장 시메옹 샤르댕
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1. 개요
장 시메옹 샤르댕은 18세기 프랑스의 화가로, 정물화와 풍속화를 주로 그렸다. 그는 로코코 양식이 지배적이던 시대에, 소박한 일상과 평범한 가정 용품을 섬세하게 묘사하여 독자적인 화풍을 구축했다. 1728년 왕립 회화 조각 아카데미에 가입하여 '동물과 과실의 기교화가'라는 별칭을 얻었으며, 1737년부터 살롱전에 정기적으로 작품을 출품했다. 샤르댕의 작품은 17세기 네덜란드 회화의 영향을 받았으며, 에두아르 마네, 폴 세잔 등 후대 화가들에게 영향을 미쳤다.
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| 장 시메옹 샤르댕 - [인물]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
 | |
| 이름 | 장 시메옹 샤르댕 |
| 로마자 표기 | Jean Siméon Chardin |
| 출생일 | 1699년 11월 2일 |
| 출생지 | Rue de Seine, 파리, 프랑스 |
| 사망일 | 1779년 12월 6일 |
| 사망지 | 루브르, 파리, 프랑스 |
| 안장 장소 | 생제르맹 l'오세루아 교회 |
| 국적 | 프랑스 |
| 활동 | |
| 분야 | 회화: 정물 및 풍속화 |
| 사조 | 바로크, 로코코 |
| 훈련 | 피에르자크 카제, 노엘니콜라 코이펠, 생뤼크 아카데미 |
| 후원자 | 루이 15세 |
| 대표작 | 가오리 비눗방울 식사 기도 |
| 일본어 표기 | |
| 이름 | ジャン・シメオン・シャルダン |
| 로마자 표기 | Jean Siméon Chardin |
| 참고 자료 | |
| 브리태니커 | Jean-Baptiste-Simeon Chardin French painter |
| 아트 아카이브 | Jean Baptiste Simeon Chardin |
2. 생애
샤르댕은 파리에서 태어나 대부분의 생애를 그곳에서 보냈다. 루이 15세가 루브르 박물관에 작업실과 거처를 마련해 준 1757년까지 생트 술피스 근처 좌안에서 살았다.[9]
생트 뤼크 아카데미에서 수학했고, 1728년 예술 아카데미 회원이 되었다. '동물과 과실의 기교화가'라는 별명을 얻었으나, 실제 작품은 이와는 다소 거리가 있었다. 1737년부터 살롱에 정기적으로 작품을 출품했고, 50년간 아카데미 회원으로 활동하며 1761년 살롱 전시회 설치를 감독했다.[9]
1752년 루이 15세로부터 500 리브르의 연금을 받았고, 이후 '왕의 제1화가'로 임명되어 아카데미에서 가장 높은 1,400리브르의 연금을 받았다.[14] 1770년대 시력이 약해지면서 파스텔화를 그렸고, 아내와 자신의 초상화를 남겼다. 그의 파스텔 작품은 현재 높이 평가받고 있다.[15]
2. 1. 유년 시절과 교육
샤르댕은 1699년 파리에서 목수인 아버지 장과 어머니 잔 프랑스와스 사이에서 태어났다. 세례명은 시메옹이었고, 작품에는 간간히 장-바티스트로 서명했다.[29] 어릴 때부터 그림에 재능을 보였던 샤르댕은 아버지에 의해 미술학원 생트 뤼크 아카데미에 보내졌고, 그곳에서 자신만의 색채 혼합 및 칠 기술을 익혔다. 이 기술은 훗날 샤르댕 작품의 특징이 된다. 미술학원에서 장인 자격증을 취득한 후, 샤르댕은 여러 사설 학원의 실습 과정에 등록하여 화법을 개선하고자 노력했다.1718년부터 역사화를 주로 그리던 피에르자크 카즈의 공방에 들어가 화업을 시작했고, 1720년에는 노엘니콜라 코이펠에게도 단기간 사사했으며, 그 동안 정물화를 그리는 조수를 맡았던 것으로 보인다. 1723년 마르게리트 생타르와 결혼 계약을 맺었고, 1731년에 결혼식을 올렸다.[4] 1724년 생트 뤼크 아카데미의 거장이 되었다.
19세기 작가에 따르면, 당시 무명 화가들이 왕립 아카데미의 주목을 받기 어려웠던 시기에 샤르댕은 퐁뇌프 옆 다피네 광장에서 열린 "소규모 성체 축일"에 그림을 전시하여 처음으로 주목을 받았다. 장-바티스트 반 루는 1720년에 이 그림을 구매하여 젊은 화가를 도왔다.[5]
1728년 젊은 화가들의 전시회에 여러 작품을 출품하여 화단의 주목을 받았고, 같은 해 9월 25일 예술 아카데미에 ''가오리''와 ''식탁''을 발표하여 곧바로 분과회원으로 가입되었다.[6] 회원 가입에서 샤르댕은 '동물과 과실의 기교화가'라는 별명을 얻었다. 이듬해 그는 생트 뤼크 아카데미의 지위를 사임했다.
2. 2. 초기 활동과 아카데미 입회
샤르댕은 1699년 파리에서 목수인 아버지 장과 어머니 잔 프랑스와스 사이에서 태어났다. 세례명은 시메옹이었으며, 작품에는 간혹 장-바티스트로 서명했다.[29] 어릴 때부터 그림에 재능을 보였던 샤르댕은 아버지에 의해 미술학원 생트 뤼크 아카데미에 보내졌고, 그곳에서 자신만의 색채 혼합 및 칠 기술을 익혔다. 이 기술은 훗날 그의 작품에 큰 영향을 주었다. 미술원에서 장인 자격증을 취득한 후에도, 샤르댕은 여러 사설 학원에서 실습하며 화법을 개선하려 노력했다.1728년 젊은 화가들의 전시회에 여러 작품을 출품하여 주목받은 샤르댕은, 같은 해 9월 25일 예술 아카데미에 작품을 선보여 곧바로 분과회원으로 가입되었다. 이때 '동물과 과실의 기교화가'라는 별명을 얻었지만, 그의 실제 작품은 이와는 다소 거리가 있었다.[6] 19세기의 한 작가에 따르면, 당시 무명 화가들이 왕립 아카데미의 주목을 받기 어려웠던 시기에 그는 퐁뇌프 옆 다피네 광장에서 열린 "소규모 성체 축일"에 그림을 전시하여 처음으로 주목을 받았다. 장-바티스트 반 루는 1720년에 지나가다가 이 그림을 사서 나중에 젊은 화가를 도왔다고 한다.[5]
샤르댕은 1723년 마르게리트 생타르와 결혼 계약을 맺었고, 1731년에 결혼식을 올렸다.[4] 그는 역사화가 피에르자크 카즈와 노엘니콜라 코이펠 밑에서 도제 생활을 했고, 1724년 생트 뤼크 아카데미의 거장이 되었다. 1728년에 그린 ''가오리''와 ''식탁''은 샤르댕을 왕립 회화 조각 아카데미에 입회하게 했다.[6] 이듬해 그는 생트 뤼크 아카데미의 지위를 사임했다. 그는 고객들이 지불하는 가격에 맞춰 다양한 장르의 그림을 그렸고,[7] 1731년 퐁텐블로의 프랑수아 1세 회랑에 있는 프레스코화 복원 작업과 같은 일도 했다.[8] 1731년에는 아들 장-피에르가, 1733년에는 딸 마르게리트-아녜스가 세례를 받았다. 그러나 1735년 아내 마르게리트가 사망하고, 2년 안에 딸 마르게리트-아녜스도 사망했다.[4]
2. 3. 결혼과 가정 생활
샤르댕은 1723년 마르게리트 생타르와 결혼 계약을 맺었고, 1731년에 결혼식을 올렸다.[4] 1731년 11월 아들 장-피에르가 세례를 받았고, 1733년에는 딸 마르게리트-아녜스가 세례를 받았다. 1735년 아내 마르게리트가 사망했고, 2년 안에 마르게리트-아녜스도 사망했다.[4]1744년 프랑수아즈-마르게리트 푸제와 두 번째 결혼을 했다. 이 결혼으로 샤르댕의 재정 상황이 크게 개선되었다.[11] 1745년 딸 앙젤리크-프랑수아즈가 태어났지만 1746년에 사망했다.[11]
2. 4. 왕성한 작품 활동과 명성
샤르댕은 1728년 ''가오리''와 ''식탁''을 발표하며 왕립 회화 조각 아카데미에 입회했다.[6] 이듬해 그는 생트 뤼크 아카데미의 지위를 사임했다. 그는 고객들이 지불하려는 가격에 따라 다양한 장르의 그림을 제작했고,[7] 1731년 퐁텐블로의 프랑수아 1세 회랑에 있는 프레스코화 복원 작업과 같은 일을 하며 생계를 유지했다.[8]1737년부터 샤르댕은 살롱에 정기적으로 작품을 출품했다. 그는 50년 동안 정기적으로 회의에 참석하고, 협의회 의원, 재무, 서기로 차례로 활동하며 1761년 살롱 전시회 설치를 감독하는 "헌신적인 아카데미 회원"이 되었다.[9]
샤르댕의 작품은 풍속화 그림의 판화 복제를 통해 인기를 얻었고, 이를 통해 샤르댕은 "현재 로열티라고 불리는 것"의 형태로 수입을 얻었다.[11] 1744년 그는 프랑수아즈-마르게리트 푸제와 재혼하여 샤르댕의 재정 상황이 크게 개선되었다.
1752년 샤르댕은 루이 15세로부터 500리브르 투르누아의 연금을 받았다. 1756년 샤르댕은 정물화 주제로 돌아왔다. 1759년 살롱에서 그는 9점의 그림을 전시했는데, 이는 드니 디드로가 논평한 최초의 살롱이었고, 그는 샤르댕 작품의 열렬한 숭배자이자 대중적인 지지자가 되었다.[12] 1761년부터 살롱을 대표하여 전시회를 준비하고 재무로 활동하는 그의 책임으로 인해 그림 제작이 줄어들고 이전 작품의 '복제품'이 전시되었다.[13] 1763년 아카데미에 대한 그의 공로는 연금 200리브르 투르누아 추가로 인정받았다. 1765년 그는 루앙의 과학, 문학 및 예술 아카데미의 준회원으로 만장일치로 선출되었다.[13] 1770년까지 샤르댕은 '왕의 제1화가'였고, 그의 1400리브르 투르누아 연금은 아카데미에서 가장 높았다.[14]
2. 5. 후원
샤르댕은 1752년 루이 15세로부터 500리브르의 연금을 받았다.[12] 1763년에는 아카데미에 대한 공로로 200리브르의 연금이 추가되었다.[13] 1770년에는 '왕의 제1화가'로 임명되었고, 그의 1,400리브르 연금은 아카데미에서 가장 높은 수준이었다.[14]샤르댕의 작품은 풍속화 그림의 판화 복제(예: 프랑수아-베르나르 르피시에와 P.-L. 수규르 같은 예술가들이 제작)를 통해 인기를 얻었고, 이를 통해 샤르댕은 "현재 로열티라고 불리는 것"의 형태로 수입을 얻었다.[11]
1757년 루이 15세는 루브르 박물관에 샤르댕의 작업실과 거처를 제공했다.[9] 당시 회화에서 역사화에 최고의 가치가 부여되었던 시대에 풍속화가로서는 이례적인 영예였으며, 그의 작품 구매자와 주문자들도 국내외의 왕족 귀족들이 많았다.[30] 특히 예카테리나 2세는 상트페테르부르크에 있는 아카데미 건물을 위해 장식화를 주문했으며, 다른 풍속화를 포함한 여러 점의 샤르댕 작품을 소장하고 있었다.[30]
2. 6. 말년과 죽음
1770년까지 샤르댕은 '왕의 제1화가'였고, 그의 1,400리브르 연금은 아카데미에서 가장 높았다.[14] 1770년대 그의 시력이 약해지면서 파스텔로 그림을 그리기 시작했는데, 이 기법으로 아내와 자신의 초상화를 그렸다. 그의 파스텔 작품은 현재 높이 평가받고 있다.[15]1772년 샤르댕의 아들(역시 화가)이 베니스에서 익사했는데, 아마도 자살이었을 것이다.[14] 샤르댕의 마지막 알려진 유화는 1776년에 그려진 것이었고, 마지막 살롱 참가는 1779년이었으며 여러 파스텔 연구가 특징이었다. 그해 11월 중병에 걸린 샤르댕은 12월 6일 파리에서 80세의 나이로 사망했다.
말년에는 아들의 익사(1772년), 아카데미 회계관 해임(1774년) 등의 불운이 겹쳐 1779년에 사망했다. 작품 총 수는 201점이다.[31]
3. 작품 경향
샤르댕은 매우 느리게 작업하여 총 200점이 조금 넘는 그림(연평균 약 4점)만 그렸다.[16] 그의 화면 구성과 명암 묘사는 종종 후기 인상주의의 선구자로 묘사되기도 한다.[33]
1860년 에콜 프랑스(L'Ecole française)에 샤르댕의 정물화와 인물화 총 41점이 전시되면서 샤르댕의 작품세계를 한눈에 볼 기회가 마련되었다. 프랑수아 보뱅, 필리프 루소, 앙투안 볼롱 등 19세기 중반 프랑스 화가들이 샤르댕에게서 많은 영향을 받았다. 1863년 공쿠르 형제가 예술잡지 가제트에 샤르댕에 관한 논문을 발표하면서 샤르댕은 19세기 말 프랑스 화단에서 재발견 및 평가되었으며, 루브르 박물관에서 샤르댕의 작품을 구입하는 결정적인 계기가 되었다. 폴 세잔의 정물화는 샤르댕의 정물화에서 큰 영향을 받았다.
샤르댕은 그림에 대해 "누가 색으로 그림을 그린다고 했습니까? 색을 '사용'하지만, 느낌으로 그림을 그립니다."라고 말했다.[20]
3. 1. 로코코와의 차별성
샤르댕의 작품은 18세기 프랑스 미술을 지배했던 로코코 회화와는 공통점이 거의 없었다. 당시 역사화가 공공 미술의 최고 등급으로 여겨졌던 시대에, 샤르댕이 선택한 주제들은 하찮은 범주로 여겨졌다.[9] 그는 단순하면서도 아름다운 질감의 정물화와 감각적으로 다룬 가정 내부 및 풍속화를 선호했다. 단순하고 심지어는 삭막하기까지 한 평범한 가정 용품 그림(''담배 파이프가 있는 정물'')과 감상적인 방식이 아닌 어린이의 순수함을 놀라울 정도로 잘 묘사하는 능력(''팽이를 가지고 노는 소년'')은 그 당시에도 많은 사람들에게 감탄을 받았으며, 그의 시대를 초월하는 매력을 설명해준다.로코코 미술이 전성기를 이룬 18세기 프랑스에서 활동한 화가이지만, 그의 화풍은 달콤하고 향락적인 로코코 양식과는 확연히 구분되며, 온화한 화풍으로 중산층의 소박한 삶이나 정물화를 계속 그렸다. 로코코 예술을 비판했던 디드로조차 1769년 살롱 평론에서 "샤르댕은 역사화가는 아니지만, 위대한 화가이다"라고 적고 있다.[32]
3. 2. 네덜란드 회화의 영향
샤르댕의 작품은 17세기 저지대 거장들의 사실주의와 주제에 큰 영향을 받았다.[17] 급부상하는 부르주아를 비전통적인 방식으로 묘사했음에도 불구하고, 초기에는 루이 15세를 포함한 프랑스 귀족들의 후원을 받았다. 1730년대에는 구리 물통(루브르 박물관 소장)과 같이 부엌 도구를 작품에 도입했다.[17] 곧이어 인물들이 그의 그림에 등장했는데, 이는 한 초상화가가 그에게 풍속화를 그려보라고 도전한 데 대한 반응으로 보인다.[17] 샤르댕의 작품은 일상적이고 현실적인 소재와 생생한 묘사 덕분에 17세기 네덜란드 회화의 영향을 받았다는 평가를 받으며, 활동 당시부터 플랑드르 회화에 비유되곤 했다.[33]3. 3. 주제
샤르댕의 작품은 18세기 프랑스 미술을 지배했던 로코코 회화와는 거의 공통점이 없었다. 당시 역사화가 공공 미술의 최고 등급으로 여겨졌던 시대에, 샤르댕이 선택한 주제들은 하찮은 범주로 여겨졌다.[9] 그는 단순하면서도 아름다운 질감의 정물화와 감각적으로 다룬 가정 내부 및 풍속화를 선호했다. 단순하고 심지어는 삭막하기까지 한 평범한 가정 용품 그림(''담배 파이프가 있는 정물'')과 감상적인 방식이 아닌 어린이의 순수함을 놀라울 정도로 잘 묘사하는 능력(''팽이를 가지고 노는 소년'')은 그 당시에도 많은 사람들에게 감탄을 받았으며, 그의 시대를 초월하는 매력을 설명해준다.대체로 독학으로 그림을 배운 샤르댕은 17세기 저지대 거장들의 사실주의와 주제에 큰 영향을 받았다. 급부상하는 부르주아를 비전통적인 방식으로 묘사했음에도 불구하고, 초기에는 루이 15세를 포함한 프랑스 귀족들의 후원을 받았다. 그의 인기는 처음에는 동물과 과일 그림에 기반을 두었지만, 1730년대에는 그의 작품에 부엌 도구를 도입했다(''구리 물통'', 루브르 박물관). 곧 인물들이 그의 그림에 등장했는데, 아마도 한 초상화가가 그에게 풍속화를 그려보라고 도전한 데 대한 반응으로 보인다.[17] ''편지를 봉하는 여인''(약 1733년)이 그의 첫 시도였을 가능성이 있다.[18] 그 후 ''기도하는 아이들''에서처럼 식사 전 기도를 하는 아이들의 반신상과 잠시 생각에 잠긴 주방 하녀들이 이어졌다. 이러한 소박한 장면들은 단순하고 일상적인 활동을 다루지만, 그동안 그림의 가치 있는 주제로 여겨지지 않았던 프랑스 사회의 한 계층에 대한 기록 정보의 원천 역할도 해왔다.[19] 그림들은 형식적인 구조와 그림적 조화로 주목할 만하다.[9] 샤르댕은 그림에 대해 "누가 색으로 그림을 그린다고 했습니까? 색을 '사용'하지만, 느낌으로 그림을 그립니다."라고 말했다.[20]
아이가 놀고 있는 모습은 샤르댕이 가장 좋아하는 소재였다. 그는 적어도 네 번 이상 카드 집을 짓는 십대를 묘사했다. 와데스던 매너에 있는 작품이 가장 정교하다. 이러한 장면들은 17세기 네덜란드의 바니타스 작품에서 유래되었는데, 이 작품들은 덧없는 인생의 본질과 물질적 야망의 무가치함에 대한 메시지를 담고 있었지만, 샤르댕의 작품은 그 자체로 어린 시절의 덧없는 단계에 대한 기쁨을 보여준다.[21]
샤르댕은 자신의 작품, 특히 풍속화의 복제품을 자주 그렸는데, 거의 모든 작품이 여러 버전으로 존재하며, 많은 경우 거의 구별할 수 없다.[22] ''여자 가정교사''(1739년, 캐나다 국립 미술관, 오타와)부터 샤르댕은 노동 계급의 주제에서 부르주아 생활의 조금 더 넓은 장면으로 관심을 돌렸다.[23]
3. 4. 화풍
샤르댕의 입선작 --는 주제는 빈약하나, 강렬한 색채와 미묘한 구성으로 그 위대성을 나타낸 작품이다. 그 후 그는 성실과 정적에 가득 찬 프랑스 사람들의 가정 생활을 그렸다. 필치는 면밀하고 무게가 있으며, 화면은 기름지고 풍부하여 신비로운 아름다움을 풍긴다. 색채도 교묘히 사용하여 명암의 색조를 아름답게 표현하였다. 대표작으로는 --, -- 등이 있다.샤르댕은 매우 느리게 작업하여 총 200점이 조금 넘는 그림(연평균 약 4점)만 그렸다.[16]
샤르댕의 작품은 18세기 프랑스 미술을 지배했던 로코코 회화와는 거의 공통점이 없었다. 당시 역사화가 공공 미술의 최고 등급으로 여겨졌던 시대에, 샤르댕이 선택한 주제들은 하찮은 범주로 여겨졌다.[9] 그는 단순하면서도 아름다운 질감의 정물화와 감각적으로 다룬 가정 내부 및 풍속화를 선호했다. 단순하고 심지어는 삭막하기까지 한 평범한 가정 용품 그림(''담배 파이프가 있는 정물'')과 감상적인 방식이 아닌 어린이의 순수함을 놀라울 정도로 잘 묘사하는 능력(''팽이를 가지고 노는 소년'')은 그 당시에도 많은 사람들에게 감탄을 받았으며, 그의 시대를 초월하는 매력을 설명해준다.
대체로 독학으로 그림을 배운 샤르댕은 17세기 저지대 거장들의 사실주의와 주제에 큰 영향을 받았다. 급부상하는 부르주아를 비전통적인 방식으로 묘사했음에도 불구하고, 초기에는 루이 15세를 포함한 프랑스 귀족들의 후원을 받았다. 그의 인기는 처음에는 동물과 과일 그림에 기반을 두었지만, 1730년대에는 그의 작품에 부엌 도구를 도입했다(''구리 물통''). 곧 인물들이 그의 그림에 등장했는데, 아마도 한 초상화가가 그에게 풍속화를 그려보라고 도전한 데 대한 반응으로 보인다.[17] ''편지를 봉하는 여인''(약 1733년)이 그의 첫 시도였을 가능성이 있다.[18] 그 후 ''기도하는 아이들''에서처럼 식사 전 기도를 하는 아이들의 반신상과 잠시 생각에 잠긴 주방 하녀들이 이어졌다. 이러한 소박한 장면들은 단순하고 일상적인 활동을 다루지만, 그동안 그림의 가치 있는 주제로 여겨지지 않았던 프랑스 사회의 한 계층에 대한 기록 정보의 원천 역할도 해왔다.[19] 그림들은 형식적인 구조와 그림적 조화로 주목할 만하다.[9] 샤르댕은 그림에 대해 "누가 색으로 그림을 그린다고 했습니까? 색을 '사용'하지만, 느낌으로 그림을 그립니다."라고 말했다.[20]
아이가 놀고 있는 모습은 샤르댕이 가장 좋아하는 소재였다. 그는 적어도 네 번 이상 카드 집을 짓는 십대를 묘사했다. 와데스던 매너에 있는 작품이 가장 정교하다. 이러한 장면들은 17세기 네덜란드의 바니타스 작품에서 유래되었는데, 이 작품들은 덧없는 인생의 본질과 물질적 야망의 무가치함에 대한 메시지를 담고 있었지만, 샤르댕의 작품은 그 자체로 어린 시절의 덧없는 단계에 대한 기쁨을 보여준다.[21]
샤르댕은 자신의 작품, 특히 풍속화의 복제품을 자주 그렸는데, 거의 모든 작품이 여러 버전으로 존재하며, 많은 경우 거의 구별할 수 없다.[22] ''여자 가정교사''(1739년, 캐나다 국립 미술관, 오타와)부터 샤르댕은 노동 계급의 주제에서 부르주아 생활의 조금 더 넓은 장면으로 관심을 돌렸다.[23] 약 200점[7]에 달하는 샤르댕의 현존하는 그림들은 루브르 박물관을 포함한 많은 주요 박물관에 소장되어 있다.
로코코 미술이 전성기를 이룬 18세기 프랑스에서 활동한 화가이지만, 그의 화풍은 달콤하고 향락적인 로코코 양식과는 확연히 구분되며, 온화한 화풍으로 중산층의 소박한 삶이나 정물화를 계속 그렸다. 디드로조차 1769년 살롱 평론에서 "샤르댕은 역사화가는 아니지만, 위대한 화가이다"라고 적고 있다.[32]
샤르댕의 작품에는 일상적이고 현실적인 소재와 생생한 묘사에 17세기 네덜란드 회화의 영향이 현저하게 나타나 활동 당시부터 플랑드르 회화에 비유되곤 했다. 또한 그의 화면 구성과 명암 묘사는 종종 후기 인상파의 선구자라고 묘사되기도 한다.[33]
말년에 그린 몇몇 자화상에는 화가의 성실한 모습이 잘 나타나 있다.
3. 5. 제작 기법
샤르댕은 매우 느리게 작업하여 총 200점이 조금 넘는 그림(연평균 약 4점)만 그렸다.[16] 그의 작품은 18세기 프랑스 미술을 지배했던 로코코 회화와는 거의 공통점이 없었다. 당시 역사화가 공공 미술의 최고 등급으로 여겨졌던 시대에, 샤르댕이 선택한 주제들은 하찮은 범주로 여겨졌다.[9] 그는 단순하면서도 아름다운 질감의 정물화와 감각적으로 다룬 가정 내부 및 풍속화를 선호했다.대체로 독학으로 그림을 배운 샤르댕은 17세기 저지대 거장들의 사실주의와 주제에 큰 영향을 받았다. 급부상하는 부르주아를 비전통적인 방식으로 묘사했음에도 불구하고, 초기에는 루이 15세를 포함한 프랑스 귀족들의 후원을 받았다. 1730년대에는 부엌 도구를 작품에 도입했으며(''루브르 박물관 소장 구리 물통''), 곧 인물들이 그의 그림에 등장했는데, 아마도 한 초상화가가 그에게 풍속화를 그려보라고 도전한 데 대한 반응으로 보인다.[17] ''편지를 봉하는 여인''(약 1733년)이 그의 첫 시도였을 가능성이 있다.[18]
샤르댕의 그림들은 형식적인 구조와 그림적 조화로 주목할 만하다.[9] 샤르댕은 그림에 대해 "누가 색으로 그림을 그린다고 했습니까? 색을 '사용'하지만, 느낌으로 그림을 그립니다."라고 말했다.[20]
샤르댕은 자신의 작품, 특히 풍속화의 복제품을 자주 그렸는데, 거의 모든 작품이 여러 버전으로 존재하며, 많은 경우 거의 구별할 수 없다.[22]
4. 작품의 영향과 의의
샤르댕은 19세기 프랑스 화단뿐만 아니라 에두아르 마네, 폴 세잔, 앙리 마티스, 샤임 수틴, 조르주 브라크, 조르조 모란디 등 현대 미술 전반에 걸쳐 광범위하게 영향을 미쳤다.[25] 특히 마티스는 샤르댕을 가장 존경하는 화가 중 한 명으로 꼽으며 그의 작품을 복사하기도 했다.[26]
마르셀 프루스트는 소설 ''잃어버린 시간을 찾아서''에서 샤르댕의 작품을 언급하며, 이를 통해 일상생활에서의 아름다움을 발견하는 것에 대해 이야기한다.
4. 1. 19세기 프랑스 화단에 미친 영향
1860년에 에콜 프랑스(L'Ecole française)에 샤르댕의 정물화와 인물화 총 41점이 전시되면서, 샤르댕의 작품세계를 한눈에 볼 수 있는 계기가 처음으로 마련되었다. 19세기 중반의 프랑스 화가들인 프랑수아 보뱅, 필리프 루소, 앙투안 볼롱 등은 이 전시에서 적지 않은 감화를 받은 것으로 알려져 있다. 1863년 공쿠르 형제가 예술잡지 가제트에 샤르댕에 관한 논문을 발표하면서 샤르댕은 19세기 말 프랑스 화단에서 재발견 및 평가되었으며, 특히 루브르 박물관이 샤르댕의 작품을 구입하는 데 결정적인 동기가 되었다.[24]
세잔은 말년에 인상주의 화풍에서 점차 멀어지면서 정물화를 중점적으로 그렸는데(약 200여 점), 이는 잘 알려진 사실이다. 물론 세잔은 인상주의 화가 마네와 사실주의 화가 쿠르베의 영향 아래에서 자신만의 정물화 세계를 발견했지만, 역사적으로 세잔의 정물화는 샤르댕의 정물화 없이는 생겨날 수 없었다. 에두아르 마네의 반신상 ''비눗방울을 부는 소년''과 폴 세잔의 정물화는 모두 샤르댕에게 빚지고 있다.[25] 앙리 마티스는 샤르댕을 가장 존경하는 화가 중 한 명으로 꼽았으며, 미술 학생 시절 루브르 박물관에 있는 샤르댕의 그림 네 점을 복사하기도 했다.[26] 샤임 수틴의 정물화와 조르주 브라크, 그리고 후대의 조르조 모란디의 그림 역시 샤르댕에게서 영감을 받았다.[25] 1999년 루시안 프로이드는 ''젊은 여교사''(런던 국립미술관)를 여러 점 복사하여 그림과 에칭 작품을 제작했다.[27]
4. 2. 현대 미술에 미친 영향
세잔이 말년에 인상주의 화풍에서 점차 멀어지면서 정물화를 중점적으로 그린 것은 잘 알려져 있다. 세잔은 인상주의 화가 마네와 사실주의 화가 쿠르베의 영향 아래에서 자신만의 정물화 세계를 발견했지만, 역사적으로 세잔의 정물화는 샤르댕의 정물화 없이는 생겨날 수 없었다. 1860년에 에콜 프랑스 (L'Ecole française)에 총 41점의 샤르댕의 정물화와 인물화가 전시되면서 샤르댕의 작품세계를 한눈에 볼 수 있는 계기가 마련되었다. 여기에서 19세기 중반의 프랑스 화가 프랑수아 보뱅, 필리프 루소, 앙투안 볼롱 등이 적지 않은 영향을 받은 것으로 알려져 있다.[24] 1863년 공쿠르 형제가 예술잡지 가제트에 샤르댕에 관한 논문을 발표함으로써 샤르댕은 19세기 말에 프랑스 화단에서 재발견 및 평가되었으며, 특히 루브르 박물관에서 샤르댕의 작품을 구입하는 데 결정적인 동기가 되었다.샤르댕의 영향은 현대 미술에 광범위하게 미쳤다. 에두아르 마네(Édouard Manet)의 반신상 ''비눗방울을 부는 소년''과 폴 세잔(Paul Cézanne)의 정물화는 모두 샤르댕의 영향을 받았다.[25] 그는 앙리 마티스(Henri Matisse)가 가장 존경하는 화가 중 한 명이었으며, 마티스는 미술 학생 시절 루브르 박물관(Louvre)에 있는 샤르댕의 그림 네 점을 복사했다.[26] 샤임 수틴(Chaïm Soutine)의 정물화는 샤르댕에게 영감을 받았으며, 조르주 브라크(Georges Braque)와 후대의 조르조 모란디(Giorgio Morandi)의 그림도 마찬가지다.[25] 1999년 루시안 프로이드(Lucian Freud)는 ''젊은 여교사''(런던 국립미술관(National Gallery, London))를 여러 점 복사하여 그림과 에칭 작품을 제작했다.[27]
마르셀 프루스트(Marcel Proust)는 ''잃어버린 시간을 찾아서''(''À la recherche du temps perdu'')의 "눈을 어떻게 뜨는가?" 장에서, 소박한 아침 식탁에 앉아 있는 우울한 젊은 남자를 묘사한다. 그가 찾는 유일한 위안은 루브르 박물관의 걸작들에 묘사된 아름다움에 대한 상상 속의 생각들로, 화려한 궁전, 부유한 왕자 등을 만들어낸다. 작가는 젊은 남자에게 루브르 박물관의 다른 구역으로 자신을 따라오라고 말하는데, 그곳에서 샤르댕의 그림들을 볼 수 있다. 거기서 그는 집에서의 정물과 순무 껍질 벗기기와 같은 일상 활동에서 아름다움을 발견할 것이다.
4. 3. 문학 작품과의 연관성
샤르댕의 영향은 현대 미술에 광범위하게 미쳤으며 잘 기록되어 있다.[24] 에두아르 마네의 반신상 '비눗방울을 부는 소년'과 폴 세잔의 정물화는 모두 그에게 빚지고 있다.[25] 그는 앙리 마티스가 가장 존경하는 화가 중 한 명이었으며, 마티스는 미술 학생 시절 루브르 박물관에 있는 샤르댕의 그림 네 점을 복사했다.[26] 샤임 수틴의 정물화는 샤르댕에게 영감을 받았으며, 조르주 브라크와 후대의 조르조 모란디의 그림도 마찬가지다.[25] 1999년 루시안 프로이드는 ''젊은 여교사''(런던 국립미술관)를 여러 점 복사하여 그림과 에칭 작품을 제작했다.[27]마르셀 프루스트는 ''잃어버린 시간을 찾아서''(À la recherche du temps perdu)의 "눈을 어떻게 뜨는가?" 장에서, 소박한 아침 식탁에 앉아 있는 우울한 젊은 남자를 묘사한다. 그가 찾는 유일한 위안은 루브르 박물관의 걸작들에 묘사된 아름다움에 대한 상상 속의 생각들로, 화려한 궁전, 부유한 왕자 등을 만들어낸다. 작가는 젊은 남자에게 루브르 박물관의 다른 구역으로 자신을 따라오라고 말하는데, 그곳에서 샤르댕의 그림들을 볼 수 있다. 거기서 그는 집에서의 정물과 순무 껍질 벗기기와 같은 일상 활동에서 아름다움을 발견할 것이다.
5. 대표작
샤르댕의 입선작인 붉은 가오리는 주제는 빈약하지만, 강렬한 색채와 미묘한 구성이 돋보이는 작품이다.[1] 그 후 샤르댕은 성실하고 정적인 프랑스 사람들의 가정 생활을 주로 그렸다.[1] 그의 필치는 면밀하고 무게가 있으며, 화면은 기름지고 풍부하여 신비로운 아름다움을 풍긴다.[1] 또한 색채를 교묘하게 사용하여 명암의 색조를 아름답게 표현하였다.[1]
샤르댕의 주요 작품은 다음과 같다:
- 붉은 가오리 (La Raie): 루브르 박물관 소장[1]
- 식전의 기도 (La bénédicité): 루브르 박물관(1740년), 에르미타주 박물관(1744년) 소장
- 아침 준비(실내복) (La toilette du matin): 스톡홀름 국립미술관 소장
- 팽이치는 소년 (L'Enfant au toton): 루브르 박물관 소장
- 훌륭한 교육 (La bonne éducation): 휴스턴 미술관 소장
- 편지를 봉하는 여인 (Femme occupée à cacheter une lettre): 샤를로텐부르크 궁전 소장
- 셔틀콕을 든 소녀 (Fillete au volant):
- 빨래하는 여인 (Blanchisseuse): 스톡홀름 국립미술관, 에르미타주 박물관 소장
- 여자 가정교사 (La gouvernante): 캐나다 국립미술관 소장
- 일하는 어머니 (La mère laborieuse): 루브르 박물관 소장
- 담배 파이프 (La Tabagie): 루브르 박물관 소장
- 카드 성 (Le château de cartes): 내셔널 갤러리(워싱턴) 소장
- 장보고 돌아온 하녀 (La pourvoyeuse): 루브르 박물관 소장
- 비눗방울 놀이 (Bulles de savon): 메트로폴리탄 미술관 (1733-34년), 내셔널 갤러리(워싱턴) (1739년 이전), 로스앤젤레스 카운티 미술관 (1739년 이후) 소장
| 작품명 | 제작 연도 | 기법 | 크기 (cm) | 소장처 |
|---|---|---|---|---|
| -- | 1727년경 | 캔버스에 유채 | 81 x 65 | 루브르 박물관 |
| -- | 1727년 | 캔버스에 유채 | 114.5 x 146 | 루브르 박물관 |
| -- | 1728년경 | 캔버스에 유채 | 55.7 x 46 | 카를스루에 국립미술관 |
| -- | 1731년 | 캔버스에 유채 | 141 x 219 | 자크마르-앙드레 미술관 |
| -- | 1733년 | 캔버스에 유채 | 146 x 147 | 샤를로텐부르크 궁전 |
| -- | 1733-1734년경 | 캔버스에 유채 | 93 x 74.6 | 국립미술관(워싱턴 D.C.) |
| -- | 1734년경 | 캔버스에 유채 | 41 × 47 | 도쿄 후지 미술관 |
| -- | 1737년 | 캔버스에 유채 | 80 x 65 | 루브르 박물관 |
| -- | 1738년경 | 캔버스에 유채 | 46.2 x 37 | 알테 피나코테크 |
| -- | 1738-39년 | 캔버스에 유채 | 47 x 38 | 루브르 박물관 |
| -- | 1739년 | 캔버스에 유채 | 47 x 38 | 캐나다 국립미술관 |
| -- | 1741년 | 캔버스에 유채 | 64.5 x 76.5 | 상파울루 미술관 |
| -- | 1744년 | 캔버스에 유채 | 50 x 38 | 에르미타주 박물관 |
| -- | 1747년 | 캔버스에 유채 | 46.2 x 37 | 국립미술관(워싱턴 D.C.) |
| -- | 1753년경 | 캔버스에 유채 | 43 x 47.3 | 휴스턴 미술관 |
| -- | 1756년 | 캔버스에 유채 | 38 × 46 | 카르카손 미술관 |
| -- | 1760년경 | 캔버스에 유채 | 38 x 46 | 개인 소장 |
| -- | 1763년 | 캔버스에 유채 | 47 x 56 | 루브르 박물관 |
| -- | 1765년 | 캔버스에 유채 | 32.4 x 41.9 | 크라이슬러 미술관 |
| -- | 1766년 | 캔버스에 유채 | 112 x 140.5 | 에르미타주 박물관 |
| -- | 1768년 | 캔버스에 유채 | 32 x 39 | 루브르 박물관 |
| -- | 1769년 | 캔버스에 유채 | 68.6 x 58.4 | J. 폴 게티 미술관 |
참조
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