오페라 세리아
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1. 개요
오페라 세리아는 바로크 시대 후기에 발전한 오페라 장르로, 다 카포 아리아 형식을 활용하여 구성되었다. 레치타티보와 아리아가 번갈아 나타나며, 3막으로 진행되는 것이 일반적이다. 아르카디아 학원의 영향을 받아 도덕적인 내용과 신고전주의 원칙을 따랐으며, 카스트라토와 프리마돈나가 주요 배역을 맡았다. 1720년대부터 1740년대에 걸쳐 확립되었으며, 메타스타시오의 대본이 널리 사용되었다. 1750년대 이후에는 글룩의 개혁으로 변화를 겪으며, 18세기 말 프랑스 혁명의 영향으로 쇠퇴하여 19세기 낭만주의 오페라로 이어진다. 오페라 세리아는 왕실, 군주제, 귀족 계급의 오페라로, 통치자들의 이상을 반영하는 경향이 있었다.
오페라 세리아의 구조는 크게 음악적 구성과 연극적 구성, 두 가지 측면에서 살펴볼 수 있다.
오페라 세리아는 바로크 시대 후기의 관습을 바탕으로, A-B-A 형식의 다 카포 아리아를 발전시키고 활용했다. 첫 번째 부분은 주제를 제시하고, 두 번째 부분은 보완적인 주제를 제시하며, 세 번째 부분은 첫 번째 부분을 가수의 장식과 음악적 세련됨을 더하여 반복한다. 장르가 발전하고 아리아가 길어짐에 따라, 전형적인 오페라 세리아는 30개가 넘지 않는 음악적 악장으로 구성되었다.[1]
2. 구조
음악적 구성
연극적 구성오페라 세리아의 연극적 구성은 프랑스 오페라의 타락한 대본에 대한 비판에 대한 반응으로 발전했다.2. 1. 다 카포 아리아
오페라 세리아는 바로크 시대 후기의 관습을 바탕으로, A-B-A 형식의 다 카포 아리아를 발전시키고 활용하여 만들어졌다. 첫 번째 부분(A)은 주제를 제시하고, 두 번째 부분(B)은 보완적인 주제를 제시하며, 세 번째 부분(A)은 가수의 장식과 음악적 세련됨을 더하여 반복한다. 장르가 발전하고 아리아가 길어짐에 따라, 전형적인 오페라 세리아는 30개가 넘지 않는 음악적 악장으로 구성되었다.[1][6]
2. 2. 일반적인 구성
오페라 세리아는 바로크 시대 후기의 관습을 바탕으로, A-B-A 형식의 다 카포 아리아를 발전시키고 활용하여 만들어졌다. 첫 번째 부분(A)은 주제를 제시하고, 두 번째 부분(B)은 보완적인 주제를 제시하며, 세 번째 부분(A)은 가수의 장식과 음악적 세련됨을 더하여 반복한다. 장르가 발전하고 아리아가 길어짐에 따라, 전형적인 오페라 세리아는 30개가 넘지 않는 음악적 악장으로 구성되었다.[1]
전형적인 오페라는 세 악장(빠르게-느리게-빠르게)으로 구성된 기악 서곡으로 시작하여, 대화가 담긴 레치타티보와 등장인물의 감정을 표현하는 아리아가 번갈아 나오는 방식으로 진행된다. 이러한 패턴은 주요 연애 커플을 위한 이중창이 등장할 때만 깨진다. 레치타티보는 일반적으로 세코(secco) 방식, 즉 콘티누오(일반적으로 하프시코드, 테오르보, 첼로, 때로는 추가적인 저음 및 코드 악기가 지원)만으로 반주되었다. 특히 격렬한 감정이 표현되는 순간에는 세코 대신 스트로멘타토(stromentato) 또는 아꼼빠냐토(accompagnato) 레치타티보가 사용되었는데, 이때는 가수가 현악기 전체로 반주를 받았다. 현악기와 오보에(때로는 호른이나 플루트)의 반주를 받으며 아리아가 끝나면, 등장인물은 무대에서 퇴장하여 관객의 박수를 받았다. 이러한 과정이 3막에 걸쳐 이어지고, 마지막에는 쾌활한 합창으로 기쁨에 찬 절정을 축하하며 마무리되었다. 주요 가수들은 슬픔, 분노, 영웅심, 명상 등 다양한 분위기의 아리아를 적절히 분배받기를 기대했다.[1]
오페라 세리아의 연극적 구성은 종종 불순하고 타락한 대본으로 여겨졌던 것에 대한 프랑스의 비판에 대한 반응으로 크게 발전했다. 이에 대한 반응으로 로마에 기반을 둔 아르카디아 학원은 아리스토텔레스가 정의한 희곡의 고전적 삼일치를 준수하고, 《포페아의 대관식》을 위한 부세넬로의 작품과 같이 "비도덕적인" 줄거리를 대신하여 교육과 오락을 목표로 하는 고도로 도덕적인 이야기로 이탈리아 오페라를 신고전주의 원칙으로 되돌리고자 했다. 그러나 고전 희곡의 비극적인 결말은 예의범절의 차원에서 거부되었다. 아포스톨로 제노와 같은 초기 오페라 세리아 대본 작가들은 미덕이 보상받고 승리하는 모습을 보여주어야 하며, 악당들은 회개의 길로 들어서야 한다고 생각했다. 프랑스 오페라에서 흔히 볼 수 있었던 화려한 무대 연출과 발레는 배제되었다.[1]
3. 특징
전형적인 오페라는 세 악장(빠르게-느리게-빠르게)으로 구성된 기악 서곡으로 시작하여, 대화가 담긴 레치타티보와 등장인물의 감정을 표현하는 아리아가 번갈아 나오는 방식으로 진행된다. 주요 연애 커플을 위한 이중창이 등장할 때만 이러한 패턴이 깨진다. 레치타티보는 일반적으로 바소 콘티누오(하프시코드, 테오르보, 첼로 등)만으로 반주되는 세코(secco) 방식이었다. 격렬한 감정이 표현되는 순간에는 현악기 전체 반주를 받는 스트로멘타토(stromentato) 또는 아꼼빠냐토(accompagnato) 레치타티보가 사용되었다. 현악기와 오보에(때로는 호른이나 플루트)의 반주를 받으며 아리아가 끝나면, 등장인물은 무대에서 퇴장하여 관객의 박수를 받았다. 이러한 과정이 3막에 걸쳐 이어지고, 마지막에는 쾌활한 합창으로 마무리되었다. 주요 가수들은 슬픔, 분노, 영웅심, 명상 등 다양한 분위기의 아리아를 적절히 분배받았다.
몇몇 예외를 제외하면, 오페라 세리아는 왕실, 군주제, 귀족 계급의 오페라였다. 그러나 런던의 헨델은 궁정이 아닌 다양한 사회 계층의 관객을 위해 작곡했고, 베네치아 공화국에서는 작곡가들이 대중의 취향에 맞게 오페라를 수정했다. 대부분 오페라 세리아는 궁정 오페라와 동의어였으며, 궁정은 귀족들이 무대에 반영되기를 요구했다. 양치기 왕은 알렉산더 대왕의 영광을, 티토의 자비는 로마 황제 티투스의 영광을 보여준다. 통치자는 고대 세계의 자신의 동급 인물들을 보며 그들의 자애로운 독재가 자신의 공으로 돌아가는 것을 보았을 것이다.
무대 연출은 객석과 무대 모두 조명을 켜고, 세트는 오페라를 개최하는 궁전의 건축 양식을 거의 정확하게 반영했다. 글룩의 세레나타 혼란스러운 파르나소스는 비엔나에서 처음 공연되었는데, 출연진이 왕족으로 구성되어 오페라와 관객 사이의 연관성이 더욱 긴밀해지기도 했다. 그러나 프랑스 혁명과 함께 이탈리아 전역에 심각한 정치적 격변이 일어났고, 새로운 평등주의적인 공화국이 수립되고 구 독재 정권이 무너지면서 오페라 세리아의 아르카디아적 이상은 점점 무관해 보였다. 통치자들은 더 이상 폭력적인 죽음으로부터 자유롭지 못했고, 새로운 사회적 이상 아래 가수들의 계급 질서가 무너졌다. 이러한 사회 정치적 변화는 지배 계급과 밀접하게 관련된 오페라 세리아의 종말을 의미했다.[5]
3. 1. 프랑스 비판에 대한 반응
오페라 세리아의 극적 구성은 프랑스에서 불순하고 타락한 대본으로 여겨졌던 것에 대한 비판에 대응하여 크게 발전했다. 로마에 기반을 둔 아르카디아 학원은 아리스토텔레스가 정의한 희곡의 고전적 삼일치를 준수하고, 《포페아의 대관식》을 위한 부세넬로의 작품과 같이 "비도덕적인" 줄거리를 대신하여 교육과 오락을 목표로 하는 고도로 도덕적인 이야기로 이탈리아 오페라를 신고전주의 원칙으로 되돌리고자 했다. 그러나 고전 희곡의 비극적인 결말은 예의범절상 거부되었다. 아포스톨로 제노와 같은 초기 오페라 세리아 대본 작가들은 미덕이 보상받고 승리하는 모습을 보여주어야 하며, 악당들은 회개의 길로 들어서야 한다고 생각했다. 프랑스 오페라에서 흔히 볼 수 있었던 화려한 무대 연출과 발레는 배제되었다.[1]
3. 2. 카스트라토와 프리마돈나
오페라 세리아 시대는 카스트라토의 부상과 일치한다. 카스트라토는 사춘기 이전에 거세하여 높고 강력한 소프라노 또는 알토 음성을 유지하고, 수십 년간 엄격한 음악 훈련을 받은 남성 가수를 말한다.[2] 카스트라토는 영웅적인 남성 역할을 맡았으며, 프리마돈나와 함께 무대에 섰다.[2] 이러한 스타 가수들의 뛰어난 기술은 작곡가들이 점점 더 복잡한 성악곡을 쓰도록 자극했고, 당시의 많은 오페라는 특정 가수를 위한 매개체로 쓰였다.[2] 이 중 가장 유명한 사람은 아마도 1722년 니콜라 포르포라의 지도 아래 데뷔한 파리넬리일 것이다.[2] 파리넬리는 헨델과 함께 노래하지 않았지만, 그의 주요 라이벌인 세네시노는 헨델과 함께 노래했다.[2]
4. 역사
오페라 세리아는 1720년대 초 체노와 스카를라티가 닦아 놓은 길 위에서 메타스타시오와 그 이후 작곡가들 덕분에 확고한 형태를 갖추게 되었다. 1750년대에 메타스타시오 양식은 정점에 달했지만, 점차 인기가 시들해지면서 니콜로 욤멜리, 톰마소 트라에타와 같은 작곡가들이 주도한 새로운 경향이 나타났다. 크리스토프 빌리발트 글룩은 이러한 개혁을 집대성했다.
글룩의 개혁 이후, 하세, 욤멜리, 갈루피, 트라에타 등 이전 시대 작곡가들은 대부분 쇠퇴했다. 볼프강 아마데우스 모차르트, 하이든, 요한 크리스티안 바흐, 그라운, 안토니오 살리에리(글룩의 제자), 사키니, 사르티, 피치니, 파이지엘로, 치마로사 등 새로운 작곡가들이 등장했다. 1780년대에는 메타스타시오 대본이 여전히 주류를 이루었지만, 베네치아 대본 작가 그룹이 새로운 방향을 제시했다. 18세기 말, 오페라 세리아는 프랑스 혁명의 영향으로 쇠퇴했다.[4]
4. 1. 1720-1740년대: 오페라 세리아의 확립
오페라 세리아는 1720년대 초 체노와 스카를라티가 닦아 놓은 길 위에서 메타스타시오와 그 이후 작곡가들 덕분에 비로소 확고한 형태를 갖추게 되었다. 메타스타시오의 경력은 세레나타 ''글리 오르티 에스페리디''(헤스페리데스의 정원)로 시작되었다. 포르포라(훗날 요제프 하이든의 스승이 됨)가 이 작품에 음악을 붙였고, 큰 성공을 거두자 유명한 로마의 프리마돈나 마리아나 불가렐리 "라 로마니나"가 메타스타시오를 찾아 그의 후원자가 되었다.
그녀의 보호 아래 메타스타시오는 ''디도네 아반도나타'', ''카토네 인 우티카'', ''에치오'', ''알레산드로 넬레 인디에'', ''세미라미데 리코노스쿠타'', ''시로에'', ''아르타세르세''와 같은 대본을 잇달아 제작했다. 이 대본들은 이탈리아와 오스트리아의 가장 위대한 작곡가들에 의해 빠르게 작곡되어 오페라 세리아의 초국가적 성격을 확립했다. 1730년 이후 그는 빈에 정착하여 1740년대 중반까지 황실 극장을 위해 ''아드리아노 인 시리아'', ''데메트리오'', Issipilede, ''데모폰테'', ''올림피아데'', ''티토의 관용'', ''아킬레 인 스키로'', ''테미스토클레'', ''일 레 파스토레'', 그리고 그가 자신의 최고 걸작으로 여긴 ''Attilio Regolode''와 같은 더 많은 대본을 만들었다.
메타스타시오와 그의 모방자들은 고전적인 인물들을 등장시키는 극들을 사용했는데, 이 인물들은 왕족다운 가치와 도덕성을 지니고 사랑, 명예, 의무 사이의 갈등에 맞서 싸우며, 오페라와 비음악극 모두에서 동등하게 잘 공연될 수 있는 우아하고 화려한 언어를 사용했다. 반면 헨델은 주류 장르에서 벗어나 런던 관객을 위해 몇몇 메타스타시오 대본만 작곡하고 더 다양한 텍스트를 선호했다.
이 시대 주요 메타스타시오 작곡가는 하세, 칼다라, 빈치, 포르포라, 페르골레지였다. 빈치의 ''디도네 아반도나타''와 ''아르타세르세'' 편곡은 악기 반주 레치타티보로 극찬을 받았고, 그는 새로운 선율 스타일을 확립하는 데 중요한 역할을 했다. 반대로 하세는 더 강한 반주에 빠져들었고 당시 더 모험적인 작곡가로 여겨졌다. 페르골레지는 그의 서정성으로 유명했다. 모든 작곡가에게 주어진 주요 과제는 다양성을 달성하는 것이었는데, ''세코 레치타티보''와 ''다 카포 아리아''의 패턴에서 벗어나는 것이었다. 메타스타시오 대본의 변화무쌍한 분위기가 도움이 되었고, ''악기 반주 레치타티보''나 리토르넬로를 자르는 것과 같은 작곡가의 혁신도 도움이 되었다.
이 기간 동안 특정 감정을 반영하는 조의 선택이 표준화되었다. D 단조는 작곡가의 전형적인 "분노의 아리아"에 적합한 조가 되었고, D 장조는 장엄함과 브라부라를 위해, G 단조는 목가적인 효과를 위해, E♭ 장조는 애처로운 효과를 위해 일반적으로 사용되었다.[8]
4. 2. 1740-1770년대: 메타스타시오 양식의 쇠퇴와 새로운 경향
1750년대에 최고조에 달했던 메타스타시오 양식의 인기는 점차 시들해지기 시작했다. 니콜로 욤멜리와 톰마소 트라에타와 같은 작곡가들이 대중화한 새로운 경향이 오페라 세리아에 스며들기 시작했다. 이탈리아식의 뚜렷하게 대조되는 레치타티보와 아리아의 번갈아 나오는 패턴은 프랑스 오페라 전통의 아이디어에 자리를 내주기 시작했다. 1740년 이후 욤멜리의 작품들은 반주가 있는 레치타티보와 더 큰 다이내믹 대조, 그리고 화려한 성악 기교를 제한하면서 오케스트라의 역할을 더욱 부각시키는 것을 선호했다. 트라에타는 그의 오페라에 발레를 다시 도입하고 고전적인 희곡의 비극적이고 멜로드라마틱한 결말을 복원했다. 특히 1760년 이후 그의 오페라들은 합창의 역할을 더욱 확대했다.[3]이러한 개혁의 정점은 크리스토프 빌리발트 글룩의 오페라에서 나타났다.
4. 3. 1770-1800년대: 글룩 개혁의 영향과 오페라 세리아의 종말
글룩의 개혁으로 이전 수십 년 동안의 오페라 세리아 작곡가 대부분이 쓸모없게 되었다. 하세, 욤멜리, 갈루피, 트라에타의 경력은 사실상 끝났다. 그들을 대신하여 볼프강 아마데우스 모차르트, 하이든, 요한 크리스티안 바흐, 칼 하인리히 그라운, 안토니오 살리에리(글룩의 제자), 사키니, 사르티, 피치니, 파이지엘로, 치마로사와 같은 새로운 작곡가들이 등장했다. 아리아 다 카포의 인기는 시들해지기 시작했고, 론도로 대체되었다. 오케스트라의 규모가 커지고, 아리아가 길어졌으며, 앙상블이 더욱 두드러지게 되었고, 오블리가토 레치타티보는 일반적이면서도 더욱 정교해졌다. 1780년대 내내 메타스타시오의 대본이 여전히 레퍼토리를 지배했지만, 새로운 베네치아 대본 작가 그룹이 오페라 세리아를 새로운 방향으로 이끌었다. 가에타노 세르토르와 그를 중심으로 한 그룹의 작품은 마침내 가수들의 절대적인 지배력을 깨뜨리고, 오페라 세리아에 19세기 낭만주의 오페라의 화려하고 극적인 요소들을 향한 새로운 추진력을 주었다. 비극적인 결말, 무대 위의 죽음과 시해는 예외가 아닌 표준이 되었다. 세기 말까지 전통적으로 정의되어 온 오페라 세리아는 본질적으로 사라졌고, 프랑스 혁명이 불러온 정치적 격변이 그것을 완전히 쓸어버렸다.[4]
5. 사회적 배경
몇몇 예외는 있지만, 오페라 세리아는 왕실, 군주제, 귀족 계급을 위한 오페라였다. 런던의 헨델은 궁정이 아닌 다양한 사회 계층의 관객을 위해 작곡했고, 베네치아 공화국에서는 작곡가들이 대중의 취향에 맞게 오페라를 수정했다. 하지만 대부분 오페라 세리아는 궁정 오페라와 같았다.[5]
궁정, 특히 군주는 자신의 귀족적인 모습이 무대에 반영되기를 원했다. 오페라 세리아의 줄거리는 이러한 요구에 맞춰졌다. 양치기 왕은 알렉산드로스 3세(알렉산더 대왕)의 영광을, 티토의 자비는 로마 황제 티투스의 영광을 보여준다. 관객석의 통치자는 고대 세계에서 자신과 같은 인물을 보며, 자비로운 독재가 자신의 공으로 돌아가는 것을 보았다.[5]
무대 연출도 이러한 효과에 기여했다. 공연 중에는 객석과 무대 모두 밝게 조명이 켜졌고, 무대 세트는 오페라를 개최하는 궁전의 건축 양식을 거의 그대로 반영했다. 때로는 오페라와 관객 사이의 연관성이 더욱 긴밀해지기도 했다. 글룩의 세레나타 혼란스러운 파르나소스는 빈에서 처음 공연되었는데, 왕족들이 직접 출연했다.[5]
그러나 프랑스 혁명과 함께 이탈리아 전역에 심각한 정치적 격변이 일어났다. 새로운 평등주의적인 공화국이 수립되고 구 독재 정권이 무너지면서 오페라 세리아의 아르카디아적 이상은 점점 의미를 잃어갔다. 통치자들은 더 이상 폭력적인 죽음으로부터 자유롭지 못했고, 새로운 사회적 이상 아래 가수들의 계층 질서가 무너졌다. 이러한 중요한 사회·정치적 변화는 지배 계급과 밀접하게 관련된 오페라 세리아의 종말을 의미했다.[5][11]
참조
[1]
논문
Dramaturgy
null
[2]
논문
null
1987
[3]
논문
1740–1770
null
[4]
논문
1770–1780
null
[5]
논문
null
1987
[6]
논문
Dramaturgy
null
[7]
논문
null
null
[8]
논문
1720-1740
null
[9]
논문
1740 - 1770
null
[10]
논문
1770-1780
null
[11]
논문
null
null
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