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자크 오펜바흐

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목차

1. 개요

자크 오펜바흐는 독일 출신의 작곡가로, 첼리스트이자 오페레타 작곡가로서 19세기 프랑스 음악계에 큰 영향을 미쳤다. 그는 파리에서 첼로를 공부하고 오페라 코미크 오케스트라에서 활동하며, 부프 파리지앵 극장을 설립하여 오페레타 작곡가로서 성공을 거두었다. 오펜바흐는 《지옥의 오르페우스》, 《아름다운 엘레네》, 《파리의 생활》 등 다수의 인기 오페레타를 작곡했으며, 발레, 관현악곡, 첼로곡 등 다양한 장르에서도 활동했다. 그의 작품은 후대 작곡가들에게 영향을 미쳤으며, 오페레타 장르를 국제적으로 확립하는 데 기여했다.

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자크 오펜바흐
기본 정보
이름자크 오펜바크
원어 이름프랑스어: Jacques Offenbach
독일어: Jakob Levy Eberst
출생1819년 6월 20일, 쾰른
사망1880년 10월 5일, 파리
국적독일 (출생), 프랑스 (귀화)
직업작곡가, 첼리스트
활동 시기1847년 - 1880년
장르클래식 음악
오페레타
악기첼로
자크 오펜바크
나다르 촬영
발음
주요 작품
오페라



훈장

2. 생애

오펜바흐는 독일 쾰른에서 성가대의 선창자(先唱者, cantor), 책제본자, 음악 교사이자 작곡가인 이자크 유다 에버스트(Issac Juda Eberstde)의 아들로 태어났다.[9] 그의 아버지가 살던 시기는 나폴레옹 칙령으로 인해 유태인은 계승된 가족성을 바꿀 것이 요구되었다. 그는 순회 공연하는 바이올리니스트로, 이미 관객들에게는 오펜바흐 암 마인의 출신이라 "그 오펜바흐"로 불렸기에, 성을 오펜바흐로 바꾸었다.[13] 그의 아들에게는 출생시 야코프 오펜바흐(Jakob Offenbachde)란 이름을 지어줬지만, 오펜바흐는 프랑스에 정착한 후 '자크'로 이름을 변경하였다.

첼로 비르투오조


프로멘탈 할레비


오펜바흐는 1833년 파리로 이주하여 첼로를 공부하였다. 그는 오페라 코미크 교향악단에서 첼로 연주자 자리로 들어가서, 많은 기악곡을 작곡하였다.[1] 1844년 오펠바흐는 로마 가톨릭교회로 개종하고, 에르미니에 드 알카인과 결혼했다.[43] 그는 프랑스에서 혁명으로인한 폭력사태를 피하기 위해서, 독일로 그의 아내와 딸과 함께 1848년 독일로 돌아왔으나, 일년 뒤 파리로 다시 되돌아가 루이 나폴레옹 3세 지배와 가장 가까운 음악가가 되었다.[51] 1850년 오펜바흐는 프랑수아 극장의 지휘자가 되었으나, 1855년 몽시니 거리(Rue de Monsigny)에서 부프 파리지앵(Bouffes Parisiens)이라는 자신의 소극장을 설립하였다.[230] 오펜바흐는 그곳에서 죽을 때까지 대부분 오페레타와 오페라 코미크에 헌신하며, 작곡가, 감독으로서의 성공을 거뒀다.

부프 파리지앵 극장


오펜바흐의 가장 인기있는 작품들은 지금까지도 여전히 정기적으로 공연된다. 영어권 국가에서 그의 가장 잘 알려진 오페레타는 《지옥의 오르페우스》[93][95]와 《아름다운 헬레네》, 《제롤스탱 대공비》, 《파리의 삶》, 《페리콜》이다.《 즐거운 파리의 아가씨》(Gaîté Parisienne)은 종종 발레 음악으로 듣게 되는데, 이는 혼성곡으로 1938년에 마뉴엘 로젠탈이 오펜바흐 멜로디를 관현악으로 화려하게 편곡하였다.

『파리 생활』 포스터


1875년 런던에서 공연된 《페리콜》 프로그램


오펜바흐의 마지막 오페라인 《호프만의 이야기》는 그의 다른 작품보다 진지한 편인데, 아마도 어릿광대가 진지하게 여겨지기 바라는 영원의 소망을 반영한 것으로 보인다. 1880년에 그의 사망으로 미완성으로 남았으나, 친구인 에르네스트 기로에 의해 완성되고,[139] 1881년에 초연되었다.

2. 1. 초기 생애 (1819-1833)

자크 오펜바흐는 1819년 6월 20일 독일 쾰른에서 야코프 오펜바흐라는 이름으로 태어났다. 그의 아버지는 성가대의 선창자(先唱者, cantor), 책제본자, 음악 교사이자 작곡가인 이자크 유다 에버스트(Issac Juda Eberstde)였다.[9] 당시 쾰른은 프로이센 왕국의 일부였다. 그의 아버지는 오펜바흐 암 마인 출신으로, "그 오펜바흐"로 불렸기에 성을 오펜바흐로 바꾸었다.[13]

오펜바흐는 여섯 살 때 아버지에게 바이올린을 배우기 시작했고, 2년 후에는 노래와 춤을 작곡했으며, 아홉 살에는 첼로를 시작했다.[14] 그는 형 율리우스(바이올린), 누이 이자벨라(피아노)와 함께 지역 무도회장, 여관, 카페에서 트리오로 연주하며 인기 있는 춤곡과 오페라 편곡을 연주했다.[16]

1833년, 오펜바흐는 아버지와 함께 파리로 이주하여 파리 음악원에서 첼로를 공부했다.[17] 루이지 케루비니는 처음에 나이와 국적을 이유로 입학을 거부했으나, 오펜바흐의 연주를 듣고 마음을 바꾸었다.[20] 오펜바흐는 음악원에서 1년 동안 첼로를 공부한 후, 오페라 코미크 교향악단의 첼로 연주자가 되었다.[23] 그는 프로멘탈 알레비에게 작곡을 배우고, 뤼도빅 알레비와 함께 일하게 되었다.

2. 2. 파리에서의 활동 (1833-1880)

자크 오펜바흐는 1833년 파리로 이주하여 첼로를 공부했다. 오페라 코미크 교향악단에서 첼로 연주자로 활동하며 많은 기악곡을 작곡했다.[1] 1844년에는 로마 가톨릭교회로 개종하고 에르미니에 드 알카인과 결혼했다.[43] 1848년 프랑스 혁명으로 인한 혼란을 피해 독일로 잠시 돌아갔으나, 1년 뒤 파리로 돌아와 루이 나폴레옹 3세와 가까운 음악가가 되었다.[51]

1839년부터 오펜바흐가 가장 자주 출연했던 살롱 중 하나는 보 드 보 백작부인의 살롱이었다.[33] 그는 그곳에서 에르미니 달캥을 만났고, 1843년에 약혼했지만, 그는 아직 결혼할 만한 재정적 여유가 없었다.[36] 그는 파리를 넘어 명성과 수입을 늘리기 위해 프랑스와 독일을 순회 공연했다.[37] 1844년, 그는 영국 순회 공연을 시작했다. 그는 즉시 펠릭스 멘델스존, 요제프 요아힘 등과 함께 공연하게 되었다.[36] ''더 에라''는 그의 런던 데뷔 공연에 대해 "그의 연주와 취향은 놀라움과 기쁨을 동시에 불러일으켰으며, 그가 보여준 천재성은 절대적인 영감에 달했다"고 썼다.[40]

1850년 오펜바흐는 프랑수아 극장의 지휘자가 되었으나, 1855년 자신의 소극장인 부프 파리지앵을 설립하였다.[230] 그는 그곳에서 죽을 때까지 대부분 오페레타와 오페라 코미크에 헌신하며 작곡가이자 감독으로서 성공을 거뒀다.[235]

1858년, 정부는 출연자 수에 대한 허가 제한을 해제했고, 오펜바흐는 보다 야심찬 작품을 선보일 수 있게 되었다. 그의 첫 번째 장편 오페레타인 《지옥의 오르페우스》는 1858년 10월에 공개되었다.[92] 이 작품은 쥘 자닌의 비평 덕분에 큰 성공을 거두었다. 자닌은 이 작품을 신성 모독과 불경이라고 비난했는데, 이는 오히려 대중의 관심을 끌어 흥행에 성공했다.[93] 100일간의 공연이 성공으로 여겨지던 시대에, 이 작품은 228회 공연되었다.[95]

1860년대는 오펜바흐에게 가장 성공적인 10년이었다. 1860년 초, 그는 나폴레옹 3세의 개인적인 명령으로 프랑스 시민권을 부여받았으며,[100] 그 이듬해에는 레지옹 도뇌르 훈장 기사 작위를 받았다.[101] 1864년부터 1868년 사이에 오펜바흐는 《아름다운 엘레네》, 《파리 생활》, 《제롤스탱 대공비》, 《페리콜》 등 그가 주로 기억되는 네 편의 오페레타를 작곡했다. 이 모든 작품에서 르브레티스트로 앙리 메이야크와 뤼도빅 알레비가 함께했다.

1867년 오펜바흐는 가장 큰 성공작 중 하나인 《제롤스탱 대공비》를 발표했다. 초연은 1867년 파리 만국 박람회 개막 이틀 후에 열렸는데, 이 박람회는 그의 작곡 경력 시작을 도운 1855년 박람회보다 더 큰 국제적인 관심을 끌었다.[116] 파리 시민과 외국인 방문객들은 새로운 오페레타에 몰려들었다.

1870년 프랑스-프로이센 전쟁 발발 직전, 오펜바흐는 에임스와 비스바덴 여행에서 서둘러 돌아왔다.[124] 나폴레옹 3세 치하에서 명성을 얻었던 오펜바흐는 구체제와 널리 연결되었다. 1870년 9월 세당 전투에서 프로이센의 압도적인 승리 이후 제정이 무너지자 오펜바흐의 음악은 갑자기 인기를 잃었다.[173]

1871년 말이 되자 파리의 삶은 정상으로 돌아왔고, 오펜바흐는 자발적인 망명을 끝냈다. 1876년 미국 독립 100주년 기념 박람회와 관련된 미국 순회 공연은 오펜바흐가 손실을 회복하고 빚을 갚을 수 있게 해주었다.[134]

오펜바흐의 후기 오페레타는 프랑스에서 다시 인기를 얻었는데, 특히 《마담 파바르》(1878)와 《드럼 메이저의 딸》(1879)이 그러했다.[168]

수익성이 좋았던 《드럼 메이저의 딸》을 작곡했음에도 불구하고, 오펜바흐는 성공적인 진지한 오페라를 창작하려는 자신의 소중한 프로젝트에 쏟을 시간이 부족했다. 1877년 초부터 그는 쥘 바르비에와 미셸 카레의 희곡을 바탕으로 한 작품을 가능한 한 작업하고 있었다. 오펜바흐는 1860년대부터 통풍을 앓았고, 종종 의자에 앉혀서 극장으로 옮겨지곤 했다. 건강이 악화된 그는 자신의 죽음을 의식했고, 오페라 《호프만 이야기》를 완성할 만큼 오래 살기를 간절히 바랐다.[138] 오펜바흐는 작품을 완성하지 못하고 세상을 떠났다. 그는 성악 파트를 상당 부분 완성했고 관현악 편곡을 시작했었다. 가족 친구인 에르네스트 기로는 오펜바흐의 18세 아들 오귀스트의 도움을 받아 관현악 편곡을 완성했는데, 오페라 코미크의 감독 카르발류가 요구한 상당한 삭제뿐 아니라 주요 변경 사항도 반영했다.[139] 이 오페라는 1881년 2월 10일 오페라 코미크에서 초연되었다.[139]

3. 작품



오펜바흐는 자신의 추산으로 100편이 넘는 오페라를 작곡했다.[145] 그러나 작품 수와 명칭 모두에 의문이 제기된다. 일부 작품은 너무 광범위하게 개정되어 그는 개정된 버전을 새로운 작품으로 계산한 것으로 보이며, 일반적으로 평론가들은 그의 무대 작품 중 몇 편을 제외하고는 오페라가 아닌 오페레타로 지칭한다. 오펜바흐는 opérette프랑스어 (오페레타) 또는 opérette bouffe프랑스어를 그의 1막 작품 중 일부에 사용하고, 장편 작품에는 opéra bouffe프랑스어라는 용어를 더 자주 사용했다. 1870년 이후 비엔나에서 Operettede 장르가 더욱 발전하면서 프랑스어 용어 opérette프랑스어가 1막보다 긴 작품에 사용되기 시작했다.[148] 오펜바흐는 또한 그의 1막, 2막 또는 3막 작품 중 적어도 24편에 대해 opéra-comique프랑스어라는 용어를 사용했다.[149]

오펜바흐의 초기 오페레타는 소규모 출연진을 위한 1막 작품이었다. 1858년 그의 첫 번째 대규모 "opéra bouffon프랑스어", "오르페우스 지옥(Orphée aux enfers)프랑스어"이 공연되기 전에 30편이 넘는 작품이 공연되었으며, 그는 남은 경력 동안 20편이 넘는 작품을 더 작곡했다.[10][150] 오펜바흐는 1860년대에 가장 큰 성공을 거두었다. 그 시대의 가장 인기 있는 오페레타는 그의 가장 잘 알려진 작품들 중에 남아 있다.[10]

수염이 다양한 네 명의 19세기 백인 남성의 얼굴 사진
대본 작가들과 후계자들 (왼쪽 상단부터 시계 방향으로) 뤼도빅 알레비, 앙리 메이야크, 요한 슈트라우스 2세, 아서 설리번


줄거리에 대한 최초의 아이디어는 대개 오펜바흐로부터 나왔으며, 그의 대본 작가들은 그와 합의된 방향에 따라 작업했다. 그는 대본 작가들의 가사를 설정하는 데 있어 프랑스어의 리듬감 있는 유연성을 활용했고, 때로는 이를 극단으로 몰아가며 단어들을 부자연스러운 강세로 억지로 끼워 넣었다.[152] 오펜바흐의 가사 설정에서 흔히 볼 수 있는 특징은 코믹한 효과를 위해 단어의 고립된 음절을 무의미하게 반복하는 것이었다.

일반적으로 오펜바흐는 단순하고 확립된 형식을 따랐다. 그의 멜로디는 대개 짧고 기본 리듬에서 변화가 거의 없으며, "4마디 구절의 전제"에서 벗어나는 경우는 드물다.[153] 조옮김에서도 오펜바흐는 비슷하게 신중했다. 그는 멜로디를 멀거나 예상치 못한 조로 바꾸는 경우가 드물었고, 대부분 근음–우세음–하행음 패턴을 유지했다.[154] 이러한 관습적인 한계 내에서 그는 리듬의 다양한 사용에 더 큰 자원을 활용했다. 그는 한 곡 안에서 한 가수의 빠른 패턴과 다른 가수의 넓고 부드러운 구절을 대조하여 그들의 다른 성격을 보여주었다.[154] 그는 종종 장조와 단조를 빠르게 바꿔 효과적으로 등장인물이나 상황을 대조했다.[155] 오펜바흐는 원한다면 레치타티보와 같이 비관습적인 기법을 사용할 수 있었는데, 이는 그의 작품 전반에 걸쳐 등장인물 닥터 옥스(1877)를 따라가며 사용되었고, La carnaval des revues프랑스어(1860)에서 바그너를 풍자하는 데 사용되었다.[156] [157]

초기 부프 파리지앵 작품에서는 오케스트라 피트의 크기 때문에 오펜바흐는 16명의 연주자로 구성된 오케스트라에 국한되었다.[158] 그는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 프랑스 호른 2개, 피스톤 코넷, 트롬본, 타악기(팀파니 포함)와 7명의 연주자로 구성된 소규모 현악 파트를 위해 작곡했다.[160] 살르 슈아즈로 이전한 후에는 30명의 연주자로 구성된 오케스트라를 갖게 되었다.[160]

거대한 바이올린을 타고 하늘을 나는, 연주복을 입고 장미관을 쓴 오펜바흐의 그림. 그의 오페레타와 꽃으로 이루어진 기발한 배경 위를 그의 개 바르쿠프(Barkouf)와 함께 날고 있다.
앙드레 질(André Gill)이 그린 오펜바흐, 1866


오펜바흐는 다른 작곡가들의 음악을 패러디하는 것으로 유명했다. 어떤 이들은 그 농담을 이해했고, 어떤 이들은 이해하지 못했다. 오펜바흐의 패러디에 즐거워하지 않은 작곡가들 중에는 베를리오즈(Hector Berlioz)와 바그너(Wagner)가 있었다.[162] 오펜바흐는 베를리오즈의 "고대를 향한 노력"을 조롱했고,[163] 바그너의 허세에 대한 그의 초기의 가벼운 풍자는 나중에 진정한 반감으로 변했다.[164]

일반적으로 오펜바흐의 패러디 기법은 단순히 원곡을 예상치 못한 불협화음 속에서 연주하는 것이었다. 그는 금지된 혁명가의 노래인 《라 마르세이예즈》를 《지옥의 오르페우스》에서 반란을 일으키는 신들의 합창에 슬쩍 넣었고, 글룩(Gluck)의 《오르페오와 에우리디체》의 아리아 "Che farò"|italic=noit를 같은 작품에서 인용했다. 《아름다운 엘레네》에서는 로시니(Rossini)의 《윌리엄 텔》의 애국적인 삼중창을 인용했고, 그리스 왕들을 위한 앙상블에서 자신을 패러디했는데, 이때 반주는 Orphée aux enfers프랑스어의 론도(rondeau)를 인용한다.

오펜바흐의 마지막 10년 동안 그는 대중의 취향 변화를 인지했다. 더 단순하고 로맨틱한 스타일이 이제 선호되었다. 오펜바흐는 20편의 오페레타 연작에서 이를 따랐다. 지휘자이자 음악학자인 안토니우 드 알메이다(Antonio de Almeida)는 이 중 가장 훌륭한 작품으로 북채장의 딸(La fille du tambour-major)프랑스어 (1879)를 꼽는다.[168]

  • 오페라 코믹 《알코브》(L'alcôve, 1847년)
  • 《페피토》(Pépito, 1853년)
  • 《백야》(Une Nuit blanche, 1855년)
  • 《오야야예 또는 섬의 여왕》(Oyayaye ou la Reine des Îles, 1855년)
  • 《두 명의 맹인》(Les Deux Aveugles, 1855년)
  • 《바이올린 연주자》(Le Violoneux, 1855년)
  • 《팽폴과 페리넷》(Paimpol et Périnette, 1855년)
  • 바-타-클랑(Ba-ta-clan, 1855년)
  • 《66》(Le 66, 1856년)
  • 《생플뢰르의 장미》(La Rose de Saint-Flour, 1856년)
  • 《보모》(La bonne d'enfant, 1856년)
  • 오페라 부프 《트롱브-알-카-자르》(Tromb-al-ca-zar, ou Les criminels dramatiques, 1856년)
  • 《재정가와 구두 수선공》(Le financier et le savetier, 1856년)
  • 《저당 잡힌 마부》(Un postillon en gage, 1856년)
  • 《작은 용》(Dragonette, 1857년)
  • 《악마의 세 개의 키스》(Les Trois Baisers du diable, 1857년)
  • 《두 명의 어부》(Les Deux Pêcheurs, 1857년)
  • 《등불 아래의 결혼식》(Le Mariage aux lanternes, 1857년)
  • 《크로크페르》(Croquefer, 1857년)
  • 《복권의 아가씨》(Une demoiselle en loterie, 1857년)
  • 《저녁 바람 또는 무시무시한 잔치》(Vent du soir, ou L'horrible festi, 1857년)
  • 오페라 코믹 《여자로 변신한 고양이》(La Chatte métamorphosée en femme, 1858년)
  • 시장의 부인들(Mesdames de la Halle, 1858년)
  • 오페라 부프 지옥의 오르페(Orphée aux Enfers, 1858년)
  • 1858년, 정부는 출연자 수에 대한 허가 제한을 해제했고, 오펜바흐는 보다 야심찬 작품을 선보일 수 있게 되었다. 그의 첫 번째 장편 오페레타인 《지옥의 오르페우스》는 1858년 10월에 공개되었다. 오펜바흐는 평소처럼 제작에 많은 비용을 투자했는데, 구스타브 도레(Gustave Doré)의 무대 장치, 화려한 의상, 주요 배우 20명, 대규모 합창단과 오케스트라가 동원되었다.[92]
  • 베를린에서의 실패한 시즌 이후로 회사는 특히 자금이 부족했기에, 절실히 큰 성공이 필요했다. 처음에 이 작품은 그저 보통의 성공을 거둔 것처럼 보였다. 하지만 곧 《주르날 데 데바》(Journal des débats)의 비평가인 쥘 자닌(Jules Janin)의 분노에 찬 비평 덕분에 혜택을 보게 되었다. 그는 이 작품을 신성 모독과 로마 신화에 대한 불경이라고 비난했는데, 주제는 오르페우스와 에우리디케의 전설이었지만, 나폴레옹 3세와 그의 정부가 이 풍자극의 진정한 표적이라고 일반적으로 여겨졌다.[93] 오펜바흐와 그의 대본 작가 헥토르 크레미외(Hector-Jonathan Crémieux)는 이 무료 홍보를 이용하여 파리 일간지 《르 피가로》(Le Figaro) 칼럼에 활기찬 공개 토론에 참여했다.[94]
  • 자닌의 분노는 대중으로 하여금 이 작품을 보고 싶어하게 만들었고, 흥행 수입은 엄청났다. 100일간의 공연이 성공으로 여겨지던 시대에, 이 작품은 228회 공연되었다.[95] 알베르 드 라살(Albert de Lasalle)은 그의 부프 파리지앵(Bouffes-Parisiens) 역사(1860)에서 이 작품이 1859년 6월에 막을 내렸다고 적었는데, 그 이유는 "관객을 지치게 할 수 없었던 배우들이 스스로 지쳐버렸기" 때문이었다고 한다. 당시 이 작품은 여전히 흥행에서 강세를 보이고 있었다.[96] 황제를 풍자한 이 작품을 보고 싶어했던 사람들 중에는 황제 자신도 있었는데, 그는 1860년 4월 공연을 명령했다.[94]
  • 오펜바흐의 경력 후반기에 많은 성공을 거두었음에도 불구하고, 《지옥의 오르페우스》는 그의 가장 인기 있는 작품으로 남았다. 갬몬드(Gammond)는 이 작품의 성공 이유로 비엔나를 연상시키지만 새로운 프랑스 풍미를 지닌 "웅장한 왈츠", 패터송(patter song), 그리고 "무엇보다도 1830년대 이후로 저급한 곳에서 불량한 생활을 해왔지만 이제는 예의 바른 유행이 된, 여전히 억압되지 않은 칸칸(can-can)"을 꼽는다.[97]

19세기 《지옥의 오르페우스》 공연 포스터

  • 《쫓겨난 남편》(Un Mari à la porte, 1859년)
  • 《주막 여자》(Les Vivandières des zouaves 또는 Les vivandières de la grande-armée, 1859년)
  • 《브라반트의 제누비에브》(Geneviève de Brabant, 1859년)
  • 《브라반트의 제네비에브》는 처음에는 그저 약간의 성공을 거두었지만, 나중에 개정되어 큰 인기를 얻었고, 두 명의 겁 많은 헌병의 코믹한 이중창은 프랑스뿐만 아니라 영국에서도 인기 있는 곡이 되었으며, 미국의 해병대가(Marines' Hymn)의 기초가 되었다.[98][99]
  • 《다프니스와 클로에》(Daphnis et Chloé, 1860년)
  • 오페라 부프 《바르쿠프》(Barkouf, 1860년)
  • 《한숨의 다리》(Le Pont des soupirs, 1861년)
  • 오페라 코믹 《포르투니오의 노래》(La Chanson de Fortunio, 1861년)
  • 《익살스러운 소설》(Le Roman comique, 1861년)
  • 오페라 코믹 《약사와 가발 제조공》(Apothicaire et perruquier, 1861년)
  • 《슈플뤼리 씨는 집에 머물 것입니다...》(Monsieur Choufleuri Restera Chez Lui Le..., 1861년)
  • 《드니 부부》(Monsieur et Madame Denis, 1862년)
  • 《자클린》(Jacqueline, 1862년)
  • 《두나낭 부자의 여행》(Le Voyage de MM. Dunanan père et fils, 1862년)
  • 오페라 부프 《수다쟁이들》(Les bavards, 1863년)
  • 《파고토 씨》(Il signor Fagotto, 1863년)
  • 《리젠과 프리첸》(Lischen et Fritzchen, 1863년)
  • 《브라질 사람》(Le Brésilien, 1863년)
  • 《사랑의 가수》(L'Amour chanteur, 1864년)
  • 《우는 잔느와 웃는 장》(Jeanne qui pleure et Jean qui rit, 1864년)
  • 오페라 부프 아름다운 엘레네(La belle Hélène, 1864년)
  • 《그루지야의 여인들》(Les Géorgiennes, 1864년)
  • 오페라 코믹 《마법의 피리》(Le Fifre enchanté, ou Le Soldat magicien, 1864년)
  • 《장미의 로망스》(La Romance de la rose, 1864년)
  • 《코스콜레토》(Coscoletto, ou Le lazzarone, 1865년)
  • 오페라 부프 푸른 수염(Barbe-bleue, 1866년)
  • 오페라 부프 파리 생활(La Vie parisienne, 1866년)
  • 오페라 코믹 《양치기들》(Les Bergers, 1866년)
  • 오페라 코믹 《로빈슨 크루소》(Robinson Crusoé, 1867년)
  • 제롤슈타인 여대공(La Grande-Duchesse de Gérolstein, 1867년)
  • 《10시간의 외출 허가》(La Permission de dix heures, 1867년)
  • 오페라 부프 라 페리콜(La Périchole, 1868년)
  • 《튤리파탄 섬》(L'île de Tulipatan, 1868년)
  • 《토토의 성》(Le Château à Toto, 1868년)
  • 도적(Les Brigands, 1869년)
  • 《베르-베르》(Vert-Vert, 1869년)
  • 오페라 부프 《가수》(La Diva, 1869년)
  • 오페라 부프 《트레비존드 공주》(La Princesse de Trébizonde, 1869년)
  • 《검은 해적선》(Der schwartze Korsar, 1872년)
  • 오페라 코믹 《판타지오》(Fantasio, 1872년)
  • 《당근 왕》(Le Roi Carotte, 1872년)
  • 《눈덩이》(Boule de Neige, 1872년)
  • 빨간 사과(Pomme d'Api, 1873년)
  • 오페라 코믹 《귀여운 향수 판매원》(La Jolie parfumeuse, 1873년)
  • 오페라 부프 《밀렵꾼》(Les Braconniers, 1873년)
  • 오페라 코믹 《바가텔》(Bagatelle, 1874년)
  • 오페라 부프 《오스트리아 황태자비》(Madame l’Archiduc, 1874년)
  • 오페라 부프 《휘팅턴》(Whittington, 1874년)
  • 오페라 코믹 《서인도 제도의 여인》(La Créole, 1875년)
  • 동화 오페라 《달나라 여행》(Le Voyage dans la Lune, 1875년)
  • 《빵집 주인은 부자다》(La Boulangère a des écus, 1875년)
  • 오페라 코믹 《바가텔》(Bagatelle, 1874년)
  • 《크림 타르트》(Tarte à la crème, 1875년)
  • 《피에레트와 자코》(Pierrette et Jacquot, 1876년)
  • 《우유 상자》(La Boîte au lait, 1876년)
  • 《옥스 박사(Le Docteur Ox, 1877년)
  • 오페라 부프 《생 로랑의 시장》(La foire Saint-Laurent, 1877년)
  • 《페로닐라 선생》(Maître Péronilla, 1878년)
  • 오페라 코믹 《마담 파바르》(Madame Favart, 1878년)
  • 오페라 코믹 《북채장의 딸》(La Fille du Tambour-major, 1879년)
  • 오페라 부프 《모로코 여인》(La marocaine, 1879년)
  • 《아름다운 뤼레트》(Belle Lurette, 1880년)
  • 오페라 코믹 《마드무아젤 뮈슈롱》(Mam'zelle Moucheron, 1881년)
  • 《악마의 고양이》(Le Chat du Diable, 1881년)


자크 오펜바흐는 많은 오페레타에서 무용 장면을 위한 발레 음악을 작곡했지만, 단 한 편의 장편 발레, 《나비》(Le papillon)만을 작곡했다.[174] 오펜바흐는 1838년부터 1854년까지 50곡이 넘는 비오페라 노래를 작곡했다.[177]

오펜바흐의 두 편의 진지한 오페라 중 하나인 《라인의 요정》(Die Rheinnixen)은 실패작으로 여겨져 21세기까지 재공연되지 않았다.[169] 이 작품 중 한 곡은 나중에 "호프만의 뱃노래"로 전용되었다. 그의 두 번째 시도인 《호프만 이야기》(The Tales of Hoffmann)는 원래 그랜드 오페라로 기획되었다.[170] 이 작품은 레옹 카르발료(Léon Carvalho)에 의해 파리 오페라 코미크(Opéra-Comique)에서 공연될 것이 확정되자, 오펜바흐는 대사가 포함된 오페라 코미크로 만들기로 동의했다. 그는 작품을 완성하지 못하고 사망했다.[171] 비평가 팀 애쉴리(Tim Ashley)는 "스타일 면에서 이 오페라는 프랑스와 독일의 영향이 놀랍게 혼합되어 있다… 베버(Carl Maria von Weber)풍의 합창이 호프만의 이야기를 서두른다. 올림피아는 프랑스 그랜드 오페라에서 곧바로 나온 듯한 화려한 콜로라투라 아리아를 선보이고, 안토니아는 슈베르트(Franz Schubert)를 연상시키는 음악에 맞춰 죽음을 노래한다."라고 적었다.[173]

검은색 19세기 남성 의상을 입고 바이올린을 든 광인이 긴 흰 드레스를 입은 겁먹은 젊은 여성을 향해 있는 사진
1881년 《호프만 이야기》 초연 당시의 미라클 박사와 안토니아


오펜바흐는 많은 오페레타에서 무용 장면을 위한 발레 음악을 작곡했지만, 단 한 편의 장편 발레, 《나비》(Le papillon)만을 작곡했다.[174] 이 작품의 악보는 관현악 편곡에 대해 많은 칭찬을 받았고, "빛의 왈츠"(Valse des rayons)라는 곡은 국제적인 성공을 거두었다.[174] 안무는 마리 탈리오니, 대본은 베르누아 드 생 조르주가 담당하였다.

마뉴엘 로젠탈은 오펜바흐의 오페레타와 오페라에서 유명한 곡들을 발췌하여 연결한 작품인 『』을 만들었다.

자크 오펜바흐는 오페레타뿐만 아니라 발레, 관현악곡, 첼로곡, 가곡 등 다양한 장르의 작품을 남겼다.[36] 1836년부터 1875년 사이에 그는 여러 개별 왈츠와 폴카, 그리고 무곡 모음곡을 작곡했다.[175] 여기에는 요한 슈트라우스 1세의 《아침 신문》(Morgenblätter)과 짝을 이루는 빈을 위해 작곡된 왈츠 《저녁 신문》(Abendblätter)이 포함되어 있다.[176]

그는 많은 오페레타에서 무용 장면을 위한 발레 음악을 작곡했지만, 단 한 편의 장편 발레, 《나비》(Le papillon)만을 작곡했다. 이 작품의 악보는 관현악 편곡에 대해 많은 칭찬을 받았고, "빛의 왈츠"(Valse des rayons)라는 곡은 국제적인 성공을 거두었다.[174]

오펜바흐의 두 편의 진지한 오페라 중 《라인의 요정들》(Die Rheinnixen)은 실패작으로 여겨져 21세기까지 재공연되지 않았다.[169] 그의 두 번째 시도인 《호프만의 이야기》(Les contes d'Hoffmann)는 원래 그랜드 오페라로 기획되었다.[170] 이 작품이 레옹 카르발료에 의해 파리 오페라 코미크에서 공연될 것이 확정되자, 오펜바흐는 대사가 포함된 오페라 코미크로 만들기로 동의했다. 그는 작품을 완성하지 못하고 사망했다.[171]

오펜바흐는 1838년부터 1854년까지 50곡이 넘는 비오페라 노래를 작곡했는데, 그 대부분은 알프레드 드 뮈세(Alfred de Musset), 테오필 고티에(Théophile Gautier), 장 드 라 퐁텐(Jean de La Fontaine) 등을 포함한 작가들의 프랑스어 가사였으며, 독일어 가사의 노래도 10곡이 있다. 이 노래들 중 가장 인기 있는 것으로는 작곡가가 젊은 에르미니 달캥(Hérminie d'Alcain)에게 보낸 초기 사랑의 표시로 헌정된 《네게》(À toi)(1843)가 있다.[177]

다른 관현악 작품으로는 첼로 독주가 있는 17세기 스타일의 곡이 있는데, 이 곡은 첼로 레퍼토리의 표준 작품이 되었다. 오펜바흐의 비오페라 관현악 음악 중 그의 사후 정기적으로 연주되는 작품은 거의 없다.[36]

  • 첼로와 관현악을 위한 대협주곡 "군대풍"
  • 첼로와 관현악을 위한 서주, 기도와 볼레로 Op. 22
  • 첼로 이중주곡 Op. 49–54
  • 첼로와 관현악을 위한 환상곡 "로시니에게 바치는 헌정"
  • 첼로와 관현악을 위한 엘레지 "천상의 두 영혼"
  • 『우화시』(Fables de La Fontaine, 1842년)
  • 장 드 라 퐁텐의 시에 기반한 6곡의 가곡집.
  • 『꽃의 언어』(Le Langage des fleurs, 1847년)
  • : 에두아르 플뤼비에의 시에 기반한 6곡의 가곡집.
  • 『신비로운 목소리』(Les Voix mystérieuses, 1858년)
  • : 6곡의 가곡집.
  • 『파스칼과 샹보르』(Pascal et Chambord, 1839년)
  • 『증오』(La Haine, 1874년) (빅토리앵 사르두(Victorien Sardou) 작)


3. 1. 오페레타

오펜바흐는 자신의 추산으로 100편이 넘는 오페라를 작곡했다.[145] 그러나 작품 수와 명칭 모두에 의문이 제기된다. 일부 작품은 너무 광범위하게 개정되어 그는 개정된 버전을 새로운 작품으로 계산한 것으로 보이며, 일반적으로 평론가들은 그의 무대 작품 중 몇 편을 제외하고는 오페라가 아닌 오페레타로 지칭한다. 오펜바흐는 opérette프랑스어 (오페레타) 또는 opérette bouffe프랑스어를 그의 1막 작품 중 일부에 사용하고, 장편 작품에는 opéra bouffe프랑스어라는 용어를 더 자주 사용했다. 1870년 이후 비엔나에서 Operettede 장르가 더욱 발전하면서 프랑스어 용어 opérette프랑스어가 1막보다 긴 작품에 사용되기 시작했다.[148] 오펜바흐는 또한 그의 1막, 2막 또는 3막 작품 중 적어도 24편에 대해 opéra-comique프랑스어라는 용어를 사용했다.[149]

오펜바흐의 초기 오페레타는 소규모 출연진을 위한 1막 작품이었다. 1858년 그의 첫 번째 대규모 "opéra bouffon프랑스어", "오르페우스 지옥(Orphée aux enfers)프랑스어"이 공연되기 전에 30편이 넘는 작품이 공연되었으며, 그는 남은 경력 동안 20편이 넘는 작품을 더 작곡했다.[10][150] 오펜바흐는 1860년대에 가장 큰 성공을 거두었다. 그 시대의 가장 인기 있는 오페레타는 그의 가장 잘 알려진 작품들 중에 남아 있다.[10]

줄거리에 대한 최초의 아이디어는 대개 오펜바흐로부터 나왔으며, 그의 대본 작가들은 그와 합의된 방향에 따라 작업했다. 그는 대본 작가들의 가사를 설정하는 데 있어 프랑스어의 리듬감 있는 유연성을 활용했고, 때로는 이를 극단으로 몰아가며 단어들을 부자연스러운 강세로 억지로 끼워 넣었다.[152] 오펜바흐의 가사 설정에서 흔히 볼 수 있는 특징은 코믹한 효과를 위해 단어의 고립된 음절을 무의미하게 반복하는 것이었다.

일반적으로 오펜바흐는 단순하고 확립된 형식을 따랐다. 그의 멜로디는 대개 짧고 기본 리듬에서 변화가 거의 없으며, "4마디 구절의 전제"에서 벗어나는 경우는 드물다.[153] 조옮김에서도 오펜바흐는 비슷하게 신중했다. 그는 멜로디를 멀거나 예상치 못한 조로 바꾸는 경우가 드물었고, 대부분 근음–우세음–하행음 패턴을 유지했다.[154] 이러한 관습적인 한계 내에서 그는 리듬의 다양한 사용에 더 큰 자원을 활용했다. 그는 한 곡 안에서 한 가수의 빠른 패턴과 다른 가수의 넓고 부드러운 구절을 대조하여 그들의 다른 성격을 보여주었다.[154] 그는 종종 장조와 단조를 빠르게 바꿔 효과적으로 등장인물이나 상황을 대조했다.[155] 오펜바흐는 원한다면 레치타티보와 같이 비관습적인 기법을 사용할 수 있었는데, 이는 그의 작품 전반에 걸쳐 등장인물 닥터 옥스(1877)를 따라가며 사용되었고, La carnaval des revues프랑스어(1860)에서 바그너를 풍자하는 데 사용되었다.[156] [157]

초기 부프 파리지앵 작품에서는 오케스트라 피트의 크기 때문에 오펜바흐는 16명의 연주자로 구성된 오케스트라에 국한되었다.[158] 그는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 프랑스 호른 2개, 피스톤 코넷, 트롬본, 타악기(팀파니 포함)와 7명의 연주자로 구성된 소규모 현악 파트를 위해 작곡했다.[160] 살르 슈아즈로 이전한 후에는 30명의 연주자로 구성된 오케스트라를 갖게 되었다.[160]

오펜바흐는 다른 작곡가들의 음악을 패러디하는 것으로 유명했다. 어떤 이들은 그 농담을 이해했고, 어떤 이들은 이해하지 못했다. 오펜바흐의 패러디에 즐거워하지 않은 작곡가들 중에는 베를리오즈(Hector Berlioz)와 바그너(Wagner)가 있었다.[162] 오펜바흐는 베를리오즈의 "고대를 향한 노력"을 조롱했고,[163] 바그너의 허세에 대한 그의 초기의 가벼운 풍자는 나중에 진정한 반감으로 변했다.[164]

일반적으로 오펜바흐의 패러디 기법은 단순히 원곡을 예상치 못한 불협화음 속에서 연주하는 것이었다. 그는 금지된 혁명가의 노래인 《라 마르세이예즈》를 《지옥의 오르페우스》에서 반란을 일으키는 신들의 합창에 슬쩍 넣었고, 글룩(Gluck)의 《오르페오와 에우리디체》의 아리아 "Che farò"|italic=noit를 같은 작품에서 인용했다. 《아름다운 엘레네》에서는 로시니(Rossini)의 《윌리엄 텔》의 애국적인 삼중창을 인용했고, 그리스 왕들을 위한 앙상블에서 자신을 패러디했는데, 이때 반주는 Orphée aux enfers프랑스어의 론도(rondeau)를 인용한다.

오펜바흐의 마지막 10년 동안 그는 대중의 취향 변화를 인지했다. 더 단순하고 로맨틱한 스타일이 이제 선호되었다. 오펜바흐는 20편의 오페레타 연작에서 이를 따랐다. 지휘자이자 음악학자인 안토니우 드 알메이다(Antonio de Almeida)는 이 중 가장 훌륭한 작품으로 북채장의 딸(La fille du tambour-major)프랑스어 (1879)를 꼽는다.[168]

  • 오페라 코믹 《알코브》(L'alcôve, 1847년)
  • 《페피토》(Pépito, 1853년)
  • 《백야》(Une Nuit blanche, 1855년)
  • 《오야야예 또는 섬의 여왕》(Oyayaye ou la Reine des Îles, 1855년)
  • 《두 명의 맹인》(Les Deux Aveugles, 1855년)
  • 《바이올린 연주자》(Le Violoneux, 1855년)
  • 《팽폴과 페리넷》(Paimpol et Périnette, 1855년)
  • 바-타-클랑(Ba-ta-clan, 1855년)
  • 《66》(Le 66, 1856년)
  • 《생플뢰르의 장미》(La Rose de Saint-Flour, 1856년)
  • 《보모》(La bonne d'enfant, 1856년)
  • 오페라 부프 《트롱브-알-카-자르》(Tromb-al-ca-zar, ou Les criminels dramatiques, 1856년)
  • 《재정가와 구두 수선공》(Le financier et le savetier, 1856년)
  • 《저당 잡힌 마부》(Un postillon en gage, 1856년)
  • 《작은 용》(Dragonette, 1857년)
  • 《악마의 세 개의 키스》(Les Trois Baisers du diable, 1857년)
  • 《두 명의 어부》(Les Deux Pêcheurs, 1857년)
  • 《등불 아래의 결혼식》(Le Mariage aux lanternes, 1857년)
  • 《크로크페르》(Croquefer, 1857년)
  • 《복권의 아가씨》(Une demoiselle en loterie, 1857년)
  • 《저녁 바람 또는 무시무시한 잔치》(Vent du soir, ou L'horrible festi, 1857년)
  • 오페라 코믹 《여자로 변신한 고양이》(La Chatte métamorphosée en femme, 1858년)
  • 시장의 부인들(Mesdames de la Halle, 1858년)
  • 오페라 부프 지옥의 오르페(Orphée aux Enfers, 1858년)

  • 《쫓겨난 남편》(Un Mari à la porte, 1859년)
  • 《주막 여자》(Les Vivandières des zouaves 또는 Les vivandières de la grande-armée, 1859년)
  • 《브라반트의 제누비에브》(Geneviève de Brabant, 1859년)
  • 《다프니스와 클로에》(Daphnis et Chloé, 1860년)
  • 오페라 부프 《바르쿠프》(Barkouf, 1860년)
  • 《한숨의 다리》(Le Pont des soupirs, 1861년)
  • 오페라 코믹 《포르투니오의 노래》(La Chanson de Fortunio, 1861년)
  • 《익살스러운 소설》(Le Roman comique, 1861년)
  • 오페라 코믹 《약사와 가발 제조공》(Apothicaire et perruquier, 1861년)
  • 《슈플뤼리 씨는 집에 머물 것입니다...》(Monsieur Choufleuri Restera Chez Lui Le..., 1861년)
  • 《드니 부부》(Monsieur et Madame Denis, 1862년)
  • 《자클린》(Jacqueline, 1862년)
  • 《두나낭 부자의 여행》(Le Voyage de MM. Dunanan père et fils, 1862년)
  • 오페라 부프 《수다쟁이들》(Les bavards, 1863년)
  • 《파고토 씨》(Il signor Fagotto, 1863년)
  • 《리젠과 프리첸》(Lischen et Fritzchen, 1863년)
  • 《브라질 사람》(Le Brésilien, 1863년)
  • 《사랑의 가수》(L'Amour chanteur, 1864년)
  • 《우는 잔느와 웃는 장》(Jeanne qui pleure et Jean qui rit, 1864년)
  • 오페라 부프 아름다운 엘레네(La belle Hélène, 1864년)
  • 《그루지야의 여인들》(Les Géorgiennes, 1864년)
  • 오페라 코믹 《마법의 피리》(Le Fifre enchanté, ou Le Soldat magicien, 1864년)
  • 《장미의 로망스》(La Romance de la rose, 1864년)
  • 《코스콜레토》(Coscoletto, ou Le lazzarone, 1865년)
  • 오페라 부프 푸른 수염(Barbe-bleue, 1866년)
  • 오페라 부프 파리 생활(La Vie parisienne, 1866년)
  • 오페라 코믹 《양치기들》(Les Bergers, 1866년)
  • 오페라 코믹 《로빈슨 크루소》(Robinson Crusoé, 1867년)
  • 제롤슈타인 여대공(La Grande-Duchesse de Gérolstein, 1867년)
  • 《10시간의 외출 허가》(La Permission de dix heures, 1867년)
  • 오페라 부프 라 페리콜(La Périchole, 1868년)
  • 《튤리파탄 섬》(L'île de Tulipatan, 1868년)
  • 《토토의 성》(Le Château à Toto, 1868년)
  • 도적(Les Brigands, 1869년)
  • 《베르-베르》(Vert-Vert, 1869년)
  • 오페라 부프 《가수》(La Diva, 1869년)
  • 오페라 부프 《트레비존드 공주》(La Princesse de Trébizonde, 1869년)
  • 《검은 해적선》(Der schwartze Korsar, 1872년)
  • 오페라 코믹 《판타지오》(Fantasio, 1872년)
  • 《당근 왕》(Le Roi Carotte, 1872년)
  • 《눈덩이》(Boule de Neige, 1872년)
  • 빨간 사과(Pomme d'Api, 1873년)
  • 오페라 코믹 《귀여운 향수 판매원》(La Jolie parfumeuse, 1873년)
  • 오페라 부프 《밀렵꾼》(Les Braconniers, 1873년)
  • 오페라 코믹 《바가텔》(Bagatelle, 1874년)
  • 오페라 부프 《오스트리아 황태자비》(Madame l’Archiduc, 1874년)
  • 오페라 부프 《휘팅턴》(Whittington, 1874년)
  • 오페라 코믹 《서인도 제도의 여인》(La Créole, 1875년)
  • 동화 오페라 《달나라 여행》(Le Voyage dans la Lune, 1875년)
  • 《빵집 주인은 부자다》(La Boulangère a des écus, 1875년)
  • 오페라 코믹 《바가텔》(Bagatelle, 1874년)
  • 《크림 타르트》(Tarte à la crème, 1875년)
  • 《피에레트와 자코》(Pierrette et Jacquot, 1876년)
  • 《우유 상자》(La Boîte au lait, 1876년)
  • 《옥스 박사》(Le Docteur Ox, 1877년)
  • 오페라 부프 《생 로랑의 시장》(La foire Saint-Laurent, 1877년)
  • 《페로닐라 선생》(Maître Péronilla, 1878년)
  • 오페라 코믹 《마담 파바르》(Madame Favart, 1878년)
  • 오페라 코믹 《북채장의 딸》(La Fille du Tambour-major, 1879년)
  • 오페라 부프 《모로코 여인》(La marocaine, 1879년)
  • 《아름다운 뤼레트》(Belle Lurette, 1880년)
  • 오페라 코믹 《마드무아젤 뮈슈롱》(Mam'zelle Moucheron, 1881년)
  • 《악마의 고양이》(Le Chat du Diable, 1881년)

3. 1. 1. 대표적인 오페레타


  • 오페라 코믹 《알코브》(L'alcôve, 1847년)
  • 《페피토》(Pépito, 1853년)
  • 《백야》(Une Nuit blanche, 1855년)
  • 《오야야예 또는 섬의 여왕》(Oyayaye ou la Reine des Îles, 1855년)
  • 《두 명의 맹인》(Les Deux Aveugles, 1855년)
  • 《바이올린 연주자》(Le Violoneux, 1855년)
  • 《팽폴과 페리넷》(Paimpol et Périnette, 1855년)
  • 바-타-클랑(Ba-ta-clan, 1855년)
  • 《66》(Le 66, 1856년)
  • 《생플뢰르의 장미》(La Rose de Saint-Flour, 1856년)
  • 《보모》(La bonne d'enfant, 1856년)
  • 오페라 부프 《트롱브-알-카-자르》(Tromb-al-ca-zar, ou Les criminels dramatiques, 1856년)
  • 《재정가와 구두 수선공》(Le financier et le savetier, 1856년)
  • 《저당 잡힌 마부》(Un postillon en gage, 1856년)
  • 《작은 용》(Dragonette, 1857년)
  • 《악마의 세 개의 키스》(Les Trois Baisers du diable, 1857년)
  • 《두 명의 어부》(Les Deux Pêcheurs, 1857년)
  • 《등불 아래의 결혼식》(Le Mariage aux lanternes, 1857년)
  • 《크로크페르》(Croquefer, 1857년)
  • 《복권의 아가씨》(Une demoiselle en loterie, 1857년)
  • 《저녁 바람 또는 무시무시한 잔치》(Vent du soir, ou L'horrible festi, 1857년)
  • 오페라 코믹 《여자로 변신한 고양이》(La Chatte métamorphosée en femme, 1858년)
  • 시장의 부인들(Mesdames de la Halle, 1858년)
  • 오페라 부프 지옥의 오르페(Orphée aux Enfers, 1858년)
  • 1858년, 정부는 출연자 수에 대한 허가 제한을 해제했고, 오펜바흐는 보다 야심찬 작품을 선보일 수 있게 되었다. 그의 첫 번째 장편 오페레타인 《지옥의 오르페우스》는 1858년 10월에 공개되었다. 오펜바흐는 평소처럼 제작에 많은 비용을 투자했는데, 구스타브 도레(Gustave Doré)의 무대 장치, 화려한 의상, 주요 배우 20명, 대규모 합창단과 오케스트라가 동원되었다.[92]
  • 베를린에서의 실패한 시즌 이후로 회사는 특히 자금이 부족했기에, 절실히 큰 성공이 필요했다. 처음에 이 작품은 그저 보통의 성공을 거둔 것처럼 보였다. 하지만 곧 《주르날 데 데바》(Journal des débats)의 비평가인 쥘 자닌(Jules Janin)의 분노에 찬 비평 덕분에 혜택을 보게 되었다. 그는 이 작품을 신성 모독과 로마 신화에 대한 불경이라고 비난했는데, 주제는 오르페우스와 에우리디케의 전설이었지만, 나폴레옹 3세와 그의 정부가 이 풍자극의 진정한 표적이라고 일반적으로 여겨졌다.[93] 오펜바흐와 그의 대본 작가 헥토르 크레미외(Hector-Jonathan Crémieux)는 이 무료 홍보를 이용하여 파리 일간지 《르 피가로》(Le Figaro) 칼럼에 활기찬 공개 토론에 참여했다.[94]
  • 자닌의 분노는 대중으로 하여금 이 작품을 보고 싶어하게 만들었고, 흥행 수입은 엄청났다. 100일간의 공연이 성공으로 여겨지던 시대에, 이 작품은 228회 공연되었다.[95] 알베르 드 라살(Albert de Lasalle)은 그의 부프 파리지앵(Bouffes-Parisiens) 역사(1860)에서 이 작품이 1859년 6월에 막을 내렸다고 적었는데, 그 이유는 "관객을 지치게 할 수 없었던 배우들이 스스로 지쳐버렸기" 때문이었다고 한다. 당시 이 작품은 여전히 흥행에서 강세를 보이고 있었다.[96] 황제를 풍자한 이 작품을 보고 싶어했던 사람들 중에는 황제 자신도 있었는데, 그는 1860년 4월 공연을 명령했다.[94]
  • 오펜바흐의 경력 후반기에 많은 성공을 거두었음에도 불구하고, 《지옥의 오르페우스》는 그의 가장 인기 있는 작품으로 남았다. 갬몬드(Gammond)는 이 작품의 성공 이유로 비엔나를 연상시키지만 새로운 프랑스 풍미를 지닌 "웅장한 왈츠", 패터송(patter song), 그리고 "무엇보다도 1830년대 이후로 저급한 곳에서 불량한 생활을 해왔지만 이제는 예의 바른 유행이 된, 여전히 억압되지 않은 칸칸(can-can)"을 꼽는다.[97]

  • 《쫓겨난 남편》(Un Mari à la porte, 1859년)
  • 《주막 여자》(Les Vivandières des zouaves 또는 Les vivandières de la grande-armée, 1859년)
  • 《브라반트의 제누비에브》(Geneviève de Brabant, 1859년)
  • 《브라반트의 제네비에브》는 처음에는 그저 약간의 성공을 거두었지만, 나중에 개정되어 큰 인기를 얻었고, 두 명의 겁 많은 헌병의 코믹한 이중창은 프랑스뿐만 아니라 영국에서도 인기 있는 곡이 되었으며, 미국의 해병대가(Marines' Hymn)의 기초가 되었다.[98][99]
  • 《다프니스와 클로에》(Daphnis et Chloé, 1860년)
  • 오페라 부프 《바르쿠프》(Barkouf, 1860년)
  • 《한숨의 다리》(Le Pont des soupirs, 1861년)
  • 오페라 코믹 《포르투니오의 노래》(La Chanson de Fortunio, 1861년)
  • 《익살스러운 소설》(Le Roman comique, 1861년)
  • 오페라 코믹 《약사와 가발 제조공》(Apothicaire et perruquier, 1861년)
  • 《슈플뤼리 씨는 집에 머물 것입니다...》(Monsieur Choufleuri Restera Chez Lui Le..., 1861년)
  • 《드니 부부》(Monsieur et Madame Denis, 1862년)
  • 《자클린》(Jacqueline, 1862년)
  • 《두나낭 부자의 여행》(Le Voyage de MM. Dunanan père et fils, 1862년)
  • 오페라 부프 《수다쟁이들》(Les bavards, 1863년)
  • 《파고토 씨》(Il signor Fagotto, 1863년)
  • 《리젠과 프리첸》(Lischen et Fritzchen, 1863년)
  • 《브라질 사람》(Le Brésilien, 1863년)
  • 《사랑의 가수》(L'Amour chanteur, 1864년)
  • 《우는 잔느와 웃는 장》(Jeanne qui pleure et Jean qui rit, 1864년)
  • 오페라 부프 아름다운 엘레네(La belle Hélène, 1864년)
  • 《그루지야의 여인들》(Les Géorgiennes, 1864년)
  • 오페라 코믹 《마법의 피리》(Le Fifre enchanté, ou Le Soldat magicien, 1864년)
  • 《장미의 로망스》(La Romance de la rose, 1864년)
  • 《코스콜레토》(Coscoletto, ou Le lazzarone, 1865년)
  • 오페라 부프 푸른 수염(Barbe-bleue, 1866년)
  • 오페라 부프 파리 생활(La Vie parisienne, 1866년)
  • 오페라 코믹 《양치기들》(Les Bergers, 1866년)
  • 오페라 코믹 《로빈슨 크루소》(Robinson Crusoé, 1867년)
  • 제롤슈타인 여대공(La Grande-Duchesse de Gérolstein, 1867년)
  • 《10시간의 외출 허가》(La Permission de dix heures, 1867년)
  • 오페라 부프 라 페리콜(La Périchole, 1868년)
  • 《튤리파탄 섬》(L'île de Tulipatan, 1868년)
  • 《토토의 성》(Le Château à Toto, 1868년)
  • 도적(Les Brigands, 1869년)
  • 《베르-베르》(Vert-Vert, 1869년)
  • 오페라 부프 《가수》(La Diva, 1869년)
  • 오페라 부프 《트레비존드 공주》(La Princesse de Trébizonde, 1869년)
  • 《검은 해적선》(Der schwartze Korsar, 1872년)
  • 오페라 코믹 《판타지오》(Fantasio, 1872년)
  • 《당근 왕》(Le Roi Carotte, 1872년)
  • 《눈덩이》(Boule de Neige, 1872년)
  • 빨간 사과(Pomme d'Api, 1873년)
  • 오페라 코믹 《귀여운 향수 판매원》(La Jolie parfumeuse, 1873년)
  • 오페라 부프 《밀렵꾼》(Les Braconniers, 1873년)
  • 오페라 코믹 《바가텔》(Bagatelle, 1874년)
  • 오페라 부프 《오스트리아 황태자비》(Madame l’Archiduc, 1874년)
  • 오페라 부프 《휘팅턴》(Whittington, 1874년)
  • 오페라 코믹 《서인도 제도의 여인》(La Créole, 1875년)
  • 동화 오페라 《달나라 여행》(Le Voyage dans la Lune, 1875년)
  • 《빵집 주인은 부자다》(La Boulangère a des écus, 1875년)
  • 오페라 코믹 《바가텔》(Bagatelle, 1874년)
  • 《크림 타르트》(Tarte à la crème, 1875년)
  • 《피에레트와 자코》(Pierrette et Jacquot, 1876년)
  • 《우유 상자》(La Boîte au lait, 1876년)
  • 《옥스 박사》(Le Docteur Ox, 1877년)
  • 오페라 부프 《생 로랑의 시장》(La foire Saint-Laurent, 1877년)
  • 《페로닐라 선생》(Maître Péronilla, 1878년)
  • 오페라 코믹 《마담 파바르》(Madame Favart, 1878년)
  • 오페라 코믹 《북채장의 딸》(La Fille du Tambour-major, 1879년)
  • 오페라 부프 《모로코 여인》(La marocaine, 1879년)
  • 《아름다운 뤼레트》(Belle Lurette, 1880년)
  • 오페라 코믹 《마드무아젤 뮈슈롱》(Mam'zelle Moucheron, 1881년)
  • 《악마의 고양이》(Le Chat du Diable, 1881년)

3. 2. 오페라

자크 오펜바흐는 많은 오페레타에서 무용 장면을 위한 발레 음악을 작곡했지만, 단 한 편의 장편 발레, 《나비》(Le papillon)만을 작곡했다.[174] 오펜바흐는 1838년부터 1854년까지 50곡이 넘는 비오페라 노래를 작곡했다.[177]

오펜바흐의 두 편의 진지한 오페라 중 하나인 《라인의 요정》(Die Rheinnixen)은 실패작으로 여겨져 21세기까지 재공연되지 않았다.[169] 이 작품 중 한 곡은 나중에 "호프만의 뱃노래"로 전용되었다. 그의 두 번째 시도인 《호프만 이야기》(The Tales of Hoffmann)는 원래 그랜드 오페라로 기획되었다.[170] 이 작품은 레옹 카르발료(Léon Carvalho)에 의해 파리 오페라 코미크(Opéra-Comique)에서 공연될 것이 확정되자, 오펜바흐는 대사가 포함된 오페라 코미크로 만들기로 동의했다. 그는 작품을 완성하지 못하고 사망했다.[171] 비평가 팀 애쉴리(Tim Ashley)는 "스타일 면에서 이 오페라는 프랑스와 독일의 영향이 놀랍게 혼합되어 있다… 베버(Carl Maria von Weber)풍의 합창이 호프만의 이야기를 서두른다. 올림피아는 프랑스 그랜드 오페라에서 곧바로 나온 듯한 화려한 콜로라투라 아리아를 선보이고, 안토니아는 슈베르트(Franz Schubert)를 연상시키는 음악에 맞춰 죽음을 노래한다."라고 적었다.[173]

3. 3. 발레

오펜바흐는 많은 오페레타에서 무용 장면을 위한 발레 음악을 작곡했지만, 단 한 편의 장편 발레, 《나비》(Le papillon)만을 작곡했다.[174] 이 작품의 악보는 관현악 편곡에 대해 많은 칭찬을 받았고, "빛의 왈츠"(Valse des rayons)라는 곡은 국제적인 성공을 거두었다.[174] 안무는 마리 탈리오니, 대본은 베르누아 드 생 조르주가 담당하였다.

마뉴엘 로젠탈은 오펜바흐의 오페레타와 오페라에서 유명한 곡들을 발췌하여 연결한 작품인 『』을 만들었다.

3. 4. 기타 작품

자크 오펜바흐는 오페레타뿐만 아니라 발레, 관현악곡, 첼로곡, 가곡 등 다양한 장르의 작품을 남겼다.[36] 1836년부터 1875년 사이에 그는 여러 개별 왈츠와 폴카, 그리고 무곡 모음곡을 작곡했다.[175] 여기에는 요한 슈트라우스 1세의 《아침 신문》(Morgenblätter)과 짝을 이루는 빈을 위해 작곡된 왈츠 《저녁 신문》(Abendblätter)이 포함되어 있다.[176]

그는 많은 오페레타에서 무용 장면을 위한 발레 음악을 작곡했지만, 단 한 편의 장편 발레, 《나비》(Le papillon)만을 작곡했다. 이 작품의 악보는 관현악 편곡에 대해 많은 칭찬을 받았고, "빛의 왈츠"(Valse des rayons)라는 곡은 국제적인 성공을 거두었다.[174]

오펜바흐의 두 편의 진지한 오페라 중 《라인의 요정들》(Die Rheinnixen)은 실패작으로 여겨져 21세기까지 재공연되지 않았다.[169] 그의 두 번째 시도인 《호프만의 이야기》(Les contes d'Hoffmann)는 원래 그랜드 오페라로 기획되었다.[170] 이 작품이 레옹 카르발료에 의해 파리 오페라 코미크에서 공연될 것이 확정되자, 오펜바흐는 대사가 포함된 오페라 코미크로 만들기로 동의했다. 그는 작품을 완성하지 못하고 사망했다.[171]

오펜바흐는 1838년부터 1854년까지 50곡이 넘는 비오페라 노래를 작곡했는데, 그 대부분은 알프레드 드 뮈세(Alfred de Musset), 테오필 고티에(Théophile Gautier), 장 드 라 퐁텐(Jean de La Fontaine) 등을 포함한 작가들의 프랑스어 가사였으며, 독일어 가사의 노래도 10곡이 있다. 이 노래들 중 가장 인기 있는 것으로는 작곡가가 젊은 에르미니 달캥(Hérminie d'Alcain)에게 보낸 초기 사랑의 표시로 헌정된 《네게》(À toi)(1843)가 있다.[177]

다른 관현악 작품으로는 첼로 독주가 있는 17세기 스타일의 곡이 있는데, 이 곡은 첼로 레퍼토리의 표준 작품이 되었다. 오펜바흐의 비오페라 관현악 음악 중 그의 사후 정기적으로 연주되는 작품은 거의 없다.[36]

  • 첼로와 관현악을 위한 대협주곡 "군대풍"
  • 첼로와 관현악을 위한 서주, 기도와 볼레로 Op. 22
  • 첼로 이중주곡 Op. 49–54
  • 첼로와 관현악을 위한 환상곡 "로시니에게 바치는 헌정"
  • 첼로와 관현악을 위한 엘레지 "천상의 두 영혼"
  • 『우화시』(Fables de La Fontaine, 1842년)
  • 장 드 라 퐁텐의 시에 기반한 6곡의 가곡집.
  • 『꽃의 언어』(Le Langage des fleurs, 1847년)
  • : 에두아르 플뤼비에의 시에 기반한 6곡의 가곡집.
  • 『신비로운 목소리』(Les Voix mystérieuses, 1858년)
  • : 6곡의 가곡집.
  • 『파스칼과 샹보르』(Pascal et Chambord, 1839년)
  • 『증오』(La Haine, 1874년) (빅토리앵 사르두(Victorien Sardou) 작)


4. 영향 및 평가

오펜바흐는 후대 프랑스 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤다.[186] 프란시스 풀랑크는 에마뉘엘 샤브리에가 오펜바흐를 모방했다고 언급하며, 샤브리에와 앙드레 메사주를 거쳐 자신의 음악으로 이어지는 영향을 추적한다.[187] 윌프리드 멜러스는 풀랑크의 Les mamelles de Tirésias프랑스어에서 오펜바흐의 영향을 발견했다.[188]

프리츠 슈피겔은 오펜바흐가 없었다면 세이보이 오페라도, Die Fledermausde도 없었을 것이라고 했다.[189] 세이보이 오페라의 길버트와 설리번은 오펜바흐의 풍자적, 음악적 스타일을 따랐고, 줄거리 구성 요소도 빌렸다.[190] 예를 들어, ''미카도''는 Ba-ta-clan프랑스어의 영향을 받았다.[191] ''펜잔스의 해적''은 Les brigands프랑스어의 영향을 받아 무능한 경찰을 다룬다.[119]

오펜바흐의 영향은 요한 슈트라우스 2세에게도 이어져, 슈트라우스는 오펜바흐의 격려로 오페레타 작곡을 시작했다.[199] Die Fledermausde는 메이야크와 알레비의 희곡을 각색한 것이며, La vie parisienne프랑스어의 영향을 받았다.[197][198] 프란츠 폰 주페는 오펜바흐를 모델로 많은 오페레타를 작곡했다.[201] Die schöne Galathéede는 La belle Hélène프랑스어를 모델로 했다.[204]

1860년대 에티엔 카르자가 촬영한 오펜바흐 사진


프란츠 레하르의 오페레타에도 오펜바흐의 영향이 나타난다.[205] 오펜바흐는 스페인의 사르수엘라 발전에 영향을 미쳤고,[206] 쿠르트 바일은 자신의 Der Kuhhandelde을 "오펜바흐의 영향을 받은 오페레타"라고 묘사했다.[207]

어빙 벌린과 로저스 앤드 해머스타인에 이르기까지 뮤지컬 극장의 발전은 오펜바흐로부터 시작되었다고 볼 수 있다.[208] 오펜바흐의 작품은 19세기 동안 신세계에서도 큰 성공을 거두었다.[209] Les deux aveugles프랑스어는 1858년 뉴욕에서 초연되어 오펜바흐를 브로드웨이에서 유명하게 만들었다.[210] 존 필립 수사와 데이비드 브래험도 오펜바흐의 영향을 받았다.[211][212]

물랭루주에서 캉캉을 추는 라 굴뤼


장 베로의 카페 콘세르 풍경


오펜바흐 생전에는 비평가들이 그의 음악을 과소평가하고 곧 잊힐 것이라고 예상했지만,[216] 소수의 비평가들은 그의 재능을 알아보았다.[217] ''뉴욕 타임즈''는 그의 멜로디 재능을 인정하면서도, 그의 작품이 다음 세대에 이르지 못할 것이라고 우려했다.[218] 그러나 '호프만 이야기' 사후 공연 이후, ''타임즈''는 오펜바흐를 위대한 작곡가로 인정했다.[220]

프리드리히 니체는 오펜바흐를 "예술적 천재"이자 "광대"라고 불렀다.[221] 에밀 졸라는 오펜바흐의 오페레타를 비판하면서도, 그의 최고 작품은 우아함, 매력, 재치로 가득 차 있다고 인정했다.[221]

사체버렐 시트웰은 오펜바흐의 재능을 모차르트와 로시니에 비유했다.[222] 오토 클렘페러는 오펜바흐를 존경하며 "대로의 모차르트"라고 불렀다.[224] 드뷔시, 모데스트 무소륵스키, 니콜라이 림스키코르사코프는 오펜바흐의 오페레타를 좋아했다.[225]

지옥의 오르페의 서곡은 오펜바흐의 오리지널 버전에는 없었지만, 1860년 빈 초연을 위해 카를 빈더가 편곡한 것이다.[264]

20세기에 들어서면서 에릭 사티와 프랑스 6인조의 영향으로 오펜바흐 르네상스 현상이 나타났다.[265] 물랭루주나 카페 콘세르에서 캉캉이 추어졌다.[265] 앙리 드 툴루즈 로트레크의 그림에도 캉캉 무용수 라 굴뤼가 등장한다.[266]

일본에서는 아사쿠사 오페라에서 『지옥의 오르페』가 『천국과 지옥』으로, 『제롤스탄 여대공 殿下』가 『여대공 殿下』 등으로 친숙하게 불렸다.[268][269]

나치 정권하에서는 유대인 작곡가의 음악이 퇴폐 음악으로 탄압받아 오펜바흐의 작품도 상연되지 않았다.[270]

제2차 세계 대전 이후 오펜바흐의 걸작 오페레타가 다시 자주 연주되면서, 오페레타 거장으로서 그의 지위가 재인식되고 있다.[248]

몽마르트르 묘지의 오펜바흐


오펜바흐의 성공에는 부정적인 평가도 따랐다. 비평가들은 그가 프랑스 극음악을 저속하게 만들었다고 비난했다.[252] 리하르트 바그너는 "거름더미의 열광"이라는 말을 남겼다.[252] 에밀 졸라는 오페레타를 "사악한 짐승"이라고까지 썼다.[5]

조제 브뤼외르는 오펜바흐의 음악이 "어떤 시대의 짧은 연대기"로 통용될 수 있다고 평가했다.[281] 레이날도 아안은 "그의 음탕한 명랑함 속에 신성한 불꽃이 흩뿌려져 있다"고 했고, 생상은 그의 풍부한 창작력과 멜로디 재능을 칭찬했다.[282] 리하르트 바그너는 오펜바흐가 모차르트처럼 쓸 수 있다고 평가했다.[282]

아들과 오펜바흐


오펜바흐는 1860년대 프랑스의 취향에 매력적으로 어필했으며, 그의 오페라 부프는 고전과 동시대의 정치, 사회를 풍자했다.[6] 그의 음악은 어리석은 상황과 결합되어 익살스러움을 자아냈다.[7]

『호프만 이야기』는 국제적인 평가를 받았지만, 오펜바흐의 가장 중요한 공적은 오페레타에 있다.[8] 대표작으로는 『지옥의 오르페우스』, 『아름다운 엘렌느』, 『파리의 생활』, 『제롤스탄 여대공』, 『라 페리콜』이 있으며, 이 작품들은 프랑스 국내외에서 폭발적인 성공을 거두었다.[9] 오펜바흐는 요한 슈트라우스 2세, 아서 설리번, 프란츠 레하르 등의 후계자를 낳았고, 오페레타는 국제적으로 확립된 장르가 되었다.[10][248]

사후에는 독일에서의 독일어 상연이 주류를 이루었지만, 최근에는 마르크 민코프스키 등에 의한 오리지널 프랑스어 상연도 부활하고 있다.[287] 로랑 펠리는 오펜바흐의 작품을 잘 다루는 연출가이다.

2019년 탄생 200주년을 맞아 프랑스 각지에서 오펜바흐의 작품 상연이 늘었다.[288] 오펜바흐는 '가벼운 오페레타 작곡가'가 아니라 '프랑스 오페라의 대표' 중 한 명으로 인식되기 시작했다.[288] 그의 오페레타는 지식층부터 서민에 이르기까지 누구나 즐길 수 있는 것이며, 고상함과 대중성 사이에서 빛을 발하고 있다.[289]

4. 1. 한국에 미친 영향

참조

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