민족음악학
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1. 개요
민족음악학은 음악을 문화적 맥락에서 총체적으로 탐구하는 학문으로, 민속학, 인류학, 언어학 등 다양한 분야를 통합한다. 이 학문은 음악을 문화 속의 현상, 문화로서의 표현, 문화를 반영하는 매체로 바라본다. 민족음악학은 19세기 유럽과 미국의 민속 음악 연구에서 시작되어, 20세기 초 비교음악학으로 발전했다. 제2차 세계 대전 이후 현장 연구를 강조하며, 음악을 만드는 사람들의 관점을 중시하는 방향으로 전환되었다. 연구 방법은 인류학적, 음악학적 접근으로 나뉘며, 현장 연구와 참여 관찰을 통해 음악을 연구한다. 주요 쟁점으로는 음악의 보편성, 언어학과의 관계, 비교 연구, 윤리, 젠더, 저작권, 정체성, 세계화 등이 있으며, 탈식민주의적 관점과 의학적 측면에서도 연구가 이루어진다.
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- 민족음악학 - 선사 음악
선사 음악은 문자 기록 이전 시대의 음악으로, 고고학적 발견과 민족지학적 연구 등을 통해 추정되며, 인간의 목소리를 시작으로 자연물을 활용한 악기 제작으로 발전하여 사회 문화적 맥락에서 중요한 역할을 했다.
| 민족음악학 | |
|---|---|
| 개요 | |
| 학문 분야 | 인류학, 민족학, 음악학 |
| 연구 대상 | 음악의 문화적 측면, 음악과 사회의 관계 |
| 주요 연구 방법 | 참여 관찰, 인터뷰, 문헌 연구, 음악 분석 |
| 관련 학문 분야 | 문화인류학, 사회학, 음악사, 비교음악학 |
| 정의 | |
| 정의 | 음악의 문화적 측면을 연구하는 학문 |
| 특징 | 다양한 문화권의 음악을 비교 연구 음악이 사회에 미치는 영향 분석 음악을 통해 문화를 이해 |
| 역사 | |
| 기원 | 19세기 후반 비교음악학에서 발전 |
| 발전 | 20세기 문화인류학의 영향을 받아 학문적 체계 확립 |
| 주요 학자 | 알란 메리암 존 블랙킹 브루노 네틀 |
| 연구 분야 | |
| 음악과 문화 | 음악의 사회적 기능, 음악과 종교, 음악과 정치 |
| 음악과 정체성 | 음악과 민족, 음악과 젠더, 음악과 계급 |
| 음악과 변화 | 음악의 전승과 변형, 음악과 세계화, 음악과 기술 |
| 연구 방법 | |
| 참여 관찰 | 연구 대상 문화권에 직접 참여하여 음악 활동 관찰 |
| 인터뷰 | 음악가 및 지역 주민과의 인터뷰를 통해 음악에 대한 이해 심화 |
| 문헌 연구 | 관련 문헌 및 자료 분석 |
| 음악 분석 | 음악의 구조, 형식, 연주 방식 분석 |
| 민족음악학의 과제 | |
| 과제 | 다양한 문화권의 음악에 대한 이해 증진 음악을 통한 문화 간 소통 촉진 음악의 가치 보존 및 활용 방안 모색 |
| 참고 문헌 | |
| 참고 문헌 | Merriam, Alan P. (1964). *The Anthropology of Music*. Northwestern University Press. Nettl, Bruno (2015). *The Study of Ethnomusicology: Thirty-One Issues and Concepts*. University of Illinois Press. Blacking, John (1973). *How Musical Is Man?* University of Washington Press. |
| 외부 링크 | |
| 외부 링크 | Society for Ethnomusicology (SEM) International Council for Traditional Music (ICTM) |
2. 정의
민족음악학은 음악을 문화적 맥락에서 총체적으로 탐구하는 학문이다.[1] 'ethno'(민족)와 'musicology'(음악 연구)의 결합으로, 민속학, 심리학, 문화인류학, 언어학, 비교 음악학, 음악 이론, 역사 등 다양한 분야를 통합하여 음악과 사람에 대한 연구를 진행한다.[2][3]
민족음악학의 기원은 19세기 유럽과 미국의 민속학자들이 민속 음악을 보존하고 연구하기 시작한 것에서 찾을 수 있다.[16] 오스카르 콜베르크는 1839년 폴란드 민요를 수집한 초기 유럽 민족음악학자 중 한 명이다.[16] 19세기 말, 알렉산더 J. 엘리스는 여러 민족의 음계를 측정하고 비교하는 방법을 제시하여 객관적인 음악 분석의 기초를 마련했다.[17]
민족음악학자들은 음악을 단순히 이론적, 음향적, 역사적 관점을 넘어, 문화 속의 음악, 문화로서의 음악, 그리고 문화를 반영하는 음악으로 바라본다.[7][8] 즉, ''민족음악학''은 모든 음악을 인간 사회적 및 문화적 현상으로 연구하는 학문으로 발전했다. 윌라드 로즈(Willard Rhodes)는 민족음악학을 음악학과 문화 인류학의 융합으로 묘사하고, 음악의 과학적 연구와 그 안의 문화적 현상 해석에 초점을 맞추면서 "감정적 표현으로서의 음악"을 강조했다.[9] 앨런 메리엄(Merriam)은 민족음악학을 "문화 속의 음악 연구"로 보고, 음악학이 인간 본성에서 핵심적인 역할을 하는 인간 중심적인 노력임을 강조했다.[10] 그는 사회적, 문화적 요인이 음악에 미치는 영향과 그것이 얼마나 인간 중심적인지를 강조함으로써 비교음악학과의 뚜렷한 본질을 구별했다.[11] 만틀 후드(Mantle Hood)는 연구 대상 음악을 직접 참여하고 연주하는 것의 중요성을 강조하며, 학문적 연구뿐만 아니라 직접 연주하는 행위도 똑같이 중요하다고 주장했다.[12]
민족음악학 연구는 민족지학적 현장 연구에 담긴 공통적인 방법론적 접근 방식을 공유한다. 민족음악학자들은 종종 음악을 만드는 사람들 사이에서 주요 현장 연구를 수행하며, 언어와 음악 자체를 배운다. 또한 만틀 후드(Mantle Hood)가 "이중 음악성"이라고 명명한, 음악 전통을 연주하는 것을 배우는 데 참여 관찰자의 역할을 한다.[22]
야프 쿤스트에 의해 만들어진 에스노뮤직콜로지(Ethnomusicology)라는 단어는, 서양 전통 음악 이외의 음악을 대상으로 한다. 서양 음악 학자들에게는 자국에 없는 음악을 연구하는 것이 되므로, 녹음 재생 기술, 교통 및 운송의 발달로 인해 전 세계에서 음악을 수집하기 쉬워진 점이 연구를 용이하게 했다고 지적된다.
가믈란 음악이나 아악과 같은 "민족 음악"이 고유한 문화에 속하는 음악이라면, 서양 예술 음악도 고유한 문화에 속한 "민족 음악"임은 부정할 수 없다. 그러므로 비서양 음악의 연구를 에스노뮤직콜로지라고 하는 것은 차별적인 용어이기 때문에, 최근에는 '''음악 민족학'''이라는 명칭[264]을 사용하는 것이 일반화되고 있다. 음악 인류학이라는 용어도 사용되기도 한다.
과거에는 각 민족의 음악을 비교하는 분야를 비교 음악학이라고 불렀지만, 이는 19세기 말 구미 열강의 식민지 음악과 서양 음악을 "비교"하는 것에서 시작되었다. 식민지 음악과 서양 음악의 비교를 통해 음악의 기원을 추구하고, 음악이 원시적인 형태에서 서양 음악과 같은 진화된 형태로 변화하는지를 해명하는 것을 목표로 삼았다. 이러한 역사적 배경으로 인해, 최근에는 "에스노뮤직콜로지"라는 명칭과 함께 사용되지 않게 되었지만, 에스노뮤직콜로지라는 단어로 작성된 논문은 현재에도 상당수 발견된다.
3. 역사
20세기 초, 칼 슈툼프와 에리히 M. 폰 호른보스텔은 비교 음악학을 제도화하고, 베를린 음성자료 보관소를 설립하여 비서구 음악을 체계적으로 수집하고 보존했다.[18][19] 이 보관소는 다양한 음악 형태를 과학적 정확성으로 기록하고 분석할 수 있게 해주었으며, 이는 이 분야의 중요한 발전이었다. 호른보스텔은 음악 전통 전반의 음높이, 리듬, 음색과 같은 요소의 객관적인 분석을 강조하는 비교음악학적 방법을 개발했다. 그의 연구는 표준화된 전사 및 녹음 기법의 사용을 장려하여, 서로 다른 문화적 맥락의 음악을 상세하게 비교할 수 있게 했다.
제2차 세계 대전 이후, 민족음악학은 현장 연구를 강조하며, 음악을 만든 사람들로부터 직접 음악에 대한 의미를 얻는 방식으로 전환되었다. 초기에는 "비교 음악학"으로 알려졌던 이 분야는 서양 음악을 다른 음악 전통과 비교하는 기준으로 삼았다. 이러한 접근 방식은 서구적 편견을 서구 외 음악에 강요한다는 비판을 받게 되었고, 이에 따라 학자들은 1950년대에 "비교 음악학"에서 "민족음악학"으로 전환했다.[13]
1960년대 초부터 일부 민족음악학자들은 민족음악학적 방법을 서양 음악 연구에도 사용해야 한다고 제안했다. 앨런 메리엄은 1960년 논문에서 민족음악학을 비서양 음악 연구가 아닌 문화 속의 음악 연구로 정의했다.[8] 현대 민족음악학자들은 대부분 이 분야가 서양 음악뿐만 아니라 비서양 음악에도 적용된다고 간주한다.[108] 헨리 킹스버리는 그의 저서인 『음악, 재능, 그리고 공연』에서 미국 북동부의 한 음악원을 전통적인 민족음악학의 현장 연구 방법을 사용하여 연구했다.[98] 브루노 네틀은 서양 음악 문화의 상징성을 언급하며, 문학 작품에 따라 베토벤의 음악을 문자 그대로 해석하는 음악 분석가의 구체적인 예를 인용했다.[111][112]
마틴 스토크스는 서양과 비서양을 포함한 많은 문화에서 정체성의 다양한 측면에 관한 연구를 진행했다.[114] 그는 다양한 문화에서 음악과 관련된 젠더에 대해 글을 썼으며, 종종 젠더 문제와 관련된 행사를 주재하는 것으로 보이는 음악가들의 흔한 현상이나 문화가 통제의 한 형태로 음악가를 "무성"하게 만들려고 할 수 있는 방법을 분석했다.[115] 토마스 투리노는 서양 사회의 미디어가 소비주의에 미치는 영향에 대해 언급했다.[118]
에스노뮤직콜로지(Ethnomusicology)라는 단어는 네덜란드 학자 야프 쿤스트에 의해 만들어졌다. 가믈란 음악이나 아악과 같은 이른바 "민족 음악"이 고유한 문화에 속하는 음악이라면, 서양 예술 음악도 예외 없이 고유한 문화에 속한 "민족 음악"임은 절대 부정할 수 없다. 그러므로 비서양 음악의 연구를 에스노뮤직콜로지라고 하는 것은, "민족 음악"이라는 음악이 마치 실제로 존재하는 것처럼 착각을 일으키는 차별적인 용어이기 때문에, 최근에는 음악의 민족학적 연구라는 의미에서의 '''음악 민족학'''이라는 명칭[264]을 사용하는 것이 일반화되고 있다. 또한 음악 인류학이라는 용어도 사용되기도 한다.
3. 1. 한국 민족음악학의 역사
4. 이론 및 방법
민족음악학은 문화 인류학, 문화 연구, 사회학을 비롯한 사회 과학 및 인문학 분야의 이론과 방법을 적용한다.[20] 연구 방법은 크게 ''인류학적'' 접근과 ''음악학적'' 접근으로 나뉜다. 인류학적 접근은 음악을 통해 사람과 문화를 연구하는 반면, 음악학적 접근은 음악을 배우기 위해 사람과 문화를 연구한다.[21] 찰스 시거는 음악의 인류학이 음악이 "문화와 사회 생활의 일부"가 되는 방식을 연구하고, 음악 인류학은 "사회 생활을 수행으로 연구"하며, "음악이 사회적, 개념적 관계와 과정의 구성과 해석의 일부"가 되는 방식을 조사한다고 설명했다.[21]
찰스 시거와 맨틀 후드는 음악학적 접근 방식을 대표하는 학자이다. 후드는 미국에서 민족음악학 전공 대학 프로그램을 처음 시작했으며, 학생들에게 연구 대상 음악을 직접 연주하는 방법을 배울 것을 강조했다. 그는 이를 "''이중 음악성''"이라 칭하며, 자민족 중심주의를 극복하고 서구 중심적 분석 관습을 초월하기 위한 방법으로 제시했다.[22] 시거 역시 음악과 그것이 사람들에게 미치는 영향에 집중하여 비교 관행을 초월하려 노력했다.
스티븐 펠드와 앨런 메리엄은 인류학적 접근 방식을 따르는 대표적인 학자이다. 이들은 현장 연구와 참여 관찰의 중요성을 강조하며, 연주 전통이나 음악 기술에 대한 개인적 경험, 토착 앙상블 참여 등 다양한 현장 연구 방법을 포함한다. 앨런 메리엄은 민족음악학을 "문화로서의 음악"으로 정의하고, 비서구 음악 보호 및 설명, "민속" 음악 보존, 세계 이해 증진을 위한 의사소통 수단으로서의 음악 연구, 원시 연구 관심자를 위한 탐구 및 성찰의 길 제공 등 네 가지 목표를 제시했다.[23]
민족음악학의 두 가지 접근 방식은 문화가 음악에 미치는 영향과 음악이 문화에 미치는 영향에 대한 지식을 모두 제공하며, 이 분야에 고유한 관점을 제시한다.
4. 1. 현장 연구
현장 연구는 민족음악학 연구의 핵심 요소이며, 음악을 만드는 사람들 사이에서 장기간의 참여 관찰을 통해 이루어진다.[39] 브루노 넷틀(Bruno Nettl)은 현장 조사를 "음악, 문화 등을 현장에서 직접 조사하는 것"으로 정의하며, 인류학과 민족음악학이 현장 조사의 중요성에서 가장 가깝다고 말한다.[40] 그는 민족음악학 현장 조사가 인류학적 현장 조사와 다른 점은 전자가 "녹음, 촬영, 비디오 촬영, [및] 텍스트 수집의 특별한 문제"에 대한 더 많은 "실용적인" 정보를 필요로 하기 때문이라고 언급한다.[40]19세기부터 20세기 중반까지, 유럽 학자들은 사라져가는 음악 문화를 보존하기 위해 왁스 실린더에 악보나 오디오 녹음을 수집했다.[43] 칼 슈툼프, 에리히 M. 폰 호른보스텔, 오토 아브라함은 베를리너 포노그램-아카이브를 설립하여 이러한 녹음을 연구하고 보존하여 현대 음악민족학의 토대를 마련했다.[44] 그러나 슈툼프와 호른보스텔은 현장 연구에 거의 참여하지 않고 다른 학자들의 현장 연구를 활용하는 "안락의자 분석" 방식을 사용했다.[44] 제2차 세계 대전 이후, 음악민족학자들은 현장 연구를 통해 음악을 만든 사람들로부터 음악에 대한 가장 정확한 인상과 의미를 얻기 위해 대면 상호 작용을 강조했다.[44]
벨라 바르토크는 ''헝가리 민요''에서 헝가리 민요의 다양한 특징을 분석하면서 자신이 직접 만든 녹음뿐만 아니라 비카르 벨라/Vikar Bélahu, 졸탄 코다이, 라슬로 라야 등 다른 음악가들의 악보에도 의존했다.[45] 1935년 미국 인류학자에 게재된 조지 허조그의 기사 "평원 유령 무용과 대분지 음악"에서는 유령 무용 노래의 구조와 멜로디 윤곽을 분석하고, 미국 원주민 부족 음악에서 나타나는 "쌍을 이루는 패턴"이 부족 간에 이동했을 수 있다고 언급한다.[46] 1950년대에 자프 쿤스트는 소리를 녹음하고 악보로 옮기기 위한 현장 연구에 대해 썼으며, 슈툼프가 설립한 아카이브를 포함한 다양한 "포노그램-아카이브"를 열거한다.[47]
나바호족 음악에 대한 데이비드 P. 맥앨리스터의 선구적인 연구는 적의 길 의식의 음악에 대해 자세히 설명하고, 음악에 대한 태도 분석을 바탕으로 나바호족의 문화적 가치를 찾고자 했다.[48][49] 앨런 메리엄은 맥앨리스터의 연구를 "나바호족의 가치 체계 측면에서 음악을 문화와 연결하고 문화를 음악과 연결하는 것"이라고 평가하며, 1956년 당시 그러한 연구 아이디어가 "놀랍게도 음악민족학자들에게 드물게 나타났다"고 언급했다.[50]
1964년 앨런 메리엄은 ''음악 인류학''에서 "음악민족학은 목표에 대한 지식이 심각하게 제한된 아마추어 현장 수집가로 인해 어려움을 겪어왔다"고 지적하며, 현장 연구 방법론이 광범위한 의미에서 결정된다고 말했다.[51] 그는 음악적 물질 문화, 노래 가사, 음악의 범주, 음악가, 음악의 사용 및 기능, 창의적인 문화 활동으로서의 음악 등 여섯 가지 조사 분야를 제시했다.[52]
브루노 네틀은 20세기 초 현장 연구를 음악 추출로 묘사했지만, 1920년에서 1960년 사이에 현장 연구자들은 전체 음악 시스템을 매핑하고 현장에서 더 오래 머물렀으며, 1950년대 이후 일부는 음악 문화에 참여하기도 했다.[54] 만틀 후드는 인도네시아 음악가들로부터 슬렌드로 음계와 레밥 연주법을 배우고, 인도네시아 음악의 특징과 "사회적, 경제적 가치 평가"에 관심을 가졌다.[53] 1980년대에 이르러 참여 관찰 방법론은 북미 음악민족학 전통에서 표준이 되었다.[54]
기술 발전으로 연구자들은 디지털 녹음과 비디오 카메라를 활용하여 녹음이 연구된 음악을 보다 정확하게 나타낼 수 있게 되었고, 현장 기동성도 높아졌다.[43] 그러나 비디오 녹음이 문화적 텍스트로 간주되면서 일부 음악민족학자들은 "안락의자 분석"으로 되돌아가기도 했다.[55] 인터넷과 온라인 커뮤니케이션은 음악민족학자들이 가상 공동체 내에서 새로운 현장 연구 방법을 개발할 수 있도록 했다.
1970년대에는 인류학 분야의 움직임에 대한 대응으로 현장 연구에 윤리적으로 접근해야 할 필요성이 커졌다.[56] 마크 슬로빈은 현장 연구에 윤리를 적용하는 것에 대해 자세히 적었다.[57] 현장 연구 중 발생할 수 있는 윤리적 문제는 음악 연주자의 권리와 관련되며, 현장 연구는 음악을 연주하는 그룹이나 개인으로부터 완전한 허가를 얻고, 음악과 관련된 권리와 의무에 민감하게 접근해야 한다.
민족음악학 현장 연구의 또 다른 윤리적 딜레마는 자민족 중심주의(유럽 중심주의)이다. 앤서니 시거는 현장 연구 내 윤리에 대한 연구를 통해 자민족 중심적인 발언을 피해야 함을 강조했다.[58] 그는 브라질의 수야 인디언과의 관계를 통해 현장 연구의 복잡성을 설명하며, 노래가 수야 문화에 어떻게 존재하게 되었는지 탐구하는 대신, 노래가 현재 문화를 어떻게 창조하는지, 그리고 수야 사회 생활의 측면을 음악적이고 공연적인 관점에서 어떻게 볼 수 있는지 설명한다.[58]
최근 수십 년 동안 민족음악학자들은 현장 연구가 윤리적으로 수행되고 연구 대상 공동체에 대한 전체적인 감각을 제공하는지 확인하는 데 더 많은 관심을 기울였다. 연구자들은 특정 사회의 음악을 유럽 모델과 비교하지 않고 연구 대상 문화의 맥락 내에 배치하여 "우리 대 그들" 접근 방식을 피하는 것을 목표로 한다.[41]
브루노 네틀과 다른 학자들은 "추한 민족음악학자"라는 인식을 피하고자 하며, 라비 샹카르부터 V. 코피 아가우에 이르기까지 많은 학자들이 비유럽 음악을 거만하게 다루는 민족음악학을 비판했다.[63] 네틀은 연구자들이 연구하는 문화를 존중하고, 문화 및 음악 작품을 연구하는 많은 유물 중 하나로 취급하는 것을 피해야 한다고 주장한다.[64]
문제의 일부는 대다수의 민족음악학자들이 "비서구 음악을 연구하는 서구 사회의 구성원"이라는 점이며,[63] 이는 부유하고 백인 개인들이 특권과 자원을 이용하고 있다는 인식을 조장한다. 연구자들은 토착 음악의 진기함에 대한 거만한 보고서를 작성한다는 인식을 피하고 싶어한다.[64]
연구자들은 민족음악학 분야 내의 증가하는 다양성이 윤리적 우려를 완화하는 데 도움이 될 것이라고 낙관하며, 찰스 케일은 "'그들' 중 더 많은 사람들이 '우리'를 연구하고 싶어함에 따라, 더 관심 있는 인류학이 등장할 것"이라고 제안한다.[65] 마크 슬로빈은 대부분의 윤리적 우려는 현장 연구 중 연구자와 정보 제공자 간의 상호 작용에서 비롯된다고 언급한다. 네틀은 연구하고 싶은 공동체에 접근하는 외부인이라는 느낌을 설명하며, 민족음악학자들이 현지 인구와 문화를 알려고 시도하면서 착취를 피하려고 할 때 불안감을 느낀다고 말했다.
민족음악학자들은 장기적인 거주 연구를 수행하여 관점의 격차를 메우려고 시도한다. 1927년 조지 헤르조그는 애리조나의 피마 부족과 두 달을 보냈는데, 이는 오늘날 기준으로는 짧은 시간으로 간주될 수 있다. 현장 연구 기간은 종종 1년 이상 지속될 수 있지만, 연구자가 공동체의 음악에 대한 대표적인 표본을 얻도록 보장하는 적절한 기술 없이는 쓸모가 없다. 네틀은 블랙풋족과 함께 일했을 때, 처음에는 그에게 블랙풋족 음악을 가르치는 가수가 훌륭한지 여부에 크게 신경 쓰지 않았지만, 곧 새로운 관점을 얻고 "더 이상 토착 사회의 모든 정보 제공자가 나에게 같은 이야기를 할 것이라고 가정하지 않았으며, 본질적인 동질성에 대한 생각을 버렸다."[66]
현장에서는 무수한 윤리적 고려 사항이 있으며, 슬로빈은 그가 접했거나 들은 것 중 일부를 요약하고 설명한다. 민족음악학자들은 희귀하고 유일무이한 악기를 구입하여 보존할지, 아니면 그것을 만든 음악가와 함께 남겨둘지, 아니면 다양한 노래나 춤을 관람, 참여 또는 녹음할 수 있는지, 또는 연구자가 귀가한 후 현장 연구의 비디오 또는 기타 제품을 누가 볼 수 있는지와 같은 딜레마에 직면할 수 있다.[57]
4. 2. 분석
민족음악학 연구는 학제적 접근 방식을 필요로 하며, 분석 방법은 문화 연구와 관련된 문제들을 인식하면서 변화해 왔다.[24][25] 특히 "다른" 비서구 문화의 음악을 서양 음악의 기준으로 다루는 문제[24]와 분석 방법론에 내재된 문화적 함의가 주요 문제로 제기된다.[25] 코피 아가우는 아프리카 음악에 대한 학문이 새로운 분석 시스템을 개발하여 차이점을 강조하기보다는, 서양 악보를 사용하여 유사성을 강조하고 아프리카 음악을 주류 서양 음악 학문에 포함시킬 것을 제안한다.[26]일부 학자들은 포괄적인 "객관적" 분석 방법을 선호하며, 음악에 특정 지각적 또는 인지적 보편성이 존재하여 문화 전반에 적용 가능한 분석 틀을 구성할 수 있다고 주장한다. 반면, 다른 학자들은 "원주민" 또는 "주관적" 방법론을 주장하며, 모든 분석적 접근 방식이 가치 판단을 통합하며, 음악을 이해하려면 문화적 맥락 내에서 분석을 구성하는 것이 중요하다고 본다.[25] 1970년대 중반 미에치슬라프 콜린스키와 마르시아 허던은 분석과 종합의 방법론, 그리고 주관성과 객관성에 대해 논쟁했다.[25][27][28][29] 허던은 "원주민 범주"와 귀납적 사고를 지지하며, 분석을 정해진 계획에 따라 전체를 분해하는 것, 종합을 작은 요소에서 시작하여 음악적 재료에 맞춰 조정하여 하나의 실체로 결합하는 것으로 구분했다.[25] 콜린스키는 분석의 이점을 옹호하며 음악적 사실과 법칙을 인정해야 한다고 주장했다.[29]
이러한 논쟁에도 불구하고, 민족음악학은 아직 표준적인 분석 방법이나 방법론을 확립하지 못했다. 그러나 센트 시스템, 칸토메트릭스, 멜로디 윤곽 측정 등 다양한 분석 도구가 개발되었다. 알렉산더 J. 엘리스가 개발한 센트는 음성학자이자 수학자인 그가 음높이의 결정적인 단위로 개발한 것이었다.[31] 엘리스는 센트 시스템을 통해 비교음악학, 나아가 민족음악학의 기초에 기여했다. 호른보스텔은 엘리스를 "비교 과학 음악학의 진정한 창시자"라고 선언했다.[31] 엘리스는 옥타브를 1200센트(각 서양 반음에 100센트)로 나누어 다양한 유형의 음악의 음계 시스템을 분석하고 비교했다. 그는 전 세계의 음높이와 음계 시스템이 자연적인 것이 아니라 인간의 "조직화된 선호"에 의해 만들어진 "인위적인 것"이며, 지역마다 다르다고 인식했다.[34] 앨런 로맥스(Alan Lomax)의 칸토메트릭스 방법은 노래 분석을 통해 다양한 문화에서 인간 행동을 모델링하는 데 사용되었다.[37] 그는 음악적 특성과 음악의 원본 문화의 특성 사이에 상관 관계가 있다고 가정했다. 미에치슬라프 콜린스키는 멜로디 패턴의 시작과 끝 음 사이의 정확한 거리를 측정하여, 유럽 음악과 비유럽 음악 사이의 유사점을 강조했다.[24] 그는 또한 유럽 음악은 상승하는 멜로디 라인을, 비유럽 음악은 하강하는 멜로디 라인을 특징으로 한다는 에리히 폰 호른보스텔의 가설을 반증했다. 스티븐 펠드는 "문화 시스템으로서의 소리"에 관한 기술적인 민족지학적 연구를 수행했다.[38]
5. 주요 쟁점 및 논쟁
민족음악학의 주요 쟁점은 음악의 보편성, 언어학 및 기호학과의 관계, 비교 연구, 내부자/외부자 인식론, 윤리, 젠더, 대중 매체, 저작권, 정체성, 민족주의, 세계화, 인지, 탈식민주의, 민족성, 의학 민족음악학 등 다양한 분야를 아우른다.
음악의 보편성음악이 "보편적인 언어"라는 비유에도 불구하고, 모든 종류의 음악에 공통적으로 적용되는 특징을 정의하는 것은 여전히 논쟁거리다.[67] 19세기 롱펠로우와 같은 음악학자들은 음악이 인류의 보편적인 언어라고 주장했지만,[68] 브루노 넷틀(Bruno Nettl)은 음악이 보편적 언어라기보다는 방언에 가깝다고 반박한다.[68] 그는 다양한 종류의 음악에도 불구하고 전 세계 사람들이 노래하고 연주하는 방식은 유사하다고 결론짓는다.[69] 데이비드 P. 맥앨리스터(David P. McAllester)는 준 보편성(quasi-universals)을 제시하며, 음악이 경험을 변형시키고 모든 사람에게 신비로운 경험을 현실화한다고 주장한다.[69] 클라우스 P. 바흐스만(Klaus P. Wachsmann)은 맥앨리스터의 주장에 대해 음악이 주관적인 주제이므로 준 보편성조차 찾기 어렵다고 반박한다.[70] 조지 리스트(George List)는 음악이 생산하는 무언가가 독특하며, 그것이 항상 생산된 그룹에 중요성을 갖는다고 주장한다.[71] 데인 하우드(Dane Harwood)는 심리학적 관점에서 음악의 보편성을 탐구하며, 기본적인 인간의 인지 및 사회적 과정의 문제라고 주장한다.[72] 최근 연구에 따르면, 많은 음악 전통의 조율 음표가 신토닉 조율의 조율 연속체에 속하며, 이는 조율이 잠재적인 보편성이 될 수 있음을 시사한다.[73][74]
언어학 및 기호학음악 기호학은 음악을 기호 체계로 연구하는 분야로,[75] 인류학, 언어학, 음악학의 학제 간 연계를 통해 분석적 관점을 생성한다.[77] 1970년대 찰스 시거(Charles Seeger)와 장자크 나티에(Jean-Jacques Nattiez)는 언어학적 방법론을 민족음악학 연구에 적용할 것을 제안했다.[78][79] 주디스 베커(Judith Becker)와 알톤 L. 베커(Alton L. Becker)는 자바 가믈란 음악 이론 연구에서 음악적 "문법"의 존재를 이론화했다.[80] 나티에는 언어학적 방법을 민족음악학에 포함시키면 분야의 상호 의존성이 증가할 것이라고 제안했다.[79] 존 블랙킹(John Blacking)은 벤다 음악 연구에서 음악 분석 문법을 만들고자 했다.[81] 그러나 스티븐 펠드(Steven Feld)와 같은 비평가들은 음악이 특정 문화에서만 언어와 유사하며, 언어학적 분석이 문화적 맥락을 무시할 수 있다고 주장한다.[82]
비교 연구민족음악학은 비교음악학에서 발전했기 때문에, 일부 연구는 분석적 비교를 특징으로 한다.[30] 앨런 롬맥스(Alan Lomax)의 칸토메트릭스(cantometrics)는 다양한 종류의 음악과 문화를 비교하는 데 사용되었지만,[83] 발음의 정확성과 같은 일부 방법은 신뢰도가 떨어진다.[84] 브루노 넷틀은 비교 연구가 유행을 타는 듯하며, 민족 중심주의와 해당 분야에서의 위치에 대한 많은 비판을 낳는다고 지적했다.[85]
내부자/외부자 인식론민족음악학적 글쓰기에서 내부자/외부자 구분은 오랜 논쟁의 대상이었다.[86] 외부자가 다른 문화를 연구할 자격이 있는지, 주관적 이해가 연구에 미치는 영향 등이 논의된다.[87] 넷틀은 현장 연구자가 완전한 이해를 얻기 위해 외부자 문화에 몰입하려 할 수 있지만, 이는 연구자를 맹목적으로 만들 수 있다고 설명한다.[89] 티모시 라이스(Timothy Rice)는 불가리아 음악을 배우려는 외부자로서의 경험을 통해 이 논쟁을 다루며, 자기 성찰을 통해 많은 것을 배울 수 있다고 주장한다.[93] 킹스버리(Kingsbury)는 자신의 문화 밖의 음악을 연구하는 것은 불가능하다고 믿지만, 자신의 문화 연구에 부과할 수 있는 개인적인 편견을 인식해야 한다고 주장한다.[98]
윤리민족음악학에서 윤리는 연구 대상 공동체의 권리 존중, 자민족 중심주의 회피, 문화 전유 문제 등을 포함한다.[119] 마크 슬로빈(Mark Slobin)은 윤리가 국가와 문화에 따라 다르며, 연구자와 정보 제공자 모두의 문화에서 나온 윤리가 현장 연구 환경에서 작용한다고 언급한다.[57] 티모시 테일러(Timothy Taylor)는 음악을 통한 문화 전유의 부산물에 대해 글을 쓰며, 비서구 음악의 상품화가 특정 음악가 집단을 소외시키는 역할을 한다고 주장한다.[121] 스티븐 펠드(Steven Feld)는 음악 협업 내 불균형한 권력 역학 관계가 문화적 착취에 기여할 수 있음을 지적한다.[37]
젠더젠더 문제는 현대 민족음악학 연구에서 더욱 중요해졌다. 역사적인 민족음악학 연구는 젠더 편향적인 연구와 남성 중심주의적인 이론 모델을 보여준다는 비판을 받는다.[133] 엘렌 코스토프(Ellen Koskoff)는 음악 활동이 사회의 젠더 기반 이원론과 일치하는 두 영역으로 나뉜다고 지적하며, 음악적 행동이 젠더 역할을 지지하는지 혹은 전복하는지에 따라 사회의 젠더 관점을 보여줄 수 있다고 주장한다.[136]
대중 매체기술 발전은 음악의 보급, 변화, 영향에 큰 영향을 미치며, 대중음악 산업의 권력 구조 등이 연구된다.[161] 마틴 스토크스(Martin Stokes)는 음반, 테이프, CD의 존재와 사회적 환경에서 벗어나 음악을 들을 수 있는 능력이 정체성과 사회적 경계에 미치는 영향을 조사한다.[162] 르네 T. 리슬로프(René T. Lysloff)와 레슬리 C. 게이 주니어(Leslie C. Gay Jr.)는 기술이 증가함에 따라 사회적 결과도 증가한다고 믿는다.[163]
저작권음악 소유권과 관련된 권리, 문화적 차이로 인한 법적 문제, 저작권법의 자민족 중심주의 등이 논의된다.[164] 앤서니 시거(Anthony Seeger)는 브라질의 수야(Suyá)족과 함께 작업하면서 그들의 노래 녹음을 발표한 경험을 통해 저작권 문제를 지적한다.[167] 마틴 셔징거(Martin Scherzinger)는 저작권법이 본질적으로 자민족 중심주의적이지 않다고 주장하며, 19세기의 저작권 뒤에 있는 초기 이념을 인용한다.[131]
정체성음악은 집단 및 개인 정체성 형성에 영향을 미치며, 음악을 통한 정체성 표현, 정체성과 음악적 혁신의 관계 등이 연구된다.[168] 마틴 스토크스(Martin Stokes)에게 음악의 기능은 집단적 힘을 행사하여 집단 간의 장벽을 만드는 것이다.[169] 조지 립시츠(George Lipsitz)의 1986년 멕시코계 미국인 음악에 대한 연구는 치카노 음악가들이 다면적인 문화적 정체성을 나타내기 위해 여러 스타일과 장르를 통합하려는 동기를 부여받았다고 주장한다.[170]
민족주의음악과 민족주의 운동 간의 관계, 국가 정체성 형성에 있어서 음악의 역할, 민족주의 정부의 음악 정책 등이 연구된다.[179] 19세기 후반 남부 및 동유럽의 음반 수집가들은 범슬라브 정체성 구축에 사용할 민요를 수집했다.[180] 벨러 버르토크(Béla Bartók), 장 시벨리우스(Jean Sibelius) 등 작곡가들은 각 국가의 민족주의 정부를 위해 노래를 작곡했다.[180]
세계화음악의 세계화 현상, 문화 간 음악 교류, 전유 문제, 지역 음악 전통의 변화 등이 연구된다.[183] 티모시 테일러(Timothy Taylor)는 세계화에 직면하여 "월드 뮤직(World Music)"이라는 용어가 "비서구" 음악을 분류하고 판매하기 위해 개발되었다고 논한다.[121] 투리노(Turino)는 "세계화" 대신 "코스모폴리타니즘(cosmopolitanism)"이라는 용어를 사용할 것을 제안한다.[186] 스티븐 펠드(Steven Feld)는 폴 사이먼(Paul Simon)의 ''그레이스랜드(Graceland)'' 앨범을 예로 들며, 음악 전유 문제를 식민주의 맥락에서 탐구한다.[189]
인지음악 인지, 지각, 심리학적 측면을 연구하며, 음악이 개인의 인지와 행동에 미치는 영향, 음악의 진화 등이 연구된다.[198] 연구자들은 심리학적 및 생물학적 원리를 사용하여 연주 행동이나 음악의 진화와 같은 복잡한 음악 현상을 이해하려고 시도한다.[211] 이안 크로스(Ian Cross)는 음악이 언어를 생성하는 능력에 편승하여 사회적 상호 작용을 가능하게 하고 촉진하기 위해 진화했다는 이론을 제시한다.[212]
탈식민주의민족음악학의 식민주의적 유산을 비판하고, 서구 중심주의를 극복하며, 다양한 문화의 음악을 동등하게 존중하는 연구 방법론을 모색한다.[215] 2006년 이른 시기에 탈식민화라는 개념은 민족음악학회의 주요 논의 주제가 되었다.[217] 다니엘 브라운(Danielle Brown)은 민족음악학이 그 핵심에서 식민주의와 제국주의의 흔적을 지니고 있다고 주장한다.[222]
민족성민족성 개념, 민족 경계 형성, 음악을 통한 민족 정체성 표현, 민족성과 계급 정체성의 관계 등이 연구된다.[228] 집단은 자신과 타자 간의 차이를 표현하는 방식에서 자기 정의를 하지만, 개발도상국 사회 내에서의 식민지화, 지배, 폭력은 무시할 수 없다.[233] 음악은 사회에서 지배적 분류를 전파하는 도구로 사용될 수 있다.[234]
의학 민족음악학음악이 건강과 치유에 미치는 영향을 연구하며, 음악 치료, 음악의 사회적, 영적 기능 등이 연구된다.[253] 의학 민족음악학자들은 음악과 그것이 건강의 생물학적, 심리적, 사회적, 정서적, 영적 영역에 미치는 영향에 초점을 맞춘다.
6. 한국 민족음악학의 과제
7. 관련 학문 분야
8. 주요 학자
9. 주요 연구 기관
10. 관련 용어
민속 음악(Folk music), 전통 음악(Traditional music), 월드 뮤직(World music)과 같은 용어는 민족음악학과 관련하여 자주 사용된다. 비교 음악학(Comparative musicology)은 민족음악학의 초기 형태로, 서로 다른 문화권의 음악을 비교 연구하는 학문이었다. 음악 인류학(Anthropology of music)은 음악을 문화적 맥락에서 연구하는 학문 분야이다. 음악 기호학(Musical semiotics)은 음악의 의미와 기호 체계를 분석하는 학문이다.
현장 연구(Fieldwork)는 민족음악학 연구의 핵심적인 방법론으로, 연구자가 직접 현장에 참여하여 음악을 경험하고 기록하는 것을 의미한다. 참여 관찰(Participant observation)은 현장 연구의 한 형태로, 연구자가 연구 대상 집단의 일원이 되어 그들의 음악 활동에 참여하면서 관찰하는 방법이다. 이중 음악성(Bi-musicality)은 연구자가 자신이 연구하는 음악 문화를 직접 배우고 연주하는 능력을 의미한다.
문화 전유(Cultural appropriation)는 한 문화 집단의 음악을 다른 문화 집단이 차용하거나 사용하는 과정에서 발생하는 윤리적 문제를 지칭한다. 글로컬리제이션(Glocalization)은 세계화와 지역화가 결합된 현상으로, 음악이 전 세계적으로 확산되면서도 지역적 특색을 유지하는 현상을 설명한다. 칸토메트릭스(Cantometrics)는 앨런 로맥스(Alan Lomax)가 개발한 음악 분석 방법으로, 전 세계의 민요를 통계적으로 분석하여 음악 스타일과 문화적 특징 간의 관계를 연구했다. 탈식민주의(Postcolonialism)는 식민지 경험이 음악에 미친 영향을 연구하는 관점이다. 민족무용학은 춤과 음악의 관계를 민족지학적 관점에서 연구하는 학문이다.
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