페르낭 레제
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1. 개요
페르낭 레제는 1881년 프랑스에서 태어나 1955년 사망한 프랑스의 화가이다. 건축가 훈련을 받은 후 파리로 이주하여 장식미술학교와 아카데미 쥘리앙에서 수학하며 인상주의의 영향을 받았다. 이후 폴 세잔의 회고전을 통해 입체파에 참여하여 튜비즘이라는 비판을 받기도 했다. 제1차 세계 대전 참전 후 기계의 아름다움에 매료되어 기계 시대를 주제로 한 작품을 제작했으며, 르 코르뷔지에와 협업하여 벽화, 무대 미술 등 다양한 분야에서 활동했다. 2차 세계 대전 중에는 미국에서 강의하며 '대비의 법칙'을 작품에 반영했고, 프랑스 공산당에 가입하여 대중 생활을 묘사한 작품을 제작했다. 레제는 팝 아트의 선구자로 평가받으며, 다양한 매체를 통해 실험적인 작품 활동을 펼쳤다.
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| 페르낭 레제 - [인물]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
 | |
| 본명 | 조제프 페르낭 앙리 레제 |
| 출생일 | 1881년 2월 4일 |
| 출생지 | 프랑스 오르네주 아르장탕 |
| 사망일 | 1955년 8월 17일 |
| 사망지 | 프랑스 에손주 지프쉬르이베트 |
| 국적 | 프랑스 |
| 활동 | |
| 분야 | 회화 판화 영화 제작 |
| 사조 | 입체파 모더니즘 |
| 서명 | |
| |
2. 생애
레제는 아버지가 소를 키우던 오르주주 아르장탕 하부 노르망디에서 태어났다. 1897년부터 1899년까지 건축가로서의 훈련을 받았고, 1900년 파리로 이주하여 건축 제도사로 생계를 유지했다. 1902년에서 1903년까지 이벨린주 베르사유에서 군 복무를 마친 후, 에콜 데 보자르 지원이 거절되자 장식미술학교에 입학했다. 그럼에도 불구하고 그는 제롬 등과 함께 수학하며 비정규생으로 보자르에 다녔고, 자신의 말로는 "3년간의 무의미하고 헛된 시간"을 보냈다고 한다. 또한 쥘리앙 아카데미에서도 수학했다.[1][2] 그는 25세가 되어서야 화가로서 본격적인 활동을 시작했다. 이 시기 그의 작품은 1905년 작품인 《어머니의 정원》(Le Jardin de ma mère)에서 볼 수 있듯이 인상주의의 영향을 보여주는데, 이 작품은 그가 나중에 파괴하지 않은 몇 안 되는 초기 작품 중 하나이다. 1907년 살롱 도통느에서 열린 세잔 회고전을 본 후 레제의 작품에는 드로잉과 기하학에 대한 새로운 강조가 나타났다.[3]
레제는 1881년 프랑스 노르망디(Normandie) 지방 내륙에 위치한 오르느(Orne)주 알장탕(Alençon)에서 축산 농가의 아들로 태어났다. 1897년부터 캉(Caen)의 건축가 스튜디오에서 수업을 받은 후, 1900년 파리(Paris)로 갔다. 이후 주로 파리와 남프랑스에서 활동했다. 파리에서는 건축 제도공(製図工)으로 일하면서 장식미술학교와 아카데미 쥐리앵(Académie Julian)에 다녔다. 당시 레제는 인상파(印象派)풍의 풍경화, 인물화 등을 그리며 독자적인 화풍을 찾고 있었다.
1907년 파리의 살롱 도토뉴(Salon d'Automne)에서 열린 폴 세잔(Paul Cézanne) 회고전은 레제에게 큰 영향을 주었다. 이 무렵부터 레제는 당시의 전위 예술 운동이었던 입체파(キュビスム, cubism)에 참여하게 된다. “자연을 원뿔, 원통, 구로 파악한다”는 세잔의 말은 레제의 화풍에도 영향을 미쳐, 「숲 속의 누드」(1909년-1910년) 등 초기 작품에서는 인물이 원통형으로 단순화되어 있다. 이 때문에 당시 그의 화풍은 입체파(cubism)를 비꼬아 "튜비스무(Tubism, 토관쟁이)"라고 조롱받기도 했다.
레제는 1908년부터 파리 몽파르나스(Montparnasse)의 공동 주택 겸 아틀리에 "라 뤼슈(La Ruche, 벌집)"에 살면서, 거기에 살던 마르크 샤갈(Marc Chagall) 등의 화가들과 알게 되었다. "라 뤼슈"는 당시 젊은 화가들의 모임 장소였으며, 아메데오 모딜리아니(Amedeo Modigliani), 샤임 수틴(Chaim Soutine) 등의 화가들도 드나들었다. 레제는 1910년 당시 유력한 화상(画商) 다니엘 헨리 칸바일러(Kahnweiler)에게 인정받아 1912년 칸바일러 화랑에서 첫 개인전을 열고, 1913년에는 그 화랑과 전속 계약을 맺었다. 같은 무렵, 자크 비용(Jacques Villon), 프랑시스 피카비아(Francis Picabia), 장 메트상제(Jean Metzinger) 등이 참여한 섹시옹 도르(Section d'Or, 황금분할)라는 전위 화가 그룹에 가입하여, 1912년 보에시(Boessie) 화랑에서 열린 섹시옹 도르의 그룹전에도 참가했다. 자크 비용 등의 아틀리에가 있던 지명을 따서 "퓌토 그룹(Puteaux Group)"이라고도 불리는 이 그룹은 입체파가 경시했던 색채를 부활시키는 등 입체파 운동을 더욱 발전시키려고 했지만, 오래가지 못하고 해산했다. 레제는 이러한 당시의 전위적인 미술 운동에 참여하면서 입체파나 추상화와는 다른 독자적인 양식을 확립해 나갔다.
레제는 1914년부터 1917년까지 제1차 세계 대전(第一次世界大戦)에 참전했다. 그는 대전 중에 본 대포(大砲) 등 무기의 기능적 아름다움에 매료되었고, 또 병역 기간 중 휴가 때 찰리 채플린(Charlie Chaplin)의 영화를 본 것도 그 이후 그의 화풍에 영향을 주었다고 한다. 독자적인 양식을 확립한 이후 레제의 작품에는 인물과 함께 기계를 모티브로 한 작품이 눈에 띈다. 레제에게는 자연의 풍경보다 현대를 살아가는 인간과 현대의 기계 문명이 주된 관심 대상이었다.
1920년 건축가 르 코르뷔지에(Le Corbusier)와 알게 된 이후, 르 코르뷔지에가 설계한 건축물의 벽화(壁画)를 담당하는 일이 많아졌다. 이 무렵부터 레제는 벽화, 무대 미술(舞台美術) 등으로 활동 무대를 넓혀 갔다. 무대 장치 분야에서는 1923년 다리우스 미요(Darius Milhaud)의 발레(バレエ) 「세계의 창조(世界の創造)」 초연 당시 무대 미술을 담당했다. 또 1924년에는 실험적인 영화 「발레 메카닉(バレエ・メカニック)」(음악: 조르주 앙테일(George Antheil))을 제작했다. 1940년부터 제2차 세계 대전(第二次世界大戦)의 전화를 피해 미국(アメリカ合衆国)에서 활동하다가 1945년 귀국하여 프랑스 공산당(フランス共産党)에 입당했다.[31] 대전 후에는 벽화, 스테인드글라스(ステンドグラス), 무대 장치, 도자기, 판화, 서적 삽화 등 폭넓은 창작 활동을 했다. 국제연합 총회(国際連合総会)의 홀에는 레제의 벽화가 기증되어 있다. 도자기 제작은 1949년 남프랑스 안티브(Antibes) 근교 산간 마을 비오트(Biot)에서 시작했으며, 그곳에는 레제 사후인 1960년 페르낭 레제 미술관(フェルナン・レジェ美術館)이 세워졌다. 개관식에는 화가 동료인 피카소, 블랙, 샤갈 외에도 당시 프랑스 문화부 장관(フランス文化相) 앙드레 말로(André Malraux)도 참석했다.
1952년 당시 71세였던 레제는 제자이자 러시아(ロシア) 출신 화가인 나디아와 재혼했다. 재혼을 계기로 센느에와즈주(Seine-et-Oise, 현재의 에손주(Essonne)) 지프쉬르이베트(Gif-sur-Yvette)로 이주하여 1955년 그곳에서 사망했다.
2. 1. 초기 생애 (1881-1909)
페르낭 레제는 1881년 프랑스 노르망디 지방 알장탕에서 축산 농가의 아들로 태어났다.[31] 1897년부터 캉의 건축가 스튜디오에서 수업을 받은 후, 1900년 파리로 가서 건축 제도공으로 일하면서 장식미술학교와 아카데미 쥐리앵에 다녔다.[31] 당시 레제는 인상주의풍의 풍경화, 인물화 등을 그리며 독자적인 화풍을 찾고 있었다.[31]1907년 파리의 살롱 도토뉴에서 열린 폴 세잔 회고전은 레제에게 큰 영향을 주었다.[31] 이 무렵부터 레제는 당시의 전위 예술 운동이었던 입체파(큐비즘)에 참여하게 된다.[31] “자연을 원뿔, 원통, 구로 파악한다”는 세잔의 말은 레제의 화풍에도 영향을 미쳐, 「숲 속의 누드」(1909년-1910년) 등 초기 작품에서는 인물이 원통형으로 단순화되어 있다.[31] 이 때문에 당시 그의 화풍은 입체파(큐비즘)를 비꼬아 "튜비스무(Tubism, 토관쟁이)"라고 조롱받기도 했다.[31]
레제는 1908년부터 파리 몽파르나스의 공동 주택 겸 아틀리에 "라 뤼슈(La Ruche, 벌집)"에 살면서, 마르크 샤갈 등의 화가들과 알게 되었다.[31] 1910년 당시 유력한 화상 다니엘 헨리 칸바일러(Kahnweiler)에게 인정받아 1912년 칸바일러 화랑에서 첫 개인전을 열고, 1913년에는 그 화랑과 전속 계약을 맺었다.[31] 같은 무렵, 자크 비용, 프랑시스 피카비아, 장 메칭거 등이 참여한 섹시옹 도르(Section d'Or, 황금분할)라는 전위 화가 그룹에 가입하여, 1912년 보에시 화랑에서 열린 섹시옹 도르의 그룹전에도 참가했다.[31]
2. 2. 입체주의와 튜비즘 (1909-1914)
1907년 파리의 살롱 도토뉴(Salon d'Automne)에서 열린 폴 세잔(Paul Cézanne) 회고전은 페르낭 레제에게 큰 영향을 주었다.[31] “자연을 원뿔, 원통, 구로 파악한다”는 세잔의 말은 레제의 화풍에도 영향을 미쳐, 「숲 속의 누드」(1909년-1910년) 등 초기 작품에서는 인물이 원통형으로 단순화되었다.[31] 1909년, 그는 몽파르나스로 이주하여 알렉산더 아르키펜코(Alexander Archipenko), 자크 리피치(Jacques Lipchitz), 마르크 샤갈(Marc Chagall), 조셉 차키(Joseph Csaky), 로베르 들로네(Robert Delaunay)를 만났다.[4]1910년, 오토뉴 살롱에서 장 메칭제르(Jean Metzinger)와 앙리 르 포코니에(Henri Le Fauconnier)와 같은 방(salle VIII)에서 전시했다.[4] 이 시기 그의 주요 회화 작품인 ''숲 속의 누드''에서 레제는 비평가들이 원통형 형태를 강조한다는 이유로 "튜비즘"(Tubism)이라고 부른 그만의 입체파 형태를 보여준다.[4] 이 때문에 당시 그의 화풍은 입체파(cubism)를 비꼬아 "튜비스무(Tubism, 토관쟁이)"라고 조롱받기도 했다.[31]
1911년, 앙데팡당전(Salon des Indépendants)의 출품 심사위원회는 '입체파' 화가들을 함께 배치했다. 메칭제르, 알베르 글레즈(Albert Gleizes), 르 포코니에, 들로네, 레제는 최초로 조직화된 그룹으로서 대중에게 입체파를 공개하는 데 기여했다.[4]
그 다음 해, 그는 다시 입체파 화가들과 함께 오토뉴 살롱(Salon d'Automne)과 앙데팡당전(Indépendants)에 출품했고, 르 포코니에, 메칭제르, 글레즈, 프랑시스 피카비아(Francis Picabia), 뒤샹 형제, 자크 비용(Jacques Villon), 레몽 뒤샹-비용(Raymond Duchamp-Villon), 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)을 포함한 여러 예술가들과 함께 튈르리 그룹(Puteaux Group)——또는 ''황금분할''(Section d'Or)이라고도 불림——을 결성했다.[4] 레제는 1910년 당시 유력한 화상(画商) 다니엘 헨리 칸바일러(Daniel-Henry Kahnweiler)에게 인정받아 1912년 칸바일러 화랑에서 첫 개인전을 열고, 1913년에는 그 화랑과 전속 계약을 맺었다. 같은 무렵, 자크 비용(Jacques Villon), 프랑시스 피카비아(Francis Picabia), 장 메칭제(Jean Metzinger) 등이 참여한 황금분할(Section d'Or)이라는 전위 화가 그룹에 가입하여, 1912년 보에시(Boessie) 화랑에서 열린 섹시옹 도르의 그룹전에도 참가했다.[31]
1914년까지 레제의 그림은 점점 더 추상적이 되었다. 그의 관형, 원뿔형, 정육면체 형태는 ''대조되는 형태''라는 제목의 일련의 그림에서 볼 수 있듯이 녹색, 검정색, 흰색을 더한 기본 색상의 거친 패치로 간결하게 묘사된다. 레제는 조르주 브라크(Georges Braque)와 피카소가 개척한 콜라주 기법을 사용하지 않았다.[5]
2. 3. 제1차 세계 대전과 기계 시대 (1914-1920)
1914년 제1차 세계 대전에 참전한 경험은 페르낭 레제의 작품에 큰 영향을 주었다.[4] 프랑스 육군에 동원되어 아르곤 숲 전선에서 2년간 복무하면서,[4] 참호에서 포병, 비행기, 동료 병사들을 스케치하고, 휴가 때는 ''파이프를 든 병사''(1916)를 그렸다. 1916년 9월 베르됭에서 독일 제국군의 겨자 가스 공격으로 거의 사망할 뻔한 경험은[6] ''카드놀이하는 사람들''(1917)과 같이 로봇과 같은 인물들이 등장하는 작품에 반영되었다.[6]
레제는 75mm 강선포 포구의 빛나는 모습에서 "빛의 마법"을 발견하고, 이는 1912년부터 1913년까지의 추상 예술을 잊게 할 만큼 강렬했다고 설명했다. 그는 주변 사람들의 현실적인 감각과 그들이 처한 상황을 속어와 같은 색깔과 이동성으로 그리고 싶었다고 밝혔다.[6]
이 시기부터 레제의 "기계 시대"가 시작되었으며, 인물과 사물은 매끄러운 관형 및 기계적인 형태로 묘사되었다. 1918년부터는 신호등을 연상시키는 원반이 두드러지는 ''원반'' 연작을 제작하기 시작했다.[7] 1919년 12월 잔느-오귀스틴 로이와 결혼하고, 1920년에는 르 코르뷔지에를 만나 평생 친구가 되었다.
2. 4. 1920년대: 퓨리즘과 기계 미학
1920년대 레제가 그린 "기계적인" 작품들은 질서로의 복귀를 보여주는 전형적인 예이며, 푸생과 코로가 대표하는 프랑스 회화의 전통과 그를 연결시켜 준다.[8] 1921년 그의 ''paysages animés''(움직이는 풍경)에서는 인물과 동물들이 유선형으로 이루어진 풍경 속에서 조화롭게 공존한다. 이 그림들의 정면 구성, 단호한 윤곽선, 부드럽게 조화된 색채는 앙리 루소의 작품을 자주 연상시킨다.[8]
이 작품들은 르 코르뷔지에와 아메데 오장팡의 퓨리즘과도 공통점을 가지고 있다.[9] 레제의 ''붉은 배경의 누드(Nude on a Red Background)'', (1927)는 고전과 현대를 결합하여 형태와 색깔이 기계적인, 표정 없는 거대한 여성을 묘사하고 있다. 이 시기 그의 정물 구성은 수직 및 수평 방향으로 안정적인 상호 연동된 직사각형 형태가 지배적이다. 1924년의 ''사이펀(The Siphon)''은 캄파리 아페리티프의 대중 매체 광고를 바탕으로 한 정물로, 레제 작품에서 퓨리즘 미학의 정점을 보여준다.[9]
현대의 열렬한 지지자였던 레제는 영화에 큰 매력을 느껴 한때 그림을 그만두고 영화 제작을 고려하기도 했다.[10] 1924년에는 더들리 머피, 조지 앤테일, 맨 레이와 공동으로 상징적이고 미래주의의 영향을 받은 영화 ''메카닉 발레(Ballet Mécanique)''(기계 발레)를 제작 및 감독했다. 이 영화는 여성의 입술과 치아, 일상적인 물건의 클로즈업 샷, 그리고 리듬감 있는 움직임 속에서 인간의 활동과 기계의 반복적인 이미지들을 보여준다.[11]
아메데 오장팡과 함께 그는 1924년부터 알렉산드라 엑스터와 마리 로랑생과 함께 강의를 했던 자유 학교인 아카데미 모던을 설립했다.[12] 르 코르뷔지에의 이론의 영향을 받은 그의 첫 번째 "벽화"는 1925년에 제작되었으며, 다색 건축물에 통합될 의도로 만들어진 이 작품들은 그의 가장 추상적인 그림 중 하나이며, 평평한 색면을 특징으로 한다.[12]
2. 5. 1930년대: 유기적 형태와 벽화 작업
1927년부터 레제의 작품 성격은 점차 변화하여 유기적이고 불규칙적인 형태가 더욱 중요해졌다.[13] 1930년대에 등장한 그의 인물화 스타일은 1935년 작품인 ''두 자매''와 여러 버전의 ''아담과 이브''에서 완전히 드러난다.[14] 그는 특유의 유머 감각으로 아담을 줄무늬 수영복을 입거나 문신을 한 모습으로 묘사했다.1931년 레제는 미국을 처음 방문하여 뉴욕시와 시카고를 여행했다.[15] 1935년 뉴욕 현대미술관은 그의 작품 전시회를 개최했다. 1938년 레제는 넬슨 록펠러의 아파트 장식을 의뢰받았다.[16] 1920년 르 코르뷔지에와 알게 된 이후, 레제는 르 코르뷔지에가 설계한 건축물의 벽화를 담당하는 일이 많아졌다. 이 무렵부터 레제는 벽화, 무대 미술 등으로 활동 무대를 넓혀 갔다.
2. 6. 1940년대: 미국 망명과 대비의 법칙
제2차 세계 대전 중 레제는 예일대학교(Yale University)에서 강의하며 미국에 거주했다.[17] 그는 산업 폐기물이 풍경 속에 새롭게 나타나는 광경에서 영감을 얻어, 자연 형태와 기계 요소를 병치하는 "대비의 법칙"을 작품에 반영했다.[17] 1943-44년의 ''사다리 위의 나무(The Tree in the Ladder)''와 1946년의 ''낭만적인 풍경(Romantic Landscape)''이 대표적인 예시이다. 1944년에는 1930년 작품의 구성을 다시 사용하여 ''세 명의 음악가(Three Musicians)''(뉴욕 현대미술관 소장)를 그렸는데, 이 그림은 루소를 연상시키는 민중적인 성격을 지니며 세 명의 남자와 악기를 병치하여 대비의 법칙을 활용한다.[18]미국 체류 기간 동안 레제는 자유롭게 배열된 색채 띠가 검은색 윤곽선으로 그려진 인물과 사물과 병치되는 그림을 그리기 시작했는데, 뉴욕시의 네온사인을 이러한 혁신의 원천으로 지목했다.[19] 그는 "브로드웨이 전체에 번쩍이는 네온 광고에 매료되었습니다. 당신은 거기에 있고, 누군가와 이야기하고, 갑자기 그가 파란색으로 변합니다. 그런 다음 색깔이 사라지고, 다른 색깔이 와서 그를 빨간색이나 노란색으로 바꿉니다."라고 술회했다.[19]
1945년 프랑스로 돌아온 후, 레제는 공산당에 가입했다.[20] 이 시기 그의 작품은 추상성이 덜해졌고, 곡예사, 건설 노동자, 다이버, 시골 나들이 등 대중 생활의 장면을 묘사한 많은 기념비적인 인물 구성 작품을 제작했다. 미술사가 샬로타 코틱(Charlotta Kotik)은 레제의 "평범한 사람들을 묘사하고 그들을 위해 창작하려는 결의는 제2차 세계 대전 전후 아방가르드 사이에 널리 퍼져 있던 사회주의 이론의 결과였다. 그러나 레제의 사회적 양심은 맹렬한 마르크스주의자의 것이 아니라 열정적인 인본주의자의 것이었다"라고 평가했다.[21] 레제는 책 삽화, 벽화, 스테인드글라스 창문, 모자이크, 폴리크롬 세라믹 조각, 무대 및 의상 디자인 등 다양한 프로젝트를 진행했다.[31]
2. 7. 1950년대: 다양한 매체 실험과 죽음
1950년 레제의 아내 잔느-오귀스틴 로이(Jeanne-Augustine Lohy)가 사망한 후, 레제는 1952년 나디아 코도세비치(Nadia Khodossevitch, 나디아 코도세비치 레제/Надежда Петровна Ходасевич-Лежеru)와 재혼했다.[31] 말년에 그는 베른에서 강의를 하고, 베네수엘라 카라카스의 베네수엘라 중앙대학교를 위해 모자이크와 스테인드글라스 창문을 디자인했으며, "시골 나들이(Country Outing)", "캠핑카(The Camper)", 그리고 "큰 행진(The Big Parade)" 연작을 그렸다. 1954년 그는 상파울루 오페라 극장을 위한 모자이크 작업을 시작했지만, 완성하지 못했다.[31] 1955년, 센느에와즈주(Seine-et-Oise, 현재의 에손주) 지프쉬르이베트로 이주하여 그곳에서 사망하였다.[31] 그는 에손주 지프쉬르이베트에 매장되었다.3. 유산 및 영향
레제는 1945년에 "현대 회화에서 '사물'은 '주인공'이 되어 주제를 뒤엎어야 한다. 만약 인체가 사물이 된다면, 현대 예술가에게 가능성을 상당히 확대할 수 있다"라고 적었다.[22] 1949년 에세이 "나는 인물을 어떻게 생각하는가"에서 "추상미술은 완전한 계시였고, 그 후 우리는 인물을 감정적인 가치가 아닌 조형적인 가치로 고려할 수 있게 되었다. 그렇기 때문에 내 작품의 진화 전반에 걸쳐 인물은 의도적으로 표정이 없다"라고 썼다.[22] 기계 시대의 이미지를 그의 화풍으로 삼고, 소비 사회의 사물을 그림의 주제로 삼은 최초의 화가로서 레제는 팝 아트의 선구자로 불린다.[23]
그는 바실리에프 아카데미(Académie Vassilieff), 소르본느, 페르낭 레제 아카데미(Académie Fernand Léger)를 설립하여 파리에서 가르쳤다. 이후 예일대학교 예술건축대학(Yale School of Art and Architecture)(1938~1939), 캘리포니아주 오클랜드의 밀스 칼리지 미술관(Mills College Art Gallery)(1940~1945)에서 강의를 하고 프랑스로 돌아왔다.[24] 그의 많은 국제적인 제자들중에는 나디르 아폰소(Nadir Afonso), 폴 조르주(Paul Georges), 샬롯 길버트슨(Charlotte Gilbertson), 하나니아 하라리(Hananiah Harari), 아스거 요른(Asger Jorn), 마이클 로우(Michael Loew), 베벌리 페퍼(Beverly Pepper), 빅터 라인가넘(Victor Reinganum), 마르셀 뮬리(Marcel Mouly), 르네 마르고통(René Margotton), 살루아 라우다 슈케르(Saloua Raouda Choucair), 샬롯 뤽켈(Charlotte Wankel), 피터 아고스티니(Peter Agostini), 루 알베르-라사르(Lou Albert-Lasard)등이 있다.[24]
1952년, 레제의 벽화 한 쌍이 뉴욕의 유엔 본부(United Nations headquarters) 총회장에 설치되었다.[25] 1960년, 프랑스 알프마리팀주 비오트(Biot, Alpes-Maritime)에 페르낭 레제 미술관(Fernand Léger Museum)이 개관했다.
레제는 자신의 주택을 프랑스 공산당(French Communist Party)에 유증했고, 그곳은 파리 평화 협정(Paris Peace Accords) 협상을 주최했다.[26] 2008년 5월, 그의 그림 ''파란 드레스의 여인을 위한 연구(Étude pour la femme en bleu)''(1912~13)가 3,924만 1,000달러에 팔렸다.[27] 2008년 8월, 웰즐리 대학(Wellesley College)의 데이비스 미술관 및 문화센터(Davis Museum and Cultural Center) 소장 레제의 그림 ''어머니와 아이''가 분실되었다고 보고되었다.[28] 레제의 작품은 2013년 10월 14일부터 2014년 1월 5일까지 필라델피아 미술관(Philadelphia Museum of Art)에서 열린 "레제: 근대 미술과 대도시" 전시회에 출품되었다.[29] 2022년, 옥상 연작의 분실된 그림이 그림 ''바스티유의 날''의 반대편에서 발견되었다고 발표되었다.[30]
4. 작품
- 숲 속의 누드(1909년-1910년) 크뢸러-뮐러 미술관(네덜란드, 오터르뢰)
- 푸른 옷을 입은 여인(1912년) 바젤 미술관(스위스)
- 카드 놀이(1917년) 크뢸러-뮐러 미술관(네덜란드, 오터르뢰)
- 세 여인(1921년) 뉴욕 현대 미술관
- 휴식 - 루이 다비드 찬가(1948년-1949년) 파리, 국립 현대 미술관(퐁피두 센터)
- 대퍼레이드(1954년) 뉴욕, 구겐하임 미술관
- 걷는 꽃(1952년) 네덜란드, 헤이그, 하코네의 숲 미술관
5. 같이 보기
참조
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서적
1993
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서적
From Millet to Léger: Essays in Social Art History
https://books.google[...]
Yale University Press
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문서
Pupils Fernand Léger in the RKD
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웹사이트
An 'element of inspiration and calm' at UN Headquarters – art in the life of the United Nations
https://archive.toda[...]
2010-10-13
[26]
웹사이트
Breakthrough in Paris Blocked in Saigon, October 8–23, 1972
https://history.stat[...]
2021-12-11
[27]
웹사이트
Étude Pour la Femme En Bleu, record price at public auction, Sotheby's New York, 7 May 2008
http://www.sothebys.[...]
2008-05-07
[28]
웹사이트
A masterwork goes missing
http://www.boston.co[...]
The Boston Globe
2008-08-27
[29]
문서
Philadelphia Museum of Art
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웹사이트
Lost Fernand Léger Painting Reappears After 100 Years Behind Another Canvas
https://www.artnews.[...]
2022-10-20
[31]
서적
Fernand Léger
Abbeville Publishers
1982
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