인상주의

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1. 개요
2. 역사
- 2.1. 인상주의 이전의 미술 흐름
3. 발생과 특징
- 3.1. 인상주의 화가들의 기법
4. 주요 인물
5. 후기 인상주의
6. 인상주의의 영향
7. 한국 미술에 끼친 영향
8. 갤러리
참조

1. 개요

인상주의는 19세기 후반 서양 미술사를 대표하는 사조로, 빛의 변화에 따른 순간적인 형태의 변화를 포착하려는 미술 양식이다. 프랑스에서 시작되어, 기존 아카데미의 보수적인 화풍에 반발한 젊은 화가들을 중심으로 발전했다. 클로드 모네, 에두아르 마네, 피에르 오귀스트 르누아르, 에드가 드가, 카미유 피사로 등이 주요 인물이며, 1874년 첫 전시회를 시작으로 8차례의 전시회를 통해 대중의 인정을 받았다. 인상주의는 짧고 두꺼운 붓 터치, 색채 분할, 자연광의 효과 강조 등의 기법을 사용했으며, 회화뿐만 아니라 음악, 문학, 사진, 조각 등 다양한 분야에 영향을 미쳤다. 한국 미술에도 영향을 미쳐 서양화 기법을 수용하고 발전시키는 데 기여했다.

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인상주의
지도
기본 정보
'인상, 해돋이', 1872년 클로드 모네의 유화 작품으로 현재 파리 마르모탕 모네 미술관에 소장되어 있음. 이 그림은 루이 르로이의 1874년 기사 "인상주의자들의 전시회"에서 이 그림이 기껏해야 스케치라고 풍자하면서 운동의 이름의 유래가 되었음.
국가	프랑스
영향	사실주의 바르비종파
영향을 준 미술 사조	후기 인상주의 신인상주의 표현주의
특징
특징 설명	19세기 프랑스에서 시작된 미술 운동으로, 짧고 거친 붓놀림과 밝은 색채를 사용하여 빛과 색의 변화를 포착하고자 했다. 인상주의 화가들은 전통적인 아카데믹 미술에서 벗어나 일상생활, 풍경, 그리고 순간적인 인상을 그리는 데 집중했다. 야외에서 직접 그림을 그리는 기법을 발전시켰으며, 색채 분할 기법을 통해 빛의 효과를 극대화하려 했다.
역사
기원	인상주의는 1860년대 프랑스에서 시작되어 1870년대와 1880년대에 절정을 이루었다. 1874년, 루이 르로이가 르 샤리바리에 실은 풍자적인 비평에서 클로드 모네의 작품 인상, 해돋이를 언급하며 이 용어가 처음으로 사용되었다.
문학
문학에서의 영향	인상주의는 미술뿐만 아니라 문학에도 영향을 미쳤다. 인상주의 문학은 주관적인 감각과 인상을 강조하며, 등장인물의 심리적 상태나 특정 순간의 감각적 경험을 세밀하게 묘사하는 특징을 가진다.

2. 역사

19세기 중반, 프랑스 미술계는 아카데미가 지배하고 있었으며, 화가들은 매년 개최되는 살롱전을 통해 작품을 발표하고 명성을 얻었다. 1863년 에두아르 마네의 《풀밭 위의 점심식사》가 살롱전에서 낙선하면서 큰 논란이 일었다. 이 작품은 숲속에서 옷을 입은 남성들과 나체의 여성이 함께 있는 모습을 그려 풍속을 문란하게 한다는 비판을 받았다.^[96]

1865년 마네는 《올랭피아》를 살롱에 출품했지만, 이 작품 역시 미풍양속을 해친다는 이유로 거센 비난을 받았다. 마네는 비난을 피해 에스파냐로 잠시 떠났지만, 귀국 후 그의 과감한 화풍에 매료된 젊은 화가들이 몽마르트르의 카페 게르부아에 모여들었다. 이들은 보불전쟁으로 잠시 중단되기도 했지만, 전쟁 이후에도 모임을 지속하며 인상파 전시회를 열게 되었다.^[97]

1874년 4월, 카미유 피사로, 클로드 모네, 알프레드 시슬레, 에드가 드가, 폴 세잔, 피에르 오귀스트 르누아르, 베르트 모리조, 아르망 기요맹 등은 파리 카프신가의 사진작가 나다르의 스튜디오에서 첫 번째 전시회를 개최했다. 이 전시회에서 모네의 풍경화 《인상, 해돋이》를 본 비평가 루이 르루아는 '인상주의'라는 용어를 사용하며 이들을 비꼬았고, 이 용어가 널리 퍼지게 되었다.^[98] 인상주의 전시회는 1886년 제8회까지 계속되었으며, 처음에는 혹평을 받았지만 점차 대중의 인정을 받게 되었다. 폴 고갱도 인상파 전시회에 참여한 적이 있다.^[98]

J. M. W. 터너의 대기 효과를 활용한 작품은 인상주의 탄생에 영향을 미쳤다. 1839년 작 ''전함 테메레르호의 최후''.

초기 인상주의 화가들은 외젠 들라크루아와 J. M. W. 터너의 영향을 받아, 이전의 정밀한 묘사 방식에서 벗어나 자유로운 붓놀림과 밝은 색채를 사용했다. 이들은 야외에서 직접 그림을 그리며 햇빛의 순간적인 효과를 포착하려 했고, 혼합되지 않은 순수한 색을 사용하여 강렬한 느낌을 주었다.^[11]

인상주의는 프랑스에서 등장했지만, 비슷한 시기에 이탈리아의 마키아이올리와 미국의 윈슬로우 호머 등도 야외에서 그림을 그리는 방식을 시도했다. 그러나 인상주의자들은 자신들만의 독특한 기법을 개발하여, 순간적인 움직임과 자연스러운 구성, 밝은 색채를 통해 빛의 변화를 표현하는 예술을 추구했다.^[11] 처음에는 비판을 받았지만, 인상주의는 점차 대중들에게 신선하고 독창적인 시각을 제공한다는 인정을 받게 되었다. 인상주의는 이후 후기 인상주의, 야수파, 입체파 등 다양한 미술 사조의 발전에 영향을 미쳤다.^[4]

2. 1. 인상주의 이전의 미술 흐름

프랑스에서는 17세기 이후 신고전주의의 영향 아래 아카데미가 미술 관련 행정 및 교육을 지배했고, 그 공모전(살롱)이 화가의 등용문으로 확립되어 있었다. 아카데미에서는 고대 로마의 미술을 본보기로 하여 역사나 신화, 성서를 그린 역사화를 높이 평가했고, 다른 장르의 그림은 저속하다고 여겨졌다. 붓 자국을 남기지 않고 광택이 있는 화면에 이상미를 그리는 화법이 아카데미의 규범이 되었다. 그러나 19세기가 되면서 그 규범을 따르지 않는 젊은 화가들이 속속 등장하기 시작했다.

'''낭만주의''' 화가들은 먼 과거의 역사가 아닌, 예리한 감수성으로 당시의 사건에 열정적으로 감정 이입했다. 테오도르 제리코의 『메두사호의 뗏목』은 이 난파 사건으로부터 받은 큰 충격을 발판으로 그려졌다.^[58] 외젠 들라크루아의 『민중을 이끄는 자유의 여신』은 1830년 7월 혁명 직후에 그린 작품으로, 그림 속에는 작가 자신으로 여겨지는 실크햇을 쓴 남성이 총을 쥐고 있다.^[59] 둘 다 고요하고 전통적인 이상미를 추구하는 신고전주의에는 없는 제작 태도이다. 회화 기법으로는 색채의 다양성과 속도감, 정면성에 얽매이지 않는 자유로운 시각이 특징이다.

'''사실주의'''^[60] 화가들도 역시 신고전주의와 같은 역사화가 아니라, 당시 사회의 있는 그대로의 현실을 그리려고 했다. 귀스타브 쿠르베의 『돌 깨는 사람』, 장 프랑수아 밀레의 『씨 뿌리는 사람』, 『종소리』, 『이삭줍기』, 오노레 도미에의 『삼등칸』은 현실에서 살아가는 노동자나 농민, 자연의 모습을 충실하게 그리려고 했다. 신고전주의와 마찬가지로 어두운 화면이지만, 쿠르베는 팔레트 나이프를 사용한 강력한 터치(붓놀림)로 그렸다.

'''바르비종파''' 화가들은 도시에는 없는 자연의 아름다움에 매료되어, 1820년경부터 퐁텐블로 숲에서 풍경화에 전념했다. 바르비종파라는 명칭은 그들이 많이 머물렀던 마을 이름에서 유래한다. 대표적인 화가로 카미유 코로, 테오도르 루소 등이 있다. 밀레도 말년에 그들에게 합류했다. 그들은 야외에서 스케치를 하고 아틀리에에서 완성했지만, 후의 인상파 화가들은 옥외 제작으로 모든 것을 완성했다. 또한 1860년대에는 바르비종파의 계보를 잇는 코로, 샤를-프랑수아 도비니, 외젠 부댕, 요한 융킨트 등이 풍경이 좋은 센 강 하구 옹플뢰르의 생 시메옹 농장에 모이게 되면서, 인상파에 직결되는 해변이나 항구의 풍경화를 그렸다.

이러한 화가들이 인상파의 선구자가 되었다.

3. 발생과 특징

인상주의는 19세기 후반 프랑스에서 발생한 미술 사조로, 1874년 4월 25일 미술 비평가 루이 르루아가 파리의 전시회에서 비판적인 뜻으로 사용한 것에서 유래한다. 인상주의는 빛의 변화에 따른 순간적인 형태의 변화를 포착하려는 미술 양식으로, 빛에 따라 순간적으로 변화하는 깊이 없는 사물의 인상을 표현하고자 했다. 인상주의 화가들은 빛에 따라 시시각각 변하는 사물의 모습을 포착하기 위해 야외에서 그림을 그렸으며, 색채 표현에 있어서 시각적인 착시효과를 이용한 색채분할법을 사용했다.^[98]

인상주의가 태동할 당시에는 관영(官營) 전람회인 살롱이 유일한 발표 기관이었다. 19세기 후반에는 화단이 여러 경향으로 나뉘면서 대립이 심해졌고, 보수적인 살롱은 1863년에 혁신적인 작품들을 대량으로 낙선시켰다. 마네와 휘슬러 등이 낙선 화가들은 부당함을 느껴 정부에 별도의 낙선 화가 전람회를 요구했고, 마네의 《풀밭 위의 점심식사》가 큰 논란을 일으켰다. 여성의 나체 묘사가 풍속을 문란하게 한다는 비판을 받았다.^[96]

1865년 마네는 《올랭피아》를 살롱에 출품했지만, 이 역시 미풍양속을 해친다는 이유로 더 큰 공격을 받았다. 마네는 공격을 피해 에스파냐로 여행을 떠났고, 귀국 후 그의 과감성에 이끌린 젊은 화가들이 몽마르트르의 카페 게르부아에 모여 졸라와 함께 토론을 벌였다. 이 모임은 보불전쟁으로 중단되었지만, 이후에도 계속되어 인상파 전시회가 열리게 되었다.^[97]

피사로, 모네, 시슬레, 드가, 세잔, 르누아르, 모리조, 기요맹 등은 1874년 4월 파리 카프신가의 나다르 사진관에서 첫 번째 전시회를 열었다. 모네의 풍경화 《인상, 해돋이》를 본 잡지 《샤리바리》의 비평가 르루아는 이들을 '인상파'라고 야유했고, 이 명칭이 널리 퍼지게 되었다. 인상파 전시회는 1886년 제8회까지 계속되었으며, 초기에는 혹평과 비난 속에서 화가들의 고투가 이어졌다. 고갱도 인상파 전시회에 참가했다.^[98]

인상주의는 전통적인 그림의 주제와 기법에서 벗어나 일상생활과 프랑스 시골 풍경을 주로 다루었으며, 고갱과 고흐, 세잔 등에게 영향을 주어 야수파와 표현주의 등 현대 미술 형성에 결정적인 영향을 끼쳤다.^[98]

초기 인상주의 화가들은 외젠 들라크루아와 J. M. W. 터너처럼 선과 윤곽보다 자유로운 붓 칠을 사용하고, 야외에서 그림을 그리며 순간을 포착하려 했다. 이전에는 풍경화, 정물화, 초상화 모두 스튜디오에서 제작되었지만, 인상주의 화가들은 야외에서 햇빛의 순간적인 효과를 포착했다. 그들은 세부 묘사 대신 전체적인 시각 효과를 묘사했고, 혼합되지 않은 색의 짧은 붓놀림을 사용하여 강렬한 색채 진동 효과를 얻었다.^[11]

1876년 시인이자 비평가인 스테판 말라르메는 새로운 양식에 대해 "반사되고 끊임없이 변화하는 빛의 조화로 구성된 표현 대상은 항상 같은 모습으로 보인다고 가정할 수 없으며, 움직임, 빛, 그리고 생명으로 고동친다."라고 말했다.^[3] 인상주의는 후기 인상주의, 야수파, 입체파 등 다양한 회화 양식의 선구자 역할을 했다.^[4]

인상주의 화가들은 중산층의 여가 활동, 도시적 주제 등 다양한 비학술적 주제를 탐구했다.^[14] 그들은 새로 넓어진 파리의 거리, 대중 오락, 야간 조명 등을 묘사했다. 카유보트의 ''파리 거리; 비오는 날(Paris Street; Rainy Day)''(1877)과 같은 그림은 도시 환경 속 개인의 고립을 강조했다.^[15] 인상주의 화가들은 풍경화를 그릴 때 공장들을 포함시키기도 했다.^[16]

인상주의 이전에도 17세기 네덜란드 회화(Dutch Golden Age painting)의 얀 스테인(Jan Steen)과 같은 화가들이 평범한 주제를 강조했지만, 그들의 구도 방식은 전통적이었다. 인상주의 화가들은 주제와 배경 사이의 경계를 완화하여 마치 스냅사진과 같은 효과를 주었다. 사진은 인상파 화가들에게 순간적인 동작을 표현하도록 영감을 주었다.^[18]^[19]

인상주의의 발전은 사진이 현실을 재현하는 데 있어 예술가의 기술을 낮추는 것처럼 보였기 때문에 예술가들이 사진이 제기한 도전에 반응한 것으로 볼 수 있다. 초상화와 풍경화(Landscape art) 모두 사진이 "훨씬 더 효율적이고 신뢰할 수 있게 실물 같은 이미지를 생성"했기 때문에 다소 부족하고 진실이 부족하다고 여겨졌다.^[21]

그럼에도 불구하고 사진은 예술가들이 다른 창의적 표현 수단을 추구하도록 영감을 주었고, 사진과 경쟁하여 현실을 모방하기보다는 예술가들은 "사진보다 필연적으로 더 잘할 수 있는 한 가지, 즉 이미지의 개념에 있어서 사진이 제거한 바로 그 주관성을 예술 형식으로 더욱 발전시키는 것"에 집중했다.^[21] 인상파 화가들은 정확한 표현을 만들기보다는 자연에 대한 자신의 인식을 표현하고자 했다. 이를 통해 예술가들은 "암묵적인 취향과 양심의 명령"으로 자신이 본 것을 주관적으로 묘사할 수 있었다.^[20] 사진은 당시 사진에는 부족했던 색상과 같은 회화 매체의 측면을 활용하도록 화가들에게 격려했다. "인상파 화가들은 사진에 대한 주관적인 대안을 의식적으로 제시한 최초의 화가들이었다".^[21]

클로드 모네의 ''Jardin à Sainte-Adresse'', 1867, 메트로폴리탄 미술관. 일본 판화의 영향을 보여주는 작품

또 다른 주요 영향은 일본의 우키요에(자포니즘) 판화였다. 이러한 판화의 예술은 인상주의의 특징이 된 "스냅사진" 각도와 비전통적인 구성에 상당히 기여했다. 예를 들어 모네의 ''생트 아드레스 정원'', 1867은 대담한 색상 블록과 강한 대각선 경사의 구성으로 일본 판화의 영향을 보여준다.^[23]

에드가 드가는 열렬한 사진가이자 일본 판화 수집가였다. 그의 1874년 작 ''춤 수업''(''라 클라스 드 당스'')은 비대칭적인 구성에서 두 가지 영향을 모두 보여준다.

3. 1. 인상주의 화가들의 기법

짧고 두꺼운 붓놀림으로 세부 묘사가 아닌 대상의 본질을 빠르게 포착한다. 임파스토(impasto) 기법으로 물감을 덧칠하기도 한다.
색상은 가능한 한 적게 섞어 나란히 칠하는데, 이 기법은 동시 대비(simultaneous contrast) 원리를 이용하여 보는 사람에게 색상이 더욱 생생하게 나타나도록 한다.
회색과 어두운 색조는 보색(complementary colour)을 섞어 만든다. 순수한 인상주의는 검은색 물감을 사용하지 않는다.
젖은 물감 위에 젖은 물감을 덧칠하여 연속적인 덧칠이 마를 때까지 기다리지 않고 부드러운 가장자리와 색상의 혼합을 만든다.
인상주의 그림은 이전의 화가들이 효과를 내기 위해 주의 깊게 다루었던 얇은 물감 막(유약)의 투명성을 활용하지 않는다. 인상주의 그림 표면은 일반적으로 불투명하다.
물감은 흰색 또는 밝은 색의 바탕에 칠한다. 이전에는 화가들이 종종 어두운 회색이나 강한 색의 바탕을 사용했다.
자연광의 효과를 강조한다. 사물에서 사물로 반사되는 색상에 세심한 주의를 기울인다. 화가들은 종종 저녁에 작업하여 ''저녁 효과(effets de soir)''—저녁이나 황혼의 그림자 효과—를 만들어냈다.
''옥외 그림(en plein air)''(옥외)에서 그린 그림에서는 그림자에 하늘의 파란색이 표면에 반사되어 나타나도록 과감하게 묘사하여 이전 그림에는 없었던 신선함을 나타낸다. 눈 위의 파란 그림자가 이 기법에 영감을 주었다.^[12]

4. 주요 인물

인상주의 발전에 중심적인 역할을 한 주요 인물들은 다음과 같다.^[37]^[38]

화가	출생년도	사망년도	인상파전 출품 회차	비고
카미유 피사로	1830년	1903년	1~8 (전회)	점묘법 기법을 사용했던 시기가 있어 신인상주의 화가로 분류되기도 한다.
에두아르 마네	1832년	1883년		인상주의 전시회에 참여하지 않았다.^[39]
에드가 드가	1834년	1917년	1, 2, 3, 4, 5, 6, 8	고전적인 기법을 중시했으며, "인상주의"라는 용어를 싫어했다.
알프레드 시슬레	1839년	1899년	1, 2, 3, 7
폴 세잔	1839년	1906년	1, 3	후기 인상주의 화가로 분류되기도 한다.
클로드 모네	1840년	1926년	1, 2, 3, 4, 7	가장 많은 작품을 남긴 인상주의 화가이자 인상주의 미학을 가장 명확하게 구현한 화가이다.^[40]
베르트 모리조	1841년	1895년	1, 2, 3, 5, 6, 7, 8	1879년을 제외한 모든 인상주의 전시회에 참여했다.
피에르 오귀스트 르누아르	1841년	1919년	1, 2, 3, 7	후기 인상주의 화가로 분류되기도 한다.
아르망 기요맹	1841년	1927년	1, 3, 5, 6, 7, 8
프레데리크 바지유	1841년	1870년		사후에 인상주의 전시회에 참여했다.
메리 카사트	1844년	1926년	4, 5, 6, 8	미국 태생으로 파리에서 활동하며 네 번의 인상주의 전시회에 참여했다.
귀스타브 카유보트	1848년	1894년	2, 3, 4, 5, 7	1870년대 중반 인상주의 화가들과 협력했다.

5. 후기 인상주의

1880년대에 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 조르주 쇠라, 앙리 드 툴루즈 로트렉을 포함한 몇몇 예술가들은 인상주의에서 파생된 색상, 패턴, 형태 및 선의 사용에 대한 다른 원칙을 개발하기 시작했다. 이 예술가들은 인상주의 화가들보다 약간 젊었고, 그들의 작품은 후기 인상주의로 알려져 있다. 후기 인상주의 예술가들은 빛과 색의 시각적 감각을 사실적으로 재현하는 데 대한 인상주의의 관심에 반발하여 대신 상징적 내용과 감정 표현으로 방향을 돌렸다.^[54]

후기 인상주의는 미래파와 입체파의 특징을 예고하며 유럽 사회에서 예술에 대한 태도 변화를 반영했다.^[55] 원래 인상주의 예술가들 중 일부도 이 새로운 영역에 진출했다. 카미유 피사로는 잠시 점묘화 기법으로 그림을 그렸고, 심지어 모네도 엄격한 ''plein air'' 회화를 버렸다. 첫 번째와 세 번째 인상주의 전시회에 참여했던 폴 세잔은 회화 구조를 강조하는 매우 개성적인 비전을 개발했으며, 그는 후기 인상주의로 더 자주 불린다. 이러한 사례들은 레이블을 지정하는 어려움을 보여주지만, 원래 인상주의 화가들의 작품은 정의상 인상주의로 분류될 수 있다.

6. 인상주의의 영향

인상주의는 회화뿐만 아니라 음악, 문학, 조각 등 다양한 예술 분야에 영향을 미쳤다.

음악에서는 19세기 후반 프랑스에서 시작되어 20세기 중반까지 이어진 유럽 고전 음악의 한 사조로, 낭만주의 시대의 과도한 감정 표현을 지양하고 암시와 분위기를 중시하는 특징을 보인다. 클로드 드뷔시, 모리스 라벨, 에릭 사티 등이 대표적인 인상주의 작곡가로 꼽히며, 야상곡, 아라베스크, 전주곡과 같은 짧은 형식을 선호하고, 전음계와 같은 비전통적인 음계를 탐구했다.^[52] 미국의 인상주의 음악은 유럽의 인상주의 음악과 다르며, 주로 찰스 그리피스의 플루트와 관현악 음악의 시적 표현에 반영되어 있다. 그는 미국에서 가장 다작한 인상주의 작곡가이기도 하다.

문학에서는 보들레르, 말라르메, 랭보, 베를렌과 같은 상징주의 시인들이 감각적인 인상을 중시하고, 상징적인 표현을 사용했다.^[53]

조각에서는 오귀스트 로댕이 대략적으로 모델링된 표면을 사용하여 일시적인 빛의 효과를 표현하는 방식으로 인상주의적인 경향을 보였다.^[47] 에드가 드가는 생전에 주로 화가로 알려졌지만, 1880년대 후반 조각에 집중하기 시작했다. 그는 왁스를 사용하여 수정과 재시작이 용이한 모델링 과정을 탐구했으며, 생애 동안 150점에 달하는 조각 작품을 제작했다.^[44]

6. 1. 음악

유럽 고전 음악의 한 운동으로 불리는 음악 인상주의는 19세기 후반에 등장하여 20세기 중반까지 이어졌다. 프랑스에서 시작된 음악 인상주의는 암시와 분위기를 특징으로 하며 낭만주의 시대의 과도한 감정 표현을 배제한다. 인상주의 작곡가들은 야상곡, 아라베스크, 전주곡과 같은 짧은 형식을 선호했고, 전음계와 같은 비전통적인 음계를 탐구하기도 했다. 아마도 인상주의 작곡가들의 가장 주목할 만한 혁신은 장7화음의 도입과 3도로 화음 구조를 확장하여 5음 또는 6음의 화성을 만든 것이다.

시각적 인상주의가 음악적 인상주의에 미친 영향은 논란의 여지가 있다. 클로드 드뷔시와 모리스 라벨은 일반적으로 가장 위대한 인상주의 작곡가로 여겨지지만, 드뷔시는 그 용어를 비난하며 비평가들의 발명품이라고 불렀다. 에릭 사티도 이 범주에 포함되지만, 그의 접근 방식은 덜 진지하고, 더 음악적 참신성에 가까웠다.

폴 뒤카는 때때로 인상주의 작곡가로 여겨지는 또 다른 프랑스 작곡가이지만, 그의 스타일은 후기 낭만주의 작곡가들과 더 가까운 면이 있다. 프랑스를 넘어선 음악 인상주의에는 오토리노 레스피기 (이탈리아), 랄프 본 윌리엄스, 사이릴 스콧, 존 아일랜드 (잉글랜드), 마누엘 드 파야와 이삭 알베니스 (스페인), 찰스 그리피스 (미국) 등의 작곡가들의 작품이 포함된다.^[52]

미국의 인상주의 음악은 유럽의 인상주의 음악과 다르며, 이러한 차이점은 주로 찰스 그리피스의 플루트와 관현악 음악의 시적 표현에 반영되어 있다. 그는 또한 미국에서 가장 다작한 인상주의 작곡가이기도 하다.

6. 2. 문학

보들레르, 말라르메, 랭보, 베를렌과 같은 상징주의 시인들은 감각적인 인상을 중시하고, 상징적인 표현을 사용했다.^[53] 버지니아 울프, D.H. 로렌스, 헨리 제임스, 조셉 콘래드와 같은 작가들은 인물의 정신적 삶을 구성하는 인상, 감각, 감정을 해석하기보다는 묘사하는 방식으로 인상주의적인 작품을 썼다.^[53]

6. 3. 조각

오귀스트 로댕은 대략적으로 모델링된 표면을 사용하여 일시적인 빛의 효과를 보여주는 방식 때문에 때때로 인상주의자로 불린다.^[47] 조각가 메다르도 로소 또한 인상주의자로 불렸다.^[48]

에드가 드가는 생전에 주로 화가로 알려졌지만, 1880년대 후반 예술 경력 후반기에 조각에 집중하기 시작했다. 그는 생애 동안 150점에 달하는 조각 작품을 제작했다. 드가는 조각 재료로 왁스를 선호했는데, 그 이유는 왁스를 사용하면 수정하고, 처음부터 다시 시작하고, 모델링 과정을 더욱 탐구할 수 있었기 때문이다.^[44] 드가의 조각 작품 중 14세의 무희만이 생전에 전시되었는데, 1881년 제6회 인상주의 전시회에서 전시되었다. ''14세의 무희''는 비평가들 사이에서 논란이 되었다. 어떤 이들은 드가가 인상주의가 회화의 전통을 뒤엎은 것과 같은 방식으로 조각의 전통을 뒤엎었다고 생각했다. 다른 이들은 그것을 추하다고 생각했다.^[45] 1917년 드가 사후, 그의 상속인들은 작가의 조각 73점을 청동 주조하도록 허가했다.^[46]

러시아의 일부 예술가들은 구세계 개념에서 벗어나기 위해 동물을 소재로 한 인상주의적 조각을 제작했다. 그들의 작품은 새와 짐승에게 새로운 영적인 특성을 부여한 것으로 묘사되었다.^[49]

7. 한국 미술에 끼친 영향

한국 근대 미술은 인상주의의 영향을 받아, 서양화의 기법과 양식을 수용하고 발전시켰다. 오지호, 김주경, 이마동 등은 인상주의 화풍을 바탕으로 한국적인 풍경과 정서를 담아낸 작품을 남겼다. 이쾌대는 인상주의 기법을 활용하면서도, 민족의 현실과 역사를 담아낸 작품을 통해 독자적인 화풍을 구축했다. 특히 이쾌대의 《군상》 연작은 한국 근대 미술의 대표작으로, 인상주의 기법과 민족주의적 주제 의식이 결합된 작품으로 평가받는다. 한국 전쟁 이후 추상미술이 주류를 이루면서 인상주의의 영향은 상대적으로 약화되었지만, 여전히 한국 미술계에 중요한 영향을 미치고 있다.

8. 갤러리

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