오케스트라 재즈
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1. 개요
오케스트라 재즈는 초기 뉴올리언스 재즈에서 발전하여, 유럽 고전 음악의 요소와 뉴올리언스 재즈의 리듬을 결합한 재즈의 한 형태이다. 1920년대 미국에서 폴 화이트먼의 영향을 받아 등장했으며, 1924년 조지 거슈윈의 『랩소디 인 블루』 발표를 계기로 심포닉 재즈라는 용어로 불리기도 했다. 듀크 엘링턴, 플레처 헨더슨, 돈 레드먼 등 여러 음악가들이 오케스트라 재즈 발전에 기여했으며, 빅 밴드 편성의 부상과 기술적 발전이 이 장르의 확산에 영향을 미쳤다. 오케스트라 재즈는 2박자 그루브에서 4/4 박자 스윙 리듬으로 변화하고, 다성음악 대신 단성음악을 채택하는 등 음악적 스타일과 악기 구성에 변화를 겪었다.
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| 오케스트라 재즈 | |
|---|---|
| 개요 | |
| 유형 | 재즈의 한 종류 |
| 설명 | 오케스트라 악기를 활용하여 재즈를 연주하는 음악 스타일 |
| 기원 | 1920년대 미국에서 시작 |
| 특징 | |
| 악기 구성 | 오케스트라 악기 (현악기, 관악기, 타악기 등)와 재즈 악기 (색소폰, 트럼펫, 트롬본, 피아노, 드럼 등)의 혼합 |
| 음악적 특징 | 재즈의 리듬과 화성, 오케스트라의 풍부한 사운드와 다이내믹을 결합 |
| 형식 | 오케스트라 편성을 사용하여 재즈를 연주하거나, 재즈 솔로 연주자와 오케스트라가 협연하는 형식 |
| 역사 | |
| 초기 발전 | 폴 화이트먼, 조지 거슈윈 등의 음악가들이 이 스타일을 개척 |
| 전성기 | 1920년대와 1930년대에 큰 인기를 얻음 |
| 현대적 발전 | 현대 음악가들이 이 스타일을 재해석하고 발전시킴 |
| 주요 음악가 | |
| 초기 개척자 | 폴 화이트먼 조지 거슈윈 |
| 주요 연주자 | 다양한 오케스트라 지휘자와 재즈 연주자 |
| 주요 작품 | |
| 대표적인 곡 | 랩소디 인 블루 (조지 거슈윈 작곡) 다양한 재즈 오케스트라 작품들 |
| 영향 | |
| 다른 장르 | 클래식 음악, 영화 음악 등 다른 장르에 영향을 미침 |
| 현대 음악 | 현대 음악가들이 다양한 방식으로 재해석하고 발전시킴 |
| 추가 정보 | |
| 관련 장르 | 스윙, 빅 밴드 |
| 관련 용어 | 재즈 오케스트라, 교향 재즈 |
2. 역사
오케스트라 재즈는 초기 뉴올리언스 재즈에서 발전하여 1920년대에 시카고와 뉴욕으로 퍼져나갔다. 특히 할렘은 이 장르의 문화적 중심지가 되었다. 뉴욕에서 재즈는 문화의 중요한 부분이 되었지만, 초기에는 댄스 음악 정도로 여겨졌다. 음악 평론가 리처드 해들록(Richard Hadlock)은 당시 대부분의 청중이 재즈를 댄서들을 위한 배경 음악 정도로 여겼다고 언급했다.[3]
폴 화이트먼의 영향을 받은 운동은 보다 세련된 형태의 오케스트라 재즈를 탄생시켰다. 이 스타일은 고전 음악 요소와 뉴올리언스 재즈의 리듬을 결합했다. 오케스트라는 더 큰 규모와 정교한 구조를 가졌으며, 집단 즉흥 연주보다는 작곡된 편곡을 연주했다. 초기 재즈의 활기찬 스타일과는 달리, 오케스트라 재즈는 절제된 리듬을 통해 인기를 얻었다. 지미 블랜턴과 월터 페이지는 워킹 베이스 라인을 개발하여 4/4 박자를 재즈의 표준으로 만들었다.[2]
축음기와 레코드의 보급, 라디오 방송의 확산은 재즈의 대중화에 기여했다.[4] 그러나 대량 소비는 소비자의 요구에 맞춰 오케스트라 재즈가 대중 음악과 유사한 구조를 채택하도록 영향을 주기도 했다.
2. 1. 발전
오케스트라 재즈는 초기 뉴올리언스 재즈에서 발전했다. 1920년 이전에 이 장르를 개척하고 1920년대 초 뉴올리언스에서 시카고와 뉴욕으로 이주한 아프리카계 미국인 음악가들은 재즈를 북쪽으로 가져왔다. 시간이 지남에 따라 아프리카계 미국인 거주지인 할렘이 이 장르의 문화적 중심지가 되었다.[2]뉴욕에서는 엔터테인먼트와 예술 산업이 번창했고 재즈는 적절한 터전을 찾아 문화적 풍경의 중요한 부분이 되었다. 하지만 댄스 열풍의 확산과 함께 발전한 빅 밴드의 널리 퍼진 인기 이전에는 재즈는 다소 조악한 종류의 음악으로 여겨졌다. 음악 평론가 Richard Hadlock은 "예술적 가치를 위해 널리 들리지는 않았다"고 썼다.
:"20년대에 들어서 대부분의 청중들은 재즈를 단순히 댄서들을 위한 활기찬 배경 음악으로 여겼습니다. 음악에서 더 심오한 가치를 추구한 소수는 폴 화이트먼의 콘서트 공연...을 진지하게 받아들일 만한 유일한 재즈로 여겼습니다."[3]
그러나 1920년대에는 폴 화이트먼의 음악적 영향을 부분적으로 받은 운동이 나타났다. 이 운동은 화이트먼이 처음으로 심포닉 재즈로 상상했던, 보다 세련되고 공식적인 재즈의 다양한 형태인 오케스트라 재즈로 이어졌다.
이 재즈의 스타일리쉬함에는 유럽 고전 작곡의 요소와 뉴올리언스 재즈의 리듬과 악기 사운드가 결합되었다. 오케스트라 재즈는 여러 가지 이유로 남부의 전신과 음악적으로 달랐다. 밴드가 더 커서 특정한 풍부한 사운드를 만들어냈을 뿐만 아니라 음악의 구조도 더 정교했기 때문이다. 뉴올리언스 재즈는 집단적 즉흥 연주와 표준 곡의 자발적인 재해석으로 특징지어진 반면, 재즈 오케스트라들은 공연 전에 작곡되고 편곡된 헤드 어레인지먼트를 연주했다. 초기 재즈의 바쁜, 시끄러운 스타일은 오케스트라 재즈의 상대적인 절제와 같은 인기를 누리지 못했다. 특히, 측정된 리듬의 구현은 인기의 많은 부분을 차지했다. 뉴올리언스 재즈를 연상시키는 2박자 그루브는 스윙 시대에 접어들면서 지미 블랜턴과 월터 페이지의 베이스 혁신으로 대체되었다. 이 두 사람은 모두 워킹 베이스 라인을 개발한 공로를 인정받고 있다. 이것은 4/4 박자를 재즈 표준으로 만들었다. 더욱이 이 리듬은 청중이 원하는 종류의 춤에 적합했다.[2]
빅 밴드 편성의 부상은 예술적 경향만큼이나 상업적 실행 가능성과도 관련이 있었다. 중요한 기술적 발전은 1920년대에 음악 산업을 변화시켜 음악의 대량 소비 증가를 가능하게 했다. 축음기와 레코드는 표준 가정 용품이 되었다. 녹음된 음악의 널리 퍼진 대중화를 나타내는 것은 1927년에만 거의 1억 장의 레코드가 판매되었다는 사실이다.[4] 미리 준비된 음악은 청중이 구입한 녹음에서 라이브로 공연되는 노래에 익숙했기 때문에 특별한 상업적 매력을 지녔다. 또한 음악 혁신(그리고 모든 종류의 재즈는 확실히 혁신적이었습니다)에 대한 노출은 이전에는 미국 청중의 동일한 폭에 도달한 적이 없었다. 레코드 외에도 방송 라디오의 확산에 의해 지원된 음악의 상업적 이용 가능성을 감안할 때, 재즈의 대중화를 설명하는 플랫폼이 만들어졌다. 하지만 재즈의 대량 소비는 동시에 청중에게 그 발전에 대한 역전된 영향을 허용했고, 소비자의 요구는 오케스트라 재즈가 전통적으로 접근 가능한 대중 음악과 유사한 구조를 채택하도록 했다.
1920년대 초반 "재즈의 왕"으로 불린 폴 휘트먼은 덴버 출신의 클래식 음악 교육을 받은 음악가였다. 뉴욕의 팔레 로열(Palais Royal)에서 댄스 밴드 지휘자로 활동하기 전, 휘트먼은 덴버 심포니 오케스트라와 샌프란시스코 심포니 오케스트라에서 바이올린을 연주했다. 그의 클래식 음악 교육은 그가 "모던 뮤직"에 접근하는 방식에 상당한 영향을 미쳤다. 가장 유명한 예로, 1924년 에올리안 홀(Aeolian Hall)에서의 휘트먼의 공연은 그가 개척하는 데 도움을 준 변화를 보여주었다. 이 주목할 만한 공연을 조지 거슈윈의 유명한 작품이자 (아마도 교향곡 재즈의 가장 좋은 예일) ''랩소디 인 블루''로 마무리하면서, 휘트먼의 공연은 종종 민속 음악에서 예술 형식으로 재즈의 도래를 알리는 사건으로 여겨진다.[5] 휘트먼이 보여준 쇼맨십과 혁신은 그에게 "재즈의 왕"이라는 별명을 안겨주었지만, 이 칭호에는 상당한 논란이 따른다. 백인인 휘트먼이 기원이 명백하게 아프리카계 미국인인 음악 장르를 활용한 것에 대해 많은 비평가들은 그의 예술적 추구의 진정성에 의문을 제기하고 심지어 착취적이라고까지 여겼다. 그럼에도 불구하고, 휘트먼의 많은 동시대 음악가들(흑인과 백인 모두)은 그를 칭찬했고, 그의 영향력을 보여주듯 그의 성공을 본받고자 했다.
휘트먼의 동시대 인물 중 오케스트라 재즈 발전에 가장 중요한 공헌을 한 두 사람은 플레처 헨더슨과 돈 레드먼의 협업 듀오였다. 피아니스트인 헨더슨은 당시 다른 많은 밴드 리더들처럼 유명하지는 않았지만, 레드먼과의 협업은 오케스트라 재즈의 발전, 특히 휘트먼의 교향곡 편곡에서 빅 밴드의 최종적 우위로의 전환에 막대한 영향을 미쳤다.
레드먼의 뉴올리언스와 시카고 재즈곡 편곡은 재즈의 음악적 잠재력을 재해석하여 집단적 즉흥 연주와 다성 재즈 곡에서 오케스트라 재즈의 특징인 훨씬 더 널리 소비될 수 있는 단성 작곡으로의 전환을 가져왔다. 호응 등 다른 구조적 기법은 레드먼 이전의 휘트먼의 편곡에서도 나타났지만, 레드먼이 그의 재즈 작곡의 기본 구조로 호응을 사용한 것은 그의 가장 중요한 업적으로 여겨진다.[6] 그의 아르페지오 코드, 구절적 대위법, 조성과 리듬의 변화, 그리고 복잡한 화성의 중첩 사용은 레드먼의 세련된 음악 작곡 능력을 보여준다.[7]
레드먼은 독특한 밴드 구조에 대한 감각을 가지고 있었는데, 그 유산은 아직까지도 남아있다. 레드먼은 밴드를 목관악기 (색소폰과 클라리넷), 트럼펫, 트롬본, 그리고 리듬 섹션의 네 개의 상호 작용하는 섹션으로 나누었다. 이것은 일반적으로 네 개의 트럼펫, 네 개의 트롬본, 다섯 개의 색소폰, 그리고 리듬 섹션 (피아노, 베이스, 기타, 드럼)으로 구성되는 빅 밴드의 기본 구조가 되었다.[2]
악기 구성의 변화는 연주에 대한 유연성을 허용했다. 음악의 이용 가능성 증가와 동시에 일어난 중요한 경향 중 하나는 1920년대와 1930년대의 댄스 열풍이었는데, 그 시대 가장 성공적인 밴드는 관객의 춤에 대한 욕구를 수용한 밴드였다.[8] 예를 들어, 헨더슨의 밴드는 1920년대 초 로즈랜드 볼룸에서 연주를 시작했는데, 그의 레퍼토리에는 "핫 재즈"곡뿐만 아니라 로즈랜드의 후원자들의 욕구를 존중하여 왈츠도 포함되어 있었다.[4] 헨더슨이 관객을 고려한 것은 뉴욕시를 휩쓸고 있던 다양한 재즈 공연에서 오락의 중요성을 보여준다. 하지만 헨더슨은 듀크 엘링턴과 같은 다른 연주자들과 같은 수준의 쇼맨십을 가지고 있지 않다고 여겨졌고, 어떤 사람들은 그의 쇼맨십 부족을 그가 겪은 상업적 어려움의 주된 이유로 본다.[7] 밴드 레퍼토리의 다양성은 대부분의 공연에 팝과 재즈 표준곡 모두를 포함한다는 것을 의미했는데, 이는 두 장르 모두를 연주하는 사람들에게 두 장르의 유기적인 융합을 가능하게 했다.
그러나 휘트먼은 계속해서 많은 양의 대중 음악을 작곡하고 연주했고, 1929년 주식 시장 붕괴의 경제적 압박을 받은 후 거의 독점적으로 그렇게 했지만, 헨더슨의 밴드와 같은 다른 빅 밴드는 스윙 시대로 넘어갔다.
이러한 전환을 통해 헨더슨과 레드먼은 휘트먼과는 매우 다른 음악적 혁신에 대한 접근 방식을 가지고 있었는데, 그것은 재즈 전통에 굳건히 뿌리를 두고 있었다. 특히 이 듀오는 재즈를 독특한 음악 장르로 만드는 데 필수적인 즉흥 연주의 자발성과 기교를 활용했다. 휘트먼의 홍보 담당자는 재즈 독주가의 시대가 끝났다고 선언했지만, 레드먼의 편곡은 편곡된 구절과 즉흥 연주 사이의 균형을 유지했고, 그 시대 최고의 음악적 재능을 보여주었다. 헨더슨의 밴드는 다양한 시기에 역사상 최고의 재즈 독주자들을 포함한 일련의 기교 있는 재능을 선보였다. 여기에는 루이 암스트롱, 콜먼 호킨스, 로이 엘드리지, 베니 카터, 레스터 영, 그리고 추 베리 등 헨더슨이 영입한 인상적인 밴드 동료들 중 몇몇이 포함된다. 헨더슨과 레드먼이 1927년에 막강한 협력 관계를 끝낸 후, 헨더슨은 결국 1931년에 작곡을 시작했다. 그는 오래된 재즈 레코드를 필사하고 그것을 풀 오케스트라에 맞게 편곡하여 작곡의 요소들을 익혔다.[7]
재즈와 대중음악이 함께 발전하면서, 이 두 장르는 별개의 영역에서 벗어나 스윙 재즈의 대중화를 통해 더욱 밀접하게 연결되었다. 빅 밴드는 1930년대 초에 시작된 스윙 시대를 알렸고, 이는 정교하게 편곡된 상업적인 재즈의 정점을 의미했다. 이러한 유형의 재즈는 청중을 춤추게 하도록 의도되었기 때문에 그 어느 때보다 상업적으로 성공하기 용이했다.
그러나 재즈의 대중화는 재즈의 희석이나 불리함으로 이어진 현상이 아니었다. 실제로 1920년대와 1930년대의 빅 밴드는 휘트먼과 헨더슨의 유산을 실현하는 데 필요한 통로를 제공했다. 이는 아마도 가장 다작의 재즈 작곡가인 듀크 엘링턴의 경력에서 가장 잘 보여주는 예일 것이다. 뛰어난 음악적 감각으로 널리 알려진 엘링턴의 작곡 경력은 14세에 시작되었다. 그는 수많은 음악을 작곡하고, 수천 개의 녹음에 담기고, 거의 50년 동안 공연을 했다.
엘링턴의 작곡의 미묘함은 사려 깊고 복잡하면서도 듣기 좋고 즐거운 음악적 예술을 만들어낸다. 엘링턴의 재즈에 대한 공헌은 헤아릴 수 없을 정도로 많으며, 그가 1920년대 중반에 얻은 명성에서 알 수 있듯이, 그는 오케스트라 재즈를 정점으로 끌어올린 공로가 가장 크다. 헨더슨과 레드먼이 시도했지만, 엘링턴만큼 대규모 오케스트라를 사용하여 재즈 요소들을 매끄럽게 활용할 수 있는 아티스트는 없었다. 엘링턴의 많은 작품은 그의 밴드의 특정 멤버들을 위해 쓰여졌으며, 그들의 개별적인 재능을 부각하고 그들의 의견을 바탕으로 그의 사운드를 발전시켰다. 그의 오케스트라에는 조니 호지스, 벤 웹스터, 지미 블랜턴, 후안 티졸, 쿠티 윌리엄스, 해리 카니[2] 등이 참여했으며, 작곡가이자 편곡가이자 피아니스트인 빌리 스트레이혼과의 거의 30년간의 협업도 이루어졌다.[9] 엘링턴의 경력은 궁극적으로 소위 재즈 시대와 스윙 시대로 불리는 재즈 황금기의 정점으로 흔히 언급된다.
카운트 베이시 오케스트라는 미주리주 캔자스시티에서 베니 모튼의 사망과 그의 밴드 해체 이후 등장했다. 카운트 베이시는 1927년 캔자스시티에 와서 처음에는 월터 페이지와 모튼과 함께 연주했다. 베이시의 오케스트라에는 레스터 영, 조 키스, 오란 '핫 립스' 페이지, 버스터 스미스, 얼 워렌과 같은 많은 저명한 멤버들이 있었고, 나중에는 일리노이즈 자케, 폴 곤살브스, 럭키 톰슨이 합류했다.
이 오케스트라 또한 피아노의 베이시, 드럼의 조 존스, 베이스의 월터 페이지, 기타의 프레디 그린을 포함한 리듬 섹션으로 잘 알려져 있다. 이 리듬 섹션은 현대 빅 밴드의 사운드를 정의하는 데 기여했으며, 존스는 베이스 드럼에서 하이햇 심벌즈로 시간 유지 역할을 전환한 최초의 드러머 중 한 명이었고,[10] 페이지는 워킹 베이스라인의 선도적인 혁신가였으며, 그린은 4분의 4박자로 코드를 연주하는, 종종 약간 뮤트된
베이시 오케스트라 또한 닐 헤프티, 퀸시 존스, 새미 네스티코와 같은 편곡가들과의 작업으로도 잘 알려져 있다.[2][12]
2. 2. 폴 화이트먼, 플레처 헨더슨, 돈 레드먼
1924년 2월 12일, 폴 화이트먼 오케스트라는 뉴욕의 Aeolian Hall (Manhattan)|이올리언 홀영어에서 "An Experiment in Modern Music"이라는 공연을 개최했다. 이 공연에서 조지 거슈윈의 『랩소디 인 블루』가 발표되었는데, 기자들은 이를 "심포닉 재즈"라고 불렀다. 하지만 거슈윈 자신은 "Jazz Band and Piano"라고 칭했다.[13][15] 이 곡의 편곡은 화이트먼 오케스트라의 전속 작곡가이자 편곡가인 Ferde Grofé|퍼디 그로페영어가 담당했다.[15]1920년대 초반 "재즈의 왕"으로 불린 폴 화이트먼은 덴버 출신의 클래식 음악 교육을 받은 음악가였다. 팔레 로열에서 댄스 밴드 지휘자로 활동하기 전, 휘트먼은 덴버 심포니 오케스트라와 샌프란시스코 심포니 오케스트라에서 바이올린을 연주했다. 그의 클래식 음악 교육은 "모던 뮤직"에 대한 접근 방식에 큰 영향을 미쳤다. 1924년 에올리안 홀에서의 공연은 그가 개척한 변화를 보여주는 대표적인 예시이다. 조지 거슈윈의 ''랩소디 인 블루''로 마무리된 이 공연은 민속 음악에서 예술 형식으로 재즈가 도래했음을 알리는 사건으로 여겨진다.[5] 휘트먼의 쇼맨십과 혁신은 그에게 "재즈의 왕"이라는 별명을 안겨주었지만, 이 칭호에는 논란이 따랐다. 백인인 휘트먼이 아프리카계 미국인 기원의 음악 장르를 활용한 것에 대해 많은 비평가들은 그의 예술적 진정성에 의문을 제기하고 착취적이라고까지 여겼다. 그럼에도 불구하고, 많은 동시대 음악가들은 그를 칭찬했고, 그의 영향을 받아 성공을 본받고자 했다.
휘트먼의 동시대 인물 중 오케스트라 재즈 발전에 가장 큰 공헌을 한 두 사람은 플레처 헨더슨과 돈 레드먼이었다. 피아니스트인 헨더슨은 당시 다른 밴드 리더들만큼 유명하지는 않았지만, 레드먼과의 협업은 오케스트라 재즈의 발전, 특히 휘트먼의 교향곡 편곡에서 빅 밴드로의 전환에 큰 영향을 미쳤다.
레드먼의 뉴올리언스와 시카고 재즈곡 편곡은 재즈의 음악적 잠재력을 재해석하여, 집단적 즉흥 연주와 다성음악 재즈 곡에서 오케스트라 재즈의 특징인 단성음악 작곡으로의 전환을 가져왔다. 호응 등 다른 구조적 기법은 레드먼 이전의 휘트먼 편곡에서도 나타났지만, 레드먼이 재즈 작곡의 기본 구조로 호응을 사용한 것은 그의 가장 중요한 업적으로 여겨진다.[6] 그의 아르페지오 코드, 구절적 대위법, 조성과 리듬의 변화, 그리고 복잡한 화성의 중첩 사용은 레드먼의 세련된 음악 작곡 능력을 보여준다.[7]
레드먼은 밴드를 목관악기 (색소폰과 클라리넷), 트럼펫, 트롬본, 그리고 리듬 섹션의 네 개 섹션으로 나누었다. 이것은 빅 밴드의 기본 구조(일반적으로 네 개의 트럼펫, 네 개의 트롬본, 다섯 개의 색소폰, 그리고 리듬 섹션 (피아노, 베이스, 기타, 드럼))가 되었다.[2]
악기 구성의 변화는 연주에 대한 유연성을 허용했다. 1920년대와 1930년대의 댄스 열풍은 관객의 춤에 대한 욕구를 수용한 밴드의 성공으로 이어졌다.[8] 예를 들어, 헨더슨의 밴드는 1920년대 초 로즈랜드 볼룸에서 연주를 시작했는데, 그의 레퍼토리에는 "핫 재즈"곡뿐만 아니라 왈츠도 포함되어 있었다.[4] 헨더슨이 관객을 고려한 것은 뉴욕시를 휩쓸고 있던 다양한 재즈 공연에서 오락의 중요성을 보여준다. 밴드 레퍼토리의 다양성은 대부분의 공연에 팝과 재즈 표준곡 모두를 포함한다는 것을 의미했는데, 이는 두 장르 모두를 연주하는 사람들에게 두 장르의 유기적인 융합을 가능하게 했다.
1929년 주식 시장 붕괴 이후, 휘트먼은 대중 음악 작곡과 연주에 집중했지만, 헨더슨의 밴드와 같은 다른 빅 밴드는 스윙 시대로 넘어갔다.
헨더슨과 레드먼은 재즈 전통에 뿌리를 둔 즉흥 연주의 자발성과 기교를 활용했다. 휘트먼의 홍보 담당자는 재즈 독주가의 시대가 끝났다고 선언했지만, 레드먼의 편곡은 편곡된 구절과 즉흥 연주 사이의 균형을 유지했고, 그 시대 최고의 음악적 재능을 보여주었다. 헨더슨의 밴드는 루이 암스트롱, 콜먼 호킨스, 로이 엘드리지, 베니 카터, 레스터 영, 추 베리 등 최고의 재즈 독주자들을 포함했다. 헨더슨과 레드먼이 1927년에 협력 관계를 끝낸 후, 헨더슨은 1931년에 작곡을 시작했다. 그는 오래된 재즈 레코드를 필사하고 풀 오케스트라에 맞게 편곡하여 작곡의 요소들을 익혔다.[7]
2. 3. 듀크 엘링턴
뛰어난 음악적 감각으로 널리 알려진 듀크 엘링턴은 14세에 작곡 경력을 시작했다.[2] 그는 수많은 음악을 작곡하고, 수천 개의 녹음에 담기고, 거의 50년 동안 공연했다. 엘링턴의 작곡은 사려 깊고 복잡하면서도 듣기 좋고 즐거운 음악적 예술을 만들어낸다는 미묘함이 있다.
엘링턴은 오케스트라 재즈를 정점으로 끌어올린 공로를 인정받고 있으며, 이는 1920년대 중반에 그가 얻은 명성에서 알 수 있다.[2] 플레처 헨더슨과 레드먼이 시도했지만, 엘링턴만큼 대규모 오케스트라를 사용하여 재즈 요소들을 매끄럽게 활용할 수 있는 아티스트는 없었다. 엘링턴의 많은 작품은 그의 밴드의 특정 멤버들을 위해 쓰여졌으며, 그들의 개별적인 재능을 부각하고 그들의 의견을 바탕으로 그의 사운드를 발전시켰다. 그의 오케스트라에는 조니 호지스, 벤 웹스터, 지미 블랜턴, 후안 티졸, 쿠티 윌리엄스, 해리 카니 등이 참여했으며,[2] 작곡가이자 편곡가이자 피아니스트인 빌리 스트레이혼과의 거의 30년간의 협업도 이루어졌다.[9] 엘링턴의 경력은 재즈 시대와 스윙 시대로 불리는 재즈 황금기의 정점으로 흔히 언급된다.
2. 4. 카운트 베이시 오케스트라
카운트 베이시 오케스트라는 미주리주 캔자스시티에서 베니 모튼의 사망과 그의 밴드 해체 이후 등장했다. 카운트 베이시는 1927년 캔자스시티에 와서 처음에는 월터 페이지와 모튼과 함께 연주했다. 베이시의 오케스트라에는 레스터 영, 조 키스, 오란 '핫 립스' 페이지, 버스터 스미스, 얼 워렌과 같은 많은 저명한 멤버들이 있었고, 나중에는 일리노이즈 자케, 폴 곤살브스, 럭키 톰슨이 합류했다.이 오케스트라는 피아노의 베이시, 드럼의 조 존스, 베이스의 월터 페이지, 기타의 프레디 그린을 포함한 리듬 섹션으로도 잘 알려져 있다. 이 리듬 섹션은 현대 빅 밴드의 사운드를 정의하는 데 기여했으며, 존스는 베이스 드럼에서 하이햇 심벌즈로 시간 유지 역할을 전환한 최초의 드러머 중 한 명이었고,[10] 페이지는 워킹 베이스라인의 선도적인 혁신가였으며, 그린은 4분의 4박자로 코드를 연주하는, 종종 약간 뮤트된 ''프레디 그린'' 스타일의 기타 연주를 개발했다.[2][11]
베이시 오케스트라는 닐 헤프티, 퀸시 존스, 새미 네스티코와 같은 편곡가들과의 작업으로도 잘 알려져 있다.[2][12]
3. 음악적 스타일 및 악기 구성
오케스트라 재즈는 초기 뉴올리언스 재즈에서 발전했다. 1920년대에는 폴 화이트먼의 음악적 영향을 부분적으로 받아, 그가 처음으로 심포닉 재즈로 상상했던 보다 세련되고 공식적인 형태의 다양한 재즈인 오케스트라 재즈로 이어지는 운동이 나타났다. 이 재즈 스타일은 유럽 고전 작곡의 요소와 뉴올리언스 재즈의 리듬 및 악기 사운드를 결합했다.
오케스트라 재즈는 밴드가 더 커서 특정한 풍부한 사운드를 만들어냈을 뿐만 아니라, 음악의 구조도 더 정교했다. 뉴올리언스 재즈는 집단적 즉흥 연주와 표준 곡의 자발적인 재해석을 특징으로 하는 반면, 재즈 오케스트라들은 공연 전에 작곡되고 편곡된 헤드 어레인지먼트를 연주했다. 초기 재즈의 활발하고 시끄러운 스타일은 오케스트라 재즈의 상대적인 절제만큼 인기를 얻지 못했다. 특히, 절제된 리듬의 구현은 인기의 많은 부분을 차지했다. 뉴올리언스 재즈를 연상시키는 2박자 그루브는 지미 블랜턴과 월터 페이지의 베이스 혁신으로 대체되었으며, 이들은 워킹 베이스 라인을 개발한 공로를 인정받고 있다. 이는 4/4 박자를 재즈 표준으로 만들었다.[2]
뉴올리언스와 시카고 스타일 재즈에서 오케스트라 재즈로의 가장 두드러진 변화는 다성음악에서 단성음악으로의 전환, 악기 구성의 전반적인 확장, 그리고 집합적 즉흥 연주보다는 사전에 편곡된 작곡에 대한 더 큰 강조를 포함한다. 1930년 이전에는 대형 밴드가 트럼펫, 트롬본, 색소폰 또는 클라리넷, 그리고 튜바, 밴조, 피아노, 드럼으로 구성된 리듬 섹션으로 구성되었다. 초기 대형 밴드는 전통적인 재즈 2박자 그루브를 중심으로 구성된 32마디의 유행가 또는 12마디 블루스를 연주하는 것이 일반적이었다. 그러나 대형 밴드 장르가 발전함에 따라 4박자 스윙 리듬이 가장 중요한 변화가 되었다. 이것은 부분적으로 리듬 섹션의 악기 구성 변화와 스트링 베이스의 도입, 그리고 밴조 대신 기타를 사용한 결과였다.
헤드 어레인지먼트는 아프리카계 미국인 음악의 전형적인 호응을 사용한다. 각 오케스트라 섹션은 특정 리프에 화성을 더하고 다른 섹션의 프레이즈에 응답한다.[6] 따라서 오케스트라 재즈곡은 계층화된 연주의 조화로운 소통에 의해 구축되고 해제되는 이러한 긴장을 통해 논리적으로 진행되었다.[2]
참조
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2022-04-16
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Sammy Nestico Songs, Albums, Reviews, Bio & More
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간행물
シンフォニック・ジャズ
音楽之友社
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シンフォニック・ジャズ
音楽之友社
[15]
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