교향곡 7번 (시벨리우스)
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1. 개요
교향곡 7번은 장 시벨리우스가 작곡한 단일 악장 형식의 교향곡이다. 1920년대 초에 작곡되었으며, 이전 교향곡들처럼 3악장 또는 4악장 구성으로 구상되었으나, 단일 악장으로 완성되었다. 이 곡은 C 장조를 기본으로 하며, 끊임없이 변화하는 템포, 선법, 아티큘레이션, 질감의 대조를 통해 다양성을 확보한다. 2개의 플루트, 2개의 오보에, 2개의 클라리넷, 2개의 바순, 4개의 호른, 3개의 트럼펫, 3개의 트롬본, 팀파니, 현악기로 구성되어 있다.
연속적인 단일 악장 교향곡이라는 개념은 시벨리우스가 오랜 실험 과정을 거친 후에야 도달한 것이었다. 1907년에 작곡된 그의 교향곡 3번은 3악장으로 구성되었으며, 이전의 4악장은 3악장에 융합되었다. 이 시도는 성공적이어서, 시벨리우스는 1915년에 완성한 교향곡 5번에서도 동일한 아이디어를 사용했다. 교향곡 7번에 대한 그의 첫 언급은 1918년 12월에 있었지만, 그 자료의 출처는 5번을 작업하던 시기인 1914년경으로 거슬러 올라간다.[3]
요제프 하이든 시대 이후 교향곡의 한 악장은 일반적으로 거의 일정한 템포로 통일되고, 다른 조에서 대조되는 주제를 사용하여 다양성을 확보하는 것이 일반적이었다. 시벨리우스는 교향곡 7번에서 이러한 방식을 완전히 뒤집었다. 이 교향곡은 C조(작품의 모든 중요한 구절은 C장조 또는 C단조)로 통일되어 있으며, 다양성은 거의 끊임없이 변화하는 템포, 선법, 조음, 질감의 대조를 통해 얻어진다.[7] 시벨리우스는 이전 교향곡 5번의 1악장에서 표준적인 교향곡 1악장 요소와 더 빠른 스케르초를 결합하며 비슷한 시도를 한 바 있으나, 7번 교향곡에서는 한 악장 안에 훨씬 더 광범위한 다양성을 담아냈다.
2. 작곡 배경 및 과정
1918년 시벨리우스는 이 교향곡에 대한 계획을 "''Appassionato'' 섹션과 함께 삶의 기쁨과 활력을 담는 것"이라고 설명했다. 교향곡은 3악장으로 구성되며 마지막 악장은 "헬레닉 론도"가 될 것이라고 했다.[4] 그러나 1920년대 초의 현존하는 스케치는 작곡가가 3악장이 아닌 4악장의 작품을 작업하고 있었음을 보여준다. 전체적인 조는 G단조인 것으로 보이며, C장조의 ''Adagio''인 2악장은 결국 교향곡을 구성하는 주제의 많은 부분을 제공했다.[4]
단일 악장 교향곡의 최초 초고는 1923년에 작성되었으며, 이는 시벨리우스가 이 시점에 다악장 작품을 포기하기로 결정했을 수 있음을 시사한다.[4] 1923년 여름 동안 작곡가는 여러 개의 초고를 더 만들었고, 그 중 최소 하나는 연주 가능한 상태였다. 그러나 교향곡의 결말은 아직 완전히 다듬어지지 않았다.[4]
1923년에서 1924년으로 넘어가면서 시벨리우스는 헬싱키 재단으로부터의 거액의 상금, 가족 생일, 그리고 여러 짧은 피아노 작품의 작곡 등 여러 외부 사건으로 인해 교향곡 작업에서 방해를 받았다. 교향곡으로 돌아왔을 때, 작곡가는 원고지에 글을 쓰면서 손을 안정시키기 위해 많은 양의 위스키를 마셨다고 주장했다.
교향곡 5번과 6번과 함께 7번은 시벨리우스가 미완성된 교향시인 ''쿠우타르''(Kuutar)의 자료를 마지막으로 활용한 작품이었다. 이 작품은 7번의 초기 부분, 즉 5번과 6번을 작곡하는 동안 만들어진 부분의 형태를 만드는 데 기여했다. ''쿠우타르''의 주제 중 하나인 ''Tähtölä''(별이 머무는 곳)는 7번의 시작 부분인 ''Adagio'' 섹션의 일부로 발전했다.[6]
이 교향곡은 다양한 요소를 하나의 악장 안에 엮어낸 스타일을 취하고 있으며, 이는 제5번, 제6번을 쓰면서 떠오른 새로운 아이디어였다. 시벨리우스의 교향곡 전체에서 느껴지는 통합에 대한 의지가 비로소 형상화된 작품이라고 평가받기도 한다. 이 곡의 진수는 유기적으로 융합된 교향곡의 각 요소를 응축된 음 속에서 표현해 냈다는 점에 있다. 연주 시간은 평균적으로 22분 정도이다.
3. 형식
연속적인 단일 악장 교향곡이라는 개념은 시벨리우스가 오랜 실험 끝에 도달한 것이었다. 1907년 작곡된 그의 교향곡 3번은 4악장을 마지막 3악장에 융합시킨 3악장 구성이었고, 이 아이디어는 1915년 완성된 교향곡 5번에서도 성공적으로 사용되었다. 교향곡 7번에 대한 첫 언급은 1918년 12월에 있었지만, 그 음악적 자료의 일부는 5번 교향곡 작업 시기인 1914년경까지 거슬러 올라간다.[3] 초기 구상 단계(1918년)에서는 3악장 형태("헬레닉 론도" 피날레 포함)였고,[4] 1920년대 초 스케치에서는 4악장(전체 조 G단조) 형태를 작업했음을 보여준다.[4] 현재 교향곡의 많은 주제는 당시 구상된 C장조의 ''Adagio'' 2악장에서 유래했다.[4] 시벨리우스가 최종적으로 단일 악장 형식을 결정한 것은 1923년경으로 추정된다.[4]
교향곡 5번, 6번과 마찬가지로 7번 교향곡은 미완성 교향시 ''쿠우타르''(Kuutar)의 음악적 아이디어를 활용한 마지막 작품이다. 특히 ''쿠우타르''의 주제 중 하나인 ''Tähtölä''(별이 머무는 곳)는 7번 교향곡 시작 부분의 ''Adagio'' 섹션으로 발전했다.[6]
이처럼 교향곡 7번은 여러 악장의 요소를 하나의 악장 안에 엮어낸 독특한 형식을 취한다. 이는 시벨리우스 교향곡 전체에서 나타나는 통합에 대한 의지가 최종적으로 구현된 작품으로 평가받는다. 이 곡의 핵심은 유기적으로 융합된 교향곡의 각 요소를 응축된 형태로 표현한 데 있다. 평균 연주 시간은 약 22분이다.
교향곡이라는 명칭을 사용하지만 단일 악장으로 구성되어 있으며, 속도 표시는 다음과 같이 변화한다.
단일 악장 구성이지만, 전체를 하나의 확장된 소나타 형식으로 볼 수 있고, 교향시와 같은 명확한 표제가 없기 때문에 교향곡으로 분류하는 것이 일반적이다.
4. 악기 편성
5. 악곡 구성
장 시벨리우스의 교향곡 7번은 전통적인 다악장 구조에서 벗어나 연속된 단일 악장으로 구성된 독창적인 형식을 가진다. 평균 연주 시간은 약 22분 정도이다.
요제프 하이든 시대 이래로 교향곡의 악장은 일반적으로 거의 일정한 템포를 유지하며 서로 다른 조의 주제를 대조시켜 다양성을 확보하는 것이 일반적이었다. 그러나 시벨리우스는 이 교향곡에서 이러한 방식을 뒤집었다. 작품 전체는 C조(다장조 또는 다단조)를 중심으로 통일성을 유지하며, 대신 거의 끊임없이 변화하는 템포와 더불어 선법, 아티큘레이션, 음악적 질감의 대조를 통해 풍부한 다양성을 만들어낸다.[7] 시벨리우스는 이미 교향곡 5번의 1악장에서 표준적인 교향곡 1악장 형식과 빠른 스케르초를 결합하는 시도를 했으나, 교향곡 7번에서는 단일 악장 안에 훨씬 더 광범위하고 유기적인 다양성을 담아냈다.
이러한 단일 악장 형식은 시벨리우스가 오랜 실험 끝에 도달한 결과물이다. 교향곡 3번에서 마지막 두 악장을 하나로 합치고, 교향곡 5번에서도 유사한 시도를 성공적으로 수행한 경험이 교향곡 7번의 혁신적인 구조로 이어졌다. 비록 교향곡이라는 명칭을 사용하지만, 단일 악장 구성과 교향시와 같은 명확한 표제가 없다는 점에서 독특하며, 확장된 소나타 형식으로 간주될 수도 있다. 이 곡은 교향곡의 여러 요소(서주, 발전, 스케르초, 종결 등)가 하나의 악장 안에 유기적으로 융합되어 응축된 형태로 표현된 점이 특징이다.
곡은 아다지오(Adagio)로 시작하여 비바치시모(Vivacissimo), 알레그로 모데라토(Allegro moderato), 프레스토(Presto) 등 다양한 속도 변화를 거치며 진행된다. 특히 곡의 중요한 순간마다 등장하는 트롬본의 장엄한 솔로 주제는 전체 구조를 하나로 묶는 핵심적인 역할을 수행한다.
5. 1. 아다지오 (Adagio)
교향곡 7번은 부드러운 팀파니 롤로 시작하며, 이어서 현악기에서 느리고 상승하는 싱코페이션된 C장조 스케일이 나타난다. 이 스케일은 팀파니의 G 음에서 시작하여 예상치 못한 A♭ 단조의 화음으로 이어진다. 초기 G음과 마지막 E♭음 사이의 음정인 단6도는 바그너의 《트리스탄과 이졸데》 시작 부분을 연상시키며, 이 구절 뒤에는 해당 작품에서 가져온 화음이 이어진다는 해석이 있다.[6]몇 마디 후인 11마디에서는 중요한 모티브가 플루트에서 조용히 제시되고 클라리넷에서 반복된다.
곧 코랄과 비슷한 구절에 도달하며, 비올라와 첼로가 서정적이고 찬송가와 같은 선율을 부드럽게 연주한다. 이 선율은 점차 고조되어 교향곡의 첫 번째 절정으로 이어진다.
절정에 이르러 오케스트라는 볼륨과 강도를 더하며, 첫 번째 트롬본이 교향곡의 주요 멜로디(60–64마디)를 연주한다. 이 멜로디는 작곡가의 스케치에서 그의 아내 아이노 시벨리우스의 이름을 따 "''Aino''"라고 표시되어 있다. 이 "Aino" 주제는 교향곡의 주요 순간마다 다시 나타나며, 각 시점에서 C를 조성으로 재확인하는 역할을 한다.
5. 2. 비바치시모 (Vivacissimo)
93마디에서 템포는 ''Un pochett[ino] meno adagio'' (조금 덜 느리게)로 변화한다. 시작 부분의 상승 음계를 바탕으로 한 도리아 선법의 새로운 주제가 오보에에서 나타난다(94, 95마디).[4] 템포는 여러 조성들을 거치며 점차 빨라지고(''affrettando''), 134마디에서는 박자표가 3/2박자에서 6/4박자로 바뀌며 긴장감을 높인다. 조표는 다단조로 변경된다.[4]곧이어 템포는 ''Vivacissimo'' (매우 생기 있게)로 빨라지며, 이 부분은 스케르초에 해당한다. 빠른 스타카토 화음이 현악기와 목관악기 사이에서 쾌활하고 리드미컬하게 주고받는다.[4] 음악은 현악기의 불길한 상승 및 하강 음계와 함께 폭풍우처럼 격렬한 분위기로 바뀌고, 앞서 등장했던 "''Aino''" 테마가 금관악기에서 다시 나타난다.[4]
5. 3. 이후 부분 (222–496 마디)
이 교향곡은 악보의 해당 지점에서 다음과 같은 템포 지시를 포함한다.- ''아다지오'' Adagio|아다지오ita – ''점점 덜 렌토로'' ... (222–257마디)
- ''알레그로 몰토 모데라토'' Allegro molto moderato|알레그로 몰토 모데라토ita – ''조금 빠르게'' (258–285마디)
- ''알레그로 모데라토'' Allegro moderato|알레그로 모데라토ita – ''점점 덜 모데라토로'' (286–408마디)
- ''비바체'' Vivace|비바체ita (409–448마디)
- ''프레스토'' Presto|프레스토ita – ''점점 랄렌탄도로'' ... (449–475마디)
- ''아다지오'' Adagio|아다지오ita (476–495마디)
음악은 계속해서 변화하며 여러 국면을 맞이한다. 현악기의 조용한 부분 이후, 파도와 같은 현의 울림 위에서 다시 트롬본의 주제가 울려 퍼진다. 그 후, 현악기와 목관악기가 서로 주고받는 듯한 음형이 나타나며 ''알레그로 몰토 모데라토'' 부분으로 들어선다. 이후 4분의 6박자의 ''비바체'' 부분은 스케르초에 해당하며, 쾌활하고 리드미컬한 성격을 띤다. 음악은 더욱 빨라져 ''프레스토''가 되는데, 이는 이 곡에서 가장 활발한 부분이다. 마지막으로 트롬본에 주제가 다시 등장하며 클라이맥스를 맞이한다.
5. 4. 라르가멘테 몰토 – 아페투오소 (Largamente molto – Affettuoso) (496–521 마디)
이 부분은 A♭에서 교향곡의 주요 조인 C장조로 돌아가는 화음 진행으로 끝나는데, 이는 시벨리우스의 이전 작품인 슬픈 왈츠 (쿠오레마)에서 직접 가져온 것이다.[8]5. 5. 템포 I (Tempo I) (522–525 마디)
마지막 4마디(522–525마디)는 원래의 ''Adagio'' 템포로 돌아간다. 이 부분은 논리적으로 이전의 ''라르가멘테 몰토(점점 더 느리게)''보다 빨라야 하지만, 대부분의 지휘자들은 오히려 느리게 연주한다. 현악기는 11–12마디의 주제를 변주하여 연주하고, 금관 악기와 목관 악기는 웅장한 C장조 화음을 연주한다.음악학자 라이오넬 파이크[9]는 현악기의 D–C 진행과 뒤따르는 B(딴이름한소리로 C♭와 같음)–C 진행이, 작품 시작 부분의 A♭ 단조 화음이 만든 불협화음을 최종적으로 해결하는 것이라고 설명한다. 또한 D–C 진행은 트롬본이 연주하는 '아이노' 주제의 첫 두 음과 같다. 아놀드 휘톨은 이 결말을 "승리적으로 갑작스럽다"고 평가했다.
6. 평가 및 해석
교향곡 7번은 다양한 교향곡적 요소들을 단 하나의 악장 안에 유기적으로 엮어낸 독특한 스타일을 보여준다. 이는 제5번, 제6번을 작곡하며 떠올랐던 새로운 아이디어들이 구체화된 결과로, 시벨리우스가 자신의 교향곡 전체를 통해 추구했던 통합의 의지가 마침내 완성된 형태로 나타난 작품으로 평가받는다. 이 곡의 핵심은 유기적으로 융합된 교향곡의 각 요소들을 응축된 소리 안에 효과적으로 담아냈다는 점이다.
작품은 초기에 D 장조로 구상되었던 것으로 보이나, 최종적으로는 다장조로 완성되었다. 당시 작곡계 일각에서는 다장조가 더 이상 새로움을 제공하기 어렵다고 여겨, 다장조 작곡을 회의적으로 보는 시각도 있었다. 그러나 이러한 통념과 달리, 영국의 작곡가 랄프 본 윌리엄스는 이 교향곡을 접한 후 "시벨리우스만이 다장조를 완전히 새롭게 들리게 할 수 있다"고 감탄하며 높이 평가했다. 음악 평론가 피터 프랭클린 역시 이 곡의 극적인 결말을 "다장조의 가장 웅장한 축하"라고 묘사했다.
시벨리우스는 7번 교향곡을 완성한 후에도 33년을 더 살았지만, 이 작품은 그가 남긴 마지막 교향곡이 되었다. 그는 이후 중요한 관현악 작품인 교향시 ''타피올라''를 완성했으나, 오랫동안 작업했던 것으로 알려진 교향곡 8번의 악보는 스스로 소각한 것으로 전해진다. 이로 인해 교향곡 7번은 시벨리우스가 교향곡이라는 형식에 대해 남긴 마지막 음악적 진술로 평가받고 있다.
연주 시간은 평균적으로 22분 정도이다.
7. 연주
가장 오래된 녹음은 1933년 세르게이 쿠세비츠키가 지휘한 BBC 교향악단의 연주이다.
오랫동안 존 바비롤리 지휘 할레 관현악단(1966년), 콜린 데이비스 지휘 보스턴 교향악단(1975년), 파보 베르글룬드 지휘 헬싱키 필하모닉 관현악단(1984년) 등의 녹음이 널리 알려져 왔다. 최근에는 파보 베르글룬드가 지휘한 유럽 실내 관현악단(1995년)의 녹음이나 오스모 벤스케가 지휘한 라흐티 교향악단(1997년)의 정교하고 자연스러운 연주 등 다양한 스타일의 녹음들이 등장하여 선택의 폭이 넓어졌다. 일본에서는 와타나베 아키오 지휘 헬싱키 필하모닉 관현악단이 후쿠오카 선 팰리스에서 가진 라이브 연주 녹음(1982년)이 있다.
참조
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