 "지상 리듬의 경계를 기꺼이 벗어나 미지의 공간으로 나아갈 의향이 있는 드러머를 찾았다"고 평가하며, "이 듀엣을 통해 색소폰 연주자는 자신의 내장을 드러내며, 때로는 신성한 부드러움으로 누그러지는 압도적인 자신감을 뿜어낸다. 알리의 얽히고 설킨 범-리듬 패턴은 음악을 열정적으로 앞으로 밀어내면서 감싸고 포용한다"고 덧붙였다.

벤 래틀리프는 이 앨범을 다음과 같이 묘사했다. "콜트레인은 음악을 지휘하며, 그 사이의 음악이 광란의 상태에 이르더라도, 차분한 상태에서 시작하고 끝낸다. 쇼 비즈니스는 아니며, 심지어 히피 쇼 비즈니스도 아니다. 거의 수도원적인 앨범이다. 각 곡은 콜트레인이 흔드는 종소리로 시작하고 끝난다. 이 곡들은 딱딱하고 단편적인 구절에서 흐르는 하강하는 12음계까지 다양한 표현을 담고 있으며, 너무 빠르게 연주되고 명확하게 표현되어 바닥이 당신 아래에서 떨어지는 듯한 물리적 감각을 선사한다. 이는 그가 아르페지오로 자신을 표현하면서 하프에 관심을 갖기 시작한 1958년으로 돌아가게 한다. 이는 사운드의 시트가 훨씬 더 잘 구현된 것이다."

에릭 니센슨은 앨범 제목인 Interstellar Space가 "완벽하게 적절하다"고 적었다. 왜냐하면 콜트레인이 베이스나 피아노의 중력 없이 즉흥 연주를 할 수 있기 때문이다. '화성', '목성', '금성', '토성'과 같은 곡의 제목은 우주의 흐름을 인간의 행동과 연결하는 복잡한 시스템으로 여기는 콜트레인의 점성술에 대한 관심을 반영한다. 이 음악은 그가 아인슈타인과 현대 물리학 연구에서 얻은 아이디어를 구현하고 있다. 즉, 우주는 끊임없이 팽창하고 있다는 것이다. 멜로디와 리듬은 화음과 박자의 제약에서 벗어나 마음을 위한 빛의 쇼를 만들어낸다. 별들이 폭발하고, 혜성이 광활한 공간을 가로질러 날아가는 것을 볼 수 있으며, 모든 별과 행성의 끊임없이 팽창하는 움직임을 볼 수 있다... 이러한 색소폰-드럼 듀엣은 'Countdown'과 'Vigil'과 같은 콜트레인의 작품의 전통을 따른다. 차이점은 라시드 알리의 리듬의 엄청난 자유로움으로, 콜트레인이 강제로 앞으로 나아가지 않고 이 리듬적 풍경을 탐험할 수 있게 해준다... 콜트레인의 밀집하고 광란적인 연주는 때때로 '사운드 시트' 시대를 연상시키며, 순수한 사운드에 잠기는 것과 같은 청취자에게 동일한 효과를 준다. 그러나 이전 음악과의 차이점이 훨씬 더 중요하다. 콜트레인은 순수한 음악적 자유의 영역에 깊이 침투해 들어갔고, 자신의 확립된 스타일의 중요한 요소를 유지하면서 표준적인 서양 음악 이론에서 벗어난 것으로 보인다. 더욱이 그는 이 녹음에서 계속해서 퀘스트를 이어가기 위해 계속해서 소리칠 필요가 없다는 것을 발견했다."

루이스 포터의 저서 존 콜트레인: 그의 삶과 음악(John Coltrane: His Life and Music)에는 Interstellar Space에 대한 자세한 논의, 특히 "금성"에 대한 논의가 포함되어 있다. 그는 다음과 같이 썼다. "콜트레인의 마지막 작품에서 제시된 소리의 난사로 인해 많은 청취자들이 콜트레인 연주의 웅장한 힘을 알아차리지 못할 수도 있다. 혼돈스러워 보이는 것은 정반대이다. 콜트레인은 테마에서 즉흥 연주로 원활하게 이어지는 긴 솔로를 만들어냈다. 바로 그가 원했던 것이다. 그리고 즉흥 연주는 추상적인 동기적 아이디어를 탐구하는 데 끊임없이 헌신했다." 포터는 Interstellar Space가 "콜트레인의 마지막 음악을 이해하려는 청취자에게 이상적인 시작점"이라고 제안했다. "그가 무엇을 하고 있는지 듣기가 매우 쉽기 때문이다... 각 [곡]은 테마로 시작하여, 거기에서 벗어나 마지막에 다시 돌아온다... 모든 곡은 클라이맥스까지 고조된 다음 진정되는 과정을 거쳐 재현으로 이어진다." 그는 이 녹음에서 콜트레인이 사용하는 세 가지 기술을 열거한다. 1) "오케스트라 효과를 만들기 위해" "매우 빠르게 하강하는 스케일을 반복해서 반복한다... 그는 청취자에게 윗 음이 멜로디이고 스케일이 반주라는 인상을 주고 싶어한다;" 2) "급격하고 극단적인 음역 변화"는 "한 번에 두 개의 활동 라인을 제안하려는 시도"이다; 3) "'똑바로와 거꾸로' - 모양을 변경하고, 위로 올라가고 아래로 내려가고, 같은 리듬 또는 같은 수의 음을 다른 방식으로 사용하여 모티프의 변주를 만든다." 포터는 "콜트레인이 더 길고 빠른 음의 흐름으로 이동하고, 더 난해하고 명확하게 표현되지 않게 됨에 따라" "패턴이 나타나고" "처음 들었을 때는 훈련되지 않은 음의 확산으로 보였던 것이 실제로 다양한 패턴의 정교함이라는 것을 깨닫기 시작한다"고 언급한다. 포터는 "금성"에 대한 논의를 다음과 같이 결론짓는다. "마지막 몇 년 동안 시끄럽고 소란스러운 음악을 연주했다는 비난을 받은 사람에게 가장 인상적인 것은 속삭임에서 고함에 이르기까지 그의 놀라운 역동성 제어이다... 그리고 콜트레인은 코드 변화와 꾸준한 비트의 제한을 포기함으로써, 코러스로 나눌 수 없는 매끄러운 음악적 구성을 만들어내는 데 정확하게 성공했다"

작가 토니 와이튼은 Interstellar Space의 트랙이 "콜트레인의 후기 스타일의 모든 영광을 분명히 보여준다"고 썼고, "확실한 구조, 꾸준한 맥, 명확한 미터 감각을 제거하면 음악이 열리고 청취자를 위한 친숙한 방향 감각이 제거된다"고 언급했다. 이러한 측면에서 콜트레인의 사운드와 접근 방식이 동일한 연속체의 일부로 이해될 수 있지만, 맥락이 극적으로 변화하여 음악이 분명히 즉각적인 감각으로 더 많이 경험되는 시점에 이르게 된다. 이는 Interstellar Space와 같은 녹음이 제품이 아닌 음악적 과정으로 받아들여지도록 이끈다. 즉, 이들은 이전에 일어난 일을 동화하고 다음에 일어날 일을 예측하는 것이 아니라, 지금 여기서 들어보도록 장려한다." 와이튼은 다음과 같이 제안한다. "프로세스 유형의 음악으로 녹음을 경험하는 것은 음악을 재현하는 정경적 명령에 반한다. 콜트레인의 음악은 단일한 의미나 일련의 가치를 전달하는 것이 아니라, 음악이 무엇이 될 수 있는지에 대한 담론을 질문하고 열어주는 역할을 한다. 이 시대의 콜트레인의 세계에서 스튜디오는 조사와 발견의 장소가 되며, 알리와의 듀엣은 두 창작 예술가 간의 명확한 실험과 상호 작용을 전달한다." 그는 또한 다음과 같이 말한다. "녹음을 직접 들을 때 마주하는 강렬함, 에너지, 사운드를 표기법만으로는 포착할 수 없다는 분명한 느낌이 있다... 음향적 경험으로서 Interstellar Space는 콜트레인이 사운드에 매료된 이유를 명확히 설명하는 풍부하고 관능적인 품질을 가지고 있다. 다른 후기 콜트레인 녹음보다 Interstellar Space는 관능적인 사운드로 청취자를 끌어들이고 녹음이 어떻게 우리 귀를 다른 청취 경험에 열 수 있는지를 보여준다."

판 소닉 밴드의 미카 바이니오는 더 콰이터스와의 인터뷰에서 Interstellar Space를 자신이 가장 좋아하는 앨범 중 하나로 꼽았다. GQ에 글을 쓴 작가 자크 그레이엄은 이 앨범을 "콜트레인의 가장 끈질기고 접근하기 어려운 앨범"이라고 칭하며, 콜트레인이 Interstellar Space의 영향을 받은 음악가로 선더캣과 켄드릭 라마를 인용하면서 콜트레인의 가장 영향력 있는 음반이라고 주장했다.

5. 영향

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5.1. 커버 버전

1999년, 기타리스트 넬스 클라인과 드러머 그레그 벤디안은 앨범 《Interstellar Space Revisited: The Music of John Coltrane》에 "화성", "사자자리", "금성", "목성", "토성"을 담아 발표했다. 래시드 알리와 색소폰 연주자 루이 벨로게니스 듀엣의 앨범인 《토성의 고리》 또한 《Interstellar Space》에 경의를 표하며, 콜트레인의 작곡 "토성"을 포함하고 있다.