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베르트 모리조

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목차

1. 개요

베르트 모리조는 1841년 프랑스에서 태어난 인상주의 화가이다. 부유한 부르주아 가문 출신으로, 장바티스트 카미유 코로, 에두아르 마네 등에게 영향을 받아 인상주의 화풍을 발전시켰다. 1874년부터 인상주의 전시회에 참여했으며, 여성의 삶과 일상을 섬세하고 부드러운 붓 터치로 표현했다. 주요 작품으로는 '요람', '발코니의 여인과 아이', '여름날' 등이 있으며, 19세기 후반 여성 화가로서 독자적인 예술 세계를 구축했다.

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베르트 모리조 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
베르트 모리조
베르트 모리조
본명베르트 마리 폴린 모리조
출생1841년 1월 14일
출생지부르주, 셰르, 프랑스
사망1895년 3월 2일 (54세)
사망지파리, 프랑스
묻힌 곳파시 묘지
국적프랑스
경력
분야회화
사조인상주의
영향에두아르 마네
주요 작품
가족 관계
배우자외젠 마네 (1874년 결혼, 1892년 사별)

2. 생애

모리조는 정부 관료의 딸이자 로코코 시대 화가 장 오노레 프라고나르의 증손녀였다.[27] 처음에는 코로에게 배웠으나 1868년에 에두아르 마네를 만나 그 제자가 되었다. 마네의 작품에 자주 등장하는 모델이었으며, 마네와 영감을 주고받던 동료 화가인 모리조는 1874년에 마네의 동생 외젠 마네와 결혼했다. 1878년 11월 14일, 외동딸 쥘리를 낳았는데, 쥘리는 어머니와 르누아르 및 삼촌 에두아르를 포함한 다른 인상주의 화가들의 모델이 되었다.

베르트 모리조, ''마리조피린 모리조 부인과 딸 퐁티용 부인 또는 독서'' (화가의 어머니와 자매 – 마리-조제핀 & 에드마) 1869/70


모리조는 인상파 전람회에 제1회부터 참가했다. 부유한 가정 환경에서 평화로운 생활을 그려 밝고 신선한 작품을 선보였다. 여성적인 작품의 전형으로 불릴 만큼 교양을 갖춘 모리조의 작품은 자유로운 터치와 단아한 감각을 보여주었다.

마네와 모리조는 서로에게 따뜻한 애정을 보였으며, 마네는 크리스마스 선물로 이젤을 주기도 했다. 모리조는 ''휴식 (베르트 모리조의 초상)'', ''제비꽃을 든 베르트 모리조''와 같이 마네 작품의 모델로 자주 등장했다.[28]

1895년 3월 2일, 모리조는 딸 쥘리의 병간호를 하다 폐렴에 걸려 사망했고, 16세의 쥘리는 고아가 되었다. 모리조는 파시 묘지에 안장되었다.[29] 마네가 모리조의 남동생과 결혼하기 전 그녀의 초상화를 여러 점 그린 것으로 보아, 둘 사이에 억눌린 사랑이 있었을 것이라는 추측이 있다.[30][31]

2. 1. 초기 생애 (1841-1864)

모리조는 1841년 1월 14일[5] 프랑스 부르주의 부유한 부르주아 가문에서 태어났다. 그녀의 아버지 에드메 티부르스 모리조는 셰르 데파르트망의 도 장관(선임 행정관)이었다. 그는 또한 국립 고등 미술 학교에서 건축을 공부했다.[6] 그녀의 어머니 마리-조제핀-코르넬리 토마는 앙시앵 레짐 시대의 가장 다작의 로코코 화가 중 한 명인 장 오노레 프라고나르의 고모의 손녀였다.[7] 그녀는 이브 (1838–1893)와 에드마 (1839–1921)라는 두 명의 언니와 1848년에 태어난 남동생 티부르스가 있었다. 모리조가 어렸을 때인 1852년 가족은 파리로 이사했다.

부르주아 가문의 딸들이 미술 교육을 받는 것은 흔한 일이었기에 베르트와 그녀의 자매 이브, 에드마는 제프루아-알퐁스 쇼카르네와 조제프 기샤르에게 개인적으로 가르침을 받았다. 모리조와 그녀의 자매들은 처음에는 아버지의 생일을 위해 그림을 그리기 위해 수업을 듣기 시작했다.[6] 1857년, 뮬랭가에에서 여자들을 위한 학교를 운영하던 기샤르는 베르트와 에드마를 루브르 박물관에 소개했고, 1858년부터 그들은 그림을 베껴가며 공부했다. 모리조 자매들은 박물관에서 혼자 일하는 것이 금지되었을 뿐만 아니라, 정식 교육도 완전히 금지되었다.[8] 기샤르는 또한 그들에게 가바르니의 작품을 소개했다.[14]

미술 학생으로서 베르트와 에드마는 1869년까지 긴밀하게 함께 작업했지만, 에드마가 해군 장교인 아돌프 퐁티용과 결혼하여 셰르부르로 이사하고 그림을 그릴 시간이 줄어들었다. 자매들 간의 편지에는 그들 사이의 거리에 대한 베르트의 아쉬움과 에드마의 그림 중단에 대한 사랑이 잘 드러난다. 에드마는 베르트의 지속적인 작업을 전폭적으로 지원했고, 그들의 가족은 항상 가까운 관계를 유지했다. 에드마는 다음과 같이 썼다. "...사랑하는 베르트, 나는 종종 당신과 함께 생각합니다. 나는 당신의 작업실에 있고, 잠시라도, 우리가 오랫동안 공유했던 그 분위기를 느끼기 위해 떠나는 것을 좋아합니다..."[10][11][9]

그녀의 언니 이브는 1866년 세무 감사관 테오도르 고빌라르와 결혼했고, 에드가 드가에 의해 ''테오도르 고빌라르 부인'' (메트로폴리탄 미술관, 뉴욕시)으로 그려졌다.[10][11][12]

루브르 박물관의 모사화가로서 모리조는 마네, 모네와 같은 다른 예술가들을 만나 친구가 되었다.[8] 1861년 그녀는 바르비종파의 중요한 풍경화가이자 인물화에도 뛰어났던 장-밥티스트-카미유 코로를 소개받았다. 코로의 영향으로 그녀는 외광파 (야외) 작업 방식을 채택했다.[13] 1863년에는 또 다른 바르비종파 화가인 Achille Oudinot|아실 우디노프랑스어 아래에서 공부했다. 1863–64년 겨울에는 에메 밀레 아래에서 조각을 공부했지만, 그녀의 조각 작품은 남아있는 것이 없다.[14]

2. 2. 마네와의 만남, 인상주의 (1864-1874)

1868년, 모리조는 에두아르 마네를 만났다.[133] 마네에게 그림을 배우면서 그의 모델을 많이 맡았고, 마네와의 연애설이 나돌기도 했다. 마네가 스승이고 모리조가 제자라고 여겨지지만, 두 사람 사이에는 서로 영향을 주고받는 관계가 있었다.[133]

에두아르 마네, ''제비꽃 꽃다발을 든 베르트 모리조'' (그녀의 아버지를 추모하며), 1872, 오르세 미술관


모리조는 1864년 파리 살롱에 두 점의 풍경화를 출품하여 처음으로 모습을 드러냈다. 그녀는 제1회 인상주의 전시회가 열리기 전 해인 1873년까지 살롱에 정기적으로 작품을 출품했으며, 대체로 호평을 받았다. 1874년부터 인상주의자들과 함께 전시회를 열었고, 딸을 낳았던 1878년 전시회만 불참했다.[22] 모리조가 모네, 마네와 같은 인상주의자들과 함께 1874년 전시회를 열었을 때, 르 피가로의 평론가 알베르 볼프는 인상주의자들이 "여성을 포함한 다섯, 여섯 명의 정신 나간 사람들"로 구성되어 있으며, "그녀의 여성적인 우아함은 몽롱한 정신의 분출 속에서 유지된다"고 언급했다.[8]

1874년, 모리조는 마네의 동생 외젠 마네와 결혼했다.

2. 3. 인상주의 이후 (1875-1895)

모리조는 1868년에 에두아르 마네를 만나 그림을 배웠고, 그의 모델을 맡기도 했다. 마네와 연애설이 나돌기도 했지만, 기본적으로 마네가 스승이고 모리조가 제자였다. 하지만 두 사람은 서로 영향을 주고받는 관계였다.[133] 모리조는 피에르 오귀스트 르누아르, 스테판 말라르메와도 친분이 있었다.

1874년, 모리조는 마네의 동생 외젠 마네와 결혼하여 파리에 거주했다. 1878년에는 외동딸 쥘리를 출산했다. 모리조는 남편과 딸을 소재로 한 작품을 많이 그렸다.

1895년, 모리조는 54세의 나이로 사망했다. 스테판 말라르메, 피에르 오귀스트 르누아르, 에드가 드가는 모리조 부부가 남긴 외동딸 쥘리 마네의 후견인이 되었다.

쥘리 마네는 일기를 썼는데, 여기에는 스테판 말라르메나 인상파 화가들의 일상이 묘사되어 있다. 사후 회고전에서는 스테판 말라르메가 카탈로그 서문을 썼다.[134]

스테판 말라르메의 제자인 폴 발레리는 "베르트 모리조", "베르트 모리조에 관하여"[135]를 썼다.

1900년에 쥘리 마네는 화가 에르네스트 루아르와 결혼했고, 동시에 폴 발레리도 모리조의 조카 자니 고비야르와 결혼했다.

3. 주요 작품

베르트 모리조의 주요 작품 목록은 다음과 같다. 아래 목록은 찰스 F. 스터키, 윌리엄 P. 스콧, 수잔 G. 린지가 저술한 《베르트 모리조》를 일부 참고했으며, 이 책은 1961년 마리-루이즈 바타유, 루아르 데니스, 조르주 와일덴스타인의 카탈로그를 참고했다. 제작 날짜, 최초 전시 및 구매 날짜 간에는 차이가 있을 수 있으며, 제목은 출처에 따라 다를 수 있다.


  • ''습작''(Étude), 1864, 캔버스에 유채, 60.3cm × 73cm, 개인 소장[32]
  • ''노르망디의 오두막집''(Chaumière en Normandie), 1865, 캔버스에 유채, 46cm × 55cm, 개인 소장[33]
  • ''이에나 다리 아래의 센 강''(La Seine en aval du pont d'Iéna), 1866, 캔버스에 유채, 51cm × 73cm, 개인 소장[34]
  • ''로즈-브라스의 퐁타방 강''(La Rivière de Pont Aven à Roz-Bras), 1867, 캔버스에 유채, 55cm × 73cm, 개인 소장 – 시카고[35]
  • ''새벽의 배들''(Bateaux à l'aurore), 1869, 종이에 파스텔, 19.7cm × 26.7cm, 개인 소장[36]
  • ''창가에 앉은 소녀''(Jeune fille à sa fenêtre), 1869, 캔버스에 유채, 36.8cm × 45.4cm, 개인 소장
  • 모리조 부인과 그녀의 딸 퐁티용 부인(독서)''(Madame Morisot et sa fille Madame Pontillon (La Lecture)), 1869–1870, 캔버스에 유채, 101cm × 81.8cm, 미국 국립 미술관(National Gallery of Art), 워싱턴 D.C.[37]
  • 로리앙의 작은 항구 풍경 (로리앙 항구)''(Vue du petit port de Lorient (The Harbor at Lorient)), 1869, 캔버스에 유채, 43cm × 72cm, 미국 국립 미술관(National Gallery of Art), 워싱턴 D.C.
  • ''셰르부르 항구''(Le Port de Cherbourg), 1871, 종이에 크레용과 수채화, 15.6cm × 20.3cm, 폴 멜론(Paul Mellon) 개인 소장, 어퍼빌, 버지니아[38]
  • ''셰르부르 항구''(Le Port de Cherbourg), 1871, 캔버스에 유채, 41.9cm × 55.9cm, 폴 멜론(Paul Mellon) 개인 소장, 어퍼빌, 버지니아[39]
  • ''트로카데로에서 바라본 파리의 풍경''(Vue de paris de hauteurs du Trocadéro), 1871, 캔버스에 유채, 46.1cm × 81.5cm, 샌타바버라 미술관(Santa Barbara Museum of Art), 캘리포니아[40]
  • ''발코니의 여인과 아이''(Femme et enfant au balcon), 1871–72, 수채화, 20.6cm × 17.3cm, 시카고 미술관(Art Institute of Chicago)[41][42][43]
  • ''실내''(Intérieur), 1871, 캔버스에 유채, 60cm × 73cm, 개인 소장[44]
  • ''퐁티용 부인의 초상''(Portrait de Madame Pontillon), 1871, 종이에 파스텔, 85.5cm × 65.8cm, 루브르 박물관 – 드로잉실[45] (1921년 에드마 퐁티용 부인이 루브르에 기증, 오르세 미술관 소장)[46]
  • ''항구 입구''(L'Entrée du port), 1871, 종이에 수채화, 24.9cm × 15.1cm, Musée Léon-Alègre|바뇰쉬르세즈프랑스어 – 드로잉실[48]
  • ''퐁티용 부인과 그녀의 딸 잔, 소파에 앉아''(Madame Pontillon et sa fille Jeanne sur un canapé), 1871, 종이에 수채화, 25.1cm × 25.9cm, 미국 국립 미술관(National Gallery of Art), 워싱턴[49]
  • ''벤치에 앉은 소녀 (에드마 퐁티용)''(Jeune fille sur un banc (Edma Pontillon)), 1872, 캔버스에 유채, 33cm × 41cm[50]
  • ''숨바꼭질''(Cache-cache), 1872, 캔버스에 유채, 33cm × 41cm, 개인 소장[51]
  • 요람''(Le Berceau), 1872, 캔버스에 유채, 56cm × 46cm 오르세 미술관, 파리
  • ''독서 (에드마가 읽고 있다)'' (La Lecture (Edma lisant)), ''녹색 양산'' (L'Ombrelle verte)으로도 불림, 1873, 캔버스에 유채, 45.1cm × 72.4cm, 클리블랜드 미술관(Cleveland Museum of Art), 오하이오[51]
  • ''쁘띠트-달 해변에서''(Sur la plage des Petites-Dalles), 1873, 캔버스에 유채, 24.1cm × 50.2cm, 버지니아 미술관(Virginia Museum of Fine Arts), 리치먼드, 버지니아[52]
  • ''부르시에 부인과 그녀의 딸''(Madame Boursier et sa fille), 1873, 캔버스에 유채, 74cm × 52cm, 버지니아 미술관[53]
  • ''모르코르 마을''(Le Village de Maurecourt), 1873, 종이에 파스텔, 47cm × 71.8cm, 개인 소장[54]
  • ''파시에서 바라본 파리의 풍경''(Coin de Paris vu de Passy), 1873, 종이에 파스텔, 27cm × 34.9cm, 개인 소장[55]
  • ''테라스에서''(Sur la terrasse), 1874, 캔버스에 유채, 45cm × 54cm, 프티 팔레(Musée du Petit Palais), 파리[56]
  • ''해변의 빌라에서''(In a Villa by the Seaside), 1874, 캔버스에 유채, 50.2cm x 61cm, 노턴 사이먼 미술 재단, 노턴 사이먼 미술관, 패서디나, 캘리포니아
  • ''허바드 부인의 초상''(Portrait de Madame Hubbard), 1874, 캔버스에 유채, 50.5cm × 81cm, 오르드루프가르드 박물관, 코펜하겐[57]
  • ''바닷가의 여인과 아이''(Femme et enfant au bord de la mer), 1874, 종이에 수채화, 16cm × 21.3cm, 개인 소장[58]
  • 공원 안에서''(Dans le parc), ''c.'' 1874, 종이에 파스텔, 72.5cm × 91.8cm, 파리 시립 미술관(Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris), 프티 팔레.

''머리 손질'', 1894

4. 화풍 및 기법

모리조는 초기에는 유화에 어려움을 느껴 주로 수채화로 작업했다. 색상 선택은 절제되었지만, 섬세한 색조 반복을 통해 균형 잡힌 효과를 냈다. 수채화의 특성을 활용하여 투명하고 깃털 같은 터치를 만들어 그림에 신선함을 더했다.[15] 유화에 대한 자신감이 커지면서 드가처럼 유화, 수채화, 파스텔을 동시에 사용했다. 빠른 작업 속도를 보였지만, "단 한 번의 붓 터치로 입, 눈, 코를 그릴 수" 있을 정도로 많은 준비 스케치를 거쳤다.[15]

1885년부터는 드로잉이 두드러지게 나타났다. 목탄과 색연필을 적극적으로 사용하며 실험했다. 형태를 흐릿하게 표현하는 것으로 유명한 인상주의 화가 친구들의 영향으로, 형태와 선을 명확하게 표현하는 데 중점을 두었다. 또한, 사진과 자포니슴의 영향을 받아, 일본 판화에서 볼 수 있는 화면 중심에서 벗어난 곳에 대상을 배치하는 방식을 채택했다.[15]

밑그림을 캔버스에 정확하게 옮기기 위해 확대 기법과 트레이싱 페이퍼를 사용했다. 이 방법으로 인물 간의 더욱 복잡한 상호작용을 가진 구성을 만들 수 있었다. 인상주의적 붓 터치, 넓은 획과 빛의 반사, 그리고 명확한 선으로 특징지어지는 그래픽적 접근 방식을 통해 구도와 형태를 강조했다.[15]

색채 사용을 통해 공간감과 깊이감을 만들어냈다. 동료 인상주의 화가들은 그녀를 "뛰어난 색채주의자"로 여겼다.[19] 순수한 흰색을 사용하거나 다른 색상과 혼합하여 투명한 느낌을 만들었다. 대형 그림인 ''벚나무''에서 색상은 더욱 선명하지만 여전히 형태를 강조한다.[19]

마네의 드로잉에서 영감을 받아 모티프를 구성할 때 색상 사용을 최소화했다. 드가처럼 수채화, 파스텔, 유화의 세 가지 매체를 동시에 사용했다. 경력 후반부에는 르누아르의 모티프를 모방하여 그에게서 배웠다.[16]

여성 예술가였기 때문에 모리조의 그림은 남성 평론가들로부터 우아함과 가벼움 때문에 "여성적 매력"이 넘친다는 평가를 받았다. 가벼운 붓 터치는 종종 평론가들이 기법을 묘사하기 위해 "effleurer" (가볍게 스치다, 쓸다)라는 동사를 사용하도록 만들었다.[16] 1880년경부터는 프라이밍되지 않은 캔버스에 그림을 그리기 시작했는데, 이는 마네와 에바 곤잘레스도 실험했던 기법이었다.[17] 1888-89년, 붓 터치는 짧고 빠른 터치에서 형태를 정의하는 길고 유연한 터치로 전환되었다.[18]

4. 1. 초기 (1857-1870)

모리조는 자신의 작품에 결코 만족하지 못했고, 1869년 이전에 제작한 거의 모든 작품을 파기했기 때문에, 모리조의 훈련 단계를 추적하고 그녀의 스승의 정확한 영향을 말하기는 어렵다. 그녀의 첫 번째 스승인 제프로이-알퐁스 쇼카른은 그녀에게 드로잉의 기초를 가르쳤다. 몇 달 후, 모리조는 귀샤르가 가르치는 수업을 듣기 시작했다. 이 기간 동안 그녀는 주로 고대 고전 인물을 그렸다. 모리조가 야외 그림에 관심을 표명하자 귀샤르는 그녀를 코로와 오디노를 따르도록 보냈다. 야외에서 그림을 그리면서 그녀는 휴대하기 쉬운 수채화를 사용했다. 그 당시 모리조는 파스텔에도 관심을 갖게 되었다.[15]

4. 2. 수채화 시기 (1870-1874)

이 시기 동안 모리조는 유화가 어렵다고 느껴 주로 수채화로 작업했다. 그녀의 색상 선택은 다소 절제되었지만, 색조의 섬세한 반복은 균형 잡힌 효과를 냈다. 수채화라는 매체의 특성으로 인해 모리조는 투명한 분위기와 깃털 같은 터치를 만들어내 그녀의 그림에 신선함을 더할 수 있었다.[15]

베르트 모리조의 ''Jeune Fille au Manteau Vert''(캔버스에 유채, c. 1894)


모리조는 그녀가 매일 경험하는 것을 그렸다. 그녀의 그림 대부분은 가족, 아이들, 여성, 꽃과 같은 가정적인 장면을 포함하며, 19세기 후반 여성의 삶이 어떠했는지를 묘사했다. 공공장소와 사회를 묘사하는 대신, 모리조는 사적이고 친밀한 장면을 선호했다.[16] 이는 당시 그녀의 계급과 성별에 따른 문화적 제약을 반영한다. 그녀의 동료 인상주의 화가 메리 카사트처럼, 그녀는 자신의 딸 쥘리와 여동생 에드마를 포함하여 가족과 개인적인 친구들을 모델로 사용할 수 있는 가정 생활과 초상화에 집중했다. 그녀의 일상을 속기하듯 표현하는 것은 덧없이 흐르는 시간을 멈추고자 하는 강한 희망을 전달한다.[16] 꽃을 그림으로써, 그녀는 여성성을 찬미하는 은유를 사용했다.[15]

4. 3. 인상주의 시기 (1875-1885)

모리조는 유화에 대한 자신감을 키우면서 드가처럼 유화, 수채화, 파스텔을 동시에 사용하는 기법을 활용했다. 빠른 작업 속도를 보였지만, "단 한 번의 붓 터치로 입, 눈, 코를 그릴 수" 있을 정도로 많은 준비 스케치를 거쳤다.[15] 자신의 삶에서 영감을 얻어 대상을 꼼꼼히 연구하고 익숙해졌으며, 야외 그림이 어려워지면 실내에서 수채화를 통해 작업을 이어갔다.[15]

''오르세 미술관'' 소장, ''Grain field'', c. 1875


1864년, 23세의 모리조는 파리 살롱에 풍경화 두 점을 출품하며 데뷔했다. 이후 1873년까지 살롱에 꾸준히 작품을 출품하며 호평을 받았고, 1874년부터는 인상주의 화가들과 함께 전시회를 열었다. 딸을 출산한 1878년을 제외하고는 인상주의 전시회에 지속적으로 참여했다.[22]

일부 비평가들은 인상주의의 화려한 색채, 감각적인 표면 효과, 찰나적인 감각적 인식을 두고, 남성 중심적인 미술계에서 여성적인 특성에 부합하는 스타일이라고 주장했다.[23] 르 피가로의 평론가 알베르 볼프는 1874년 모리조를 포함한 인상주의자들을 "여성을 포함한 다섯, 여섯 명의 정신 나간 사람들"이라고 폄하하며, "그녀의 여성적인 우아함은 몽롱한 정신의 분출 속에서 유지된다"고 언급했다.[8]

1872년, 모리조는 개인 딜러인 뒤랑-뤼엘을 통해 작품 판매를 시작했고, 뒤랑-뤼엘은 그녀의 그림 22점을 구입했다. 1877년, 《르 탕》의 평론가는 모리조를 "이 그룹에서 진정한 인상주의자"로 칭했다.[24] 모리조는 필명이나 결혼한 이름 대신 처녀 이름을 사용하여 전시하는 것을 선택했다.[25] 시간이 지나면서 그녀의 기량과 스타일이 발전하자, 많은 사람들이 모리조에 대한 평가를 바꾸기 시작했다. 1880년 전시회에서는 알베르 볼프를 포함한 많은 평론가들이 모리조를 최고 작가 중 한 명으로 꼽았다.[26]

모리조의 대표작은 다음과 같다.

제목제작 연도기법크기 (cm)소장처
세탁부의 횃대(Percher de blanchisseuses)1875캔버스에 유채33 × 40.8미국 국립 미술관, 워싱턴 D.C.
거울 속의 소녀(Jeune fille au miroir)1875캔버스에 유채54 × 45개인 소장
와이트 섬의 항구 풍경1875캔버스에 유채48 × 36개인 소장
와이트 섬의 항구 풍경1875캔버스에 유채43 × 64뉴어크 박물관, 뉴저지주 뉴어크
와이트 섬의 외젠 마네1875캔버스에 유채38 × 46개인 소장
요트의 앞부분1875종이에 수채화20.6 × 26.7스털링과 프랑신 클라크 미술관, 매사추세츠주 윌리엄스타운
화장하는 여인(Woman at her Toilette)1875캔버스에 유채46 × 38개인 소장
화장하는 여인(Femme à sa toilette)1875–1880캔버스에 유채60.3 × 80.4시카고 미술관
여인의 초상 (극장을 앞두고)(Portrait de femme (Avant le théâtre))1875캔버스에 유채57 × 31브레멘의 Galerie Schröder & Leisewitz
무도회 소녀 또는 무도회 복장의 소녀1876캔버스에 유채86 × 53오르세 미술관
무도회에서 또는 무도회 소녀1875캔버스에 유채62 × 52마르모탕-모네 미술관, 파리
어린 여인이 관목에 물을 주는 모습1876캔버스에 유채40.01 × 31.75버지니아 미술관, 리치먼드
검은 코르사주1876캔버스에 유채73 × 59.8아일랜드 국립 미술관, 더블린
프시케1876캔버스에 유채65 × 54티센보르네미사 미술관, 마드리드
몽상가1877캔버스에 파스텔50.2 × 61넬슨-앳킨스 미술관, 미주리주 캔자스시티
여름 또는 창가에 있는 젊은 여성1878캔버스에 유채76 × 61파브르 미술관, 몽펠리에
앉아 있는 젊은 여성1878–1879캔버스에 유채80 × 100뉴욕시 개인 소장
화장하는 뒷모습의 소녀 또는 화장하는 여인1879캔버스에 유채60.3 × 80.4시카고 미술관
불로뉴 숲의 호수 (여름날)187945.7 × 75.3영국 국립 미술관, 런던
정원에서 (꽃을 꺾는 여성)1879캔버스에 유채61 × 73.5스톡홀름 국립 미술관
무도회 복장의 젊은 여성1879캔버스에 유채71 x 54오르세 미술관, 파리
겨울1880캔버스에 유채73.5 × 58.5달라스 미술관
테이블에 앉아 있는 두 소녀1880종이에 크레용과 수채화19.6 × 26.6개인 소장, 독일
센 강가의 배들c. 188025.5 × 50출처: 화가 가족에게서 최초 소유주가 구입, Daniel Wildenstein의 진품 증명서와 함께 1984년 소더비 경매에서 판매됨.
니스 해변1881–1882종이에 수채화42 × 55스톡홀름 국립 미술관
니스의 항구1881–1882캔버스에 유채53 × 43개인 소장
니스의 항구1881–1882캔버스에 유채41 × 55개인 소장
니스의 항구1881 (?)캔버스에 유채38 × 46달라스 미술관
차1882캔버스에 유채57.5 × 71.5마들롱 재단, 바두츠, 리히텐슈타인
니스의 항구1881–1882캔버스에 유채53 × 43개인 소장
우화1883캔버스에 유채65 × 81개인 소장
정원 (정원의 여성)1882–1883캔버스에 유채99.1 × 127사라 리 코퍼레이션, 시카고
정원의 외젠 마네와 그의 딸1883캔버스에 유채60 × 73개인 소장
모르쿠르의 정원에서1883캔버스에 유채54 × 65톨레도 미술관
부지발의 부두1883캔버스에 유채55.5 × 46노르웨이 국립 미술관, 오슬로
쥘리와 그녀의 배 (아이 놀이)1883종이에 수채화25 × 16개인 소장
건초 더미1883캔버스에 유채55.3 × 45.7뉴욕 개인 소장
베란다에서1884캔버스에 유채81 × 10개인 소장
인형을 든 쥘리1884캔버스에 유채82 × 10개인 소장
인형을 든 소녀 (쥘리 마네)1884종이에 파스텔60 × 46개인 소장
호숫가에서1884캔버스에 유채65 × 54개인 소장
예술가의 딸, 쥘리, 유모와 함께c. 1884캔버스에 유채미니애폴리스 미술관


4. 4. 전환기 (1885-1887)

1885년부터 모리조의 작품에서 드로잉이 두드러지게 나타났다. 모리조는 목탄과 색연필을 적극적으로 사용하며 실험했는데, 이는 형태를 흐릿하게 표현하는 것으로 유명한 인상주의 화가 친구들의 영향이 컸다.[15] 모리조는 이 시기에 형태와 선을 명확하게 표현하는 데 중점을 두었다. 또한, 사진과 자포니슴의 영향을 받아, 일본 판화에서 볼 수 있는 화면 중심에서 벗어난 곳에 대상을 배치하는 방식을 채택했다.[15]

4. 5. 종합기 (1887-1895)

모리조는 밑그림을 캔버스에 정확하게 옮기기 위해 확대 기법과 트레이싱 페이퍼를 사용하기 시작했다. 이 새로운 방법을 통해 모리조는 인물 간의 더욱 복잡한 상호작용을 가진 구성을 만들 수 있었다. 그녀는 인상주의적 붓 터치, 넓은 획과 빛의 반사, 그리고 명확한 선으로 특징지어지는 그래픽적 접근 방식을 통해 구도와 형태를 강조했으며, 이는 그녀의 후기 작품을 돋보이게 했다.[15]

5. 평가 및 영향

모리조의 작품은 비교적 잘 팔렸다. 1875년 오텔 드루오 경매에서 ''실내 (거울을 든 젊은 여성)''는 480프랑, 파스텔화 ''잔디밭에서''는 320프랑으로 최고가 두 점을 기록했다.[123][124] 그녀의 작품 평균 가격은 250프랑으로, 경매에서 가장 높은 상대적 가격을 기록했다.[125]

2013년 2월, 모리조는 크리스티 경매에서 ''점심 식사 후''(1881)가 1090만달러에 팔리면서 여성 예술가 중 최고가 기록을 세웠다. 이는 최고 추정가의 약 3배에 달하는 가격으로,[126][127][128] 2012년 루이즈 부르주아의 조각 작품이 기록한 1070만달러의 기록을 넘어섰다.[126]

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1990년 6월 3일 ''뉴욕 타임스''의 앤 트루이트는 그녀를 "최초의 인상주의자"로 소개했다.[130] ''Biography'' 잡지의 편집자 멜리사 버딕 하먼은 "오늘날 우리에게는 모리조의 작품이 아기들의 사랑스러운 묘사처럼 보일지 모르지만, 당시에는 이러한 이미지가 매우 친밀한 것으로 여겨졌으며, 유아와 관련된 물건은 여성의 세계에만 속했다"고 말했다.[8]

2019년, 오르세 미술관은 베르트 모리조의 작품에 경의를 표하는 임시 전시회를 열었다.

모리조는 1895년 54세의 나이로 사망했지만, 스테판 말라르메, 피에르 오귀스트 르누아르, 에드가 드가는 모리조 부부가 남긴 외동딸 줄리 마네의 후견인이 되었다. 줄리 마네는 일기를 썼는데, 여기에는 말라르메나 인상파 화가들의 일상이 묘사되어 있다. 사후 회고전에서는 말라르메가 카탈로그 서문을 썼다.("디바가시옹"[134] 수록)

말라르메의 제자인 폴 발레리는 "베르트 모리조", "베르트 모리조에 관하여"[135]를 썼다. 1900년에 줄리 마네는 화가 에르네스트 루아르(드가의 제자이자 발레리의 친구)와 결혼했고, 동시에 발레리도 모리조의 조카 자니 고비야르와 결혼했다.

6. 모리조를 다룬 작품

모리조는 2012년 프랑스 전기 텔레비전 영화에서 배우 마린 델테름이 연기했으며, 이 영화는 캐롤라인 샹페티에가 감독했다.[129] 엘리자베스 코스토바의 소설 ''백조 도둑''에 등장하는 베아트리스 드 클레르발은 베르트 모리조를 모델로 했다.[129]

2019년, 오르세 미술관은 베르트 모리조의 작품에 경의를 표하기 위해 임시 전시회를 열었다. 2012년에는 칼린 샹프티에 감독, 베스 아처 브론베르 원작, 마린 델테름 주연의 영화 "화가 모리조, 마네가 그린 미녀 - 명화에 숨겨진 비밀"이 제작되었다.

참조

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