무성 영화
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1. 개요
무성 영화는 소리가 없는 영화로, 1888년 《라운드헤이 정원 장면》을 시작으로 1920년대 말 유성 영화가 등장하기 전까지 영화의 주류를 이루었다. 연기, 자막, 촬영, 편집, 음악, 색조 등 다양한 영화적 기법들이 개발되었으며, 찰리 채플린, D. W. 그리피스 등 뛰어난 감독과 배우들이 활약했다. 1927년 유성 영화의 등장으로 쇠퇴했지만, 찰리 채플린의 《시티 라이트》와 같은 작품처럼 유성 영화 시대에도 무성 영화의 미학을 계승한 작품들이 제작되었다. 현재 많은 무성 영화가 유실되었지만, 보존 및 복원 노력을 통해 영화 유산을 지키려는 노력이 이어지고 있다.
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| 무성 영화 | |
|---|---|
| 무성 영화 | |
 | |
| 다른 이름 | 침묵 영화, 무음 영화 |
| 특징 | 대사가 없는 영화 화면과 자막으로만 내용 전달 촬영 현장에서 음성 동시 녹음 기술 부재 영화 상영 시 피아노 또는 오케스트라 연주 동반 슬랩스틱 코미디 및 과장된 배우 연기 |
| 역사 | |
| 발생 시기 | 1890년대 후반 |
| 전성기 | 1910년대 ~ 1920년대 |
| 쇠퇴 시기 | 1920년대 후반 |
| 종말 | 유성 영화의 등장 1927년 《재즈 싱어》 개봉 |
| 기술 | |
| 동시 녹음 기술 | 부재 |
| 사운드트랙 방식 | 축음기 사용 (수동 프레임 속도 조절) 피아노 연주 오케스트라 연주 |
| 화면 구성 | 배우의 과장된 연기 제스처 및 표정 중심 전달 시각적 스토리텔링 강조 자막 삽입 (이야기 전달 및 대화) |
| 주요 인물 및 작품 | |
| 주요 배우 | 찰리 채플린 버스터 키튼 해럴드 로이드 루돌프 발렌티노 릴리언 기시 메리 픽포드 |
| 주요 감독 | D. W. 그리피스 세르게이 에이젠슈테인 프리드리히 빌헬름 무르나우 |
| 주요 작품 | 국가의 탄생 전함 포템킨 니벨룽겐의 반지 메트로폴리스 키드 황금광 시대 선라이즈 제너럴 안달루시아의 개 |
| 유산 및 영향 | |
| 영화 기법 발전 | 시각적 스토리텔링 강조 몽타주 기법 발전 배우의 연기 강조 |
| 후대 영화에 영향 | 영화의 기본 요소 확립 무성 영화의 시각적 스타일 계승 코미디, 드라마 장르에 영향 |
| 참고 자료 | |
| 관련 참고 자료 | JSTOR 무성 영화 자료 |
2. 역사
1888년 루이 르 프린스가 제작한 《라운드헤이 정원 장면》은 세계 최초의 영화로 기록되어 있다.[67][68] 이 영화는 사람들이 오크우드 농장 공원을 산책하는 모습을 담은 2초 가량의 영화이다.[67]
영화 상영은 대부분 손으로 그린 유리 슬라이드의 이미지가 벽이나 스크린에 투영되는 매직 랜턴 쇼에서 발전했다. 19세기에 사진이 등장한 후, 정지 사진이 때때로 사용되었다. [3]
스트로보스코픽 애니메이션의 원리는 1833년에 등장한 인기 있는 광학 장난감인 페나키스티스코프의 도입 이후로 잘 알려져 있었지만, 사진 감광재료의 긴 노출 시간으로 인해 영화 촬영의 개발은 방해를 받았다. 그러다 이어드워드 마이브리지가 1878년에 크로노포토그래픽 시퀀스를 기록하는 데 성공했다. 다른 사람들이 그의 사진을 조이트로프에서 애니메이션으로 만들었던 후에, 마이브리지는 1880년에 자신의 주프락시스코프 애니메이션 프로젝터로 강연을 시작했다. 에티엔느-쥘 마레와 오토마르 안슈츠를 포함한 다른 선구적인 크로노포토그래퍼들의 작품은 영화 카메라, 프로젝터 및 투명 셀룰로이드 필름의 개발을 더욱 발전시켰다.
토마스 에디슨은 자신의 축음기와 동기화되는 필름 시스템을 개발하는 데 열의를 보였지만, 결국 1893년에 무성 영화 감상기인 키네토스코프를 소개했고, 이후 "키네토폰" 버전은 성공하지 못했다.
모션 픽처(활동사진)의 예술·기술은 “무성영화 시대”라고 불리는 시대에 전면적으로 성숙해진 후, 1920년대 말에 유성영화(토키)로 대체되었다. 많은 영화학자들은 새롭게 등장한 “토키”에 감독, 배우, 스태프들이 적응하는 몇 년 동안 영화의 미적 품질이 저하되었다고 지적하고 있다.[69]
무성영화의 영상미, 특히 1920년대에 제작된 작품의 품질은 매우 높다.[70] 그러나 일반적으로 원시적인 것이며 현대인의 감상에 견딜 만한 것이 아니라는 오해가 널리 존재한다. 잘못된 속도로 상영되는 등의 기술적 오류(무성영화 표준인 16fps로 촬영[71]되었음에도 불구하고 24fps로 상영되는 등)나, 오리지널 프린트의 소실로 인한 저품질 듀프 프린트 또는 필름 조각만 현존하는 등의 보존 상태 불량에 기인하는 오해이다.[69]
1927년(쇼와 2년)에 세계 최초의 장편 상업 유성영화로 여겨지는 「재즈 싱어」가 등장할 때까지 대부분 무성영화였다. 음성이 없다는 제약으로부터 다양한 영화적 기법이 개발되었고, 그것은 현대 영화에도 계승되고 있다. 등장인물의 대사는 자막을 삽입함으로써 표현했지만, 배우의 연기는 과장된 것이 될 수밖에 없었다.
상영에 있어서는 오케스트라나 밴드에 의한 음악 반주가 붙는 경우가 많았다. 일본에서는 상영 중인 영화의 진행에 맞춰 내용을 해설하는 활동사진 변사(활변사)가 활약하여 데카와 유메고에와 같은 인기 변사도 나타났다.
유성영화가 실용화된 이후에는 무성영화에 음악 사운드트랙을 추가한 것이 상영되었는데, 이것을 사운드판이라고 한다. 유성영화 이후 시대에도 무성영화(대부분 엄밀히는 사운드판)로 제작된 작품도 존재한다. 자크 타티, 멜 브룩스, 아키 카우리스마키 등이 “그 이후의 무성영화”를 감독한 영화 제작자이다.
2. 1. 초기 영화 (1888년 ~ 1900년대 초)
1888년 루이 르 프린스가 제작한 《라운드헤이 정원 장면》은 세계 최초의 영화로 기록되어 있다.[67][68] 이 영화는 사람들이 오크우드 농장 공원을 산책하는 모습을 담은 2초 가량의 영화이다.[67] 기네스 세계 기록이 인정한 세계 최초의 영화 「라운드헤이 가든 씬」(1888년)의 한 장면.]]초기 영화는 짧은 상영 시간과 단순한 촬영 기법을 특징으로 했지만, 영화라는 새로운 매체의 가능성을 제시했다. 영화 상영은 대부분 손으로 그린 유리 슬라이드의 이미지가 벽이나 스크린에 투영되는 매직 랜턴 쇼에서 발전했다. 19세기에 사진이 등장한 후, 정지 사진이 때때로 사용되었다. [3]
스트로보스코픽 애니메이션의 원리는 1833년에 등장한 인기 있는 광학 장난감인 페나키스티스코프의 도입 이후로 잘 알려져 있었지만, 사진 감광재료의 긴 노출 시간으로 인해 영화 촬영의 개발은 방해를 받았다. 그러다 이어드워드 마이브리지가 1878년에 크로노포토그래픽 시퀀스를 기록하는 데 성공했다. 다른 사람들이 그의 사진을 조이트로프에서 애니메이션으로 만들었던 후에, 마이브리지는 1880년에 자신의 주프락시스코프 애니메이션 프로젝터로 강연을 시작했다. 에티엔느-쥘 마레와 오토마르 안슈츠를 포함한 다른 선구적인 크로노포토그래퍼들의 작품은 영화 카메라, 프로젝터 및 투명 셀룰로이드 필름의 개발을 더욱 발전시켰다.
토마스 에디슨은 자신의 축음기와 동기화되는 필름 시스템을 개발하는 데 열의를 보였지만, 결국 1893년에 무성 영화 감상기인 키네토스코프를 소개했고, 이후 "키네토폰" 버전은 성공하지 못했다. 초기 영화 스튜디오들은 뉴욕시권에 위치해 있었다. 에디슨 스튜디오는 처음에는 뉴저지주 웨스트오렌지(1892년)에 있었으나, 뉴욕 브롱크스(1907년)로 이전했다. 1908년 12월, 에디슨은 영화 산업을 장악하고 소규모 제작자들을 몰아내려는 시도로 미국 영화 특허 회사의 설립을 주도했다. "에디슨 트러스트"라고 불린 이 회사는 수직 및 수평 독점으로 업계를 지배했으며, 스튜디오들이 서부 해안으로 이동하는 데 기여한 요인이 되었다. 미국 영화 특허 회사와 제너럴 필름 컴퍼니는 1915년 10월 반독점 위반으로 유죄 판결을 받고 해산되었다.
2. 2. 무성영화의 황금기 (1910년대 ~ 1920년대 후반)
1910년대부터 1920년대 후반까지는 무성영화의 황금기로, 영화 예술이 본격적으로 발전하고 다양한 영화적 표현 기법이 탐구되었다.[4] 이 시기 이탈리아에서는 《폼페이 최후의 날》, 《쿠오바디스》, 《카비리아》 등의 스펙터클 영화가 번성했으며, 북유럽에서는 신비주의적 드라마, 독일에서는 표현주의 영화, 프랑스에서는 영상미를 강조한 작품들이 등장했다.제1차 세계대전으로 유럽 영화계가 침체된 틈을 타 미국 할리우드 영화가 성장했으며, 스타 시스템과 오락 영화가 주류를 이루었다. 루돌프 발렌티노, 더글러스 페어뱅크스, 릴리언 기시, 글로리아 스완슨 등 많은 스타들이 탄생했고, 《포장마차》, 《철마(鐵馬)》 같은 서부극이 인기를 끌었다.[4] 그러나 할리우드는 에리히 폰 슈트로하임, 에른스트 루비치를 비롯하여, 조지프 폰 스턴버그, 모리츠 스틸러, 로타르 멘데스, 윌리엄 디털레, 프리드리히 무르나우 등 유럽 각지의 감독들을 널리 모아 국제적인 영화도시를 이루고 있었다.
찰리 채플린은 영국 무대에서 미국으로 건너가 처음에는 희극 단편의 주연자였으나, 실크 햇과 퉁탕거리는 헐렁한 구두를 신은 독특한 차림으로 성공을 거두어 한 사람의 배우에서 감독으로까지 진출했고, 《개의 생활》, 《키드》, 《황금광시대(黃金狂時代)》 등의 희극 속에서도 비애의 감정을 나타내어, 빼어난 인생 작가로서 세계의 주목을 모으면서 독자적인 길을 걸었다.
프랑스는 이 시기에 수많은 명작을 발표했다. 루이 델뤼크, 제르메느 뒬라크, 장 르누아르, 장 에프스탕, 자크 페데, 르네 클레르 같은 작가들이 활약하였다. 그 중에서도 카알 드레이에르의 《심판받는 잔》(1927)은 클로즈업의 연속으로써 드라마틱하게 인간 심리의 미묘한 변화를 포착했고, 르네 클레르는 《이탈리아제 맥고 모자》(1927)로 지적인 우화(寓話)영화를 시도했으며, 자크 페데는 《눈사태》(1925)와 《님의 모습》(1926)으로 비극적인 인간세계를 풍부한 정서로 그렸고, 장 에프스탕은 《아서 가(家)의 후예》(1928)로 신비한 분위기를 훌륭하게 빚어냈다.
독일에서는 G.W. 팝스트의 《마음의 신비(神秘)》, 《판도라의 상자>(1929)와 프리츠 랑의 《니벨룽겐 이야기》(1924), 《메트로폴리스》(1927), 헤리크 갈렌의 《프라하의 대학생》(1926), F. W. 무르나우의 《최후의 사람》(1925), 요에 마이의 《귀향(歸鄕)》(1928) 등에서 주로 사극이나 사회극을 취재하여 역작을 내놓았다.
1917년 혁명 이후 러시아에서는 영화가 국영화되었고, 세르게이 에이젠슈테인의 《스트라이크》(1925)에 의해 비로소 러시아영화는 개화기를 맞이했다. 이듬해의 《전함 포템킨》, 브세볼로트 푸도프킨의 《어머니》, 그리고 1927년에는 세르게이 에이젠슈테인의 《10월》, 브세볼로트 푸도프킨의 《성 페테르부르크의 최후》 등이 대표하는 것처럼 이 두 작가는 혁명과 대중을 제재로 하여 이 나라의 역사적인 의의를 테마로 빼어난 작품을 만들었다. 그들의 성과는 자기 나라의 역사에서 주제를 택했고, 외국 영화에서 표현 기법을 본받아 이것을 발전시켰다. 몽타주가 영화의 창조적인 표현에 있어서 중요한 요소라는 것을 이 영화들로 실험하면서, 이론적으로도 추구하여 이른바 러시아 몽타주론을 이루었다.
2. 3. 유성영화의 등장과 무성영화의 쇠퇴 (1920년대 후반 ~ 1930년대)
1927년 워너 브러더스가 최초의 상업적으로 성공한 유성 영화인 ''재즈싱어''를 개봉하여 유성영화 시대가 시작되었다.[69] 그러나 1927년과 1928년에 개봉된 영화의 대부분은 여전히 무성 영화였으며, 무성 영화에 일부 유성 영화 부분이 삽입된 영화도 있었다.[69] 1920년대 초, 진공관 증폭기와 고품질 라우드스피커와 같은 기본 기술이 사용 가능해진 이후, 음반식 사운드와 필름식 사운드라는 경쟁적인 여러 음향 형식을 설계하고 구현하고 시장에 출시하려는 경쟁이 벌어졌다. 포토키네마(1921), 포노필름(1923), 비타폰(1926), 폭스 무비톤(1927), RCA 포토폰(1928) 등이 그 예이다. 따라서 현대 유성 영화 시대는 1929년부터 주도적인 위치를 차지하기 시작한 것으로 볼 수 있다.영화 학자와 애호가들은 감독과 배우, 제작 스탭들이 새로운 "발성 영화(talkies)"에 적응하기까지의 몇 년 동안 영화의 미적 질이 떨어졌다는 논쟁을 벌였다.[69] 유성영화 기술의 발전과 함께 영화 제작 방식과 관람 환경이 변화하면서, 무성영화는 더 이상 주류 영화 형식으로 자리 잡지 못하게 되었다.
그러나 국가별, 지역별로 무성영화의 쇠퇴 시기는 다소 차이를 보였다. 특히, 일본에서는 활동사진 변사가 영화의 내용을 해설하며 인기를 얻었고, 검객 영화를 중심으로 1938년까지 사운드판을 포함한 무성영화가 제작 및 공개되었다.
3. 영화적 기법
3. 1. 연기
무성영화 배우들은 신체 언어와 표정을 강조하여 관객이 배우가 느끼고 표현하는 감정을 더 잘 이해할 수 있도록 했다. 많은 무성영화 연기는 현대 관객들에게는 단순하거나 캠프스럽게 느껴질 수 있다. 멜로드라마틱한 연기 스타일은 어떤 경우에는 배우들이 이전 무대 경험에서 가져온 습관이었다. 보드빌은 많은 미국 무성영화 배우들에게 특히 인기 있는 출신 배경이었다. 영화계에 무대 배우들이 널리 진출한 것에 대해 1917년 마셜 네일란(Marshall Neilan) 감독은 "영화계에 발을 들여놓은 무대 출신 배우들이 빨리 떠날수록 영화계에 좋을 것이다."라고 비판했다. 다른 경우에는 존 그리피스 레이(John Griffith Wray)와 같은 감독들은 배우들에게 강조를 위해 실제보다 과장된 표정을 요구했다. 1914년 초부터 미국 관객들은 화면에서 더 자연스러운 연기를 선호하기 시작했다.
1910년대 중반 무렵, 무대와 스크린의 차이가 명확해짐에 따라 무성영화는 보드빌 스타일에서 벗어나기 시작했다. D. W. 그리피스(D. W. Griffith)와 같은 감독들의 노력으로 촬영 기법이 무대 연극과 같은 방식에서 벗어나고, 클로즈업의 발전으로 절제되고 사실적인 연기가 가능해졌다. 릴리언 기시(Lillian Gish)는 이 시대의 작품을 통해 영화계의 "최초의 진정한 여배우"로 불리며, 무대와 스크린 연기의 중요한 차이점을 인식하고 새로운 영화 연기 기법을 개척했다. 알베르 카펠라니(Albert Capellani)와 모리스 투르뇌르(Maurice Tourneur)와 같은 감독들은 영화에서 자연주의를 고집하기 시작했다. 1920년대 중반까지 많은 미국 무성영화는 더욱 자연주의적인 연기 스타일을 채택했지만, 모든 배우와 감독이 자연주의적이고 절제된 연기를 곧바로 받아들인 것은 아니었다. 1927년까지도 ''메트로폴리스''와 같이 표현주의적 연기 스타일을 특징으로 하는 영화가 여전히 제작되었다. 1926년 첫 번째 미국 영화가 개봉된 그레타 가르보(Greta Garbo)는 자연주의적인 연기로 유명해졌다.
캘리포니아 대학교 버클리의 무성영화 학자 안톤 카이스(Anton Kaes)에 따르면, 미국 무성영화는 1913년에서 1921년 사이에 독일 무성영화에서 볼 수 있는 기법의 영향을 받아 연기 기법의 변화를 보이기 시작했다. 이는 주로 바이마르 공화국 출신 이민자들의 유입, 즉 "영화 감독, 제작자, 촬영감독, 조명 및 무대 기술자뿐만 아니라 배우들" 때문이라고 한다.
3. 2. 자막 (Inter-titles)
영화의 상영 시간이 길어지면서 영화 내용을 관객에게 설명해주던 내부 통역가를 대체할 필요성이 생겼다. 무성 영화에는 대사를 위한 동기화된 음향이 없었기 때문에, 화면에 나타나는 자막을 사용하여 이야기의 중요 지점을 설명하고, 주요 대사를 보여주거나 관객을 위해 행동에 대한 해설을 덧붙였다.[9] '자막 작가'는 무성 영화에서 중요한 전문직이 되었으며, 종종 이야기를 만든 '각본 작가'와는 별개였다. 자막(당시 일반적으로 '제목'이라고 불렸다)은 "종종 그 자체로 그래픽 요소였으며, 행동에 대한 해설을 담은 삽화나 추상적인 장식을 특징으로 했다".[9][10]
3. 3. 촬영 및 편집
초기 무성 영화는 촬영 속도가 일정하지 않아 초당 12~40프레임으로 다양했다.[15] 뤼미에르 형제의 Cinématographe프랑스어의 영향으로 초당 16프레임이 표준으로 여겨지기도 했지만, 실제로는 제작사나 촬영 기사에 따라 달랐다.[15] 윌리엄 케네디 디크슨은 초당 40프레임을 선택하기도 했다.
의도된 속도와 다르게 상영될 경우, 무성 영화는 부자연스럽게 보이기도 했다. 코미디나 액션 영화에서는 의도적으로 고속 촬영 기법을 사용해 움직임을 빠르게 하기도 했다.[15] 필름 투사 속도가 느리면 화재 위험이 있었고, 극장에서는 이익을 위해 상영 속도를 조절하기도 했다.[16][15]
영화 투사기는 필름 이동 중 빛을 차단하는 셔터가 필요했는데, 이로 인해 깜빡임이 발생했다. 토마스 에디슨은 초당 46이미지 미만이 눈에 피로를 준다고 판단했다.[15] 이를 해결하기 위해 초당 40프레임 이상으로 촬영하거나, 2중 또는 3중 날개 셔터를 사용하여 깜빡임 속도를 높였다. 무성 영화 시대에는 3날개 셔터가 일반적이었고, 유성 영화 시대에는 초당 24프레임 표준에 맞춰 2날개 셔터가 사용되었다.[15]
1950년대에는 텔레비전 방송을 위해 프레임 속도를 잘못 변환한 사례가 많아 시청자들의 몰입을 방해하기도 했다.[17]
3. 4. 음악과 반주
무성영화는 소리가 전혀 없는 영화가 아니었다. 보통 음악이 곁들여져 있었는데, 이는 독립적으로 녹음된 음악일 수도 있고 반주자의 반주인 경우도 있었다.[11] 1895년 12월 28일 파리에서 뤼미에르 형제가 최초로 영화를 공개 상영한 이후, 무성 영화 상영에는 거의 항상 라이브 음악이 함께 제공되었다.[11] 이는 1896년 뉴욕시 코스터 앤 바이얼스 뮤직 홀(Koster and Bial's Music Hall)에서 미국 최초의 영화 상영으로 이어졌다. 이 행사에서 에디슨은 모든 상영에 오케스트라 반주가 있어야 한다는 선례를 남겼다. 처음부터 음악은 분위기를 조성하고 관객에게 중요한 감정적 단서를 제공하는 필수 요소로 인식되었다.[11]상영장 규모에 따라 음악 반주는 규모가 크게 달라질 수 있었다. 소규모 도시와 동네 영화관에서는 보통 피아니스트가 있었다. 1910년대 중반부터 대도시 극장에는 오르가니스트 또는 여러 명의 음악가로 구성된 연주단이 있는 경향이 있었다. 단순한 피아노 독주자와 대규모 오케스트라 사이의 간극을 메우도록 설계된 거대한 극장 오르간은 다양한 특수 효과를 제공했다. 유명한 "마이티 워리처(Mighty Wurlitzer)"와 같은 극장 오르간은 일부 오케스트라 사운드와 베이스 드럼과 심벌즈와 같은 여러 타악기 효과, 그리고 "기차와 배의 기적부터 자동차 경적과 새소리... 심지어 권총 사격, 벨소리, 파도 소리, 말발굽 소리, 도자기 파손 소리, 천둥과 비 소리"와 같은 다양한 음향 효과를 시뮬레이션할 수 있었다.[11]
초기 무성 영화의 음악은 즉흥적인 것이거나 고전 또는 극장 레퍼토리 음악으로 편곡된 것이었다. 그러나 장편 영화가 일반화되면서 피아니스트, 오르가니스트, 오케스트라 지휘자 또는 영화 스튜디오 자체가 영화와 함께 큐 시트를 포함한 사진 음악에서 음악을 편곡했다. 이러한 시트는 종종 길이가 길었으며, 주의해야 할 효과와 분위기에 대한 자세한 설명이 포함되어 있었다. D. W. 그리피스(D. W. Griffith)의 서사시 영화 ''국가의 탄생(The Birth of a Nation)''(1915)에 조셉 칼 브레일(Joseph Carl Breil)이 작곡한 대부분 독창적인 음악을 시작으로, 예산이 가장 큰 영화에 특별히 작곡된 오리지널 음악이 상영관에 도착하는 것이 비교적 일반적이 되었다. 그러나 최초의 본격적인 전용 음악은 사실 1908년 카미유 생상(Camille Saint-Saëns)이 ''기즈 공작 암살(The Assassination of the Duke of Guise)''에, 그리고 미하일 이폴리토프-이바노프(Mikhail Ippolitov-Ivanov)가 ''스텐카 라진''에 작곡한 것이었다.
오르가니스트나 피아니스트가 악보를 사용하더라도 화면의 드라마를 고조시키기 위해 즉흥적인 장식을 추가할 수 있었다. 특수 효과가 악보에 표시되지 않은 경우에도 "말이 달리는 소리"와 같은 특이한 음향 효과를 낼 수 있는 극장 오르간을 연주하는 오르가니스트가 있다면, 드라마틱한 말 타고 추격하는 장면에서 사용되었을 것이다.
무성 영화 시대의 절정기에 영화는 미국에서 적어도 악기 연주자에게 가장 큰 고용원이었다. 그러나 토키의 도입과 거의 동시에 발생한 대공황은 많은 음악가들에게 치명적인 타격을 주었다.
많은 국가들이 무성 영화에 소리를 더하는 다른 방법을 고안해냈다. 예를 들어, 초기 브라질 영화에는 화면 뒤에서 노래하는 가수들이 있는 촬영된 오페레타인 ''피타스 칸타타스(fitas cantatas)''(노래 영화)가 등장했다. 일본 영화에서는 영화에 라이브 음악뿐만 아니라 해설과 등장인물의 목소리를 제공하는 라이브 해설자인 ''변시(benshi)''가 있었다. ''변시''는 일본 영화에서 중심적인 요소가 되었으며, 외국(주로 미국) 영화의 번역도 제공했다. ''변시''의 인기는 일본에서 무성 영화가 1930년대까지 지속된 한 가지 이유였다.
무성영화 시대의 영화 음악은 온전하게 남아 있는 경우가 거의 없으며, 음악학자들은 남아 있는 음악을 정확하게 재구성하려 할 때 여전히 많은 어려움에 직면한다. 현재 재개봉되거나 상영되는 무성영화에 사용되는 음악은 작곡의 완전한 재구성일 수도 있고, 그때를 위해 새로 작곡된 음악일 수도 있으며, 기존 음악 라이브러리에서 모은 것이거나, 무성영화 시대 극장 음악가들이 즉흥적으로 연주한 것일 수 있다.
1980년경부터 고품질의 음악(당시의 음악 또는 큐 시트의 재작업 또는 적절한 오리지널 음악의 작곡)과 함께 무성영화를 상영하는 데 대한 관심이 다시 살아났다. 이러한 초기 시도 중 하나는 케빈 브라운로가 아벨 강스의 ''나폴레옹''(1927)을 1980년에 복원한 것으로, 칼 데이비스의 음악이 특징이다.
오늘날 많은 독주자, 음악 앙상블, 오케스트라가 국제적으로 무성영화를 위해 전통적이고 현대적인 음악을 연주한다.[12]
3. 5. 색조 (Tinting)
자연색 처리 기술이 부족했던 무성 영화 시대에는, 분위기를 나타내거나 시간대를 표현하기 위해 필름을 염료에 담가 다양한 색조와 색상으로 착색하는 경우가 잦았다.[20] 파란색은 야경을, 노란색이나 호박색은 주간을 나타냈다.[20] 빨간색은 불을, 녹색은 신비로운 분위기를 나타냈다.[20] 마찬가지로, 특수 용액으로 필름을 색조 처리(흔히 무성 영화에서 일반적으로 사용되는 세피아톤 처리와 같이)하여 필름 원료의 은 입자를 다양한 색상의 염이나 염료로 대체했다. 착색과 색조 처리를 함께 사용하면 인상적인 효과를 낼 수 있었다.[20]
수작업 착색은 1895년 에디슨이 ''나비춤''의 일부 수작업 착색 인쇄본을 출시하면서 미국에서 시작되었다.[19] 1909년 초부터 컬러 필름 실험이 시작되었지만, 업계에서 컬러가 채택되고 효과적인 공정이 개발되는 데는 훨씬 오랜 시간이 걸렸다.[20] 수작업 채색은 특히 조르주 멜리에스의 작품에서 유럽의 초기 "트릭" 및 판타지 영화에서 자주 사용되었다.[19] 멜리에스는 1897년 초부터 자신의 작품에 수작업 착색을 시작했으며, 1899년 ''신데렐라 (Cendrillion)''(신데렐라)와 1900년 ''잔 다르크 (Jeanne d'Arc)''(잔 다르크)는 색상이 무대 장치 또는 ''미장센''의 중요한 부분이었던 수작업 착색 영화의 초기 사례를 보여준다.[19] 1902년에 처음 출시된 멜리에스의 ''달나라 여행''의 새롭게 복원된 버전은 이미지에 질감과 관심을 더하기 위해 고안된 과도한 색상 사용을 보여준다.[20]
1908년 미국 배급업체의 영화 용품 카탈로그에 실린 설명은 초기 무성 영화 시대에 프랑스가 수작업 착색 영화 분야에서 계속해서 주도적인 위치를 차지하고 있었음을 강조한다.[21] 배급업체는 다양한 가격으로 파테(Pathé), 어번-이클립스(Urban-Eclipse), 가몽(Gaumont), 칼렘(Kalem), 이탈라 필름(Itala Film), 암브로시오 필름(Ambrosio Film), 그리고 셀리그(Selig)의 "고급" 영화를 판매하고 있다.[21] 카탈로그에 있는 더 길고 더 권위 있는 영화 중 일부는 표준 흑백 "일반 필름"과 "수작업 채색" 컬러 버전 모두로 제공된다.[21] 예를 들어, 1907년에 출시된 ''벤허''의 일반 필름 사본은 120달러에 판매되는 반면, 동일한 1000피트, 15분짜리 영화의 컬러 버전은 270달러로, 150달러의 추가 착색 비용이 포함되어 있어 피트당 15센트 더 비쌌다.[21]
1910년대 초, 장편 영화가 등장하면서 착색은 음악만큼이나 일반적인 또 다른 분위기 조성 방법으로 사용되었다. 감독 D. W. 그리피스는 색상에 대한 지속적인 관심과 우려를 표명했으며, 자신의 많은 영화에서 착색을 특수 효과로 사용했다. 그의 1915년 서사시 ''국가의 탄생''은 호박색, 파란색, 라벤더색을 포함한 여러 가지 색상과, "애틀랜타의 화재"와 그림의 클라이맥스에서 쿠 클럭스 클랜의 질주와 같은 장면에 인상적인 빨간색 착색을 사용했다. 그리피스는 나중에 화면의 영역에 유색 조명을 비춰 색상을 얻는 컬러 시스템을 발명했다.
사운드온필름 기술의 개발과 업계의 수용으로 인해, 착색 과정에 사용된 염료가 필름 스트립에 있는 사운드 트랙을 방해했기 때문에 착색은 완전히 사라졌다.[20]
4. 변사
무성 영화 상영 시 배우들의 대사를 대신 해주는 해설자를 변사라고 한다. 변사는 무성영화 상영 시 영화 내용을 해설하고 등장인물의 대사를 연기하는 전문 해설가를 말한다. 한국과 일본 등 일부 국가에서 변사가 활동했으며, 특히 한국에서는 변사가 영화의 흥행에 중요한 역할을 했다. 변사는 단순한 해설을 넘어, 영화 내용을 재해석하고 창조적인 연기를 통해 관객에게 색다른 즐거움을 선사했다.
5. 주요 작품
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다음은 1932년까지 미국 무성 영화 시대에 가장 높은 수익을 올린 미국 영화들이다. 제시된 금액은 배급사의 극장 수익 분배금(gross rental)이며, 극장 총수입(exhibition gross)이 아니다.[23]
| 제목 | 연도 | 감독 | 총 임대 수익 |
|---|---|---|---|
| 국가의 탄생 | 1915 | D. W. 그리피스 | $10,000,000 |
| 큰 행진 | 1925 | 킹 비더 | $6,400,000 |
| 벤허 | 1925 | 프레드 니블로 | $5,500,000 |
| 키드 | 1921 | 찰리 채플린 | $5,450,000 |
| 동쪽으로 길을 잃다 | 1920 | D. W. 그리피스 | $5,000,000 |
| 시티 라이트 | 1931 | 찰리 채플린 | $4,300,000 |
| 황금 광채 | 1925 | 찰리 채플린 | $4,250,000 |
| 서커스 | 1928 | 찰리 채플린 | $3,800,000 |
| 덮인 마차 | 1923 | 제임스 크루즈 | $3,800,000 |
| 노트르담의 꼽추 | 1923 | 월리스 워슬리 | $3,500,000 |
| 십계 | 1923 | 세실 B. 드밀 | $3,400,000 |
| 폭풍 속의 고아 | 1921 | D. W. 그리피스 | $3,000,000 |
| 하늘을 위해 | 1926 | 샘 테일러 | $2,600,000 |
| 파멸로 가는 길 | 1928 | 노튼 S. 파커 | $2,500,000 |
| 7번 천국 | 1928 | 프랭크 보제이지 | $2,500,000 |
| 영광의 대가 | 1926 | 라울 월시 | $2,400,000 |
| 애비의 아일랜드 로즈 | 1928 | 빅터 플레밍 | $1,500,000 |
5. 1. 한국 영화
나운규의 아리랑(1926)은 한국 무성영화의 대표작으로 꼽힌다. 이 영화는 민족의 애환과 저항 정신을 일제 강점기라는 시대적 배경 속에서 그려내어 당시 관객들에게 큰 반향을 일으켰다. 하지만 안타깝게도 현재 필름은 유실된 상태이다. 심훈의 상록수는 일제 강점기 농촌 계몽 운동을 다룬 소설로, 영화로도 제작되어 많은 사람들에게 감동을 주었다.5. 2. 외국 영화
조르주 멜리에스의 《달세계여행》(1902)은 과학 소설 영화의 초기 형태를 보여주는 작품이다. D. W. 그리피스의 《국민의 탄생》(1915)은 혁신적인 촬영 기법과 서사 구조를 선보였지만, 인종차별적인 내용으로 논란이 되기도 했다.[23] 로베르트 비네의 《칼리가리 박사》(1919)는 표현주의 영화의 대표작으로, 기괴한 세트 디자인과 과장된 연기가 특징이다.
세르게이 에이젠슈테인의 《전함 포템킨》(1925)은 몽타주 이론을 확립한 영화로, 혁명적인 편집 기법을 선보였다. 프리츠 랑의 《메트로폴리스》(1927)는 미래 도시를 배경으로 한 SF 영화로, 특수 효과와 시각적 스타일이 돋보인다. F. W. 무르나우의 《선라이즈》(1927)는 뛰어난 촬영 기법과 영상미로 호평받은 작품이다.
1932년까지 미국 무성 영화 시대에 가장 높은 수익을 올린 미국 영화들은 다음과 같다(제시된 금액은 배급사의 극장 수익 분배금).[23]
| 제목 | 연도 | 감독 | 총 임대 수익 |
|---|---|---|---|
| 국민의 탄생 | 1915 | D. W. 그리피스 | $10,000,000 |
| 큰 행진 | 1925 | 킹 비더 | $6,400,000 |
| 벤허 | 1925 | 프레드 니블로 | $5,500,000 |
| 키드 | 1921 | 찰리 채플린 | $5,450,000 |
| 동쪽으로 길을 잃다 | 1920 | D. W. 그리피스 | $5,000,000 |
| 시티 라이트 | 1931 | 찰리 채플린 | $4,300,000 |
| 황금 광채 | 1925 | 찰리 채플린 | $4,250,000 |
| 서커스 | 1928 | 찰리 채플린 | $3,800,000 |
| 덮인 마차 | 1923 | 제임스 크루즈 | $3,800,000 |
| 노트르담의 꼽추 | 1923 | 월리스 워슬리 | $3,500,000 |
| 십계 | 1923 | 세실 B. 드밀 | $3,400,000 |
| 폭풍 속의 고아 | 1921 | D. W. 그리피스 | $3,000,000 |
| 하늘을 위해 | 1926 | 샘 테일러 | $2,600,000 |
| 파멸로 가는 길 | 1928 | 노튼 S. 파커 | $2,500,000 |
| 7번 천국 | 1928 | 프랭크 보제이지 | $2,500,000 |
| 영광의 대가 | 1926 | 라울 월시 | $2,400,000 |
| 애비의 아일랜드 로즈 | 1928 | 빅터 플레밍 | $1,500,000 |
이 외에도 주목할 만한 무성 영화로는 《대열차강도》(1903, 미국, 에드윈 S. 포터 감독), 《안토니와 클레오파트라》(1913, 이탈리아, 엔리코 가쪼니 감독), 《카비리아》(1914, 이탈리아, 조반니 페스트로네/Giovanni Pastroneit 감독), 《흡혈귀 노스페라투》(1922, 독일, F. W. 무르나우 감독), 《나폴레옹》(1927, 프랑스, 아벨 강스 감독) 등이 있다.
무성 영화 시대의 주요 감독으로는 조르주 멜리에스, D. W. 그리피스, 빅토르 셰스트룀, 찰리 채플린, 프리츠 랑, 세르게이 에이젠슈테인 등이 있다.
6. 유성영화 시대의 무성영화
유성영화 시대에도 무성영화의 형식과 미학을 계승하거나 오마주하는 작품들이 제작되었다. 찰리 채플린의 《시티 라이트》(1931)와 《모던 타임즈》(1936)는 유성영화 시대에 제작되었지만, 무성영화의 특징을 유지하며 큰 성공을 거두었다. 멜 브룩스의 《무성영화》(1976)는 무성영화 코미디에 대한 오마주를 담은 작품이다. 오손 웰스의 투 머치 존슨(1938), 자크 타티의 휴로씨의 휴가(1953), 피에르 에테의 구혼자(1962)도 무성영화 시대의 코미디에 경의를 표하는 작품들이다.
1990년, 찰스 레인은 찰리 채플린의 《키드》(1921)에 대한 헌정으로 저예산 감성 무성 코미디 영화 《보도 이야기》를 감독하고 주연을 맡았다. 독일 영화 《투발루》(1999)는 대부분 무성 영화이며, 적은 양의 대화는 다양한 유럽 언어가 혼합되어 영화의 보편성을 높였다. 가이 매딘은 소련 시대 무성 영화에 대한 헌정 작품인 단편 영화 《세계의 심장》으로 상을 수상했으며, 이후 장편 무성 영화 《두뇌 위의 낙인!》(2006)을 제작했다. 《흡혈귀의 그림자》(2000)는 프리드리히 빌헬름 무르나우의 고전 무성 뱀파이어 영화 《노스페라투》(1922)의 촬영 과정을 매우 허구적으로 묘사한 영화이다. 베르너 헤르초크는 자신의 작품인 《노스페라투: 밤의 유령》(1979)에서 같은 영화에 경의를 표했다.
몇몇 영화는 무성 영화 시대와 유성 영화 시대 사이의 극명한 대조를 보여준다. 《선셋대로》(1950)는 무성 영화 스타 글로리아 스완슨이 연기한 노르마 데스몬드라는 인물을 통해 두 시대 사이의 단절을 보여주며, 《사랑은 비를 타고》는 할리우드 예술가들이 유성 영화에 적응하는 과정을 다룬다. 피터 보그다노비치의 1976년 영화 《니켈로디언》은 1910년대 초 할리우드에서의 무성 영화 제작의 혼란, 특히 D. W. 그리피스의 서사시적 걸작 《국가의 탄생》(1915)의 개봉까지를 다룬다.
1999년, 핀란드의 영화 제작자 아키 카우리스마키는 흑백으로 제작된 《유하》(1999)를 만들었는데, 이 영화는 대사 대신 자막을 사용하여 무성 영화의 스타일을 포착했다. 인도에서는 카말 하산이 주연한 영화 《푸시팍》(1988)이 대사가 전혀 없는 블랙 코미디로 제작되었다. 호주 영화 《닥터 플롱크》(2007)는 롤프 드 히어가 감독한 무성 코미디 영화이다.
미셸 아자나비시우스의 《아티스트》(2011)는 무성영화 시대 할리우드를 배경으로 한 흑백 무성영화로, 아카데미 작품상을 수상했다.[31] 파블로 베르헤르의 《백설공주》(2012)는 스페인 흑백 무성 판타지 드라마 영화이다.[35] 2006년에 제작을 시작하여 이사벨라 로셀리니와 밀라 요보비치의 어머니인 갈리나 요보비치가 출연한 미국 장편 무성 영화 《사일런트 라이프》는 2013년에 개봉했다. 이 영화는 무성 영화 시대의 아이콘 루돌프 발렌티노의 삶을 바탕으로 한다.[36][37]
《피크닉》(2012)은 2릴 무성 멜로드라마와 코미디 스타일로 제작된 2012년 단편 영화이다. 이 영화는 스미스소니언 미국 예술 박물관의 렌윅 갤러리가 기획한 전시회 「관객 없음: 버닝 맨의 예술」의 일부였다.[38] 《바로 거기》(2013)는 무성 코미디 영화에 대한 헌정 작품인 2013년 단편 영화이다.
《숀 더 쉽》을 기반으로 한 2015년 영국 애니메이션 영화 《숀 더 쉽 무비》는 호평을 받았으며 흥행에도 성공했다.
7. 보존 및 복원
많은 무성영화들이 유실되거나 손상되어, 영화 유산 보존의 중요성이 강조되고 있다.[45] 미국 의회도서관의 보고서에 따르면, 미국 무성 영화의 약 70%가 유실된 것으로 추정된다.[45]
니트로셀룰로오스 필름의 불안정성, 보관 시설 부족, 화재 등 다양한 요인으로 인해 많은 무성영화들이 사라졌다. 특히 1965년 MGM 창고 화재와 1937년 폭스 창고 화재는 영화에 대한 엄청난 손실을 초래했다. 완전히 파괴되지 않은 많은 영화는 부분적으로만 또는 심하게 손상된 필름으로만 남아 있다. MGM 화재로 유실된 ''런던 애프터 미드나잇''(1927)과 같은 일부 유실 영화는 영화 수집가와 역사가들의 상당한 관심을 받았다.
유실된 것으로 추정되는 주요 무성 영화는 다음과 같다:
- ''요정과 라디오극(The Fairylogue and Radio-Plays)'' (1908)
- 재난의 생존자들을 등장시킨 ''타이타닉에서 구출됨(Saved from the Titanic)'' (1912);
- 판초 빌라 자신이 주연한 ''빌라 장군의 일생(The Life of General Villa)''
- ''클레오파트라'' (1917)
- ''키스 미 어게인'' (1925)
- ''아리랑'' (1926)
- ''위대한 개츠비'' (1926)
- ''런던 애프터 미드나잇'' (1927)
- 최우수 작품상 후보작 중 유일하게 유실된 ''애국자'' (1928); 예고편만 남아 있다.
- ''숙녀는 금발을 좋아해'' (1928)
하지만, 영화 보관소와 개인 소장가들의 노력으로 일부는 발견 및 복원되고 있으며, 디지털 기술을 활용한 복원 작업도 활발하게 진행되고 있다.[46] 오래된 필름의 열화는 적절한 보관을 통해 늦출 수 있으며, 필름은 안전 필름이나 디지털 미디어로 이전하여 보존할 수 있다.
일례로, 캐나다 유콘 준주 도슨 시티는 한때 많은 영화의 배급망 종착역이었다. 1978년, 1903년부터 영화 상영을 시작했던 도슨 아마추어 체육 협회(Dawson Amateur Athletic Association)의 옛 부지였던 빈터를 발굴하는 과정에서 500개가 넘는 질산염 필름 리일이 발견되었다.[47] 펄 화이트, 헬렌 홈즈, 그레이스 쿠나드, 로이스 웨버, 해롤드 로이드, 더글러스 페어뱅크스, 론 채니 등의 작품과 많은 뉴스릴이 포함되어 있었다. 이 필름들은 1929년까지 현지 도서관에 보관되어 있다가 인화성이 높은 질산염 필름이었기에 폐쇄된 수영장 매립지로 사용되었다. 유콘의 영구 동토층 아래에서 50년을 보낸 리일들은 놀랍도록 잘 보존되어 있었다. 위험한 화학적 휘발성 때문에, 이 역사적인 발견물은 군사 수송을 통해 캐나다 도서관 및 기록 보관소와 미국 미국 의회도서관으로 옮겨져 보관 및 안전 필름으로 이전되었다. 이 발견에 대한 다큐멘터리 영화 ''도슨 시티: 냉동된 시간''이 2016년에 개봉되었다.[48]
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