정물화
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1. 개요
정물화는 무생물을 소재로 그린 회화의 한 장르이다. 고대 이집트 시대부터 제작되었으며, 고대 로마 시대에는 벽화와 모자이크 형태로 발전했다. 중세와 르네상스 시대에는 종교적 의미를 담은 부속물로 사용되었고, 16세기에는 독립적인 장르로 발전하여 유럽 전역에서 인기를 얻었다. 17세기에는 네덜란드에서 특히 번성하여 다양한 유형의 정물화가 등장했으며, 스페인에서는 보데곤이라는 독특한 스타일이 나타났다. 18세기에는 프랑스를 중심으로 로코코 양식의 정물화가 유행했고, 19세기에는 인상주의와 후기 인상주의 화가들이 정물화를 새로운 시각으로 탐구했다. 20세기에는 입체파, 다다이즘, 초현실주의 등 다양한 아방가르드 운동의 영향을 받아 추상적인 형태로 발전했으며, 팝 아트와 포토 리얼리즘을 거쳐 현대 미술에 이르기까지 다양한 형태로 존재한다. 한국의 정물화는 개화기부터 일제강점기를 거쳐 현재까지 발전해왔으며, 주요 화가와 작품들이 존재한다.
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| 정물화 | |
|---|---|
| 일반 정보 | |
 | |
| 다른 이름 | 정지된 삶 |
| 유형 | 회화 |
| 주제 | 무생물 |
| 역사 | |
| 기원 | 고대 |
| 발전 | 르네상스 시대 |
| 특징 | |
| 묘사 대상 | 죽은 동물 과일 꽃 유리 제품 |
| 목적 | 장식 상징적 의미 전달 |
| 예시 | |
| 유명한 화가 | 얀 브뤼헐 1세 암브로시우스 보스하르트 클라라 페테르스 빌럼 칼프 피터르 클라스존 얀 다비츠존 더 헤임 라헬 뤼이스 폴 세잔 빈센트 반 고흐 조르조 모란디 |
2. 역사
정물화는 프랑스어 명칭에서 알 수 있듯이, 자연환경과 분리된 장소에서 스스로 움직이지 않는 물체를 화가의 미적 시각에 따라 화폭에 담는 그림의 한 형태이다. 르네상스 시대가 끝나갈 무렵, 미술 시장은 귀족과 고위 성직자뿐만 아니라 부유한 부르주아와 상인 계급까지 포함하며 확대되었다. 이러한 변화는 새로운 주제를 도입하는 기회가 되었고, 인간 없이 생명이 없는 사물만을 그리는 정물화가 독자적인 장르로 자리 잡았다. 이 장르는 재능 있는 전문가들의 작품으로 인해 그 자체의 위엄을 갖추게 되었고, 곧 새로운 의뢰인들의 인기를 얻게 되었다.[76]
이 시기 정물화는 유럽 전반, 특히 북유럽 국가에서 두드러지게 발전했다.[76] 16세기에는 음식과 꽃이 계절과 오감의 상징으로 다시 등장했다. 1600년경에는 현대 정물화가 거의 동시에 창조되었다.[24][25] 17세기에는 정물화가 저지대 국가에서 별개의 범주로 발전했으며,[27] 영어 용어 'still life'는 네덜란드어 단어 ''stilleven''에서 유래되었다. 18세기에는 17세기의 양식이 계승 및 발전되었지만, 제작량은 감소했다. 19세기에는 유럽 아카데미, 특히 프랑스 아카데미의 부상으로 정물화가 점차 쇠퇴하기 시작했다. 그러나 인상주의와 후기 인상주의 화가들이 부상하면서 정물화는 다시금 예술가들에 의해 열정적으로 제작되었다. 20세기와 21세기 동안, 정물의 개념은 회화의 전통적인 2차원 예술 형태를 넘어 비디오 아트, 조각, 퍼포먼스, 설치와 같은 3차원 예술 형태로 확장되었다.
2. 1. 고대
정물화는 종종 고대 이집트 무덤의 내부를 장식했다. 거기에 묘사된 음식과 다른 물건들이 사후 세계에서 진짜가 되어 죽은 자가 사용할 수 있게 될 것이라고 믿었다. 고대 그리스의 항아리 그림 또한 일상적인 물건과 동물을 묘사하는 데 뛰어난 기술을 보여준다. 플리니우스 (대 플리니우스)는 "이발소, 구두 수선점, 당나귀, 식료품 및 이와 유사한 주제"와 같은 "낮은" 주제의 패널 화가로 페이라이코스를 언급했다. 이 주제는 모자이크 버전과 폼페이의 지방 벽화에서 찾아볼 수 있다.[4]
비슷한 정물화는 의도가 더 단순하게 장식적이지만 사실적인 원근법을 가지고 있으며, 과일이 담긴 유리 그릇의 친숙한 모티프를 포함하여 폼페이, 헤르쿨라네움 및 빌라 보스코레알레에서 발굴된 고대 로마 벽화와 바닥 모자이크에서도 발견되었다. 부유한 로마인들의 집에서 발견된 "엠블레마"라는 장식 모자이크는 상류층이 즐겨 먹는 음식의 종류를 보여주고, 환대의 표식, 계절과 삶을 기념하는 역할도 했다.[5]
16세기에는 음식과 꽃이 다시 계절과 오감의 상징으로 등장했다. 로마 시대부터 시작된 전통은 죽음과 세속적인 유해의 상징으로 해골을 그림에 사용하는 것이며, 종종 "Omnia mors aequat"(죽음은 모든 것을 평등하게 만든다)라는 문구가 함께 사용된다.[6] 이 바니타스 이미지는 1600년경 네덜란드 화가들을 시작으로 지난 400년간 미술사를 통해 재해석되었다.[7]
정물화의 사실성에 대한 대중적인 인식은 고대 그리스의 제욱시스와 파라시우스 전설과 관련이 있으며, 그들은 한때 가장 생생한 물체를 만들기 위해 경쟁했다고 한다. 이것이 역사상 최초의 ''트롱프뢰유'' 그림에 대한 묘사이다.[8] 플리니우스 (대 플리니우스)는 고대 로마 시대에 수 세기 전 그리스 예술가들이 이미 초상화, 풍속화, 정물화 분야에서 발전했다고 기록했다. 그는 페이라이코스를 특별히 언급하며, "그의 예술성은 극소수의 사람들만이 능가한다... 그는 이발소와 구두 수선점, 당나귀, 채소 등을 그렸고, 그 때문에 '저속한 주제의 화가'라고 불리게 되었지만, 이 작품들은 매우 즐겁고 다른 많은 예술가들의 가장 위대한 [그림]보다 더 높은 가격에 팔렸다."라고 말했다.[9] 고대 로마 제국, 기원 1세기의 폼페이 유적에서 높이 90cm 이상의 대형 정물화 벽화가 여러 점 출토되어 당시부터 정물화가 제작되었음을 알 수 있다. 그러나 이 전통은 로마 제국의 붕괴와 함께 잠시 중단된다.
2. 2. 중세와 르네상스
1300년경, 조토 디 본돈과 그의 제자들을 시작으로 정물화는 일상적인 물건을 묘사한 종교적 벽화의 허구적 공간 형태로 부활했다.[11] 중세 시대와 르네상스를 거치면서 서양 미술의 정물화는 주로 기독교 종교 주제의 부속물로 남아 종교적, 우의적 의미를 담고 있었다. 이는 특히 북유럽 예술가들의 작품에서 두드러졌는데, 이들은 매우 상세한 시각적 사실주의와 상징성에 매료되어 그림의 전반적인 메시지에 큰 주의를 기울였다.[12] 얀 반 에이크와 같은 화가들은 정물화 요소를 도상학적 프로그램의 일부로 자주 사용했다.중세 후기에 꽃을 비롯한 동물, 때로는 무생물 등 정물화 요소들이 채색 필사본의 테두리에 점점 더 사실적으로 그려졌으며, 더 큰 이미지를 그리는 화가들이 사용할 모델과 기술적 발전을 이루었다. 필사본용 소품을 제작하는 예술가와 패널 그림을 그리는 예술가 사이에는 상당한 중복이 있었으며, 특히 초기 네덜란드 회화에서 그러했다. 1440년경 위트레흐트에서 제작된 것으로 보이는 《클레브의 카타리나 시편》은 이러한 경향의 뛰어난 예시 중 하나로, 특정 시점에서 텍스트나 주요 이미지를 보완하기 위해 선택된 동전, 그물 등 다양한 물건이 테두리에 등장한다. 15세기 후반의 플랑드르 공방은 테두리 요소의 자연주의를 더욱 발전시켰다. 고딕 밀플뢰르 태피스트리 또한 식물과 동물의 정확한 묘사에 대한 일반적인 관심이 증가했음을 보여주는 또 다른 예이다. 《귀부인과 유니콘》 연작은 가장 잘 알려진 예로, 1500년경 파리에서 디자인된 후 플랑드르에서 제작되었다.
얀 반 에이크와 다른 북유럽 예술가들이 개발한 유화 기법은 유색 물감의 느린 건조, 혼합 및 겹치기 특성으로 인해 이러한 극사실주의 방식으로 일상적인 물건을 그릴 수 있게 했다.[13] 종교적 의미에서 벗어난 초기 사례 중에는 자연에 대한 끊임없는 탐구의 일환으로 과일의 수채화 연구(1495년경)를 한 레오나르도 다 빈치와 식물과 동물의 정밀한 채색 드로잉을 한 알브레히트 뒤러가 있다.[14]
페트루스 크리스투스가 금세공인을 방문하는 신랑 신부를 그린 초상화는 종교적 내용과 세속적 내용을 모두 묘사하는 과도기적 정물화의 전형적인 예이다. 메시지는 주로 우의적이지만, 부부의 모습은 사실적이고, 묘사된 물건(동전, 용기 등)은 정확하게 그려져 있지만, 금세공인은 실제로 성 엘리우스의 묘사이며 물건들은 매우 상징적이다. 또 다른 유사한 유형의 그림은 인물과 잘 차려진 음식 테이블을 결합한 가족 초상화로, 이는 인간 피사체의 경건함과 신의 풍요에 대한 감사를 상징한다.[15] 이 시기 무인물 정물화(우의적 의미는 제외)가 사적인 경건한 그림의 셔터 바깥쪽에 그려지기 시작했다. 자율적인 정물화로 가는 또 다른 단계는 1475년경 세속적인 초상화의 뒷면에 꽃병에 담긴 상징적인 꽃을 그리는 것이었다.[16] 야코포 데 바르바리는 《자고새와 건틀릿이 있는 정물》(1504)을 통해 한 단계 더 나아갔는데, 이 작품은 서명과 날짜가 있는 가장 초기의 트롱프뢰유 정물화 중 하나로 종교적 내용은 최소한으로 담고 있다.[17]
2. 3. 17세기: 정물화의 황금기
르네상스가 끝나갈 무렵, 미술 시장은 귀족과 고위 성직자뿐만 아니라 부유한 부르주아와 상인 계급까지 포함하며 확대되었다. 이러한 변화는 새로운 주제를 도입하는 기회가 되었고, 인간 없이 생명이 없는 사물만을 그리는 정물화가 독자적인 장르로 자리 잡았다. 이 장르는 재능 있는 전문가들의 작품으로 인해 그 자체의 위엄을 갖추게 되었고, 곧 새로운 의뢰인들의 인기를 얻게 되었다.[76]1600년 이후 대부분의 정물화는 비교적 작은 그림이었지만, 피터 아르트센의 ''자선을 베푸는 성가족이 있는 고기 상점''(1551년, 웁살라)과 같이 인물과 동물을 포함한 방대한 정물 소재를 담은 대형 그림인 "기념비적인 정물화" 전통이 앤트워프를 중심으로 발전했다. 아르트센의 조카 요아힘 베우켈라르의 "정육점"(1568년)은 전경에 날고기를 사실적으로 묘사하고, 배경 장면은 음주와 색욕의 위험을 전달한다. 이러한 대규모 정물화는 북부와 남부의 분리 후에도 플랑드르 회화에서 계속 발전했지만, 네덜란드 회화에서는 드물었다.[18]
종교적 내용은 점차 줄어들었지만, 도덕적 교훈은 하위 맥락으로 계속되었다.[19] 안니발 카라치의 ''정육점''(1583년)은 이러한 시대의 다른 "부엌과 시장" 정물화와 달리 도덕적 메시지를 제거하기 시작했다.[20] 빈첸초 캄피는 1570년대에 앤트워프 스타일을 이탈리아에 도입했을 것으로 추정된다. 이 전통은 다음 세기에도 계속되었으며, 루벤스는 정물화와 동물의 요소를 주로 프란스 스네이데르스와 그의 제자 얀 피트와 같은 전문 화가에게 하청했다. 16세기 후반에 자율적인 정물화가 발전했다.[21]
16세기에는 자연 세계에 대한 관심이 폭발적으로 증가하고 신세계와 아시아의 발견을 기록한 식물 백과사전이 제작되었다. 또한 과학적 삽화와 표본 분류가 시작되었다. 자연물은 종교적 또는 신화적 연관성에서 벗어나 개별 연구 대상으로 인식되기 시작했다. 약초 요법의 초기 과학도 시작되었으며, 부유한 후원자들은 동물 및 광물 표본 수집을 후원하여 광범위한 호기심의 방을 만들었다. 이 표본들은 사실주의와 참신함을 추구하는 화가들의 모델 역할을 했다. 조개, 곤충, 이국적인 과일, 꽃이 수집 및 거래되기 시작했으며, 튤립과 같은 새로운 식물(터키에서 유럽으로 수입)이 정물화에서 찬사를 받았다.[22]
원예의 폭발은 유럽에서 광범위한 관심을 받았고, 예술가들은 이를 이용하여 수천 점의 정물화를 제작했다. 특히 감귤류의 묘사는 이탈리아 피렌체의 메디치 궁정의 특별한 열정이었다.[23] 이러한 자연 표본의 대규모 확산과 유럽 전역에서 자연 삽화에 대한 관심이 증가하면서, 1600년경에 현대 정물화가 거의 동시에 창조되었다.[24][25]
세기 초 스페인 화가 후안 산체스 코탄은 채소의 엄격하고 평온한 그림으로 스페인 정물화를 개척했다.
안드레아 사키와 같은 17세기 초의 저명한 아카데미 회원들은 풍속화와 정물화가 위대한 그림으로 여겨질 만한 "중대성"을 지니지 못한다고 생각했다. 1667년 프랑스 고전주의의 역사가이자 건축가, 이론가인 앙드레 펠리비앵은 장르 위계 이론을 발표했는데, 그 내용은 다음과 같다.
> 완벽한 풍경화를 그리는 사람은 과일, 꽃 또는 조개껍데기만 그리는 사람보다 우월하다. 살아있는 동물을 그리는 사람은 움직임이 없는 죽은 것들만 표현하는 사람들보다 더 존경받을 만하다. 그리고 인간의 모습은 지구상에서 신의 가장 완벽한 작품이므로, 인간의 모습을 그림으로써 신을 모방하는 사람이 다른 모든 사람들보다 훨씬 더 훌륭하다...[26]
정물화는 16세기 마지막 4분기에 저지대 국가에서 별개의 범주로 발전했다.[27] 영어 용어 'still life'는 네덜란드어 단어 ''stilleven''에서 유래되었다. 15세기 초기 네덜란드 회화는 패널화와 삽화 필사본 모두에서 매우 환상적인 기술을 개발했는데, 경계선에는 종종 꽃, 곤충, 그리고 다양한 물체가 정교하게 전시되었다. 삽화 필사본이 인쇄된 책으로 대체되면서, 동일한 기술이 나중에 과학적 식물 삽화에 사용되었다. 저지대 국가는 식물학과 예술에서의 묘사 모두에서 유럽을 선도했다. 플랑드르 화가 요리스 호프나겔은 황제 루돌프 2세를 위해 꽃과 기타 정물 주제의 수채화와 구아슈 그림을 그렸으며, 한스 콜라르트의 ''꽃꽂이''와 같은 책을 위한 많은 판화 삽화가 있었다. 이 책은 1600년에 플랜틴 출판사에서 출판되었다.[28]
1600년경에는 유채로 그린 꽃 그림이 유행했다. 카렐 반 만데르는 몇몇 작품을 직접 그렸고, 코르넬리스 반 하를렘과 같은 다른 북부 매너리스트 예술가들도 그렇게 했다는 기록이 있다. 남부 네덜란드에서 활동한 주요 전문가인 얀 브뤼헐 더 아우더와 암브로시우스 보스차르트가 그린 작품은 많이 남아 있다.[29]
북부의 예술가들이 종교적 도상학을 제작할 기회가 제한되었지만, 자세한 현실주의와 숨겨진 상징의 전통은 네덜란드의 주요 예술 후원자로서 교회와 국가를 대체하고 있던 성장하는 네덜란드 중산층의 관심을 끌었다. 특히 네덜란드의 튤립 광은 꽃에 대한 열정을 더했다. 꽃에 대한 미적, 종교적 관점은 이 유형의 정물화에 대한 매우 강력한 시장을 창출했다.[30] 정물화는 일반적으로 노천 시장이나 딜러를 통해, 또는 화가들이 자신의 작업실에서 판매되었으며, 의뢰되는 경우는 드물었다. 따라서 예술가들은 주제와 구성을 자유롭게 선택했다.[31] 이러한 유형의 정물화는 매우 인기가 있어서, 네덜란드 꽃 그림의 기술은 1740년 제라르 드 라이레스의 논문 ''Groot Schilderboeck''에 코드화되었다.[32]
꽃의 언어에 담긴 상징주의는 초기 기독교 시대 이후 진화했다. 가장 흔한 꽃과 그 상징적 의미는 다음과 같다.
| 꽃 | 상징적 의미 |
|---|---|
| 장미 | 성모 마리아, 덧없음, 비너스, 사랑 |
| 백합 | 성모 마리아, 순결, 여성의 가슴, 마음의 순수함 또는 정의 |
| 튤립 | 화려함, 고귀함 |
| 해바라기 | 충실함, 신성한 사랑, 헌신 |
| 제비꽃 | 겸손, 자제, 겸손 |
| 매발톱 | 우울 |
| 양귀비 | 힘, 수면, 죽음 |
곤충의 경우, 나비는 변화와 부활을 나타내고, 잠자리는 덧없음을 상징하며, 개미는 수고와 수확에 대한 관심을 상징한다.[33]
플랑드르와 네덜란드 예술가들은 고대 그리스 정물화 전통인 ''트롱프뢰유''를 부활시켰는데, 특히 자연의 모방 또는 ''미메시스''를 부활시켰으며, 이를 ''bedriegertje''("작은 속임수")라고 불렀다.[8] 이러한 유형의 정물화 외에도, 네덜란드 예술가들은 "주방과 시장" 그림, 아침 식사 및 음식 테이블 정물화, 바니타스 그림 및 알레고리적 수집 그림을 식별하고 별도로 개발했다.[34]
가톨릭 남부 네덜란드에서는 화환 그림이라는 장르가 개발되었다. 1607–1608년경, 안트베르펜의 예술가 얀 브뤼헐 더 아우더와 헨드릭 반 발렌은 무성한 정물 화환으로 둘러싸인 이미지(보통 경건한)로 구성된 이 그림들을 만들기 시작했다. 이 그림들은 정물화와 인물 화가라는 두 명의 전문가 간의 협업이었다. 다니엘 세헤르스는 이 장르를 더 발전시켰다. 원래 헌신적인 기능을 수행했던 화환 그림은 매우 인기가 많아져 집 장식으로 널리 사용되었다.[35]
정물화의 특별한 장르는 소위 pronkstilleven (네덜란드어로 '과시적인 정물화')이었다. 이 스타일의 화려한 정물화는 1640년대에 안트베르펜에서 프란스 스네이더스와 아드리아엔 반 위트레흐트와 같은 플랑드르 예술가들에 의해 개발되었다. 그들은 다양한 물건, 과일, 꽃, 죽은 사냥감을 묘사하여 풍요로움을 강조하는 정물화를 그렸으며, 종종 살아있는 사람과 동물을 함께 묘사했다. 이 스타일은 곧 네덜란드 공화국의 예술가들에게 채택되었다.[36]
특히 이 시대에 인기 있었던 것은 바니타스 그림이었는데, 여기서 과일과 꽃, 책, 조각상, 꽃병, 동전, 보석, 그림, 악기 및 과학 기기, 군사 휘장, 고급 은제품과 크리스탈이 호화롭게 배치되었으며, 삶의 덧없음을 상징하는 요소가 함께 등장했다. 또한, 해골, 모래시계 또는 회중시계, 타들어가는 양초 또는 페이지가 넘어가는 책은 감각적 쾌락의 덧없음에 대한 도덕적 메시지를 전달했다. 종종 과일과 꽃 중 일부가 상하기 시작하거나 시들어 같은 점을 강조했다.
"ontbijtjes" 또는 "아침 식사 그림"으로 알려진 또 다른 유형의 정물화는 상류층이 즐길 수 있는 진미의 표현과 폭식을 피하라는 종교적 상기를 모두 나타낸다.[37] 1650년경 사무엘 반 호흐스트라텐은 벽 선반 그림 중 하나를 그렸는데, 이는 벽판에 묶거나, 붙이거나, 다른 방식으로 부착된 물건이 특징인 ''트롱프뢰유'' 정물화로, 19세기에 미국에서 매우 인기가 있었다.[38] 또 다른 변형은 특정 직업과 관련된 물건을 묘사한 ''트롱프뢰유'' 정물화였는데, 코르넬리스 노르베르투스 기스브레흐츠의 "과일 조각이 있는 화가의 이젤" 그림이 그 예이다.[39] 17세기 전반기에 인기가 있었던 것은 "오감", "4대륙", 또는 "4계절"과 같이 알레고리적 형태로 다양한 표본을 그린 것으로, 여신 또는 알레고리적 인물이 적절한 자연 및 인공 물체로 둘러싸인 모습을 보여준다.[40] 바니타스 그림과 이러한 다른 형태의 정물화의 인기는 곧 홀란드에서 플랑드르와 독일로, 스페인[41]과 프랑스로 퍼져나갔다.
네덜란드의 정물화 생산량은 엄청났으며, 특히 북유럽으로 매우 널리 수출되었다. 영국은 스스로 거의 생산하지 않았다. 독일 정물화는 네덜란드 모델을 따랐다. 게오르그 플레겔은 인물 없이 순수한 정물화를 개척했으며, 상세한 물건을 캐비닛, 찬장 및 전시 케이스에 배치하고, 동시에 여러 관점을 생성하는 구성을 혁신했다.[42]
스페인 미술에서 보데곤은 식료품, 사냥감, 음료와 같은 식료품을 묘사한 정물화로, 종종 단순한 돌판 위에 배치되며, 하나 이상의 인물이 있지만 주방이나 선술집을 배경으로 하는 중요한 정물적 요소를 가진 그림이기도 하다. 바로크 시대부터 이러한 그림들은 17세기 2분기에 스페인에서 인기를 얻었다. 정물화의 전통은 벨기에와 네덜란드 (당시 플랑드르와 네덜란드 화가)인 저지대 국가에서 남부 유럽보다 훨씬 더 인기가 있었다. 북부 정물화는 많은 하위 장르를 가지고 있었다. '아침 식사 그림'은 '트롱프뢰유', '꽃다발', '바니타스'로 보강되었다.
스페인에서는 이러한 그림을 위한 후원자가 적었지만, 몇 개의 음식과 식기를 테이블 위에 놓는 형태의 '아침 식사 그림'이 인기를 얻었다. 스페인의 정물화는 보데고네스라고도 불리며, 절제된 특징을 가지고 있었다. 이는 화려하고 고급스러운 직물이나 유리로 둘러싸인 풍성한 연회를 자주 담는 네덜란드 정물화와 달랐다. 스페인 그림의 사냥감은 종종 아직 껍질을 벗기지 않은 평범한 죽은 동물이다. 과일과 채소는 익지 않은 상태이다. 배경은 삭막하거나 평범한 나무 기하학적 블록으로, 종종 초현실적인 분위기를 연출한다. 네덜란드와 스페인 정물화 모두 도덕적인 목적을 담고 있었지만, 절제는 네덜란드 정물화의 감각적 쾌락, 풍요, 사치를 거부하는 것으로 보인다.[44]
이탈리아 정물화가 인기를 얻고 있었지만, 역사적, 종교적, 신화적 주제를 다룬 "웅장한 양식"의 그림보다 역사적으로 덜 존경받았다. 반면에 성공적인 이탈리아 정물화가들은 당시 풍부한 후원을 받았다.[45] 여성 화가들은 수가 적었지만, 정물화를 선택하거나 정물화에 국한되는 경우가 많았다. 조반나 가르조니, 로라 베르나스코니, 마리아 테레사 반 틸렌, 페데 갈리치아가 주목할 만한 예이다.
다른 장르에서 이탈리아를 이끄는 많은 예술가들이 또한 몇몇 정물화를 제작했다. 특히 카라바조는 그의 영향력 있는 자연주의 형식을 정물화에 적용했다. 그의 ''과일 바구니''(–1600)는 순수한 정물화의 초기 사례 중 하나로, 정확하게 묘사되고 눈높이에 맞춰져 있다.[46] 얀 브뤼겔은 추기경 페데리코 보로메오를 위해 그의 ''밀라노 대형 꽃다발''(1606)을 그렸으며, 'fatta tutti del natturel'(모두 자연에서 만들었다)이라고 주장했고 추가 노력에 대한 추가 요금을 청구했다.[47] 이들은 추기경의 컬렉션에 있는 많은 정물화 중 하나였다. 다른 이탈리아 정물화 중 베르나르도 스트로치의 ''요리사''는 네덜란드 방식의 "부엌 장면"으로, 요리사의 상세한 초상화와 그녀가 준비하고 있는 사냥감을 모두 보여준다.[48] 비슷한 방식으로 렘브란트의 드문 정물화 중 하나인 ''죽은 공작새를 든 소녀''는 유사한 여성 초상화와 사냥감 이미지를 결합하고 있다.[49]
가톨릭 이탈리아와 스페인에서는 순수한 바니타스 그림이 드물었고, 정물화 전문가는 훨씬 적었다. 남부 유럽에서는 카라바조의 부드러운 자연주의가 더 많이 사용되었고 북유럽 스타일에 비해 과도한 사실주의에 대한 강조가 덜했다.[50] 프랑스에서는 정물화가(''nature morte'')가 북부와 남부 학파의 영향을 받아 네덜란드의 바니타스 그림과 스페인의 간결한 구성을 차용했다.[51]
2. 4. 18-19세기
16세기 말, 르네상스 시대가 저물면서 미술 시장은 귀족, 고위 성직자뿐만 아니라 부유한 부르주아와 상인 계급까지 아우르며 크게 확대되었다.[76] 이는 인간 없이 생명이 없는 사물만을 그리는 정물화라는 새로운 주제가 발전하는 계기가 되었다. 정물화는 재능 있는 화가들의 등장으로 독자적인 장르로 인정받으며 새로운 후원자들에게 인기를 얻었다.[76]1600년 이후, 대부분의 정물화는 작은 크기였지만, 피터 아르트센은 인물과 동물을 포함한 대형 정물화인 "기념비적인 정물화"를 발전시켰다. 그의 작품 ''자선을 베푸는 성가족이 있는 고기 상점''(1551)은 이 유형의 대표작이다. 아르트센의 조카 요아힘 베우켈라르의 "정육점"(1568)은 전경에 날고기를 사실적으로 묘사하고 배경에는 음주와 색욕의 위험을 암시하는 장면을 담았다. 이러한 대규모 정물화는 플랑드르 회화에서 계속 발전했지만, 네덜란드 회화에서는 드물었다.[18]
이탈리아에서는 안니발 카라치가 1583년에 그린 ''정육점''에서 도덕적 메시지를 제거하기 시작했다.[20] 빈첸초 캄피는 1570년대에 앤트워프 스타일을 이탈리아에 도입했을 것으로 추정된다. 루벤스는 정물화와 동물의 요소를 프란스 스네이데르스와 얀 피트에게 하청하기도 했다. 16세기 후반에는 자율적인 정물화가 발전했다.[21]
16세기에는 자연에 대한 관심이 폭발적으로 증가하고, 신세계와 아시아의 발견을 기록한 식물 백과사전이 제작되었다. 이는 과학적 삽화와 표본 분류를 촉진시켰다. 자연물은 종교적, 신화적 연관성에서 벗어나 개별 연구 대상으로 인식되기 시작했다. 약초 요법의 초기 과학도 시작되었고, 부유한 후원자들은 호기심의 방을 만들기 위해 동물 및 광물 표본 수집을 후원했다. 조개, 곤충, 이국적인 과일, 꽃 등이 수집되었고, 튤립과 같은 새로운 식물이 정물화에서 찬사를 받았다.[22]
원예의 폭발적인 인기는 유럽 전역으로 확산되었고, 예술가들은 이를 이용하여 수천 점의 정물화를 제작했다. 특히 이탈리아 피렌체의 메디치 궁정에서는 감귤류 묘사가 특별한 열정을 받았다.[23] 1600년경에는 자연 삽화에 대한 관심이 증가하면서 현대 정물화가 거의 동시에 창조되었다.[24][25]
17세기 초, 스페인 화가 후안 산체스 코탄은 채소의 엄격하고 평온한 그림으로 스페인 정물화를 개척했다.[24][25]
18세기에는 17세기의 양식이 발전했지만, 제작량은 감소했다. 로코코 양식에서는 꽃 장식이 도자기, 벽지 등에 더 흔하게 사용되었고, 구매자들은 그림에 인물이 있는 것을 선호했다. 프랑스 화가들은 새로운 열정을 보였으며, 장 바티스트 시메옹 샤르댕은 네덜란드 황금 시대 거장들의 영향을 받아 섬세한 스타일로 음식과 물건을 작고 단순하게 배열한 그림을 그렸다. 장 바티스트 우드리는 모피와 깃털의 질감을 훌륭하게 묘사했다.
18세기에는 정물화의 종교적, 알레고리적 의미가 사라지고, 식탁을 그린 그림은 다양한 색상과 형태의 일상적인 음식을 묘사하는 그림으로 발전했다. 프랑스 귀족들은 사치스러운 정물화를 통해 식탁을 장식했으며, 트롱프뢰유 그림에 대한 인식이 높아졌다. 장 바티스트 시메옹 샤르댕의 정물화는 네덜란드 스타일의 사실주의에서 부드러운 조화에 이르기까지 다양한 기법을 사용했다.[52]
안 발라예-코스테르는 17세기와 18세기에 걸쳐 발전된 정물화에 헌신했다.[53] 그녀의 작품은 과감하고 장식적인 구도, 풍부한 색상, 그리고 자연과 인공의 다양한 물체를 묘사하는 환영주의적 기교로 주목받았다. 그녀의 작품은 장 바티스트 시메옹 샤르댕과 17세기 네덜란드 거장들의 영향을 받았지만, 표현적 환영주의를 장식적 구도와 결합하는 독특한 방식을 보여주었다.[54]
18세기 말, 프랑스 왕정의 몰락 이후 발라예-코스테르는 꽃 그림 시대를 열었다.[55] 그녀의 꽃 그림은 유화, 수채화, 구아슈 등 다양한 기법으로 제작되었다.
유럽 아카데미, 특히 프랑스 아카데미의 부상으로 정물화는 쇠퇴하기 시작했다. 아카데미에서는 "장르의 위계"에 따라 역사화를 가장 높은 단계로, 정물화를 가장 낮은 단계로 여겼다. 존 컨스터블과 카미유 코로와 같은 일부 화가들은 풍경화를 선택했다.
1830년대 신고전주의가 쇠퇴하면서 장르와 초상화가 사실주의 및 낭만주의 예술 혁명의 초점이 되었다. 프란시스코 고야, 귀스타브 쿠르베, 외젠 들라크루아의 정물화는 강렬한 감정을 전달하며 분위기를 중시했다.[56] 에두아르 마네의 정물화는 색조가 강하고 인상주의로 나아가는 경향을 보였다. 앙리 팡탱라투르는 섬세한 꽃 그림으로 유명했다.[57]
아카데미 위계가 쇠퇴하고 인상주의와 후기 인상주의 화가들이 부상하면서 정물화는 다시금 열정적으로 제작되었다. 클로드 모네와 피에르 오귀스트 르누아르는 어두운 배경의 전통을 깨고 밝은 색채를 사용했다. 인상주의 정물화에서는 우화적, 신화적 내용과 세밀한 붓질이 사라지고, 넓고 톡톡 끊어치는 붓 터치, 색조, 색상 배치에 대한 실험이 이루어졌다. 귀스타브 카유보트는 ''스탠드에 놓인 과일''과 같이 원근법의 변형을 시도했다.[59]
빈센트 반 고흐의 "해바라기"는 19세기 정물화 중 가장 잘 알려진 작품 중 하나이다. 반 고흐는 노란색 톤과 평평한 표현을 사용하여 정물화 역사에 기여했다. 그의 ''드로잉 보드가 있는 정물'' (1889)은 자신의 개인적인 삶의 물건들을 묘사한 정물화 형식의 자화상이다. 그는 또한 ''열린 성경, 촛불, 책이 있는 정물'' (1885)을 그렸다.
미국 혁명 시대에 해외에서 훈련받은 미국 화가들은 유럽 스타일을 미국 초상화와 정물화에 적용했다. 찰스 윌슨 필은 미국 미술계의 주요 지도자였다. 그의 아들 라파엘 필은 초기 미국 정물화가 그룹 중 한 명이었다.[60] 19세기 후반, 마틴 존슨 히드는 미국식 서식지 또는 생물학적 그림을 소개했다.[61] 존 하버리, 윌리엄 마이클 하넷, 존 프레데릭 페토가 창작한 미국의 트롱프뢰유 그림도 이 시기에 번성했다. 페토는 향수를 불러일으키는 벽걸이 그림을, 하넷은 극사실주의를 통해 미국 생활을 기념하는 그림을 그렸다.[62]
2. 5. 20세기 이후
20세기 초 40년은 예술적 발효와 혁명의 시기였다. 아방가르드 운동은 비구상적이고 완전한 추상으로 빠르게 발전했다. 정물화와 다른 구상 미술은 20세기 중반까지 계속 발전하고 조정되었으며, 이때 잭슨 폴록의 드립 페인팅으로 대표되는 완전한 추상이 모든 인지 가능한 내용을 제거했다.20세기는 예술에서 몇 가지 경향이 나타나면서 시작되었다. 1901년, 폴 고갱은 11년 전에 사망한 친구 빈센트 반 고흐에게 경의를 표하는 ''해바라기가 있는 정물''을 그렸다. 피에르 보나르와 에두아르 뷔야르를 포함하는 나비파는 고갱의 조화로운 이론을 받아들였고, 일본 목판화에서 영감을 받은 요소를 정물화에 추가했다. 프랑스 화가 오딜롱 르동도 이 시기에 주목할 만한 정물화를 그렸는데, 특히 꽃을 주제로 했다.[63]
앙리 마티스는 정물화의 대상을 밝은 색상으로 채워진 굵고 평평한 윤곽선으로 더욱 축소했다. 그는 또한 원근법을 단순화하고 다색 배경을 도입했다.[64] 그의 정물화 중 일부, 예를 들어 ''가지가 있는 정물''에서 물건이 놓인 탁자는 방의 나머지 부분을 채우는 다른 다채로운 패턴 속에서 거의 사라진다.[65] 야수파의 다른 대표자들, 예를 들어 모리스 드 블라맹크와 앙드레 드랭은 정물화에서 순수한 색상과 추상을 더욱 탐구했다.
폴 세잔은 기하학적 공간 구성을 탐구하는 혁명적인 탐험을 위한 완벽한 매체를 정물화에서 찾았다. 세잔에게 정물화는 회화를 묘사적이거나 모방적인 기능에서 색상, 형태 및 선의 요소를 독립적으로 보여주는 것으로 전환하는 주요 수단이었으며, 이는 추상 미술로 나아가는 중요한 단계였다. 또한, 세잔의 실험은 20세기 초 입체파 정물화의 발전을 직접적으로 이끌었다고 볼 수 있다.[66]
세잔의 평면과 축의 이동을 적용하면서, 입체파 화가들은 야수파의 색채 팔레트를 억제하고 대신 물체를 순수한 기하학적 형태와 평면으로 분해하는 데 집중했다. 1910년에서 1920년 사이에 파블로 피카소, 조르주 브라크, 후안 그리스와 같은 입체파 화가들은 종종 악기를 포함하는 많은 정물 구성물을 그렸고, 거의 처음으로 정물화를 예술적 혁신의 최전선으로 끌어올렸다. 정물화는 또한 피카소의 타원형 "의자 등나무가 있는 정물"(1912)과 같은 최초의 종합 입체파 콜라주 작품의 주제이기도 했다. 이러한 작품에서 정물화 객체는 중첩되고 뒤섞여, 식별 가능한 2차원 형태를 거의 유지하지 못하고, 개별 표면 질감을 잃고 배경과 융합되어 전통적인 정물화와 거의 반대되는 목표를 달성했다.[67] 페르낭 레제의 정물화는 풍부한 흰색 공간과 다채롭고 날카롭게 정의된 겹치는 기하학적 형태를 사용하여 보다 기계적인 효과를 냈다.[68]
입체파 화가들이 공간을 평면화하는 것을 거부하면서, 마르셀 뒤샹과 다다이즘의 다른 구성원들은 완전히 다른 방향으로 나아가 3차원 "레디메이드" 정물 조각을 만들었다. 정물화에 어떤 상징적인 의미를 복원하는 것의 일부로, 미래주의와 초현실주의는 꿈결 같은 풍경에 인식 가능한 정물화 객체를 배치했다. 호안 미로의 정물화에서 객체는 무중력 상태로 보이며 가볍게 암시된 2차원 공간에서 떠다니며, 심지어 산도 단순한 선으로 그려진다. 이 시기 이탈리아에서는 조르조 모란디가 가장 뛰어난 정물화가였으며, 매일 사용하는 병과 주방 도구를 묘사하는 다양한 접근 방식을 탐구했다.[69] 네덜란드 화가 M. C. 에셔는 그의 상세하지만 모호한 그래픽으로 가장 잘 알려져 있으며, 전통적인 네덜란드 테이블 정물화의 업데이트된 버전인 ''정물화와 거리''(1937)를 만들었다.[70] 영국에서는 엘리엇 호지킨이 그의 매우 상세한 정물화에 템페라를 사용하고 있었다.
20세기 미국 예술가들이 유럽 모더니즘을 알게 되자, 그들은 미국 사실주의와 입체파에서 파생된 추상의 조합으로 정물 주제를 해석하기 시작했다. 이 시기의 미국 정물화의 전형적인 작품으로는 조지아 오키프, 스튜어트 데이비스, 마스덴 하틀리의 그림과 에드워드 웨스턴의 사진이 있다. 오키프의 초근접 꽃 그림은 꽃잎과 잎의 물리적 구조와 정서적 함축성을 전례 없는 방식으로 드러낸다.
멕시코에서는 1930년대부터 프리다 칼로와 다른 예술가들이 그들만의 초현실주의를 창조하여, 정물화에 토착 음식과 문화적 모티프를 특징으로 했다.[71]
1930년대부터 추상 표현주의는 정물화를 형태와 색상의 원초적인 묘사로 심각하게 축소시켰으며, 1950년대까지 완전한 추상이 예술 세계를 지배했다. 그러나 1960년대와 1970년대의 팝 아트는 이러한 경향을 뒤집고 새로운 형태의 정물화를 창조했다. 앤디 워홀의 "캠벨 수프 통조림"과 같은 많은 팝 아트는 정물화를 기반으로 하지만, 그 진정한 주제는 실제 정물화 객체 자체가 아니라, 표현된 상업 제품의 상품화된 이미지인 경우가 가장 많다. 로이 리히텐슈타인의 ''금붕어 어항이 있는 정물''(1972)은 마티스의 순수한 색상과 워홀의 팝 아이콘을 결합했다. 웨인 티보의 ''점심 식탁''(1964)은 한 가족의 점심이 아니라 표준화된 미국 음식의 조립 라인을 묘사한다.[72]
재스퍼 존스를 포함하는 신다다 운동은 뒤샹의 일상적인 가정용품의 3차원적 표현으로 돌아가 존스의 ''페인티드 브론즈''(1960)와 ''바보의 집''(1962)과 같은 그들만의 정물 작품을 창조했다.[73] 아비그도르 아리카는 추상주의자로 시작하여 피에트 몬드리안의 교훈을 그의 다른 작품뿐만 아니라 정물화에도 통합했다. 그는 옛 거장들의 전통과 재연결하면서, 종종 놀라운 관점에서 주제를 나타내는, 단일 세션에서 자연광을 사용하여 현대주의 형식주의를 달성했다.
20세기의 정물화 발전에 중요한 기여를 한 예술가들로는 러시아의 세르게이 이바노비치 오시포프, 빅토르 테테린, 예브게니아 안티포바, 게보르크 코티안츠, 세르게이 예피모비치 자하로프, 타이시야 아포니나, 마야 코피체바 등이 있다.[74]
이와 대조적으로, 1970년대의 포토 리얼리즘의 부상은 객체, 이미지 및 상업 제품의 융합에 대한 팝의 메시지를 유지하면서, 환상적인 표현을 재확인했다. 이와 관련하여 전형적인 작품은 돈 에디와 랄프 고잉스의 그림이다.
20세기와 21세기 동안, 정물의 개념은 회화의 전통적인 2차원 예술 형태를 넘어 비디오 아트, 조각, 퍼포먼스, 설치와 같은 3차원 예술 형태로 확장되었다. 일부 혼합 매체 정물 작품은 오브제 트루베, 사진, 비디오, 사운드를 사용하며, 심지어 천장에서 바닥까지 쏟아져 갤러리 전체를 채우기도 한다. 비디오를 통해 정물 작가들은 관람객을 자신의 작품에 통합시켰다. 컴퓨터 시대의 컴퓨터 아트와 디지털 아트에 이어, 정물의 개념은 디지털 기술을 포함하게 되었다. 컴퓨터로 생성된 그래픽은 정물 작가들이 사용할 수 있는 기법을 잠재적으로 증가시켰다. 3D 사실주의 효과를 가진 3D 컴퓨터 그래픽스와 2D 컴퓨터 그래픽스는 합성 정물 이미지를 생성하는 데 사용된다. 예를 들어, 그래픽 아트 소프트웨어는 투명 레이어에서 2D 벡터 그래픽 또는 2D 래스터 그래픽에 적용할 수 있는 필터를 포함한다. 시각 예술가들은 필터를 사용하지 않고 3D 효과를 복사하거나 시각화하여 예술적 렌더링을 통해 사실적인 효과를 수동으로 렌더링해왔다.
3. 한국의 정물화
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4. 주요 화가 및 작품
다음은 주요 화가 및 작품 목록이다.
- 시메옹 샤르댕
- 프란시스코 고야, ''과일, 병, 빵 정물화'' (1824–1826)
- 외젠 드라크루아, ''바닷가재와 사냥 및 낚시의 트로피가 있는 정물화'' (1826–1827), 루브르 박물관
- 귀스타브 카유보트, ''꽃병 속 노란 장미'' (1882), 달라스 미술관
- 제임스 실렛, ''애벌레가 있는 꽃병 속 튤립'' (연도 미상), 노퍽 박물관 컬렉션
- 앙리 팡탱라투르, ''흰색 식탁보가 있는 테이블 위에 있는 흰 장미, 국화, 복숭아 및 포도'' (1867)
- 폴 세잔, ''검은 대리석 시계'' (1869–1871), 개인 소장
- 메리 커샛, ''창가의 라일락'' (1880)
- 클로드 모네, ''사과와 포도 정물화'' (1880), 시카고 미술관
- 에두아르 마네, ''수정 꽃병 속 카네이션과 클레마티스'' (1883), 오르세 미술관, 파리
- 폴 고갱, ''사과, 배, 도자기 초상 단지가 있는 정물화'' (1889), 포그 미술관, 케임브리지, 매사추세츠
- 윌리엄 마이클 하네트, ''사냥 후'' (1883)
- 윌리엄 마이클 하네트, ''정물화 바이올린과 악보'' (1888), 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕시
- 다리우스 코브, 미국 남북 전쟁 ''트롱프뢰유'' 구성, 색채 석판화 인쇄
- 폴 세잔, ''천사가 있는 정물화'' (1895), 코톨드 미술관, 런던
- 카라바조, 『과일 바구니』 (암브로시아나 도서관, 밀라노, 1597년?)
- 페데 갈리치아, 조반나 갈초니
- 에바리스토 바스케니스
- 후안 산체스 코탄
- 루이스 멜렌데스
- 세바스티앙 스토스콥프
- 장 시메옹 샤르댕
- 앙리 팡탱라투르, 오딜롱 르동
- 폴 세잔, 빈센트 반 고흐
- 조르조 모란디
- 한스 벰링크, 『꽃병의 꽃』(1490년경)
- 브뤼헐 (아버지), 『중국 화병과 꽃』(1610년경)
- 다니엘 세게르스, 『유리 꽃병의 꽃』(1650년경)
- 알렉상드르 아드리안센, 『새와 고양이가 있는 물고기』(17세기 전반)
- 프란스 스네이더스, 『사냥감 고기의 테이블』(17세기 전반)
- 빌렘 클래스존 헤다, 『게가 있는 아침 식사』(1648년경)
- 피터 클라스존, 『바니타스』(1625년)
- 얀 다비츠존 데 헴, 『책, 과일, 플루트가 있는 바니타스 정물화』(17세기)
- 빌렘 칼프, 『도자기와 노틸러스 컵』(1662년)
- 페데 갈리치아, 『은 식기와 체리』(17세기 전반)
- 후안 산체스 코탄, 『모과, 양배추, 멜론, 오이』(1602년)
- 루이스 멜렌데스, 『멜론과 서양배가 있는 정물』(18세기)
- 앙리 팡탱라투르, 『물병, 꽃, 과일이 있는 정물화』(1865년)
- 오딜롱 르동, 『터키석색 꽃병의 꽃』(1911년경)
- 폴 세잔, 『사과 바구니가 있는 정물』(1890년대)
- 빈센트 반 고흐, 『해바라기』(1888년)
- 페데 갈리치아, ''접시에 담긴 사과''
- 페데 갈리치아, ''과일이 담긴 마이올리카 바구니'', 개인 소장
- 조반나 가르초니, ''레몬 그릇이 있는 정물'' (1640), 테페라화, 게티 미술관, 퍼시픽 팰리세이즈, 로스앤젤레스, 캘리포니아
- 자코모 프란체스코 치퍼, ''생선과 조개류 정물''
- 앙리 마티스, ''그릇과 과일'' (1901), 예르미타시 미술관, 상트페테르부르크
- 오딜롱 르동, ''꽃'' (1903)
- 조르주 브라크, ''바이올린과 촛대'' (1910), 샌프란시스코 현대미술관
- 후안 그리스, ''정물'' (1913), 티센보르네미사 미술관
- 마르스덴 하틀리, ''멋진 음료'', 브루클린 미술관
- 페르낭 레제, ''맥주 잔이 있는 정물'' (1921), 테이트 미술관
- 파블로 피카소, ''과일 접시와 과일, 바이올린과 유리잔'' (1912)
- 피에르 보나르, ''식탁 위의 과일 그릇'', 스트라스부 현대미술관
5. 정물화의 의미와 가치
프랑스어 명칭에서 알 수 있듯이, 정물화는 자연에서 벗어난, 스스로 움직이지 않는 물체(무정물)를 화가의 미적 시각에 따라 화폭에 담는 그림이다. 정물화에는 과일, 꽃, 채소, 도자기, 유리잔, 식기, 물고기, 새, 책상보, 커튼 등 일상에서 흔히 보는 물건들이 등장하며, 때로는 개나 사람 같은 살아있는 대상이 배경에 포함되기도 한다.
18세기 정물화는 17세기 양식을 계승, 발전했지만 제작량은 줄었다. 로코코 양식에서는 꽃 장식이 도자기, 벽지, 직물, 목재 가구 등에 더 많이 사용되었고, 구매자들은 그림에 인물이 함께 있는 것을 선호했다. 프랑스 화가들은 정물화에 새로운 열정을 보였고, 이 시기 주목할 만한 예술가들 중 큰 비중을 차지했다. 장 바티스트 샤르댕은 네덜란드 황금 시대 거장들의 영향을 받아 작고 단순한 배열의 음식과 물건 그림을 섬세한 스타일로 그렸으며, 이는 19세기 구도에 큰 영향을 미쳤다. 사냥용 오두막을 위한 죽은 사냥감 그림은 여전히 인기 있었고, 대부분의 전문가들은 살아있는 동물을 소재로 한 그림도 그렸다. 장 바티스트 우드리는 모피와 깃털의 질감을 훌륭하게 묘사하고, 단순한 배경을 사용하여 대상의 장점을 부각시켰다.
18세기 정물화의 종교적, 알레고리적 의미는 사라지고, 식탁 그림은 다양한 색상과 형태의 음식을 묘사하는 그림으로 발전했다. 프랑스 귀족들은 화려한 정물화로 식탁을 장식하도록 예술가들을 고용했지만, 네덜란드 선배들의 도덕적인 메시지는 담지 않았다. 로코코의 인공성에 대한 사랑은 프랑스에서 ''트롱프뢰유''(눈속임) 그림에 대한 인식을 높였다. 샤르댕의 정물화는 네덜란드 스타일의 사실주의에서 부드러운 조화에 이르기까지 다양한 기법을 사용했다.[52]
안 발라예-코스테르 작품 대부분은 17세기와 18세기에 걸쳐 발전된 정물화에 헌신했다.[53] 이 시기에 정물화는 위계에서 가장 낮은 위치에 있었다. 발라예-코스테르 그림에는 매력을 이끌어내는 방식이 있었다. 그녀의 "과감하고 장식적인 구도, 풍부한 색상, 모의된 질감, 그리고 자연과 인공의 다양한 물체를 묘사하는 환영주의적 기교"는 왕립 아카데미와 그녀의 그림을 구매한 수많은 수집가들의 주목을 받았다. 예술과 자연 사이의 이러한 상호 작용은 네덜란드, 플랑드르 및 프랑스 정물화에서 매우 흔했다. 그녀의 작품은 샤르댕의 분명한 영향을 보여주며, 17세기 네덜란드 거장들의 영향도 받았는데, 그들의 작품은 훨씬 더 높은 가치를 인정받았지만, 발라예-코스테르의 스타일이 다른 정물화가들과 차별화된 점은 표현적 환영주의를 장식적 구도와 결합하는 그녀만의 독특한 방식이었다.[54]
18세기 말과 프랑스 왕정의 몰락은 발라예-코스테르의 정물화 시대를 마감하고, 그녀의 새로운 스타일인 꽃 그림 시대를 열었다.[55] 이것이 그녀 경력의 하이라이트이자 그녀가 가장 잘 알려진 것이라고 주장되어 왔다. 그러나 꽃 그림이 그녀의 경력에 무익했다는 주장도 있다. 그럼에도 불구하고 이 컬렉션에는 유화, 수채화 및 구아슈로 그린 꽃 연구가 포함되어 있었다.
유럽 아카데미, 특히 프랑스 아카데미의 아카데미즘으로 인해 정물화는 쇠퇴하기 시작했다. 아카데미에서는 회화의 예술적 가치는 주로 주제에 따라 결정된다는 "장르의 위계"를 가르쳤고, 정물화는 가장 낮은 단계로 격하되었다. 존 컨스터블과 카미유 코로와 같은 일부 화가들은 풍경화를 선택했다.
신고전주의가 쇠퇴하면서, 장르와 초상화가 사실주의 및 낭만주의 예술 혁명의 초점이 되었다. 프란시스코 고야, 귀스타브 쿠르베, 외젠 들라크루아의 정물화는 강렬한 감정을 전달하며, 정확성보다는 분위기에 더 관심이 있다.[56] 에두아르 마네의 정물화는 색조가 강하고 인상주의로 나아가는 경향을 보였다. 앙리 팡탱라투르는 섬세한 꽃 그림으로 유명했으며, 수집가들을 위해 정물화를 그려 생계를 유지했다.[57]
유럽에서 아카데미 위계가 쇠퇴하고 인상주의와 후기 인상주의 화가들이 부상하면서 기법과 색상 조화가 중요해지고, 정물화가 다시 열정적으로 제작되었다. 클로드 모네는 초기의 정물화에서 팡탱라투르의 영향을 보여주지만, 피에르 오귀스트 르누아르가 밝은 오렌지색 배경을 사용한 ''꽃다발과 부채가 있는 정물'' (1871)과 마찬가지로 어두운 배경의 전통을 깬 최초의 화가 중 한 명이다. 인상주의 정물화에서는 우화적, 신화적 내용과 세밀한 붓질이 사라졌다. 대신 넓고 톡톡 끊어치는 붓 터치, 색조, 색상 배치에 대한 실험에 집중했다. 고갱은 "색상은 그 자체의 의미를 지닌다"라고 말했다.[58] 귀스타브 카유보트의 ''스탠드에 놓인 과일''과 같이 원근법의 변형도 시도되었으며, 이 그림은 당시 "새의 눈으로 본 과일의 전시"로 조롱받았다.[59]
빈센트 반 고흐의 "해바라기" 그림은 19세기 정물화 중 가장 잘 알려진 작품 중 일부이다. 반 고흐는 주로 노란색 톤과 다소 평평한 표현을 사용하여 정물화 역사에 기억에 남는 기여를 했다. 그의 ''드로잉 보드가 있는 정물'' (1889)은 정물화 형식의 자화상으로, 자신의 개인적인 삶의 많은 물건들을 자신의 이미지 없이 테이블 위에 배치하여 묘사했다. 그는 또한 바니타스 화풍의 자신의 버전인 ''열린 성경, 촛불, 책이 있는 정물'' (1885)을 그렸다.
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