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보드빌

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1. 개요

보드빌은 19세기 후반부터 20세기 초까지 미국에서 유행했던 대중적인 연예 형태이다. 프랑스어 'voix de ville' 또는 15세기 시인 올리비에 바슬랭의 노래에서 유래했다는 설이 있다. 초기에는 무성 영화의 소재로 활용되었으며, 찰리 채플린, 버스터 키튼 등 슬랩스틱 코미디 스타들을 배출했다. 1880년대부터 1920년대까지 전성기를 누렸으나, 영화와 라디오의 등장으로 쇠퇴했다. 보드빌은 영화, 라디오, 텔레비전 등 다양한 대중문화에 영향을 미쳤으며, 오늘날까지도 그 흔적을 찾아볼 수 있다.

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보드빌
기본 정보
유형버라이어티 엔터테인먼트
기원미국
프랑스
시작 시기1880년대
전성기1890년대 ~ 1920년대 초
쇠퇴 시기1930년대
파생 장르버레스크
리뷰
뮤지컬 코미디
라디오
텔레비전
특징
특징다양한 독립적인 연기가 하나의 쇼에 통합됨
일반적인 공연음악가 (밴드와 오케스트라 모두 포함)
가수
댄서
코미디언
곡예사
마술사
훈련된 동물
연극 배우
운동선수
영화 상영
인기 있는 공연자찰리 채플린
마릴린 먼로
버스터 키튼
마크 트웨인
알 졸슨
에디 캔터
조지 번스
그레이시 앨런
밥 호프
주디 갈랜드
빙 크로스비
프랭크 시나트라
새미 데이비스 주니어
루실 볼
애보트와 코스텔로
쓰리 스투지스
앤-마그릿
잭 베니
소피 터커
역사적 맥락
초기 형태19세기 후반, 다양한 엔터테인먼트 형태의 혼합에서 발전
어원프랑스어 "voix de ville" (도시의 목소리) 또는 "val de Vire" (비르 계곡)에서 유래했다는 설이 있음
발전다양한 계층의 관객을 위한 엔터테인먼트 제공
인종 및 민족적 다양성을 포용
쇠퇴영화, 라디오 등 새로운 미디어의 등장
대공황의 영향
버라이어티 쇼의 인기 감소
프랑스 보드빌 (Vaudeville)
특징풍자적인 노래와 유머
사회적, 정치적 풍자
가벼운 코미디
역사18세기 프랑스에서 시작
프랑스 혁명 이후 인기 상승
19세기 전반에 걸쳐 번성
영향프랑스 연극 및 오페라 코미크에 영향
유럽 전역으로 확산
미국 보드빌 (Vaudeville)
특징다양한 엔터테인먼트 요소의 결합
가족 친화적인 오락 제공
대규모 극장 체인에서 공연
역사19세기 후반, 미국에서 발전
토니 파스터가 대중화에 기여
오프라 하우스와 극장에서 공연
인기 요인다양한 취향을 만족시키는 쇼 구성
저렴한 티켓 가격
이민자 사회에 대한 어필
한국어 '보드빌'
일본어ヴォードヴィル (보-도비루)
유래영어 Vaudeville 의 일본식 발음에서 유래
의미가벼운 희극, 소극
쇼 비즈니스 업계
참고일본어의 잔재

2. 어원

어원은 불분명하지만, 종종 프랑스어 표현 'voix de ville' voix de ville|도시의 목소리프랑스어에서 유래된 것으로 설명된다. 다른 가설로는 시인 올리비에 바슬랭의 풍자적인 15세기 노래 "Vau de Vire"에서 유래되었다는 것이다.[7] 과학 역사가 제임스 버크는 그의 텔레비전 시리즈 ''커넥션''에서 이 용어가 바슬랭이 살았던 저속한 술 노래로 유명한 지역인 프랑스어 Vau de 비르|비르 강 계곡프랑스어의 변형이라고 주장한다.[8] ''옥스퍼드 영어 사전'' 또한 vau de vire|보 드 비르프랑스어 기원을 지지하며, 이는 chanson du Vau de Vire|비르 계곡의 노래프랑스어의 축약형이다. 1610년경, 장 르 후는 이 작품들을 ''Le Livre des Chants nouveaux de Vaudevire''로 수집했는데, 이는 아마도 이 단어의 직접적인 기원일 것이다.

3. 역사

1860년대 중반, 전직 서커스 광대이자 버라이어티 극장 배우 겸 매니저였던 토니 파스터는 뉴욕 극장에서 중산층의 감수성과 소비력을 겨냥한 "정중한" 버라이어티 프로그램을 선보였다.[16] 1865년 보어리에 첫 번째 "오페라 하우스"를 연 파스터는 이후 브로드웨이 극장을 거쳐 유니언 스퀘어 근처 14번가로 극장 운영을 옮겼다. 그는 1876년 초 "버라이어티" 대신 "보드빌"이라는 용어를 사용하기 시작했다.[17] 어퍼 맨해튼의 여성 및 가족 중심 쇼핑객을 잠재 관객으로 끌어들이기 위해 파스터는 극장에서 술 판매를 금지하고, 외설적인 내용을 쇼에서 제외했으며, 참석자들에게 석탄과 햄을 선물로 제공했다. 그의 실험은 성공적이었고, 다른 매니저들도 곧 그의 뒤를 따랐다.[18]

토머스 에디슨은 최초의 영화 소재 중 일부에 보드빌의 구경거리를 다루었다. 보드빌과 뮤직 홀을 위한 연예장은 영화를 관객에게 보여주기 위한 최초의 공공 장소 중 하나였다(순회 공연 포함). 보드빌과 뮤직 홀 공연물 필름 기록은 초기 영화의 중요한 요소였다.

찰리 채플린, 버스터 키튼, 로렐 & 하디, 마르크스 형제, 지미 듀란테와 같은 1910년대 이후 슬랩스틱 코미디 스타들은 보드빌과 뮤직 홀에 출연한 후 영화 산업에 들어갔으며, 보드빌 전통을 토키 시대에도 이어나갔다. 그러나 결과적으로 영화는 보드빌 쇠퇴의 주요 요인이었다.

3. 1. 초기 (19세기 중반~1880년대)

1860년대 초에 처음 등장한 보드빌은 처음에는 흔한 형태의 오락은 아니었다. 이 형태는 1870년대와 1880년대를 거치면서 콘서트 살롱과 버라이어티 홀에서 점차 발전하여 성숙한 형태를 갖추게 되었다. 이러한 보다 정중한 형태를 "폴라이트 보드빌(Polite Vaudeville)"이라고 불렀다.[9]

미국 남북 전쟁 이전 시대에는 오락의 규모가 달랐다. 1860년 이전에 유럽과 다른 곳에서도 비슷한 버라이어티 극장이 존재했다. 미국에서는 19세기 초부터 연극 관람객들이 윌리엄 셰익스피어의 연극, 곡예, 노래, 춤, 코미디로 구성된 공연을 즐길 수 있었다.[10][11] 세월이 흐르면서, 다채로운 오락을 원하는 사람들은 즐거움을 얻을 수 있는 다양한 방법을 찾았다. 보드빌은 도시와 마을을 순회하는 여행 극단으로 특징지어졌다.[12] 몇몇 서커스가 정기적으로 전국을 순회했고, 10센트 박물관은 호기심을 자극했으며, 유원지, 유람선, 타운 홀에서는 종종 술집, 음악당, 미국식 부르스크와 비교하여 더 "깨끗한" 버라이어티 오락을 선보였는데, 이는 "야한" 취향을 가진 사람들을 위한 것이었다. 1840년대에는 또 다른 종류의 버라이어티 공연인 민스트럴 쇼가 "만연하고 순수한 미국 대중 문화의 첫 번째 발현"으로 엄청난 인기를 얻었고, 닉 토셰스는 이를 "19세기 쇼 비즈니스의 핵심"이라고 불렀다.[13] "더치"(즉, 독일 또는 가짜 독일) 민스트럴과 코미디언들의 영향도 컸다.[14] 약장수들은 코미디, 음악, 저글링, 기타 새로운 볼거리와 함께 강장제, 연고, 기적의 묘약 등을 판매하면서 시골을 여행했고, "와일드 웨스트" 쇼는 트릭 라이딩, 음악, 드라마와 함께 사라져가는 변방의 낭만적인 풍경을 제공했다. 보드빌은 이러한 다양한 순회 오락을 미국의 성장하는 도시 중심부에 위치한 안정적이고 제도화된 형태로 통합했다.[15]

1860년대 중반부터, 버라이어티 극장 배우이자 매니저였던 전직 서커스 광대 토니 파스터는 중산층의 감수성과 소비력을 활용하여 뉴욕 극장에서 "정중한" 버라이어티 프로그램을 선보이기 시작했다.[16] 파스터는 1865년 보어리에 첫 번째 "오페라 하우스"를 열었고, 이후 버라이어티 극장 운영을 브로드웨이 극장으로, 마지막으로 유니언 스퀘어 근처 14번가로 옮겼다. 그는 1876년 초에 "버라이어티" 대신 "보드빌"이라는 용어를 사용하기 시작했다.[17] 잠재적인 관객을 어퍼 맨해튼의 여성 및 가족 중심 쇼핑객에서 유치하기 위해, 파스터는 극장에서 술 판매를 금지하고, 외설적인 내용을 쇼에서 제외했으며, 참석자들에게 석탄과 햄을 선물로 제공했다. 파스터의 실험은 성공적이었고, 다른 매니저들도 곧 그 뒤를 따랐다.[18]

3. 2. 전성기 (1880년대~1920년대)

B. F. 키스는 보스턴에서 시작하여 극장 제국을 건설하고 미국과 캐나다에 보드빌을 도입했다. 이후 E. F. 앨비(퓰리처상 수상 극작가 에드워드 앨비의 양할아버지)가 체인을 관리하여 최고의 성공을 거두었다. 키스-앨비와 같은 서킷은 보드빌의 가장 큰 경제적 혁신과 산업적 강점의 주요 원천을 제공했는데, 지역 및 전국 투어를 위한 공연 계약을 통해 단일 극장 예약 시스템의 혼란을 해결하는 연합 보드빌 하우스 체인을 가능하게 했다. 이러한 투어는 몇 주에서 2년까지 연장될 수 있었다.

앨비는 또한 남성, 여성, 어린이에게 똑같이 무해한 엔터테인먼트를 약속하는 보드빌의 "예의 바른" 엔터테인먼트를 전국적으로 부각시켰다. "지옥"과 같은 단어를 사용하는 등 이러한 정신을 위반하는 공연은 경고를 받았고, 해당 주의 나머지 공연에서 퇴출되거나 완전히 취소될 위협을 받았다.[19] 그럼에도 불구하고 공연자들은 종종 이러한 검열을 어겼다. 앨비는 극장 안내원들을 통해 관람객 지침을 제정하여 시행했다.[19]

키스는 회사 구성원에게도 "예의 바른 엔터테인먼트"를 적용하기 위해 극단적인 조치를 취했다. 그는 무대 뒤에 경고문을 게시하여 "무대에서 '멍청이', '개자식', '훌리 지'라고 말하지 마십시오. 그렇지 않으면 즉시 취소될 것입니다... 신성 모독적이거나 암시적인 발언을 하면 즉시 공연이 중단되고 미스터 키스가 권한을 가지고 있는 극장에서는 다시는 공연할 수 없습니다."라고 밝혔다. 키스의 극장 관리자는 때때로 파란색 봉투를 보내 특정 암시적인 노래 가사를 생략하고 대체할 단어를 지시했다. 배우가 이러한 지시를 무시하거나 그만두면 이름에 "블랙 마크"가 찍혀 키스 서킷에서 다시는 일할 수 없었다. 따라서 배우들은 경력을 잃을까 두려워 키스의 지침을 따랐다.[7]

1890년대 후반, 보드빌은 대규모 서킷, 거의 모든 상당한 위치에 하우스(소규모 및 대규모), 표준화된 예약, 숙련된 공연의 광범위한 풀, 그리고 충성스러운 전국적 지지를 받았다. 가장 큰 서킷 중 하나는 마틴 벡의 오르페움 서킷으로, 1919년에 법인화되어 미국과 캐나다 전역 36개 도시에서 45개의 보드빌 극장과 두 개의 보드빌 서킷에 대한 큰 지분을 통합했다. 또 다른 주요 서킷은 알렉산더 판타지스의 것이었다. 판타지스는 전성기에 30개 이상의 보드빌 극장을 소유했으며 관리 계약을 통해 미국과 캐나다에서 60개 정도의 극장을 관리했다.

보드빌 지망생을 위한 이 1913년 안내 책자는 최근에 재출판되었다.


보드빌은 절정에 이르러 경제 계층과 강당 규모의 여러 계층에서 공연했다. 보드빌 서킷에서는 한 공연이 일리노이주 피오리아에서 성공하면 어디에서나 통한다는 말이 있었다.[20][21][22][23] "피오리아에서 통할까?"라는 질문은 이제 미국 주류 대중에게 호소력이 있는지 여부를 나타내는 은유가 되었다. 가장 일반적인 세 가지 수준은 "스몰 타임"(더 거친, 종종 개조된 극장에서 더 자주 공연하는 저렴한 계약), "미디엄 타임"(목적에 맞게 지어진 극장에서 매일 두 번 공연하는 적당한 임금), "빅 타임"(중간 및 중상류층이 주로 후원하는 대규모 도시 극장에서 매주 수천 달러의 보수를 받을 수 있음)이었다. 공연자들은 명성을 얻고 지역 및 전국적인 추종자를 확보함에 따라 덜 어려운 작업 조건과 더 나은 급여를 받는 빅 타임으로 나아갔다. 빅 타임의 수도는 1913년 마틴 벡이 짓고 키스가 운영하는 뉴욕시의 팰리스 극장("보드빌의 속어로는 "팰리스")이었다. 참신한 공연, 전국적인 유명인, 그리고 코미디언이자 트릭 로퍼 윌 로저스와 같은 보드빌 공연의 인정받는 거장으로 구성된 팰리스는 많은 보드빌 연예인들이 놀라운 경력의 절정으로 여겼다.

표준 쇼 프로그램은 스케치로 시작하여 싱글(개인 남성 또는 여성 공연자), 앨리웁(곡예 공연), 또 다른 싱글, 블랙페이스 코미디와 같은 스케치가 이어졌다. 나머지 공연은 뮤지컬, 저글러, 노래와 춤을 추는 싱글 등 다양했으며, 마지막은 전체 컴퍼니가 참여하는 화려한 공연(뮤지컬 또는 드라마)으로 마무리되었다. 이 쇼에는 래그타임 및 재즈 피아니스트 유비 블레이크, 마법사 해리 후디니, 아역 스타 베이비 로즈 마리와 같은 스타들이 출연했다.[24] ''뉴욕 트리뷴''의 보드빌 기사에서는 어느 시점에서든 전체 산업에서 12,000명 이상의 서로 다른 사람을 고용하고 있으며, 각 연예인은 특정 "서킷" 또는 주요 회사의 개별 극장 체인에서 한 번에 42주 동안 여행했다고 언급했다.[25]

보드빌 출석의 이웃적인 특성은 특정 관객에게 맞는 요금을 제공하는 경향을 촉진했지만, 성숙한 보드빌은 특정 인구 통계 그룹을 목표로 하는 하우스와 서킷을 특징으로 했다. 백인 중심 극장에서 종종 두 번째 갤러리 뒤쪽에 격리된 흑인 후원자들은 이탈리아어이디시어를 사용하는 사람들과 마찬가지로 자체 소규모 서킷을 가지고 있었다. 이러한 외국적 추가는 코미디와 결합되어 "남북 전쟁 이전 미국의 흑인 연예 쇼"와 이디시 극장과 같은 공연을 만들어냈다. 많은 민족 가족들이 이 엔터테인먼트 사업에 참여했고, 그들에게 이 여행 생활은 미국으로 이주한 상황의 연속이었다. 이러한 공연을 통해 그들은 새로운 세상에 동화되면서 자신의 문화를 조금씩 가져올 수 있었다.[26] 뉴잉글랜드의 "피넛 서킷"과 같은 백인 중심 지역 서킷은 신진 아티스트에게 필수적인 훈련장을 제공하는 동시에 기존 공연이 새로운 자료를 실험하고 다듬을 수 있도록 했다.

보드빌의 또 다른 측면은 여성 인물에 대한 관심이 높아지고 있다는 것이었다. "파란색 봉투"는 당시 많은 보드빌 공연에 존재했던 도발적인 주제를 설명하는 "파란색" 자료라는 문구로 이어졌다.[7] 많은 매니저들은 이 스캔들적인 자료를 다양한 관객을 유치하기 위한 마케팅 전략으로 보았다. 앤드루 에드먼의 ''블루 보드빌''에 따르면, 보드빌 무대는 "옷을 입지 않은 몸, 도발적인 댄서, '파란색' 가수의 노래가 모두 관심을 끌기 위해 경쟁하는 고도로 성적인 공간"이었다. 이러한 공연은 여성의 몸을 "성적 즐거움"으로 강조하고 객체화했지만, 역사학자들은 보드빌이 여성의 몸이 자체적인 "성적 볼거리"가 된 시기를 기념한다고 생각한다. 이 성적 이미지는 상점, 식당, 식료품점 등 미국인이 가는 곳 어디에서나 나타났다. 이 이미지가 더 많은 수익을 가져올수록 보드빌은 여성이 관련된 공연에 더 집중했다. 심지어 자매 공연처럼 순수한 공연조차도 좋은 형제 공연보다 더 많이 팔렸다. 결과적으로 줄리 매키와 깁슨의 배싱 걸스와 같은 여성 보드빌 공연자들은 재능보다 몸매, 타이트한 가운, 기타 노출 의상을 통해 외모에 더 집중하기 시작했다. 이러한 아름다운 여성들이 매력적인 외모 외에도 실제로 재능을 가지고 있다는 사실은 관객들에게 놀라움을 안겨주었고, 이는 이 시대 여성 엔터테인먼트에 대한 많은 반응에 영향을 미쳤다.[27]

3. 3. 쇠퇴기 (1920년대~1930년대)

1910년대 초 저가 영화의 지속적인 성장은 보드빌에 가장 큰 타격을 입혔다. 이는 무료 방송 텔레비전의 등장으로 영화의 문화적, 경제적 힘이 감소한 것과 유사했다. 영화는 처음에는 보드빌 극장에서 정기적으로 상업적으로 상영되었다. 스크린에 투사된 영화의 첫 공개 상영은 1896년 코스터 앤 비알 뮤직 홀(Koster and Bial's Music Hall)에서 열렸다. 더 높은 급여와 덜 힘든 작업 환경에 매료된 많은 배우와 인물들, 예를 들어 알 졸슨(Al Jolson), W. C. 필즈(W. C. Fields), 메이 웨스트(Mae West), 버스터 키튼(Buster Keaton), 마르크스 형제(Marx Brothers), 지미 듀란테(Jimmy Durante), 빌 로빈슨(Bill "Bojangles" Robinson), 에드가 베르겐(Edgar Bergen), 패니 브라이스(Fanny Brice), 번스 앤 앨런(Burns and Allen), 에디 캔터(Eddie Cantor)와 같은 인물들은 라이브 버라이어티 공연에서 얻은 명성을 활용하여 영화라는 새로운 매체로 도약했다. 그렇게 하면서 이러한 배우들은 수년간 투어를 다녔을 수도 있는 공연의 참신함을 몇 순간의 스크린 시간 안에 소진하는 경우가 많았다.[49]

잭 베니(Jack Benny), 애보트 앤 코스텔로(Abbott and Costello), 케이트 스미스(Kate Smith), 캐리 그랜트(Cary Grant), 밥 호프(Bob Hope), 밀턴 벌리(Milton Berle), 주디 갈랜드(Judy Garland), 로즈 마리(Rose Marie), 새미 데이비스 주니어(Sammy Davis Jr.), 레드 쉘튼(Red Skelton), 래리 스토치(Larry Storch), 세 얼간이(The Three Stooges)를 포함하여 보드빌 후반에 등장한 다른 배우들은 보드빌을 이후 경력을 위한 발판으로만 사용했다. 그들은 초기 보드빌 스타들의 전국적인 유명세를 얻기 전에 라이브 공연을 떠났고 새로운 무대에서 명성을 얻었다.

라이브 공연과 영화 공연 사이의 경계는 영화 사업에 어느 정도 성공적으로 진출한 많은 보드빌 사업가들에 의해 모호해졌다. 예를 들어, 알렉산더 판타지스(Alexander Pantages)는 영화를 오락의 한 형태로 빠르게 인식했다. 그는 1902년 초부터 영화를 그의 쇼에 통합했다. 나중에 그는 파라마운트 픽쳐스(Paramount Pictures)의 자회사이자 주요 할리우드 제작 회사인 페이머스 플레이어스-라스키(Famous Players–Lasky)와 파트너십을 맺었다.

1920년대 후반까지 대부분의 보드빌 쇼는 영화를 상당 부분 포함했다. 세기 초에는 영화의 위협을 인식한 많은 보드빌 배우들이 "깜빡이는 그림자 연인"의 무성 영화가 보드빌의 인기를 결코 따라잡지 못하게 할 것이라는 희망을 품었다. 그러나 1926년 유성 영화가 도입되면서 급성장하는 영화 스튜디오는 라이브 연극 공연에 유리한 주요 차이점인 대화를 제거했다. 역사가 존 켄릭(극작가)(John Kenrick)은 다음과 같이 썼다.

> 최고의 보드빌 스타들은 일회성 급여를 위해 자신의 공연을 촬영하여 의도치 않게 보드빌의 죽음을 가속화했다. 결국, "소규모" 극장이 1USD에 "대규모" 배우들을 화면으로 제공할 수 있다면, 누가 관객들에게 덜 인상적인 라이브 재능을 위해 더 높은 금액을 지불하도록 요청할 수 있었을까? RKO 픽쳐스(RKO Pictures)는 유명한 오르페움 서킷(Orpheum vaudeville circuit)을 인수하여 빠르게 풀타임 영화관 체인으로 바꿨다. 반세기에 걸친 보드빌 전통은 4년도 안 되어 효과적으로 사라졌다.[49]

필연적으로, 매니저들은 마지막 라이브 공연을 없애면서 비용을 더욱 줄였다. 보드빌은 또한 1920년대 후반에 저렴한 수신기 세트가 더 많이 보급되면서 방송 라디오의 부상으로 인해 고통을 받았다. 보드빌 업계에서 가장 강인한 사람들조차 그 형태가 쇠퇴하고 있음을 깨달았고, 통찰력 있는 사람들은 그 상태가 회복 불가능하다는 것을 이해했다. 1930년대의 표준화된 영화 배급 및 유성 영화는 보드빌의 종말을 확인했다. 1930년까지, 이전의 라이브 극장의 대다수가 사운드 시스템을 갖추었고, 주요 스튜디오는 무성 영화를 제작하지 않았다. 한동안 가장 호화로운 극장들은 계속해서 라이브 엔터테인먼트를 제공했지만, 대부분의 극장은 대공황으로 인해 절약할 수밖에 없었다.

일부 업계 관계자들은 영화가 보드빌 서킷에서 인재를 잃게 되면서 그 매체가 쇠퇴했다고 비난했다. 다른 사람들은 보드빌이 공연을 너무나 친숙하게 만들었다고 주장했으며, 이제는 변덕스러워 보이는 관객들에게 익숙해졌다.

보드빌은 1920년대 후반에 분명히 쇠퇴했지만 갑작스럽게 끝나지는 않았다. 조지프 케네디 시니어(Joseph Kennedy Sr.)는 적대적인 인수 방식으로 미국 전역에 700개 이상의 보드빌 극장을 소유하고 영화를 상영하기 시작한 키스-알비-오르페움 극장(KAO)을 인수했다. 보드빌의 중심지인 뉴욕 시티의 팔라스 극장이 1932년 11월 16일에 전적으로 영화 상영으로 전환된 것은 종종 보드빌의 종말을 알리는 신호로 여겨진다.[50]

1930년대와 그 이후에 부활에 대한 이야기가 있었지만, 서킷의 지원 장치의 소멸과 라이브 공연의 높은 비용으로 인해 보드빌의 대규모 갱신은 비현실적이 되었다.

4. 주요 특징

보드빌은 "저속한" 엔터테인먼트와 "고상한" 엔터테인먼트가 같은 무대에서 공연되는 등 다양한 공연으로 구성되었다. 1902년 디트로이트 템플 극장 공연 목록에는 곡예사, 오페라 가수, 클래식 음악가 등이 함께 출연했다.[19]

B. F. 키스와 E. F. 앨비는 보드빌을 미국 전역에 확산시킨 주요 인물이다. 앨비는 남녀노소 모두에게 적합한 "예의 바른" 엔터테인먼트를 강조하며, 공연자들에게 욕설이나 신성모독적인 발언을 금지하는 등 엄격한 규율을 적용했다.[7]

보드빌은 대규모 서킷, 다양한 규모의 극장, 표준화된 예약 시스템을 갖추고 있었다. 오르페움 서킷과 알렉산더 판타지스의 서킷이 대표적이었다. 보드빌 공연은 "스몰 타임", "미디엄 타임", "빅 타임"의 세 가지 수준으로 나뉘었으며, 공연자들은 경력을 쌓으면서 더 높은 수준으로 올라갔다. 뉴욕 시의 팰리스 극장은 빅 타임의 중심지로 여겨졌다.[24]

보드빌은 다양한 인종과 계층의 관객을 대상으로 했다. 흑인 관객을 위한 별도의 서킷이 존재했으며, 이탈리아어이디시어를 사용하는 관객을 위한 공연도 있었다.[26] 여성 공연자들의 비중이 높아지면서 여성의 몸을 성적으로 대상화하는 경향도 나타났다.[27]

마리 드레슬러, 트릭시 프리간자, 메이 어윈 등은 보드빌에서 활약한 대표적인 여성 코미디언이다. 흑인 연예인들은 인종차별 속에서도 블루스, 재즈 등 독특한 미국 문화 발전에 기여했다.[38]

보드빌은 미국 이민자들의 문화적 상호작용을 반영하기도 했다. 특히 아일랜드계 미국인들은 보드빌에서 중요한 역할을 했으며, 다른 민족 집단에 대한 고정관념을 형성하는 데 영향을 미쳤다.[42]

5. 주요 인물

마리 드레슬러 "Tillie the Scrub Lady" (SAYRE 23576)


마리 드레슬러는 보드빌 코미디를 전문으로 한 캐나다 배우로, 말년에 아카데미 여우주연상을 수상했다. 음악가의 딸로 어린 시절 미국으로 이주한 그녀는 14세에 나이를 속이고 어머니에게 월급의 절반을 보내며 직업을 시작했다. 드레슬러는 코믹한 타이밍과 남성 출연자를 짊어지는 등의 신체 코미디로 큰 성공을 거두었다. 브로드웨이에서 활동하며 진지한 배우를 꿈꿨지만, 코미디에 남으라는 조언을 받았다.[29] 영화에도 출연했지만, 결국 자신의 원래 경력인 보드빌로 돌아갔다.

트릭시 프리간자 헤이즈


트릭시 프리간자는 델리아 오캘러건으로 태어난 또 다른 유명한 보드빌 여배우였다. "당신은 트릭시를 그녀의 트릭 가방으로 알고 있잖아요(You know Trixie with her bag of tricks)."라는 유행어로 유명했다.[30] 가족 부양을 위해 오페라에서 경력을 시작한 그녀는 세 딸 중 맏이로, 재정적 지원을 원했지만 당시 여성 공연자에 대한 부정적 시선 때문에 비밀리에 활동해야 했다. 주로 코미디를 하며 아픈 동료를 대신해 무대에 오르며 명성을 얻었다. 공연에서 자신의 플러스 사이즈 몸매를 강조하며 스스로를 "완벽한 46"이라고 불렀다. 시인이자 작가였던 프리간자는 가난하고 권리를 박탈당한 사람들을 지원하는 공연을 많이 했고, 이러한 사회적 대의를 지지하기 위해 여러 차례 공개적으로 기록했다. 또한 여성 평등을 위해 평생을 바쳤으며, 여성의 자기 수용과 남성에 비해 그들의 권리를 공공연하게 장려했다.

베티 펠센은 미국의 발레리나, 보드빌 스타, 교사였다. 1905년 6월 9일 일리노이주 시카고에서 태어난 그녀는 8살 때 시카고의 지역 발레 학교에서 수업을 시작했고, 학교 쇼에서 독무를 선보였다. 1916년 10살 생일 직전,

6. 한국 대중문화에 미친 영향

보드빌은 영화, 라디오, 텔레비전과 같은 새로운 미디어의 성공에 중요한 영향을 미쳤다. 새로운 시대의 코미디는 고전 보드빌의 많은 극적이고 음악적인 기법을 채택했다. 1920년대부터 1940년대까지의 영화 코미디는 보드빌 무대에서 재능을 활용했으며, 할리우드와 중국을 포함한 아시아에서 다양한 엔터테인먼트의 보드빌 미학을 따랐다.[51]

루디 발리 쇼와 같은 주요 프라임타임 라디오 버라이어티 쇼는 보드빌 전통의 풍부한 레퍼토리를 활용했다. 단일 호스트가 일련의 공연을 소개하는 형식은 인기 있는 텔레비전 스타일이 되었으며, 1948년의 밀턴 버를 쇼에서 1980년대의 데이비드 레터맨의 심야 쇼에 이르기까지 텔레비전의 발달에서 일관되게 나타난다.[52] 다중 공연 형식은 시드 시저의 유어 쇼 오브 쇼스와 에드 설리번 쇼와 같은 쇼에서 성공을 거두었다.

"실패(flop)"와 "개그(gag)"와 같은 단어는 보드빌 시대에 만들어진 용어이며 미국 관용구에 들어갔다. 보드빌 기법은 텔레비전과 영화에서 흔히 볼 수 있으며, 최근 전 세계적인 현상인 아메리카 갓 탤런트와 같은 TV 쇼에서도 두드러지게 나타난다.

7. 유산

버트 래어와 같이 일부 보드빌 배우들은 라이브 공연, 라디오, 영화 배역을 결합하여 경력을 쌓았고, 다른 많은 배우들은 캐츠킬 산맥 리조트에 출연하며 "보르시 벨트"를 구성했다.[51]

보드빌은 영화, 라디오, 텔레비전과 같은 새로운 미디어의 성공에 중요한 역할을 했다. 새로운 시대의 코미디는 고전 보드빌의 많은 극적이고 음악적인 기법을 채택했다. 1920년대부터 1940년대까지의 영화 코미디는 보드빌 무대에서 재능을 활용했으며, 할리우드와 중국을 포함한 아시아에서 다양한 엔터테인먼트의 보드빌 미학을 따랐다.[51]

보드빌 전통은 ''루디 발리 쇼''와 같은 주요 프라임타임 라디오 버라이어티 쇼에 활용되었다. 단일 호스트가 일련의 공연을 소개하는 형식은 텔레비전에서 인기 있는 스타일이 되었으며, ''밀턴 버를 쇼''(1948년)부터 ''데이비드 레터맨의 심야 쇼''(1980년대)에 이르기까지 텔레비전 발달 과정에서 일관되게 나타난다.[52] ''유어 쇼 오브 쇼스'', ''에드 설리번 쇼''와 같은 쇼에서 다중 공연 형식이 성공을 거두었다. 빌 어윈과 같은 배우들은 종종 "뉴 보드빌"로 칭송받는다.[53][54]

"실패(flop)", "개그(gag)"와 같은 단어는 보드빌 시대에 만들어져 미국 관용구에 들어갔다. 보드빌 기법은 텔레비전과 영화에서 흔히 볼 수 있으며, ''아메리카 갓 탤런트''와 같은 TV 쇼에서도 두드러지게 나타난다.

프로레슬링에는 WWE를 기반으로 한 더 보드빌런스라는 태그팀이 있었다.[55]

2018년, 영화 감독 크리스토퍼 아니노는 보드빌 콘을 설립하여 보드빌의 역사를 기념했다. 첫 번째 모임은 코네티컷주 파카툭에서 열렸다.[56][57]

미국에서의 보드빌(영국에서의 뮤직 홀)은 초기 무성 영화 역사에서 중요한 위치를 차지한다. 토머스 에디슨은 최초의 영화 소재 중 일부에 보드빌의 구경거리를 다루었고, 보드빌과 뮤직 홀을 위한 연예장은 영화를 관객에게 보여주기 위한 최초의 공공 장소였다.

찰리 채플린, 버스터 키튼, 로렐 & 하디, 마르크스 형제, 지미 듀란테와 같은 1910년대 이후 슬랩스틱 코미디의 유명한 스타들은 보드빌과 뮤직 홀에 출연한 후 영화 산업에 들어갔다. 그들은 보드빌의 전통을 토키 시대에도 계속 이어나갔지만, 결과적으로 영화는 보드빌이라는 형태를 쇠퇴시킨 주요 요인이었다.

참조

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[60] 서적 この人から受け継ぐもの 岩波書店



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