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모음곡

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목차

1. 개요

모음곡은 바로크 시대에 기악 형식으로 발전하여 바흐에 의해 완성되었으며, 춤곡들을 모아 같은 조로 통일하고 2부 형식으로 구성하는 것이 특징이다. 16세기 류트를 중심으로 발전하다가 프랑스에서 쳄발로 등으로 연주되었으며, 알르망드, 쿠랑트, 사라방드, 지그를 기본으로 다양한 춤곡들이 추가되었다. 독일 작곡가 요한 야코프 프로베르거가 정형화했으며, 바흐의 영국 모음곡, 프랑스 모음곡, 파르티타 등이 대표적이다. 이후 서곡을 추가한 서곡-모음곡이 유행했고, 낭만주의 시대 이후에는 발레, 오페라, 영화 음악 등에서 발췌한 곡들을 모아 연주하는 형태로 발전했다. 20세기에는 쇤베르크의 피아노 모음곡, 홀스트의 행성과 재즈, 핑크 플로이드의 원자 심장 모음곡 등 다양한 형태로 나타났다.

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모음곡
모음곡 정보
장르클래식 음악
구조여러 악장으로 구성된 기악 작품
특징각 악장은 독립적인 곡이지만, 전체적으로 통일성을 가짐
춤곡이나 다양한 성격의 곡들을 모아 구성
역사
기원바로크 시대의 춤곡 모음에서 유래
발전바로크 시대: 표준화된 춤곡 모음곡 형태 확립 (알르망드, 쿠랑트, 사라방드, 지그 등)
고전 시대 이후: 춤곡 외에 다양한 성격의 악장을 포함하는 모음곡 등장 (극음악, 발레 음악, 영화 음악 등에서 발췌)
주요 모음곡
바로크 시대요한 제바스티안 바흐: 관현악 모음곡, 무반주 첼로 모음곡
게오르크 프리드리히 헨델: 수상 음악, 왕궁의 불꽃놀이
낭만 시대 이후에드바르트 그리그: 페르 귄트 모음곡
레오시 야나체크: 신포니에타
이고르 스트라빈스키: 병사의 이야기
특징
구성 요소다양한 춤곡 (예: 미뉴에트, 가보트, 폴로네즈, 마주르카 등)
서곡 (Overture)
아리아 (Aria)
간주곡 (Intermezzo)
행진곡 (March)
그 외 다양한 성격의 기악곡
형식적 특징각 악장은 독립적인 곡으로, 고유한 조성과 리듬을 가짐
전체적으로 통일성을 유지하며, 각 악장 간의 연관성을 가짐
연주 시간은 곡에 따라 다름
응용
영화 음악영화의 주요 테마를 모아 모음곡으로 구성
발레 음악발레 음악의 주요 장면을 발췌하여 모음곡으로 구성
게임 음악게임의 주요 테마를 모아 관현악 모음곡 형태로 편곡 (샤이닝 포스 관현악 모음곡)

2. 모음곡의 역사

모음곡은 바로크 시대의 가장 중요한 기악 형식 중 하나로, 바흐에 의해 완성되었다. 모음곡은 보통 속도나 성격이 다른 일련의 춤곡으로 구성되며, 전곡이 같은 조로 통일되고 각 춤곡은 2부형식으로 되어 있다. 16세기에 나타났으나, 중세 말기 사교춤이나 민속춤까지 거슬러 올라갈 수 있다. 처음에는 2박자와 3박자, 속도의 느림과 빠름 등 성격이 다른 두 개의 춤곡을 묶어 실제 춤과 함께 연주했다. 그러다 16세기에 음악이 춤에서 독립하여 악기만으로 연주하게 되었다.

17세기 중엽 독일 작곡가 J.프로베르거에 의해 고전 모음곡 형식이 확립되었다. 이후 18세기 중엽까지 쳄발로가 애용되었고, 많은 작곡가들이 이 악기를 위한 모음곡을 썼다. 바로크 모음곡은 알르망드, 쿠랑트, 사라방드, 지그로 구성되었으며, 순서대로 진행되었다.

바흐를 정점으로 고전 시대의 모음곡은 18세기 중엽 소멸하였고, 고전파 소나타의 미뉴에트 악장, 카샤시온, 디베르티멘토 속에 그 이름만을 남기고 있다. 낭만파 이후의 음악에서 "모음곡"은 주로 극 부수 음악, 오페라, 발레 음악 등 무대 음악[7] 중에서 주요 곡을 발췌하여 배열하고, 연주회에서 연주할 수 있도록 한 관현악곡을 의미한다. 19세기 후반 이후 바로크 시대의 모음곡 부흥 운동이 일어났다.

2. 1. 르네상스 시대

르네상스 시대에는 느린 무곡과 활발한 무곡을 조합하는 것이 일반적이었는데, 예를 들어 파반과 가야르드 등을 조합했다. 이 때, 양식을 통일하기 위해 선율 소재를 공유하기도 했다.[1] 에스티엔 뒤 테르트르는 1557년에 ''suyttes de 브란''을 출판했는데, 이는 "모음곡"이라는 용어가 음악에서 일반적으로 사용된 최초의 사례였다. 당시에는 춤곡을 짝지어 사용하는 형태가 일반적이었다.[1] 최초로 인식할 수 있는 모음곡은 파울 퓨어의 1611년 작품인 ''Newe Padouan, Intrada, Dantz, and 갈리아드a''로, 제목에 언급된 네 개의 춤곡이 열 개의 모음곡에서 반복적으로 나타난다.[1] 요한 헤르만 샤인의 ''Banchetto musicale'' (1617)에는 다섯 개의 서로 다른 춤곡으로 구성된 20개의 시퀀스가 들어 있다.[1] 명명된 작곡가에게 귀속되는 최초의 4악장 모음곡인 ''샌들리의 모음곡''은 1663년에 출판되었다.[1]

2. 2. 바로크 시대

바로크 시대의 가장 중요한 기악형식 중 하나는 모음곡이며, 바흐에 의해 완성되었다. 모음곡은 보통 속도나 성격이 다른 일련의 춤곡으로 구성되며, 전곡이 같은 조로 통일되고 각 춤곡은 2부형식으로 되어 있다. 4-8악장인 경우가 많지만, 20악장 이상인 경우도 있다. 바흐 시대의 표준적인 모음곡은 알르망드, 쿠랑트, 사라반드, 지그를 주요 악장으로 하고, 사라반드와 지그 사이에 춤곡이 하나 또는 여러 곡 임의로 삽입되었다. 주요 춤곡으로는 미뉴에트, 부레, 가보트, 파스피에, 폴로네즈, 리고동, 앙글레즈, 루르, 아리아 등이 있다. 알르망드 이전에는 전주곡으로 프렐류드, 신포니아, 토카타 등과 같은 춤곡 형식이 아닌 악곡이 많이 쓰였다.[1]

모음곡은 16세기에 나타났으나, 중세 말기 사교춤이나 민속춤까지 거슬러 올라갈 수 있다. 처음에는 2박자와 3박자, 속도의 느림과 빠름 등 성격이 다른 두 개의 춤곡을 조로 묶어 실제 춤과 함께 연주했다. 그러다 16세기에 음악이 춤에서 독립하여 악기만으로 연주하게 되었다. 이 당시 악기로는 특히 류트가 애용되었다. 고전 모음곡 형식은 17세기 중엽 독일 작곡가 J.프로베르거에 의해 확립되었다. 이후 18세기 중엽까지 쳄발로가 애용되었고, 많은 작곡가들이 이 악기를 위한 모음곡을 썼다. 바흐의 6곡으로 된 《영국 모음곡》, 《프랑스 모음곡》, 《파르티타》 등은 이 형식으로 된 작품 중 특히 잘 알려져 있다.

그 밖의 모음곡 주요 작곡가로는 독일의 파헬벨, 크리거, 피셔, 쿠나우, 뵘, 헨델, 무파트, 영국의 퍼셀, 프랑스의 샹보니에르, 쿠프랭, 라모 등이 있다. 건반 악기를 위한 모음곡과 함께 이 시대에는 실내악과 관현악용으로 아주 자유로운 성격을 갖는 모음곡도 만들어졌다. 실내악용 모음곡에는 코렐리로 대표되는 실내 소나타가 속한다. 한편 관현악 모음곡은 독일을 중심으로 성행했으나, 이것은 첫 부분에 프랑스풍 서곡을 가졌기 때문에 당시에 '서곡'이라고 불렀다. 유명한 작품으로는 헨델의 《수상 음악》, 《왕궁의 불꽃놀이 음악》, 바흐의 4곡의 관현악 모음곡 등이 있다. 프랑스의 쿠프랭이 사용한 '오르드르', 독일의 '파르티타', 영국의 '레슨' 등도 모음곡과 대략 같은 뜻으로 쓰인다.[1]

바로크 모음곡은 알르망드, 쿠랑트, 사라방드, 지그로 구성되었으며, 순서대로 진행되었다. 이 형식은 17세기 프랑스에서 발전했으며, 지그는 다른 것들보다 늦게 등장했다. 요한 야코프 프로베르거는 이 형식의 작곡을 통해 고전 모음곡을 확립한 것으로 여겨지는데, 그의 작품이 널리 출판되고 복제되었기 때문이다. 이는 출판업자들이 순서를 표준화했기 때문이기도 하다. 프로베르거의 원본 악보에는 악장 순서가 다양하게 나타나 있으며, 예를 들어 지그가 사라방드 앞에 오기도 한다. 하지만 출판업자들이 표준화한 순서는 특히 바흐의 작품에 큰 영향을 미쳤다.[1]

이후 많은 모음곡에는 사라방드와 지그 사이에 다른 악장들이 추가되었다. 이러한 선택적인 악장들은 ''갈랑트리''로 알려졌다. 흔한 예로는 미뉴에트, 가보트, 파스피에, 부레가 있다. 종종 미뉴에트 I과 II처럼 이름이 같은 두 개의 대조적인 ''갈랑트리''가 있어 ''교대로'' 연주되었다. 즉, 두 번째 춤을 연주한 후 첫 번째 춤을 다시 연주하는 방식이었다(내부 반복 없이). 즉 I, II, I 순으로 연주되었다.[1]

나중에 서곡을 추가하여 "서곡-모음곡"을 만드는 것은 독일 작곡가들에게 매우 인기가 있었다. 텔레만은 200개 이상의 서곡-모음곡을 썼다고 주장했고, 크리스토프 그라우프너는 86개의 관현악 서곡-모음곡과 57개의 쳄발로를 위한 파르티타를 썼다. J.S. 바흐는 네 개의 관현악 모음곡과 다른 모음곡을 가지고 있었고, 헨델은 그의 ''수상음악''과 ''왕궁의 불꽃놀이 음악''을 이 형식으로 만들었다. 헨델은 22개의 건반 모음곡을 썼고, 바흐는 류트, 첼로, 바이올린, 플루트 및 기타 악기를 위한 여러 모음곡과 영국 모음곡, 프랑스 모음곡, 건반 파르티타를 제작했다. 프랑수아 쿠프랭의 후기 모음곡(그는 "오르드르"라고 불렀다)은 종종 표준 춤을 완전히 없애고 기발한 이름의 성격 소품으로만 구성되었다.[1]

17세기 프랑스에서는 류트나 클라브생 등으로 같은 조의 몇몇 무곡을 묶어 연주하는 것이 행해졌다. 알르망드, 쿠랑트, 사라방드를 이 순서로 연주하는 것이 기본이었으며, 후에 지그가 더해졌다.[1]

이것을 모음곡으로 정형화한 것은 독일 작곡가 요한 야코프 프로베르거로 여겨진다. 다만 프로베르거의 자필 악보에서는 일반적으로 지그가 제2곡에 놓여 있었다. 후대 작곡가의 모음곡에서는 지그를 종곡에 두는 것이 보통이다.[1]

2. 3. 고전 시대

바흐를 정점으로 고전 시대의 모음곡은 18세기 중엽 소멸하였고, 고전파 소나타의 미뉴에트 악장, 카샤시온, 디베르티멘토 속에 그 이름만을 남기고 있다.

2. 4. 낭만주의 시대 이후

낭만파 이후의 음악에서 "모음곡"은 주로 극 부수 음악, 오페라, 발레 음악 등 무대 음악[7] 중에서 주요 곡을 발췌하여 배열하고, 연주회에서 연주할 수 있도록 한 관현악곡을 의미한다. 오페라에서 발췌한 모음곡에서는 성악 파트를 기악으로 대체하는 경우가 많다. 또한, 무용곡에 국한되지 않고 다양한 악곡을 조합하여 처음부터 모음곡으로 작곡하는 경우도 관현악에 국한되지 않고 행해지고 있다.

1750년대에 이르러 모음곡은 구식으로 여겨져 교향곡과 협주곡에 의해 대체되었고, 당시 모음곡을 작곡하는 작곡가는 거의 없었다. 그러나 19세기 이후 작곡가들은 발레, 오페라, 기타 작품들을 콘서트 연주를 위한 모음곡으로 편곡하는 경우가 많아졌다. 모음곡으로의 편곡은 음악을 더 접근하기 쉽고 더 많은 청중에게 제공할 수 있게 해주며, 차이코프스키의 《호두까기 인형》 모음곡이나 애런 코플랜드의 《애팔래치안 스프링》 모음곡과 같이 음악 자체를 대중화하는 데 크게 기여했다. 관현악 또는 관악 앙상블을 위한 모음곡은 보통 하나 이상의 악장으로 구성된다. 그리그의 《페르귄트》 관현악 모음곡 1번과 2번이 그 예시이며, 각각 4개의 악장으로 구성되어 있다. 이러한 모음곡은 다음으로 구성될 수 있다.

  • 오페라, 발레, 영화 음악 또는 뮤지컬과 같은 더 큰 작품에서 발췌한 기악 선율
  • 그리그, 시벨리우스, 또는 차이코프스키의 민족주의적 성향을 띤 모음곡과 홀스트의 《행성》과 같이 공통된 주제로 묶인 작은 곡들의 시퀀스
  • 쇤베르크의 피아노 모음곡과 같이 바로크 주제를 의도적으로 참조하는 작품


칼 닐센은 23세였던 1888년에 현악 오케스트라를 위한 모음곡을 작품 번호 1번으로 만들었다. 19세기 후반에는 시벨리우스의 《카렐리아 모음곡》이 헬싱키 대학교 학생들을 위해 작곡되었다.

인상주의의 영향으로, 피아노 모음곡은 20세기 초 프랑스 작곡가인 라벨과 드뷔시에 의해 재도입되었다. 드뷔시의 ''피아노를 위하여''(Pour le piano)는 1901년에 출판된 3악장짜리 모음곡이며, 1905년에 개정된 그의 ''베르가마스크 모음곡''(Suite bergamasque)은 아마도 가장 유명한 모음곡 중 하나이며, 특히 세 번째 악장인 ''달빛''(Clair de Lune)이 그러하다. 라벨은 피아노를 위한 그의 ''거울들''(Miroirs) 모음곡으로 특히 잘 알려져 있으며, ''쿠프랭의 무덤''(Le tombeau de Couperin)으로도 알려져 있는데, 둘 다 피아니스트에게 엄청난 기교와 손재주를 요구한다.

아르놀트 쇤베르크는 전체 작품에서 12음 기법을 처음 사용한 것이 그의 피아노 모음곡, 작품 25번(Suite for Piano, op. 25)이었다. 바로크 시대의 건반 모음곡을 모델로 한 이 곡은 '전주곡'(Präludium), '가보트'(Gavotte), '뮈제트'(Musette), '간주곡'(Intermezzo), '미뉴에트'(Menuett, 트리오 포함), '지그'(Gigue)라는 6개의 악장으로 구성되어 있다.

20세기 초의 또 다른 유명한 모음곡의 예로는 구스타프 홀스트의 ''행성''(The Planets)이 있는데, 이 곡은 각 곡이 당시 알려진 7개의 무인 행성 중 하나의 점성술적 의미를 나타내는 "관현악 모음곡"이며, 그의 내림 E플랫 장조 군악대 모음곡 1번(First Suite in E-flat)과 F장조 군악대 모음곡 2번(Second Suite in F for Military Band)도 있다.

재즈 장르에서도 모음곡이 사용된 몇 가지 예가 있다. 아마도 가장 주목할 만한 작곡가는 듀크 엘링턴/빌리 스트레이혼인데, 그는 ''흑인, 갈색, 베이지''(Black, Brown and Beige), ''아주 감미로운 천둥 소리''(Such Sweet Thunder), ''극동 모음곡''(The Far East Suite), ''뉴올리언스 모음곡''(New Orleans Suite), ''라틴 아메리카 모음곡''(Latin American Suite) 등 많은 모음곡을 제작했다. 모음곡은 또한 프리 재즈에서도 사용된다 (맥스 로치: ''자유 지금 모음곡''(Freedom Now Suite), 돈 체리, 존 콜트레인의 ''러브 수프림''(A Love Supreme)[6] 등).

20세기의 또 다른 모음곡의 예는 프로그레시브 록 밴드 핑크 플로이드에서 나왔다. 그들의 1970년 앨범 원자 심장 (Atom Heart Mother)에는 레코드의 첫 번째 면에 23분 길이의 서사시 ''원자 심장 모음곡''(Atom Heart Mother Suite)이 포함되어 있다.

19세기 후반 이후 바로크 시대의 모음곡 부흥 운동이 일어났다. 보불 전쟁 이후 독일과 대립한 프랑스에서는 독일의 교향곡에 반발하여 그 대신 프랑스의 영광이 빛났던 루이 14세 시대를 모범으로 삼아 프랑스 기악 모음곡을 부흥시켰다. 유럽의 다른 나라에도 이 운동이 전파되었다.[8]

3. 교향 모음곡

이 명칭에는 필연적 또는 절대적인 근거가 없는 것이 보통이다. 교향곡에 가까운 작품이 있으면서 교향곡보다도 더욱 자유로운 태도로 쓰인 것이 통례이며, 동시에 또 모음곡과도 가까운 종류이다. 대부분의 경우 표제가 있으므로 단일 악장의 교향시라고 할 수 없고 또한 교향곡이라고도 할 수 없었던 작품이다. 림스키코르사코프의 <셰에라자드>는 그 전형적인 예이다.[1]

1750년대에 이르러 모음곡은 구식으로 여겨져 교향곡과 협주곡에 의해 대체되었고, 당시 모음곡을 작곡하는 작곡가는 거의 없었다. 그러나 19세기 이후 작곡가들은 발레, 오페라, 기타 작품들을 콘서트 연주를 위한 모음곡으로 편곡하는 경우가 많아졌다. 모음곡으로의 편곡은 음악을 더 접근하기 쉽고 더 많은 청중에게 제공할 수 있게 해주며, 차이코프스키의 《호두까기 인형》 모음곡이나 애런 코플랜드의 《애팔래치안 스프링》 모음곡과 같이 음악 자체를 대중화하는 데 크게 기여했다.[2] 관현악 또는 관악 앙상블을 위한 모음곡은 보통 하나 이상의 악장으로 구성된다. 예로는 그리그의 《페르귄트》 관현악 모음곡 1번과 2번이 있으며, 각각 4개의 악장으로 구성되어 있다. 이러한 모음곡은 다음으로 구성될 수 있다.[2]


  • 오페라, 발레, 영화 음악 또는 뮤지컬과 같은 더 큰 작품에서 발췌한 기악 선율;[2]
  • 그리그, 시벨리우스, 또는 차이코프스키의 민족주의적 성향을 띤 모음곡과 홀스트의 《행성》과 같이 공통된 주제로 묶인 작은 곡들의 시퀀스;[2]
  • 쇤베르크의 피아노 모음곡과 같이 바로크 주제를 의도적으로 참조하는 작품.[2]


칼 닐센은 23세였던 1888년에 현악 오케스트라를 위한 모음곡을 작품 번호 1번으로 만들었다.[2] 19세기 후반에는 시벨리우스의 《카렐리아 모음곡》이 헬싱키 대학교 학생들을 위해 작곡되었다.[2]

4. 무용 모음곡

무용 모음곡은 바로크 시대에 유행했던 춤곡 모음집으로, 연주회에서 연주되는 것이 주목적이었다. 리듬이 분명한 여러 음악을 모음곡풍으로 연속시켰다.[1]

바로크 무용 모음곡은 알르망드, 쿠랑트, 사라방드, 지그로 구성되는 것이 일반적이다. (하위 섹션에서 상세하게 다룸)

4. 1. 바로크 무용 모음곡의 구성

바로크 모음곡은 알르망드, 쿠랑트, 사라방드, 지그로 구성되며, 이 순서대로 진행되는 것이 일반적이다.[1] 17세기 프랑스에서 이러한 형식이 발전했으며, 지그는 다른 춤곡들보다 늦게 추가되었다.[1] 요한 야코프 프로베르거는 그의 작품을 통해 고전 모음곡 형식을 확립한 것으로 평가받는다. 그의 작품이 널리 출판되고 복제되면서, 출판업자들이 악장 순서를 표준화한 것이 널리 퍼지는데 큰 영향을 미쳤다.[1] 프로베르거의 원본 악보에는 악장 순서가 다양하게 나타나지만(예: 지그가 사라방드 앞에 오기도 함), 출판업자들이 표준화한 순서는 특히 바흐의 작품에 큰 영향을 미쳤다.[1]

이후 많은 모음곡에는 사라방드와 지그 사이에 다른 악장들이 추가되었는데, 이러한 선택적인 악장들을 ''갈랑트리''라고 불렀다.[1] 흔히 추가되는 춤곡으로는 미뉴에트, 가보트, 파스피에, 부레 등이 있었다.[1] 종종 미뉴에트 I과 II처럼 이름이 같은 두 개의 대조적인 ''갈랑트리''가 ''교대로'' 연주되기도 했다. 즉, 두 번째 춤을 연주한 후 첫 번째 춤을 다시 연주하는 방식(내부 반복 없이, I, II, I 순서)이었다.[1]

독일 작곡가들은 서곡을 추가하여 "서곡-모음곡"을 만드는 것을 선호했다.[1] 텔레만은 200개 이상의 서곡-모음곡을 썼다고 주장했고, 크리스토프 그라우프너는 86개의 관현악 서곡-모음곡과 57개의 쳄발로를 위한 파르티타를 썼다.[1] J.S. 바흐는 네 개의 관현악 모음곡과 다른 모음곡을 작곡했고, 헨델은 그의 ''수상음악''과 ''왕궁의 불꽃놀이 음악''을 이 형식으로 만들었다.[1]

무곡 모음곡은 바로크 시대에 유행했던 춤곡 모음집으로, 다음과 같은 악장으로 구성된다.[1]

  • 알르망드: 프랑스어로 "독일"을 의미하지만, 모음곡에서 정형화될 무렵에는 프랑스화되었고, 17세기에는 실제 춤으로는 낡은 것이었다.[1] 4/4 박자의 중간 템포의 춤으로, 16분 음표로 균일하게 움직이는 것이 특징이며, 대부분 화성적 조직, 고른 리듬, 절제된 분위기를 갖는다.[1]

알르망드

  • 쿠랑트 또는 코렌테: 쿠랑트는 3/2 박자의 프랑스 춤으로, 다성적 조직, 특히 6/4 박자를 암시하는 헤미올라 효과와 중간 박자 위에서 움직임이 특징이다.[1] 코렌테는 이탈리아 버전으로 빠른 3/4 또는 3/8 박자이며, 2부 형식, 단순한 화성 구조, 균일한 음표 값, 기교적인 성격, 자유로운 형식을 갖는다.[1]
  • 사라방드: 3/4 박자(드물게 3/2 박자)의 느리고 위엄 있는 춤이다.[1] 원래 스페인 춤(멕시코를 통해 상속)은 매우 활기차고 빨랐으며, 외설적인 성격 때문에 논란이 많았다.[1] 그러나 프랑스를 통해 모음곡에 포함될 무렵에는 침착한 중심 악장으로 재해석되었다. 사라방드는 화성적 풍부함과 서정적인 멜로디를 띄는 경향이 있다.[1]
  • 지그: 영국과 아일랜드에서 유래되었으며, 빠른 춤으로, 복합 박자 및/또는 3박자이며, 6/8과 12/8 박자가 가장 흔하다.[1] 표준 춤들 중에서 가장 많은 변주를 허용하며, 거의 모든 박자 기호에서 두드러진 예를 볼 수 있다.[1] 프랑스 지그는 6/8 박자의 경쾌한 점 리듬이 특징이며 2부 대위법으로 쓰인 반면, 이탈리아(때로는 '기가')는 곡예적인 악절에서 작은 음표를 연주하는 기교적인 형식이다.[1]


모음곡은 다음과 같은 악장으로 시작할 수 있다.[1]

  • 전주곡[1]
  • 앙트레 (발레): 순전히 기악 음악이며 춤은 추지 않는다.[1] 춤을 추는 그룹이 등장할 때 연주되거나 발레 전에 연주되는 서곡과 같은 곡이다.[1] 보통 4/4 박자이며, 이탈리아의 '인다다(intrada)'와 관련이 있다.[1]
  • 서곡[1]


사라방드와 지그 사이에는 다음의 갈랑트리가 포함될 수 있다.[1]

  • 바디네리: 2/4 박자의 짧고 빠른 춤이다.[1]
  • 부레: 4/4 박자의 가볍고 빠른 춤이다.[1] 마디의 마지막 박자에서 시작하여 한 마디의 4번째 박자가 가볍게 강조되어 리듬 구조의 시작으로 돌아가는 느낌을 준다.[1]
  • 샤콘느: 3박자의 느린 스페인 춤이다.[1]

가보트

  • 가보트: 4/4 박자 또는 관련 박자 기호의 춤이다.[1] 불완전한 마디의 세 번째 박자에서 시작한다.[1]
  • 간주곡: 작곡가의 재량에 따라 2~4개의 춤으로 구성되며, 미뉴에트, 부레, 폴로네이즈, 가보트가 포함될 수 있다.[1]
  • 루르: 같은 이름의 악기에서 유래된 프랑스 춤이다.[1]
  • 미뉴에트 (메누에토): 3/4 박자의 위엄 있고 우아한 춤이다.[1]
  • 파사칼리아: 3/4 또는 3/2 박자의 생기 넘치고 종종 진지한 스페인 춤이다.[1]
  • 파스피에: 3/8 또는 9/8 박자의 프랑스 춤 악장이다.[1]
  • 파반: 스페인 및/또는 이탈리아 기원의 4/4 또는 2/2 박자의 느린 춤이다.[1]
  • 폴로네이즈: 3/4 박자의 춤으로, 두 마디의 주기로 이루어진다.[1]
  • 시칠리아나: 6/8 또는 12/8 박자의 춤이다.[1]


17세기 프랑스에서는 류트나 클라브생 등으로 같은 조의 몇몇 무곡을 묶어 연주하는 것이 일반적이었다.[1] 알르망드, 쿠랑트, 사라방드를 이 순서로 연주하는 것이 기본이었으며, 후에 지그가 추가되었다.[1]

요한 야코프 프로베르거가 모음곡을 정형화한 것으로 알려져 있다.[1] 다만 프로베르거의 자필 악보에서는 일반적으로 지그가 제2곡에 놓여 있었다.[1] 이후 작곡가들은 지그를 마지막 곡으로 배치하는 경우가 많았다.[1]

참조

[1] 서적 The Oxford Dictionary of Music 2002
[2] 서적 The Oxford Dictionary of Music 2002
[3] 웹사이트 Symphonic Suite the Another Story of Shining Force https://web.archive.[...] 2012-01-04
[4] 서적 English Keyboard Music Before the Nineteenth Century Courier Dover Publications 1985-04-01
[5] 서적 English Solo Keyboard Music of the Middle and Late Baroque Garland 1989
[6] 뉴스 What a Rare, Live 'A Love Supreme' Reveals About John Coltrane https://www.nytimes.[...] 2021-10-19
[7] 문서 20世紀以降はこれに映画音楽や放送音楽も加わる。
[8] 서적 ダンスと音楽：躍動のヨーロッパ音楽文化誌 アルテスパブリッシング
[9] 웹사이트 suite - Encyclopædia Britannica http://www.britannic[...] 2006


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