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클래식 음악

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목차

1. 개요

클래식 음악은 18세기 영국에서 처음 사용된 용어로, 좁게는 모차르트, 베토벤 시대의 음악을, 넓게는 규범과 우수성을 갖춘 이전 시대의 음악을 의미한다. 서양 음악의 역사는 고대, 중세, 르네상스, 바로크, 고전주의, 낭만주의, 근대, 현대 시대로 구분되며, 각 시대별로 다양한 음악 형식과 특징을 보인다. 클래식 음악은 악보를 기반으로 한 연주가 특징이며, 소나타, 교향곡, 오페라 등 다양한 연주 형식을 포함한다. 현대에는 대중음악과의 융합, 상업적 활용, 대중화 노력을 통해 클래식 음악의 저변을 넓히려는 시도가 이루어지고 있다.

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  • 클래식 음악 - 바로크 음악
    바로크 음악은 1600년부터 1750년경 유럽에서 번성한 양식으로, 과도한 장식을 뜻하는 용어에서 유래, 이탈리아에서 시작하여 유럽 전역으로 확산, 바흐, 헨델, 비발디 등의 작곡가와 오페라, 협주곡 등의 새로운 형식 발전, 통주저음 사용이 특징이며 현대 음악에도 영향을 주고 있다.
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클래식 음악
기본 정보
다른 이름서양 고전 음악, 클래식
어원등급이 있는, 일류의
기원유럽
특징악보에 의존
연주자의 개입이 적음
작곡가의 의도가 중요
역사
기원중세 시대
주요 시대르네상스
바로크
고전주의
낭만주의
20세기
현대
분야
성악곡오페라
가곡
미사
칸타타
오라토리오
합창
기악곡교향곡
협주곡
실내악
소나타
모음곡
관현악
독주곡
한국에서의 클래식 음악
역사구한말
특징서양 음악의 수용 및 발전
관련 단체대한민국의 관현악단
합창단
오페라단
교육 기관음악대학, 예술고등학교
관련 정보
관련 용어음악사
서양 음악사
음악 이론
음악학

2. 용어

오늘날 '클래식 음악'이라고 불리는 것은 바로크 음악, 고전파 음악, 낭만주의 음악에 해당하는 1550년경부터 1900년경까지의 음악이지만, 그 이전과 이후의 음악도 같은 흐름에 속하면 클래식 음악이라고 불리는 경우가 많다. 고전파 시대의 연회용 음악, 낭만파 시대의 빈 왈츠 등, 순수하게 감상용이 아닌 실용 음악도 오늘날에는 클래식 음악으로 불린다.

'클래식 음악(classical music)'이라는 용어는 적어도 19세기까지 사용되지 않았다. 요한 제바스티안 바흐부터 루트비히 판 베토벤 시대의 음악을 부활시키려는 시도로 인해 클래식 음악이 다른 것과 구별되었다.[65] 옥스퍼드 영어 사전에서 처음으로 클래식 음악이 언급된 것은 1836년이다.[66]

2. 1. 어원

영어의 '클래식(classic)'이라는 명칭은 프랑스어의 '클래식(classique)'과 독일어의 '클래식(klassik)'에서 나왔는데, 이는 모두 본래 로마 시민 중 가장 높은 계급을 의미하는 라틴어 클라시쿠스(classicus)에서 온 것이다.[89] 클라시쿠스는 점점 문학적인 칭송의 목적으로 사용되어[90] 르네상스 시기에는 보다 일반적으로 '공식적인 규범' 또는 '우수성'에 대한 용어로 사용되기 시작했다.[91] 고전 고대(classical antiquity)라는 용어도 이 때 고대 그리스 로마 시대의 문학과 미술에 대해 처음 사용되었다. 이전 시대의 음악이랄 것이 제대로 전해지지 않은 까닭에 음악에는 아직 이러한 용어가 적용되지 않았다.

음악에 '클래식'이라는 형용사를 붙이기 시작한 것은 18세기 영국이 처음이었다.[91] 당시 잉글랜드 연방의 해체와 명예 혁명으로 인해 궁정 음악가의 유지가 불안정해짐에 따라 왕실이 음악에 대한 독점권을 상실한 까닭에 런던에서 공공 연주회가 유래에 없을 수준으로 활발히 이루어졌다. 이제 클래식 음악이라는 단어는 고전 고대의 예술을 나타내는 이전의 용어들과 같은 방식으로 사용되기 시작하였다.

현대와 같은 방식으로 클래식이라는 단어가 사용된 것은 프랑스가 처음이었다. 루이 14세의 통치 아래 르네상스 예술이 부흥하며 장 드 라 퐁텐, 몰리에르 등의 작가들이 고전 고대의 예술 수준을 뛰어넘은 것으로 평가되기 시작하였다. 따라서 이들은 이제 새로운 클래식(classic), 즉 새로운 '공식 규범' 또는 '우수성'을 갖춘 것으로 불리었다. 이는 장 필립 라모와 크리스토프 빌리발트 글루크 등의 작곡가에 대해서도 마찬가지였다. 그러나 이들의 예술은 아직 상위계급의 전유물인 까닭에 '클래식'의 새로운 예술적 정의는 나머지 유럽에는 천천히 퍼져나갔다.

클래식이라는 용어가 완전히 자리잡은 것은 19세기였다. 새로운 종류의 음악인 낭만주의 음악이 나타나자 그 이전 모차르트, 하이든, 베토벤의 음악들을 구분지어 고전파, 즉 '클래식(classic)'으로 부르기 시작하였다.[93] 19세기 말에는 바흐부터 멘델스존에 이르기까지 '클래식'으로 부르기도 하였다.[94] 이로써 클래식이라는 단어는 좁게는 모차르트부터 베토벤 당대의 음악을, 넓게는 규범과 우수성을 갖춘 이전 시대 음악을 일컫는 용어의 두 가지 의미를 갖게 되었다.

2. 2. 현대의 정의

영어에서 '클래식 음악'이라는 용어는 여러 가지 의미로 사용된다.[99] 한국에서는 서양 고전 음악을 의미하는 것으로 이해된다.

"클래식 음악"이라는 용어에 대한 현대적인 정의는 여전히 명확하지 않고 다양한 의미를 포함한다.[10] "예술 음악", "정통 음악", "교양 음악", "진지한 음악"과 같은 다른 용어들은 대부분 비슷한 의미로 사용된다.[11] "클래식 음악"이라는 용어는 종종 서양과 관련된 것으로만 나타내거나 암시되기도 한다. 반대로 많은 학문적 역사에서 "서양 음악"이라는 용어는 비클래식 서양 음악을 포함하지 않는다. 또 다른 복잡한 점은 "클래식 음악"이 때때로 유사한 지속적이고 복잡한 특성을 보이는 비서양 예술 음악을 설명하는 데 사용된다는 것이다. 예를 들어 인도 클래식 음악 ( 카르나틱 음악, 힌두스탄 음악, 오디시 음악), 가믈란 음악, 그리고 중국 제국의 다양한 궁정 스타일(예: ''야유에'') 등이 있다. 따라서 20세기 후반에는 "서양 클래식 음악" 및 "서양 예술 음악"과 같은 용어가 사용되기 시작했다. 음악학자 랄프 P. 로크는 두 용어 모두 이상적이지 않다고 지적하며, 이는 "비서양 문화 출신의 서양 예술 음악 장르의 특정 실천자"를 고려할 때 "흥미로운 복잡성"을 만들어낸다고 언급한다.

음악 형식 및 화성 조직의 복잡성은 클래식 음악의 일반적인 특징이다. ''옥스퍼드 영어 사전(OED)''은 음악과 관련된 "클래식"이라는 단어에 대해 세 가지 정의를 제공한다.[7]

1. "인정받는 우수성"

2. "대중 음악이나 민속 음악과 구별되는, 공식적인 음악 전통과 관련된 또는 특징적인"

3. "18세기 후반과 19세기 초의 공식적인 유럽 음악과 관련된 또는 특징적인 것으로, 조화, 균형 및 확립된 작곡 형식의 준수를 특징으로 한다".

마지막 정의는 현재 고전 시대라고 불리는, 18세기 후반부터 19세기 초까지의 유럽 음악의 특정 양식 시대를 가리킨다.

오늘날 일반적으로 "클래식 음악"이라고 불리는 것은 바로크 음악, 고전파 음악, 낭만주의 음악에 해당하는 1550년경부터 1900년경의 음악이지만, 그 이전의 음악도, 그 이후의 음악도, 같은 흐름에 속하는 음악은 오늘날 함께 클래식 음악이라고 불리는 경우가 많다. 또한, 고전파 시대의 연회용 음악, 낭만파 시대의 빈 왈츠 등, 순수하게 감상용으로 만들어진 것은 아닌 실용 음악도 오늘날에는 클래식 음악이라고 불린다. 주요 시대 구분은 다음과 같다.

"클래식 음악(classical music)"이라는 용어는 적어도 19세기까지 사용되지 않았다. 그 무렵, 요한 제바스티안 바흐부터 루트비히 판 베토벤까지의 시대의 음악을 부활시키려는 시도가 이루어진 것으로 인해, 클래식 음악이 다른 것과 구별되게 되었다.[65] 옥스퍼드 영어 사전에서 처음으로 클래식 음악이 언급된 것은 1836년의 일이다.[66]

3. 역사

서양 음악사는 크게 고대 음악, 고음악, 공통 관습 시대, 20세기와 21세기 클래식 음악으로 나눌 수 있다.



8세기경, 기독교 성가인 그레고리오 성가가 탄생했고, 9세기경 네우마로 표기되었다[67]。 11세기경 오르가눔이라는 다성 음악이 생겨났고, 12세기 후반부터 생마르샬 악파와 노트르담 악파에 의해 발전했다[68]。 15세기 부르고뉴 공국에서 부르고뉴 악파, 플랑드르 악파가 성립되어 르네상스 음악이 확립되었다[69]。 16세기에는 기악 음악 발달[70], 오페라 탄생[71], 궁정 음악이 번성했다(바로크 음악)[72]。

1720년경, "클래식 음악"이라 불리는 예술 음악이 민중에게 널리 퍼져 "형식", "화성"에 중점을 둔 고전파 음악으로 발전했다. 1720년대~1780년대 전 고전파 작곡가들이 활동했고[73], 1780년대~1820년경 요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히 판 베토벤의 빈 고전 악파 활동으로 고전파 음악은 최성기를 맞았다[74]。 이때부터 음악이 예술로 여겨지게 되었다.

19세기 "표현"에 중점을 둔 낭만주의 음악으로 이행하여[75], 프란츠 슈베르트, 로베르트 슈만, 펠릭스 멘델스존, 프레데리크 쇼팽 등이 작곡 활동을 펼쳤다[76]。 19세기 중반 프란츠 리스트, 리하르트 바그너, 요하네스 브람스, 안톤 브루크너 등이 나타났고[77], 각국 민요, 민족 음악 요소를 도입한 국민 악파도 생겨났다[78]。 20세기경 "기분", "분위기"로 표현하는 인상주의 음악, 화성 및 조성 규제를 없앤 음악 등 근대 음악이 생겨났고, 제2차 세계 대전 후 현대 음악이라 불리는 자유로운 음악으로 발전했다[79]。

3. 1. 개요

일반적으로 "클래식 음악"이라고 하면 바로크 음악, 고전파 음악, 낭만주의 음악을 포함하여 1550년경부터 1900년경까지의 음악을 말하지만, 그 이전과 이후의 음악도 같은 흐름에 속하면 클래식 음악으로 함께 불리기도 한다. 고전파 시대의 연회용 음악이나 낭만파 시대의 빈 왈츠처럼 감상용이 아닌 실용 음악도 오늘날에는 클래식 음악으로 불린다. 주요 시대 구분은 다음과 같다.

"클래식 음악(classical music)"이라는 용어는 적어도 19세기까지 사용되지 않았다. 옥스퍼드 영어 사전에 따르면, 이 단어가 처음 언급된 것은 1836년이다[66]。 요한 제바스티안 바흐부터 루트비히 판 베토벤까지의 시대 음악을 부활시키려는 시도가 이루어지면서 클래식 음악이 다른 음악과 구별되게 되었다[65]。

8세기경, 기독교 성가인 그레고리오 성가가 탄생했고, 9세기경에는 네우마로 표기되었다[67]。 이것이 중세 서양 음악의 시작이다. 11세기경에는 오르가눔이라는 다성 음악이 생겨났고, 12세기 후반부터는 생마르샬 악파와 노트르담 악파에 의해 더욱 발전했다[68]。 15세기에는 부르고뉴 공국에서 부르고뉴 악파, 이어서 플랑드르 악파가 성립하여 르네상스 음악이 확립되었다[69]。 16세기에는 본격적인 기악 음악이 발달하고[70], 오페라가 탄생했으며[71], 궁정 음악이 번성했다(바로크 음악)[72]。 요한 제바스티안 바흐와 게오르크 프리드리히 헨델은 바로크 음악의 대표적인 작곡가이다[72]。 이 이전의 음악은 초기 음악이라고 불리는 경우가 많다.

1720년경, 민중에게도 "클래식 음악"이라고 불리는 예술 음악이 널리 퍼져 "형식"이나 "화성"에 중점을 둔 고전파 음악으로 발전했다. 1720년대부터 1780년대까지는 전 고전파 작곡가들이 활동했고[73], 1780년대부터 1820년경까지 요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히 판 베토벤의 빈 고전 악파 활동으로 고전파 음악은 최성기를 맞았다[74]。 이때부터 일반적으로 음악이 예술로 여겨지게 되었다.

19세기에는 "표현"에 중점을 둔 낭만주의 음악으로 이행하여[75], 프란츠 슈베르트, 로베르트 슈만, 펠릭스 멘델스존, 프레데리크 쇼팽과 같은 작곡가들이 활동했다[76]。 19세기 중반에는 프란츠 리스트, 리하르트 바그너, 요하네스 브람스, 안톤 브루크너 등이 나타났고[77], 각국의 민요나 민족 음악 요소를 도입한 국민 악파도 생겨났다[78]。 20세기경에는 "기분"이나 "분위기"로 표현하는 인상주의 음악이나, 화성 및 조성의 규제를 없앤 음악 등의 근대 음악이 생겨났고, 제2차 세계 대전 후에는 현대 음악이라고 불리는 자유로운 음악으로 발전해 갔다[79]。

3. 2. 초기 기독교 음악과 고대 그리스-로마 음악의 영향

서양 고전 음악은 형식적으로 초기 기독교 교회에 의해, 그리고 교회를 위해 창조된 음악으로 시작된다.[67] 초기 교회는 지배적인 고대 그리스 음악과 고대 로마 음악으로부터 스스로를 분리하려 했을 가능성이 있는데, 이는 그들이 이교 종교를 박해했고, 또 그들에 의해 박해받았다는 것을 상기시키는 것이었기 때문이다.[67] 따라서 기독교 교회의 음악, 그리고 서양 고전 음악 전체가 이전의 고대 음악의 영향을 어느 정도 받았는지는 여전히 불분명하다.[67]

음악에 대한 일반적인 태도는 고대 그리스와 고대 로마의 음악 이론가와 해설가들로부터 채택되었다.[2] 고대 그리스-로마 사회에서와 마찬가지로, 음악은 교육의 중심이라고 여겨졌는데, 산수, 기하학, 천문학과 함께 음악은 중세 시대의 표준적인 교양 교육의 상위 과정인 ''사학''에 포함되었다.[69] 음악에 대한 이러한 높은 평가는 처음에는 학자 카시오도루스, 세비야의 이시도르와 특히 보에티우스에 의해 장려되었는데, 그의 피타고라스, 아리스토텔레스, 플라톤의 음악 관점에 대한 전파와 확장은 중세 음악 사상의 발전에 결정적이었다.[70] 그러나 학자들, 중세 음악 이론가 및 작곡가들은 정기적으로 그리스 및 로마 선배들의 글을 잘못 해석하거나 오해했다.[71] 이는 중세 음악가들이 이용할 수 있는 그리스-로마 음악 작품이 완전히 부재했기 때문이다.[71] 세비야의 이시도르는 "소리가 인간에 의해 기억되지 않으면, 그것은 사라진다. 왜냐하면 기록될 수 없기 때문이다"라고 말했는데, 수세기 전 고대 그리스의 체계적인 표기법을 알지 못했다.[73] 그러나 음악학자 구스타브 리스는 중세 음악가들이 정기적으로 그리스-로마 텍스트를 읽었기 때문에, 제대로 읽었는지 여부에 관계없이, 많은 그리스-로마 텍스트가 여전히 서양 고전 음악에 영향을 미쳤다고 볼 수 있다고 지적한다.[71]

그러나 고대 세계에서 몇 가지 부인할 수 없는 음악적 연속성이 존재한다.[74] 단선율, 즉흥 연주 및 음악 설정에서 텍스트의 지배와 같은 기본 측면은 초기 중세와 거의 모든 고대 문명의 음악에서 두드러진다.[75] 특히 그리스의 영향에는 교회 선법(아리스토크세누스와 피타고라스의 발달에서 파생됨),[76] 피타고라스 조율법에서 나온 기본적인 음향 이론,[77] 그리고 테트라코드의 중심 기능이 포함된다.[78] 아울로스(리드 악기)와 리라(작은 하프와 유사한 현악기)와 같은 고대 그리스 악기는 결국 교향악단의 여러 현대 악기로 이어졌다.[79] 그러나 도널드 제이 그라우트는 고대 음악에서 초기 중세로 직접적인 진화적 연결을 만들려는 시도는 근거가 없다고 지적하는데, 이는 초기 중세가 연주나 실제 연주보다는 그리스-로마 음악 이론에 의해서만 영향을 받았기 때문이다.[80]

3. 3. 중세 음악 (500–1400/1450)

서로마 제국 멸망 이후부터 약 1400년까지의 서유럽 음악을 포함한다. 단선율 성가, 즉 플레인송 또는 그레고리안 성가는 약 1100년까지 지배적인 형태였다.[13][14] 기독교 수도사들은 교회 전체의 전례를 표준화하기 위해 유럽 최초의 악보 형태를 개발했다. 다성 음악은 중세 후기부터 르네상스 시기까지 단선율 성가에서 발전했으며, 모테트의 더 복잡한 성부 배치를 포함했다. 초기 중세 시대 동안, 주로 그레고리안 성가와 같은 전례 장르의 성악 음악은 단선율이었으며, 단독으로 반주 없이 단일 성부의 멜로디 라인을 사용했다. 여러 개의 독립적인 성악 멜로디를 사용하는 다성 음악 장르는 고 중세 시대에 발전하기 시작하여 13세기 후반과 14세기 초에 널리 퍼졌다.

8세기경, 기독교의 성가인 그레고리오 성가가 탄생했고, 9세기경에는 그레고리오 성가가 네우마로 표기되었다.[67] 이것이 중세 서양 음악의 시작이다. 11세기경에는 오르가눔이라고 불리는 다성 음악이 생겨났고, 12세기 후반부터는 생마르샬 악파와 노트르담 악파에 의해 더욱 발전했다.[68]

주목할 만한 중세 작곡가로는 빈겐의 힐데가르트, 레오냉, 페로탱, 필리프 드 비트리, 기욤 드 마쇼, 프란체스코 란디니, 요하네스 치코니아 등이 있다.

많은 중세 악기들이 여전히 존재하지만, 다른 형태로 존재한다. 중세 악기에는 플루트, 리코더, 류트와 같은 뜯는 현악기가 있었다. 또한 오르간과 피들 (또는 비엘)의 초기 버전이 존재했다. 유럽의 중세 악기는 주로 단독으로 사용되었으며, 종종 드론 음과 함께 자가 반주되거나, 때때로 여러 악기가 함께 사용되었다. 13세기 초부터 15세기까지 악기를 '오 (haut)' (시끄럽고 날카로운, 야외 악기)와 '바스 (bas)' (조용하고 친밀한 악기)로 구분했다. 많은 악기들은 중세 이슬람 세계에서 채택된 동방의 전신을 가지고 있다.[15] 예를 들어, 아랍의 레밥은 비잔틴 리라, 레벡, 바이올린을 포함한 모든 유럽의 활 현악기의 조상이다.[16][17]

비엘을 연주하는 음악가 (14세기 중세 필사본)

3. 4. 르네상스 음악 (1400–1600)

음악의 르네상스 시대는 1400년부터 1600년까지 지속되었다. 이 시대는 악기 편성, 여러 개의 얽히고 설킨 선율, 그리고 초기 형태의 베이스 악기 사용이 특징이었다. 사교 춤이 더욱 널리 퍼지면서 춤 반주에 적합한 음악 형식이 표준화되기 시작했다. 이 시대에 오선지에 음악을 표기하는 방식과 악보의 다른 요소들이 형태를 갖추기 시작했다.[69] 이러한 발명으로 음악 작품의 작곡과 그 '전달'이 분리될 수 있었다. 문자로 기록된 음악이 없으면 전달은 구두로 이루어졌고, 전달될 때마다 변화가 생길 수밖에 없었다. 악보가 있으면 작곡자가 없더라도 음악 작품을 연주할 수 있었다. 15세기에 등장한 활판 인쇄기의 발명은 음악의 보존과 전달에 지대한 영향을 미쳤다.

요하네스 오케겜의 ''미사 에체 안칠라 도미니'' 중 키리에를 특징으로 하는 키지 코덱의 빛나는 오프닝


많은 악기들이 르네상스 시대에 등장했다. 다른 악기들은 이전에 존재했던 악기들의 변형이거나 개선된 형태였다. 일부는 오늘날까지 남아 있으며, 다른 악기들은 사라졌지만 시대 악기로 음악을 연주하기 위해 재창조되었다. 현대와 마찬가지로, 악기는 금관악기, 현악기, 타악기, 목관악기로 분류될 수 있다. 르네상스 시대의 금관악기는 전통적으로 길드의 구성원인 전문 연주자들이 연주했으며, 여기에는 슬라이드 트럼펫, 나무 코르넷, 밸브가 없는 트럼펫, 색버트가 포함되었다. 현악기에는 비올, 레벡, 하프와 유사한 리라, 하디거디, 루트, 기타, 시턴, 반도라, 오르파리온이 있었다. 현이 있는 건반 악기에는 하프시코드와 클라비코드가 포함되었다. 타악기에는 트라이앵글, 유대인의 하프, 탬버린, 종, 럼블팟, 다양한 종류의 드럼이 있었다. 목관악기에는 이중 리드 숄름 (초기 오보에 계열 악기), 리드 파이프, 백파이프, 가로 플루트, 리코더, 덜시안, 크럼혼이 포함되었다. 단순한 파이프 오르간이 존재했지만 교회에 주로 국한되었으며, 휴대용 종류도 있었다. 인쇄는 악기에 대한 설명과 사양을 표준화하고, 사용법을 교육할 수 있게 했다.

르네상스 시대의 성악 음악은 점점 더 정교해지는 다성 음악 스타일의 발전을 특징으로 한다. 르네상스 시대 전체에 걸쳐 지속된 주요 전례 형식은 미사와 모테트였으며, 특히 종교 음악 작곡가들이 세속적인 형식 (예: 마드리갈)을 자신의 디자인에 채택하기 시작하면서 후반부에 몇 가지 발전이 있었다. 이 시대의 후반부에는 모노디, 마드리갈 코미디, 인테르메디오와 같은 오페라의 초기 극적 전조가 나타난다. 1597년경, 이탈리아 작곡가 야코포 페리는 오늘날 오페라라고 불리는 최초의 작품인 ''다프네''를 썼다. 그는 또한 현재까지 남아 있는 최초의 오페라인 ''에우리디체''를 작곡했다.

주목할 만한 르네상스 작곡가로는 조스캥 데 프레, 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나, 존 던스터블, 요하네스 오케겜, 오를란도 디 라소, 기욤 뒤파이, 질르 뱅쇼아, 토마스 탤리스, 윌리엄 버드, 조반니 가브리엘리, 카를로 제수알도, 존 다울랜드, 야코프 오브레흐트, 아드리안 빌라르트, 자크 아르카델트, 치프리아노 데 로레 등이 있다.

3. 5. 바로크 음악 (1600–1750)

바로크 음악은 복잡한 음조 대위법과 지속 저음인 바소 콘티누오의 사용이 특징이다. 이전 시대의 단순한 노래와 비교하여 음악은 더 복잡해졌다.[18] 소나타 형식의 시작은 칸초나에서 이루어졌으며, 더 형식화된 주제와 변주 개념도 나타났다. 장조와 단조의 음조는 음악에서 불협화음과 반음계를 관리하는 수단으로 완전히 자리 잡았다.

바로크 시대에는 쳄발로와 파이프 오르간으로 연주되는 건반 악기가 점점 인기를 얻었으며, 현악기인 바이올린족은 오늘날 일반적으로 볼 수 있는 형태를 갖추게 되었다. 무대 음악극으로서의 오페라는 이전의 음악 및 극적 형태와 차별화되기 시작했으며, 칸타타와 오라토리오와 같은 성악 형태가 더 흔해졌다. 처음으로 성악가들은 음악에 장식을 추가하기 시작했다.[18]

평균율에 대한 이론이 더 널리 사용되기 시작했는데, 이는 튜닝하기 어려운 건반 악기에서 더 넓은 범위의 반음계적 가능성을 가능하게 했기 때문이다. 요한 제바스티안 바흐는 평균율을 사용하지 않았지만, 당시 흔했던 중간 조율 시스템에서 모든 조 사이의 조성을 음악적으로 허용하는 다양한 조율 방식으로의 변화가 그의 ''평균율 클라비어''를 가능하게 했다.

바로크 시대에는 이전 시대의 일부 악기(예: 하르디 가르디, 리코더)와 여러 개의 새로운 악기(예: 오보에, 바순, 첼로, 콘트라베이스, 포르테피아노)가 포함되었다. 숄름, 시턴, 라켓, 나무 코넷과 같이 이전 시대의 일부 악기는 사용되지 않게 되었다.

바로크 시대 악기
현악기목관 악기금관 악기건반 악기타악기



바로크 음악과 그 뒤를 이은 고전 시대의 주요 차이점 중 하나는 바로크 앙상블에 사용된 악기의 유형이 훨씬 표준화되지 않았다는 것이다. 바로크 앙상블에는 여러 종류의 건반 악기(예: 파이프 오르간 또는 쳄발로),[19] 추가 현악 화음 악기(예: 루트), 활로 연주하는 현악기, 목관 악기, 금관 악기 및 바소 콘티누오를 연주하는 불특정 수의 저음 악기(예: 첼로, 콘트라베이스, 비올라, 바순, 서펀트 등)가 포함될 수 있었다.

바로크 시대의 성악 작품에는 오라토리오와 칸타타와 같은 모음곡이 포함되었다.[20][21]

이 시대의 중요한 작곡가로는 요한 제바스티안 바흐, 안토니오 비발디, 게오르크 프리드리히 헨델, 요한 파헬벨, 헨리 퍼셀, 클라우디오 몬테베르디, 바르바라 스트로치, 도메니코 스카를라티, 게오르크 필리프 텔레만, 아르칸젤로 코렐리, 알레산드로 스카를라티, 장-필리프 라모, 장-밥티스트 륄리, 하인리히 쉬츠가 있다.

3. 6. 갈랑 양식 (1720년대–1770년대)

18세기 중반, 바로크 음악에 이어 민중에게도 현재 "클래식 음악"이라고 불리는 예술 음악이 널리 퍼지면서 "형식"이나 "화성"에 중점을 둔 고전파 음악으로 발전했다. 1720년대부터 1780년대까지는 전 고전파 작곡가들이 활동했다.[73]

3. 7. 고전주의 음악 (1750–1820)

요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히 판 베토벤의 빈 고전 악파 활동으로 고전주의 음악은 최성기를 맞았다.[74] 1720년경부터 민중에게도 현재 "클래식 음악"이라고 불리는 예술 음악이 널리 퍼져 "형식"이나 "화성"에 중점을 둔 음악으로 발전했다. 1720년대부터 1780년대까지는 전 고전파 작곡가들이 활동했다.[73]

3. 8. 낭만주의 음악 (c.1780–1910)

19세기에 들어서면서 "표현"에 중점을 둔 낭만주의 음악으로 이행하여[75], 프란츠 슈베르트, 로베르트 슈만, 펠릭스 멘델스존, 프레데리크 쇼팽과 같은 작곡가들이 활발하게 작곡 활동을 펼쳤다.[76] 19세기 중반에는 프란츠 리스트, 리하르트 바그너, 요하네스 브람스, 안톤 브루크너 등이 나타났고[77], 각국의 민요나 민족 음악의 요소를 도입한 국민 악파도 생겨났다.[78]

3. 9. 국민악파 (19세기 후반)

19세기 후반에는 각국의 민요나 민족 음악의 요소를 도입한 국민 악파가 생겨났다.[78]

3. 10. 근대 음악 (1890–1930)

세기 초 음악은 표현적인 멜로디, 복잡한 화성, 광범위한 형식을 특징으로 하는 전형적인 후기 낭만주의 스타일이었다. 이 시대는 후기 낭만주의 교향곡 작법을 발전시킨 여러 작곡가들의 작품으로 특징지어졌다. 구스타프 말러와 리하르트 슈트라우스는 광범위한 교향곡과 오페라로 서양 고전 음악 전통을 계속 발전시켰고, 장 시벨리우스와 랄프 본 윌리엄스는 민족주의적 요소와 민요의 영향을 작품에 불어넣었다. 세르게이 프로코피예프는 이러한 전통에서 시작했지만 곧 모더니즘 영역으로 진출했다. 동시에 클로드 드뷔시가 이끄는 인상주의 운동이 프랑스에서 발전했으며, 모리스 라벨이 또 다른 주목할 만한 선구자였다.[29]

모더니즘 고전 음악은 후기 낭만주의, 인상주의, 표현주의, 신고전주의로 특징지을 수 있는 다양한 작곡 스타일을 포괄한다. 모더니즘은 많은 작곡가들이 전통적인 조화, 멜로디, 악기 구성, 구조와 같은 일반 관행 시대의 특정 가치를 거부한 시대를 의미했다.[30] 일부 음악 역사가들은 음악적 모더니즘을 대략 1890년부터 1930년까지의 시대로 간주한다.[31][32]

이 시대에 지배적이었던 두 가지 음악 운동은 1890년경에 시작된 인상주의와 1908년경에 시작된 표현주의였다. 이는 음악의 오래된 범주에 도전하고 재해석하는 다양한 반응의 시기였으며, 음악의 화성, 멜로디, 음향, 리듬 측면을 구성하고 접근하는 새로운 방식을 이끌어내는 혁신이었다. 이는 당시 예술의 모더니즘이라는 더 큰 식별 가능한 시대와 밀접하게 관련된 미적 세계관의 변화였으며, "혁신"이라는 단어와 가장 관련이 깊다.[31] 그 주요 특징은 "언어적 다원성"인데, 이는 어떤 단일한 음악 장르도 지배적인 위치를 차지하지 않았다는 것을 의미한다.[32]

오케스트라는 모더니즘 시대 초기에 계속 성장하여 20세기 처음 두 십 년 동안 최고조에 달했다. 19세기에는 드물게 등장했던 색소폰은 보조 악기로 더 일반적으로 사용되었지만, 오케스트라의 핵심 멤버가 되지는 않았다. 예를 들어 모리스 라벨의 모데스트 무소르크스키의 ''전람회의 그림'' 편곡과 세르게이 라흐마니노프의 ''교향적 무곡''과 같은 일부 작품에서는 특별 솔로 악기로만 등장했지만, 세르게이 프로코피예프의 로미오와 줄리엣 모음곡 1번과 2번과 다른 많은 작품에서는 오케스트라 앙상블의 멤버로 포함되었다. 라벨의 ''볼레로''와 같은 일부 작품에서는 다른 오케스트라 섹션처럼 전체 섹션을 만들기 위해 크기가 다른 두 개 이상의 색소폰이 사용된다. 유포니엄은 구스타프 홀스트의 ''혹성''과 리하르트 슈트라우스의 ''영웅의 생애'' 등 몇몇 후기 낭만주의 및 20세기 작품에서 "테너 튜바"로 표시된 파트를 연주한다.

20세기 초의 저명한 작곡가로는 이고르 스트라빈스키, 클로드 드뷔시, 세르게이 라흐마니노프, 세르게이 프로코피예프, 아르놀트 쇤베르크, 니코스 스칼코타스, 에이토르 빌라로부스, 카롤 시마노프스키, 안톤 베베른, 알반 베르크, 세실 샤미나드, 파울 힌데미트, 아람 하차투리안, 조지 거슈윈, 에이미 비치, 벨러 버르토크, 드미트리 쇼스타코비치가 있으며, 앞서 언급한 말러와 슈트라우스는 19세기에서 이어지는 과도기적인 인물로 간주된다.

3. 11. 현대 음악 (1945 또는 1975–현재)

현대 클래식 음악은 1945년 이후의 모든 음악 형식을 포함하는 것으로 여겨진다.[33] 1970년대 중반부터는 현재까지 살아있는 작곡가들이 쓴 음악을 지칭하기도 한다. 여기에는 모더니스트, 포스트모던, 신낭만주의, 다원주의 음악 등 다양한 경향이 포함된다.

포스트모던 음악은 일부 학자들에 따르면 1930년대 초부터 시작된 음악 사조이다.[3] 이는 포스트모더니즘 미술과 마찬가지로 모더니즘 이후에 나타나 이에 대한 반작용으로 나타난 예술이다.

다른 학자들은 포스트모던 음악을 1930년 이후 작곡된 "현대 음악", 즉 20세기 후반부터 21세기 초까지의 음악과 거의 같은 의미로 사용하기도 한다. 포스트모던/현대 시대에는 신고전주의, 신고대주의, 미니멀리즘, 포스트 미니멀리즘 등 다양한 운동이 나타났다.

4. 연주 형식

클래식 음악의 주요 특징은 악보에 기록되는 경향이 있다는 것이다. 악보는 리듬, 음정, 그리고 여러 연주자가 관련된 경우 다양한 파트가 어떻게 조정되는지에 대한 세부 사항을 결정한다. 이러한 악보의 기록 특성은 음악 내에서 높은 수준의 복잡성을 가능하게 한다. 예를 들어, 푸가는 대위법으로 엮인 독특한 멜로디 라인들이 조화를 이루며, 악보를 통해 수세기 전의 음악을 연주할 수 있게 한다.[34]

2000년대에는 음악 즉흥 연주 전통이 많이 사라졌지만, 바로크 시대부터 낭만 시대까지는 즉흥 연주가 활발했다. 바로크 시대에는 오르간 연주자들이 전주곡을 즉흥 연주했고, 쳄발로 연주자들은 통주 저음 기호에서 코드를 즉흥 연주했으며, 성악 및 기악 연주자 모두 음악 장식을 즉흥 연주했다.[35] 요한 제바스티안 바흐는 복잡한 즉흥 연주로 유명했다.[36] 고전 시대에는 볼프강 아마데우스 모차르트가 다양한 스타일로 멜로디를 즉흥 연주하는 능력으로, 낭만 시대에는 루트비히 판 베토벤이 피아노 즉흥 연주로 유명했다.[37][38]

클래식 음악의 연주 형식은 다음과 같이 분류할 수 있다.

5. 현대의 동향 및 대중화 노력

라디오 방송과 레코드 가게의 등장으로, 라이브 클래식 음악 공연은 컴필레이션 CD로 편집되었다(WQXR for Tower Records, 1986).


클래식 음악의 특정 주요 작품들은 종종 상업적(광고 또는 영화 사운드트랙)으로 사용된다. 텔레비전 광고에서 몇몇 구절들은 상투어가 되었으며, 특히 리하르트 슈트라우스의 ''차라투스트라는 이렇게 말했다''(영화 ''2001: 스페이스 오디세이''에서 유명해짐)의 시작 부분과 카를 오르프의 ''카르미나 부라나''의 "O Fortuna" 시작 부분이 그러하다.[59] 다른 예로는 베르디 레퀴엠의 "진노의 날", 에드바르 그리그의 ''페르 귄트'' 중 "산왕의 궁전에서", 베토벤의 교향곡 5번의 시작 부분, 아람 하차투리안의 "칼춤", 바그너의 ''발퀴레'' 중 "발키리의 기행", 림스키코르사코프의 "왕벌의 비행", 애런 코플런드의 ''로데오''의 발췌 등이 있다. 미국 애니메이션 황금기의 몇몇 작품들은 클래식 음악에 맞춰 행동을 보여주었다. 주목할 만한 예로는 월트 디즈니의 ''환타지아'', 톰과 제리의 ''요한 마우스'', 워너 브라더스의 ''세비야의 토끼''와 ''왓츠 오페라, 닥?''이 있다.

마찬가지로, 영화와 텔레비전은 종종 세련됨이나 풍요로움을 전달하기 위해 표준적이고 상투적인 클래식 음악 발췌 부분을 사용한다. 이 범주에서 가장 자주 들리는 곡 중 일부는 바흐의 무반주 첼로 모음곡 1번, 모차르트의 ''아이네 클라이네 나흐트무지크'', 비발디의 ''사계'', 무소르그스키의 ''민둥산의 하룻밤''(림스키코르사코프에 의해 관현악화됨), 로시니의 "''윌리엄 텔'' 서곡"이 있다.

1990년대에는 이른바 "모차르트 효과"에 대한 여러 연구 논문과 대중 서적이 등장했다. 이는 모차르트 음악을 들은 결과 공간 추론 테스트 점수가 일시적으로 소폭 상승하는 현상을 관찰한 것이다. 이 접근 방식은 돈 캠벨의 저서에 의해 대중화되었으며, 모차르트 음악을 들으면 학생들의 IQ가 8~9점 일시적으로 상승한다는 내용의 ''네이처''에 발표된 실험을 기반으로 한다.[60] 이 이론의 대중화된 버전은 ''뉴욕 타임스''의 음악 칼럼니스트 알렉스 로스에 의해 "연구자들은... 모차르트 음악을 듣는 것이 실제로 당신을 더 똑똑하게 만든다는 것을 밝혀냈다."라고 간결하게 표현되었다.[61] 홍보업체들은 이 효과를 유발한다고 주장하는 CD를 판매했다. 플로리다 주는 주립 학교 유아들이 매일 클래식 음악을 듣도록 하는 법을 통과시켰고, 1998년 조지아 주지사는 조지아 주에서 태어난 모든 아이들에게 클래식 음악 테이프 또는 CD를 제공하기 위해 연간 10.5만달러의 예산을 책정했다. 모차르트 효과에 대한 최초 연구의 공동 저자 중 한 명은 "해로울 것은 없다고 생각합니다. 아이들에게 훌륭한 문화적 경험을 제공하는 것은 좋은 일입니다. 하지만 그 돈은 음악 교육 프로그램에 더 잘 쓰일 수 있다고 생각합니다."라고 언급했다.[62]

클래식 음악 팬의 수는 대중음악 팬에 비해 압도적으로 적다. 그러나 다음과 같은 몇 가지 성공 사례가 있다.

  • '''라 폴 쥐르네'''


1995년 프랑스 낭트에서 시작된 행사. 짧은 시간, 저렴한 가격의 콘서트를 다수 개최하여 초심자도 듣기 쉽게 했다. 이 시도는 다른 나라로 확대되어 일본에서도 "라 폴 쥐르네 오 자퐁 '열광의 날' 음악제"라는 이름으로 2005년 도쿄를 시작으로 개최되고 있다.

  • '''아다지오 카라얀'''


1995년 발매. 헤르베르트 폰 카라얀의 연주 중에서 느리고 서정적인 작품 또는 악장을 모은 컴필레이션 앨범. 전 세계 500만 장의 판매고를 올렸다.[82]

오자와 세이지 지휘의 빈 필하모니 관현악단 신년 음악회 CD가 100만 장 이상의 히트를 기록했다.[83]

  • '''베스트 클래식 100'''


2005년 발매. 유명 곡의 핵심 부분만 모은 컴필레이션 앨범. 70만 장 이상의 판매고를 올렸다.[84]

  • '''「노다메 칸타빌레」 LIVE!'''


2006년 발매. 음악 대학을 무대로 한 만화 (이후 애니메이션 및 드라마화) "노다메 칸타빌레"에 등장하는 클래식 곡을 수록. 오리콘 주간 차트 최고 6위, 2006년 연간 차트 74위를 기록했다.

  • '''Classic fm'''


영국의 클래식 음악 전문 민간 FM 방송국.[85] 1992년 방송을 시작했다. 현재는 FM 방송 외에 디지털 위성 텔레비전, 케이블 텔레비전, 디지털 라디오 방송을 실시하며, 스트리밍 방송과 팟캐스트 배포도 하고 있다. 잘 알려진 소품을 많이 다루며, 대작은 편집하여 짧게 만들거나 교향곡 등은 가장 대중적인 악장만 선택하여 방송한다. 요청에 의한 인기 투표를 실시하고, 히트 차트처럼 소개하는 등 대중음악의 상업 방송에서 상용되는 수법을 도입하고 있다.

  • '''Classic Manager-클래식 매니저'''[86]


저작권 보호 기간이 만료된 클래식 음악을 무료로 감상할 수 있는 애플리케이션 서비스. 장르별 자동 재생 기능이나 자신만의 오리지널 앨범을 만들 수 있으며, 만든 앨범을 공유하여 즐길 수 있는 등 클래식 음악 애호가들 사이에서 은밀하게 화제가 되고 있는 서비스이다. 무료 감상 가능한 음원은 7만 7801개에 달하며, 초심자도 이용할 수 있도록 자동 재생 기능에 힘을 쏟고 있다.

6. 한국 클래식 음악

클래식 음악은 작곡가 시대의 대중음악 요소나 소재를 종종 통합해 왔다. 예를 들어 브람스는 그의 《대학 축전 서곡》에서 학생 음주가를 사용했고, 쿠르트 바일의 《서푼짜리 오페라》에서 전형적으로 나타나는 장르, 그리고 모리스 라벨을 포함한 20세기 초중반 작곡가들에게 재즈가 미친 영향이 있으며, 이는 그의 바이올린과 피아노 소나타의 "블루스" 악장에서 잘 나타난다.[50] 일부 포스트모던, 미니멀리스트, 포스트미니멀리스트 클래식 작곡가들은 대중음악에 대한 부채를 인정한다.[51]

조지 거슈윈의 1924년 관현악 작품 《랩소디 인 블루》는 오케스트라 재즈 또는 심포닉 재즈로 묘사되어 왔다. 이 작품은 클래식 음악의 요소와 재즈적 효과를 결합한다.

반대 방향으로의 영향 역시 수많은 예시가 있는데, 클래식 음악에 기반한 대중가요, 1970년대 이후로 사용된 ''파헬벨의 캐논''의 사용례, 그리고 클래식 음악가들이 대중음악 분야에서 성공을 거둔 크로스오버 현상 등이 있다.[52] 헤비 메탈 음악에서, 리치 블랙모어와 랜디 로즈를 포함한 다수의 리드 기타리스트들(전기 기타 연주)은[53] 바로크 시대 또는 고전 시대의 기악 음악을 모델로 하여 그들의 연주 스타일을 만들었다.[54]

7. 여성 클래식 음악가

클래식 음악 교과서에 설명되고 표준 콘서트 레퍼토리의 일부로 널리 연주되는 작곡가들은 거의 모두 남성이다. 비록 클래식 음악 역사 전반에 걸쳐 수많은 여성 작곡가들이 있었음에도 말이다. 음악학자 마르시아 시트론은 "여성이 작곡한 음악이 왜 표준 '클래식' 레퍼토리에서 그렇게 주변적인 위치를 차지하는가?"라는 질문을 던졌다.[39] 시트론은 "여성 작곡가들이 연주하는 음악 작품의 '정전'에서 여성 작곡가들이 배제되도록 이끈 관행과 태도"를 조사했다.[39] 그녀는 1800년대에 여성 작곡가들이 주로 대규모 홀에서 오케스트라와 함께 연주하기 위한 교향곡보다는 작은 리사이틀에서 연주하기 위한 가곡을 썼다고 주장했다. 후자의 작품이 작곡가에게 가장 중요한 장르로 여겨졌기 때문이다. 여성 작곡가들은 교향곡을 많이 쓰지 않았기 때문에 작곡가로서 주목할 만한 존재로 여겨지지 않았다.[39] 《음악의 간결한 옥스퍼드 역사》에서 클라라 슈만은 언급된 유일한 여성 작곡가 중 한 명이다.[40] 에비 필립스는 "20세기 동안 작곡/연주하는 여성들은 남성들에 비해 훨씬 적은 관심을 받았다"고 언급했다.[40]

역사적으로 주요 전문 오케스트라는 대부분 또는 전부 남성 음악가들로 구성되었다. 전문 오케스트라에서 여성이 고용된 최초의 사례 중 일부는 하프 연주자 직책이었다. 예를 들어, 빈 필하모닉 오케스트라는 1997년까지 여성의 정식 단원 가입을 허용하지 않았는데, 이는 2008년 ''그래모폰''에서 세계 5대 오케스트라로 선정된 다른 오케스트라들보다 훨씬 늦었다.[41] 2013년 기준으로 이 오케스트라는 6명의 여성 단원을 보유하고 있으며, 그 중 한 명인 바이올리니스트 알베나 다나일로바는 2008년 오케스트라의 악장 중 한 명이 되었는데, 이 직책을 맡은 최초의 여성이었다.[43] 2012년에도 여성은 오케스트라 단원의 6%에 불과했다. 빈 필하모닉 오케스트라 사장 클레멘스 헬스버그는 빈 필하모닉이 현재 완전히 가려진 블라인드 오디션을 사용한다고 말했다.[44] 마지막으로 여성을 정식 단원으로 임명한 주요 오케스트라는 베를린 필하모닉이었다.[45] 1996년 2월, 빈 필하모닉의 수석 플루트 주자인 디터 플루리는 ''베스트도이체르 룬트풍크''와의 인터뷰에서 여성을 받아들이는 것은 "현재 이 조직이 가지고 있는 감정적 통일성을 가지고 도박을 하는 것"이 될 것이라고 말했다.[46] 1996년 4월, 오케스트라의 홍보 담당자는 출산 휴가로 인한 "예상되는 결근에 대한 보상"이 문제가 될 것이라고 적었다.[47]

2013년, ''마더 존스''의 기사에서는 "많은 명망 있는 오케스트라가 상당한 수의 여성 단원을 보유하고 있으며, 뉴욕 필하모닉의 바이올린 섹션에서는 여성이 남성보다 많다"고 언급했다. 그리고 내셔널 심포니 오케스트라, 디트로이트 심포니 오케스트라, 미네소타 오케스트라를 포함한 몇몇 유명 앙상블은 여성 바이올리니스트가 이끌고 있지만, 주요 오케스트라의 더블베이스, 금관, 타악기 섹션은 "... 여전히 남성이 지배적"이라고 보도했다.[48] 2014년 BBC 기사에서는 "...잠재적인 연주자가 스크린 뒤에서 연주하여 심사 위원단이 성별이나 인종적 편견을 행사할 수 없도록 하는 블라인드 오디션 도입으로 전통적으로 남성이 지배적이었던 교향악단의 성별 균형이 점차 변화하고 있다"고 언급했다.[49]

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