미국 만화
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1. 개요
미국 만화는 주로 DC 코믹스, 마블 코믹스와 같은 대형 스튜디오에서 만화 작가와 만화가들이 협업하여 제작하는 시스템을 갖춘 만화 형태를 말한다. 1842년 로돌프 퇴퍼의 작품을 기반으로 시작되어, 1930년대에는 골든 에이지를 거쳐 슈퍼히어로 장르가 주류를 이루며 발전했다. 1980년대 이후에는 그래픽 노블의 등장과 함께 다양한 장르의 작품들이 등장하며, 현재는 슈퍼히어로 영화의 성공과 함께 대중적인 인기를 얻고 있다. 미국 만화는 분업화된 제작 방식을 통해 만들어지며, 월간 연재 만화(코믹 북)와 그래픽 노블 형태로 출판된다.
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| 미국 만화 | |
|---|---|
| 개요 | |
 | |
| 국적 | 미국 |
| 언어 | 영어 |
| 시작 | 1842년 (만화를 하드커버 책 형태로 출판) |
| 현대 만화책 시작 | 1933년 |
| 관련 항목 | |
| 관련 장르 | 만화 그래픽 노블 만화책 |
2. 역사
미국 만화의 역사는 여러 시대로 구분되며, 각 시대는 특정한 경향과 발전을 보여준다. 초기 만화는 신문에 연재되었으나 펄프 잡지의 영향을 받아 1933년에 신문에 연재되었던 코미디 만화를 잡지 형식으로 모은 《페이머스 퍼니스》(''Famous Funnies: A Carnival of Comics'')가 발행되었다. 대공황으로 인하여 저렴한 오락거리를 찾던 대중에게 펄프 픽션은 큰 인기를 얻었고, 펄프 픽션의 영향을 받은 만화 잡지들도 전쟁으로 인한 애국주의에 편승하여 1930년대에 골든 에이지라고 불리는 전성기를 맞이하였다.
1950년대 만화의 선정성과 폭력성이 대중적인 공격을 받고 자율적인 검열이 시작되자 골든 에이지가 끝나고 실버 에이지가 도래하였다. 1980년대에는 유럽 만화의 유입으로 스튜디오 시스템을 벗어난 만화가의 자의식이 반영된 작품들에 대한 요구가 늘어났고, 이에 앨런 무어, 프랭크 밀러 등이 등장하여 그래픽 노블로 분류되는 스타일의 작품들을 발표하였다.
2. 1. 초기 (플래티넘 에이지)
로돌프 퇴퍼의 작품을 기반으로 한 ''오바디아 올드벅의 모험''이 1842년에 출판되면서 미국 만화의 역사가 시작되었다. 1897년, G. W. 딜링햄 컴퍼니는 미국 최초의 원시 만화 잡지로 알려진 ''맥패든의 아파트에 사는 옐로 키드''를 출판했다. 이 책은 만화가 리처드 펠턴 아웃콜트의 신문 만화 ''호건의 골목(Hogan's Alley)''에서 옐로 키드를 주인공으로 한 연재분을 재수록한 것이다. "코믹 북"이라는 신조어는 이 책의 뒷면에 처음 등장했다.2. 2. 골든 에이지 (1930년대 ~ 1950년대 초)
대공황 시기, 저렴한 오락물로 만화가 인기를 얻으며 전성기를 맞이했다.[8] 1933년, 맥스웰 게인즈가 발행한 ''Funnies on Parade''는 8페이지 분량의 신문 용지 잡지 형태였다.[10] 원본 자료 대신 McNaught Syndicate 등에서 라이선스를 받은 여러 만화 스트립을 컬러로 재인쇄했다.[11] 알 스미스의 ''Mutt and Jeff'', 햄 피셔의 ''Joe Palooka''등 인기 만화가 포함되었다.[11] Procter & Gamble 제품 쿠폰을 보낸 소비자에게 무료로 배포되어 10,000부가 인쇄되었다.[10] 이 프로모션의 성공으로 Canada Dry 탄산 음료 등을 위한 유사한 정기 간행물이 100,000부에서 250,000부까지 제작되었다.[8][12]
같은 해, 게인스와 해리 I. 와일덴버그는 델과 협력하여 36페이지 분량의 ''Famous Funnies: A Carnival of Comics''를 출판했는데, 이는 최초의 진정한 미국 만화책으로 여겨진다.[9] 울워스 백화점 체인을 통해 배포되었으며, 표지에 가격이 표시되지 않았지만, 굴라트는 "만화책에 10센트 가격표를 붙이는" 것에 대해 언급한다.[8]
델라코르테가 ''Famous Funnies: A Carnival of Comics''의 출판을 거절하자, Eastern Color는 자체적으로 ''Famous Funnies'' #1(1934년 7월)을 출판하여 10센트에 판매했다. American News Company를 통해 배포되었고, 대공황 시대에 독자들에게 인기를 끌어 20만 부 중 90%가 판매되었지만, Eastern Color는 4,000달러 이상 적자를 기록했다.[8] 그러나 #12부터 매 호마다 30,000달러의 수익을 올리면서 상황이 빠르게 바뀌었다.[8] ''Famous Funnies''는 218호까지 발행되며 새로운 대중 매체를 출범시켰다.
1938년, 내셔널 얼라이드 편집자 빈 설리번은 슬러시 파일에서 제리 시걸/조 슈스터의 창작물인 슈퍼맨을 ''액션 코믹스'' #1 (1938년 6월)의 표지 특집으로 사용했다.[14] 슈퍼맨은 이후 등장할 "슈퍼히어로"의 전형이 되었다.
1939년 초, ''액션 코믹스''에서 슈퍼맨의 성공으로 내셔널 코믹스 publications (미래의 DC 코믹스)의 편집자들은 더 많은 슈퍼히어로를 요청했고, 밥 케인과 빌 핑거는 배트맨을 만들어 ''디텍티브 코믹스'' #27 (1939년 5월)에 데뷔시켰다.[15] 1930년대 후반부터 1940년대 말까지는 코믹북의 골든 에이지라고 불리며, ''액션 코믹스''와 ''캡틴 마블''은 각각 한 달에 50만 부 이상을 판매했다.[16] 제2차 세계 대전 동안 만화는 군인들에게 매우 인기 있는 저렴한 엔터테인먼트를 제공했다.[17] 1940년대 초, 7세에서 17세 사이의 소년 소녀의 90% 이상이 만화책을 읽었다.[17]
1941년, H. G. 피터와 윌리엄 몰턴 마스턴은 여성 슈퍼히어로 캐릭터 원더우먼을 만들었고, 그녀는 ''올 스타 코믹스'' #8 (1941년 12월)과 ''센세이션 코믹스''에 데뷔했다.
MLJ의 ''펩 코믹스''는 슈퍼히어로, SF, 모험 앤솔로지로 데뷔했지만, 1942년에 십대 유머 특집 "아치"를 소개한 후, 이 특집의 인기로 인해 발행인이 아치 코믹스로 이름을 변경하게 되었다.
제2차 세계 대전이 끝난 후, 슈퍼히어로의 인기는 크게 줄어들었고, 슈퍼맨, 배트맨, 원더우먼과 같은 몇몇 캐릭터들은 계속 판매되었지만, DC는 플래시와 그린 랜턴을 주인공으로 한 시리즈를 취소하고, ''올 아메리칸 코믹스''와 ''올 스타 코믹스''를 서부극 타이틀로, ''스타 스팽글드 코믹스''를 전쟁 타이틀로 전환했다. 또한 ''스트레인지 어드벤처스''와 ''미스터리 인 스페이스''와 같은 SF 타이틀도 출시했다. 마틴 굿맨의 타임리 코믹스는 캡틴 아메리카 (조 사이먼과 잭 커비가 제작), 휴먼 토치, 서브-마리너를 주인공으로 한 세 개의 이전 고수익 슈퍼히어로 타이틀을 취소하고, 1954년에 이 캐릭터들을 잠시 부활시켰다가 공포, SF, 십대 유머, 로맨스 및 서부극 장르에 집중하기 위해 얼마 지나지 않아 다시 취소했다. 프라이즈 코믹스의 ''영 로맨스''와 조 사이먼과 잭 커비가 쓰고 그린 ''영 러브''를 통해 로맨스 코믹스가 강력하게 자리 잡았으며, 이 두 타이틀의 인기는 많은 발행인들의 로맨스 코믹스 폭발로 이어졌다.
2. 3. 코믹스 코드 시대 (1950년대 중반)
1940년대 후반과 1950년대 초, 호러와 실화 범죄 만화가 인기를 끌면서 노골적인 폭력과 유혈 묘사가 자주 등장했다. 이러한 내용에 도덕적 공황을 느낀 도덕 운동가들은 만화가 청소년에게 악영향을 미친다고 우려하며, 낮은 학점, 청소년 비행, 약물 남용 등 모든 문제의 원인이 만화라고 비난했다.[20] 1948년 웨스트버지니아주 스펜서와 뉴욕주 빙햄턴에서 만화를 공개적으로 불태우는 사건이 발생했고, 이는 전국적인 주목을 받으며 다른 지역에서도 유사한 사건을 촉발했다.[21] 일부 도시에서는 만화를 금지하는 법률을 통과시키기도 했다.1954년 정신과 의사 프레드릭 워섬은 저서 《순진한 자의 유혹》에서 호러 만화와 슈퍼히어로 만화에 가학 피학증적이고 동성애적인 뉘앙스가 있다고 주장하며, EC 코믹스를 주요 문제 출판사로 지목했다. 커져가는 대중의 불안에 대응하여 상원 청소년 비행 소위원회는 1954년 4월부터 6월까지 만화 외설성에 대한 청문회를 열었다.
이러한 문제 발생 후, 내셔널과 아치를 비롯한 만화 출판사들은 1954년 코믹스 코드 당국을 설립하고 코믹스 코드를 제정했는데, 이는 "어떤 통신 매체보다도 가장 엄격한 코드"를 목표로 했다.[22] 곧 코믹스 코드 ''승인 마크''가 거의 모든 만화책에 표시되었다. EC 코믹스는 논란이 덜한 만화책을 시도했지만 결국 만화 출판을 중단하고, 풍자 잡지 《매드》에 집중했다. 《매드》는 코믹스 코드의 규제를 피하기 위해 잡지 형식으로 전환한 것이었다.[23]
2. 4. 실버 에이지 (1950년대 후반 ~ 1960년대)
DC 코믹스는 1956년 10월, ''Showcase'' #4에서 과거 황금기 최고 인기작이었던 플래시를 부활시키면서 슈퍼히어로 코믹스를 다시 부활시켰다. 많은 만화 역사가들은 이를 미국 만화의 실버 에이지의 시작으로 보고 있다. 새로운 플래시는 새로운 시대의 시작을 상징했지만, 그의 성공은 즉각적이지 않았다. 플래시가 자신의 타이틀을 얻기까지 2년이 걸렸고, ''Showcase'' 자체도 격월간 만화였지만, 많은 인기 캐릭터들을 소개했다. 1959년까지, 서서히 진행된 슈퍼히어로 부활은 DC의 경쟁자들에게도 분명해졌다.
1961년, 작가 겸 편집자 스탠 리와 작가 겸 공동 플로터 잭 커비는 마블 코믹스를 위해 판타스틱 포를 만들었다. ''판타스틱 포'' #1은 인간적인 결함, 두려움, 내면의 악을 가진 슈퍼히어로, 즉 집세를 내는 것과 같은 문제로 다투고 걱정하는 영웅들을 등장시키는 자연주의적 스타일을 도입하여 만화 산업을 변화시켰다. 당시 슈퍼히어로의 확립된 선량한 영웅 원형과는 대조적으로, 이는 혁명을 가져왔다. 스티브 딧코 등의 역동적인 그림이 스탠 리의 다채롭고 매력적인 문체와 조화를 이루면서, 새로운 스타일은 스파이더맨, 헐크, 엑스맨 및 판타스틱 포와 같은 캐릭터의 불안하고 무례한 본성에 공감할 수 있는 십대와 대학생들 사이에서 매우 인기를 얻었다.
2. 5. 브론즈 에이지 (1970년대)
슈퍼히어로 만화의 내용이 사회 문제를 반영하며 현실적이고 어두운 분위기로 변화하기 시작했다. 코믹스 코드 당국의 규제가 1971년에 완화되면서, 다양한 주제와 표현이 시도되었다. Mort Weisinger영어의 은퇴와 잭 커비의 DC로의 이적 등 인기 작가들의 교체가 이루어졌다. 로버트 E. 하워드 원작의 『코난』과 같은 비 슈퍼히어로 만화와 스왐프 씽, 고스트 라이더 같은 슈퍼히어로와 판타지의 경계에 있는 작품들이 인기를 끌었다.[1]"더 다크"하게 된 배트맨, 직업이 텔레비전 리포터가 되고 크립토나이트 설정을 제거한 슈퍼맨, 일시적으로 상인이 된 원더우먼 등, 몇몇 인기 캐릭터의 설정이 변경되었다. 수년 후의 신X-멘의 변경도 이러한 경향의 일부일 수 있다. 『스파이더맨』에서의 약물 남용 문제나, 『그린 랜턴/그린 애로우』 시리즈와 같이 중대한 사회 문제를 다루려고 시도한 "적절한" 미국 만화의 등장이 있었다. 스파이더맨의 여자친구인 그웬 스테이시, Doom Patrol영어, 리전 오브 슈퍼히어로즈의 몇몇 멤버 등, 인기 캐릭터의 죽음도 나타났다.[1]
2. 6. 언더그라운드 코믹스 (1960년대 후반 ~ 1970년대 초)
1968년, 반권위주의적인 언더그라운드 코믹스는 로버트 크럼의 불규칙적으로 발행된 ''잽 코믹스'' 출간 이후 성, 마약, 록큰롤을 다루며 파장을 일으켰다. 프랭크 스택은 1962년에 이미 ''예수의 모험''을 출판했고, 크럼의 성공 이전에도 이러한 출판물이 조금씩 나왔다. 자가 출판으로 시작된 이 현상은 곧 소규모 산업으로 성장하여, 프린트 민트, 키친 싱크, 라스트 가스, 에이펙스 노벨티 등이 유명한 출판사로 자리 잡았다. 이 코믹스는 종종 매우 노골적이었으며, 반문화 시대에 번성한 헤드 숍에서 주로 유통되었다.법적 문제와 종이 부족으로 인해 언더그라운드 코믹스의 생산량은 1972년 정점에서 감소했다. 1974년 미국에서 반 장비 법이 통과되면서 대부분의 헤드 숍이 문을 닫았고, 이는 언더그라운드 코믹스 유통을 억제했다. 1970년대 중반 히피 운동 자체가 쇠퇴하면서 독자층도 줄어들었다.
1960년대 후반부터 1970년대 초반에 걸쳐 '''언더그라운드 코믹스'''의 물결이 일어났다. 이러한 만화는 기존의 미국 코믹스 출판사와는 무관하게 출판되었으며, 그 대부분은 젊은이들에 의한 당시의 반문화와 마약 문화를 반영하고 있었다. 그 이전의 만화에서는 볼 수 없었던 자유분방하고 무례한 스타일로 인해, 그 중 많은 작품들이 주목할 만했다. 언더그라운드 만화의 무브먼트는 1968년에 언더그라운드 만화의 거장 로버트 크럼에 의해 ''Zap Comix|잽 코믹스영어'' 창간호가 출판되면서 시작된 것으로 여겨진다. 크럼은 프리츠 더 캣의 아버지이기도 하다.
2. 7. 모던 에이지 (1980년대 ~ 현재)
1970년대에 "직접 시장" 유통 시스템이 발전하면서 북미 전역에 만화 전문점이 등장했다. 이러한 전문점들은 더욱 개성적인 목소리와 이야기를 담는 곳이었지만, 동시에 만화를 대중의 시야에서 멀어지게 했다. 연재 만화는 더욱 길고 복잡해져서 독자들이 이야기를 끝내기 위해 더 많은 이슈를 구매해야 했다.1980년대 중후반, DC 코믹스에서 출판된 ''배트맨: 다크 나이트 리턴즈''와 ''왓치맨''은 미국 만화 산업에 깊은 영향을 미쳤다. 이들의 인기, 주류 미디어의 관심, 비평가들의 찬사와 사회적 취향의 변화가 결합되면서 1990년대에는 만화의 분위기가 상당히 어두워졌고, 팬들은 이를 "그림 앤 그리티(grim-and-gritty)" 시대라고 불렀다.
안티히어로인 울버린과 퍼니셔의 인기가 높아진 것은 이러한 변화를 보여주는 대표적인 예였으며, 퍼스트 코믹스, 다크 호스 코믹스, (1990년대에 설립된) 이미지 코믹스와 같은 일부 독립 출판사들의 어두운 분위기 또한 그러했다. 이러한 어둠과 허무주의 경향은 DC 코믹스의 ''배트맨'' 시리즈에서 "죽음의 가족"과 같은 대대적으로 홍보된 만화 스토리에서 나타났는데, 여기서 조커는 배트맨의 조력자 로빈을 잔혹하게 살해했다. 한편, 마블에서는 다양한 엑스맨 코믹스의 지속적인 인기로 인해 초능력 "돌연변이"의 대량 학살을 다룬 이야기가 등장했는데, 이는 종교적, 민족적 박해에 대한 우화였다.
그래픽 노블과 관련 단행본과 같은 출판 형식은 만화가 문학으로서 어느 정도 존경을 받게 했다. 그 결과, 이러한 형식은 현재 미국 서점과 공공 도서관에서 흔히 볼 수 있다.
3. 특징
일본 만화와 달리, 미국 만화는 주로 DC 코믹스나 마블 코믹스 등 대형 스튜디오에서 만화 작가와 만화가가 협업하여 제작하는 시스템을 가지고 있다.[5] 이러한 대량 생산적인 성격으로 인해 대형 스튜디오의 만화 작품은 일반적으로 높은 품질의 그림과 강한 대중성을 띤다. 한 시리즈가 장기화됨에 따라 설정이 복잡화 및 다원화되어 유니버스라는 세계관을 형성하고 미디어믹스가 다방면으로 이루어지는 일이 많다.
| 특징 | 내용 |
|---|---|
| 제작 시스템 | 일본 만화와 달리 대형 스튜디오에서 만화 작가와 만화가들이 협업하여 제작한다. |
| 대형 스튜디오 만화 | 높은 품질의 그림과 대중성을 특징으로 한다. |
| 유니버스 | 슈퍼히어로 장르가 주류를 이루며, 유니버스라는 공유된 세계관을 통해 다양한 작품들이 연결되는 경우가 많다. |
| 그래픽 노블 | 작가주의적 만화 역시 활발하게 창작되고 있다. |
| 출판 형태 | 대부분 중철 제본 방식의 32쪽 분량 얇은 월간 연재 만화(코믹 북) 형태로 발행된다. |
1960년대 이전에는, 크고 작은 무수한 출판사에 의해, 퍼니 애니멀 코믹, 서부극 만화, 로맨스 만화, 공포 만화, 전기 만화, 범죄 만화 등 유명한 미국 만화가 존재했다. 그러나 1950년대에 "유해한" 어린이 대상 만화에 대한 규제 움직임과 1950년대 후반부터 1960년대 전반에 걸쳐 텔레비전이 인기를 얻으면서, 다양한 장르의 만화가 급속도로 사라졌다.
슈퍼히어로물은 미국 만화의 특징으로 여겨진다.[27] 미국 만화는 특수 촬영에 돈을 들이지 않고도 영화 산업보다 많은 양의 액션 지향적인 이세계 모험을 그릴 수 있었다. 반면 일본 만화에 많은 스포츠 만화는 미국 만화에서는 매우 적다.[27]
3. 1. 제작 방식
미국 만화 제작은 일반적으로 여러 전문가들 사이에서 분업으로 이루어진다.[5] 작가는 스토리를 구성하고 대화를 쓰며, 연필 작가는 페이지 구성과 그림을 담당한다. 잉크 작가는 잉크로 그림을 완성하고,[5] 채색가는 색상을 추가하며,[5] 레터러는 캡션과 말풍선을 담당한다.[5] 이러한 분업 시스템은 효율적인 제작을 가능하게 하지만, 작가의 개성이 드러나기 어렵다는 단점도 있다.특히 슈퍼히어로 만화책에서 그림은 다음과 같이 분담될 수 있다.
- '''작가''': 스토리를 구성하고 대화를 쓴다.
- '''연필 작가'''(보통 화가라고 불림): 연필로만 작업하며 일반적으로 페이지에 패널 구성을 배치하고 각 패널에 실제 그림을 그린다.
- '''잉크 작가''': 잉크로만 작업하며 인쇄를 위해 그림을 완성한다.
- '''채색가''': 페이지에 색상을 추가한다.
- '''레터러''': 캡션과 말풍선을 추가한다.
3. 2. 출판 형태
미국 만화의 대부분은 32페이지 분량의 얇은 월간 연재 만화(코믹 북) 형태로 발행된다.[2][3][4] 1권에는 1개의 타이틀이 22페이지 전후로 실리며, 광고, 독자 투고란도 함께 게재된다. 인기 에피소드는 단행본(트레이드 페이퍼백) 형태로 묶여 나오기도 한다.그래픽 노블로 불리는 작가주의적 만화 역시 성행하고 있다. 프레스티지 형식의 코믹스는 더 두꺼운 48~72페이지에 걸쳐 광택지에 인쇄되고 표지와 표지 날개가 있는 형태이다. 프레스티지 형식의 단행본은 DC 코믹스에서 발행한 프랭크 밀러의 배트맨 작품 다크 나이트 리턴즈에서 처음 사용되었다. 이 형식은 유명 작가가 참여한 작품을 선보이거나, 중요한 스토리를 조명하는 데 사용된다. 프레스티지 형식으로 발표되는 스토리는 연재 시리즈의 일부이거나 독립 작품 중 하나이다. 독립 작품이 발표되는 경우에는 앨런 무어의 배트맨: 더 킬링 조크와 같이 그래픽 노블 또는 그래픽 노벨라로 발표된다.
3. 3. 장르
슈퍼히어로 장르가 미국 만화의 특징으로 가장 대표적이며, DC 코믹스와 마블 코믹스의 작품들이 큰 인기를 얻고 있다.[27] 1960년대 이전에는 공포 만화, 범죄 만화, 서부극 만화, 로맨스 만화 등 다양한 장르가 존재했으나, 코믹스 코드 당국의 규제로 인해 슈퍼히어로 장르가 주류가 되었다.[27] 일본 만화에 많은 스포츠 만화는 미국 만화에서는 매우 적다.[27]4. 주요 스튜디오
5. 주요 작품
DC 코믹스의 슈퍼맨(1938년 발표), 배트맨(1939년 발표), 원더우먼(1941년 발표), 저스티스 리그(1960년 발표), 마블 코믹스의 캡틴 아메리카 (1941년 발표), 판타스틱 포 (1961년 발표), 스파이더맨 (1962년 발표), 헐크 (1962년 발표), 아이언맨 (1963년 발표), 어벤저스 (1963년 발표), 그래픽 노블 와치맨 (1986년 발표), 신시티 (1991년 발표)등이 대표적인 미국 만화이다. 이 외에도 어벤져스 4(2019년 발표)가 있다. 퓰리처상을 수상한 아트 스피겔만의 『쥐: 아우슈비츠 생존 아버지의 이야기』나 세계 환상 문학 대상 단편 부문을 수상한 닐 게이먼의 『샌드맨』 등, 몇몇 미국 만화는 사회적으로 인정을 받아 작가에게 장르 외 상이 수여되기도 했다. 미국 만화를 소재로 한 마이클 셰이본의 『The Amazing Adventures of Kavalier & Clay|카발리에와 클레이의 놀라운 모험영어』은 2001년 퓰리처상 소설 부문을 수상했다.
5. 1. DC 코믹스
슈퍼맨(1938년 발표), 배트맨(1939년 발표), 원더우먼(1941년 발표), 저스티스 리그(1960년 발표) 등이 DC 코믹스에서 출판되었다.5. 2. 마블 코믹스
캡틴 아메리카 (1941년 발표), 판타스틱 포 (1961년 발표), 스파이더맨 (1962년 발표), 헐크 (1962년 발표), 아이언맨 (1963년 발표), 어벤저스 (1963년 발표)5. 3. 그래픽 노블
왓치맨 (1986년 발표), 신시티 (1991년 발표)참조
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