로베르 들로네
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1. 개요
로베르 들로네는 1885년 파리에서 태어난 프랑스의 화가이다. 큐비즘, 오르피즘 등 다양한 미술 사조에 참여했으며, 특히 색채를 강조한 작품으로 유명하다. 에펠탑, 도시의 창, 카디프 팀, 블레리오에게 바침, 리듬 연작 등 다양한 연작을 제작했다. 1910년 소냐 델로네와 결혼했으며, 제1차 세계 대전 중 스페인과 포르투갈에서 활동했다. 1921년 파리로 돌아와 초현실주의와 교류했으며, 1937년 파리 만국 박람회에 참여했다. 1941년 몽펠리에에서 암으로 사망했으며, 1952년 강베에 재매장되었다.
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| 로베르 들로네 - [인물]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
| 이름 | 로베르 들로네 |
| 출생 이름 | 로베르-빅토르-펠릭스 들로네 |
| 출생일 | 1885년 4월 12일 |
| 출생지 | 파리, 프랑스 |
| 사망일 | 1941년 10월 25일 |
| 사망지 | 몽펠리에, 프랑스 |
| 분야 | 회화 |
| 로마자 표기법 | Robere Deullonae |
 | |
| |
| 경력 | |
| 운동 | 분할주의 입체파 오르피즘 추상 미술 파리파 |
2. 생애
들로네는 오르피즘과 밀접하게 관련되어 있으며, 1912년부터 1914년까지 밝은 색상의 광학적 특징을 기반으로 비구상 회화를 그렸다. 그의 이론은 주로 색채와 빛에 관한 것이었으며, 스탠턴 맥도널드-라이트, 모건 러셀 등 많은 사람들에게 영향을 미쳤다. 미술 비평가 기욤 아폴리네르는 들로네의 색채 이론에 큰 영향을 받았으며, 그가 명명한 오르피즘을 설명하기 위해 그의 이론을 자주 인용했다.[2]
들로네는 색채를 표현적이고 구조적인 수단으로 여겼으며, 그의 색채 연구에 의해 이러한 집착이 지속되었다. 전성기에는 《생세브랭》 연작(1909-10년), 《에펠탑》 연작(1909-1912년), 《창문》 연작(1912-1914년) 등 여러 연작을 그렸다.
과학자와 이론가들의 영향을 받은 그의 색채에 대한 글은 직관적이며, 때로는 색채가 그 자체로 표현과 형태의 힘을 가진 독립적인 존재라는 믿음에 기반한 무작위적인 진술일 수 있다. 그는 회화가 지적인 요소에 의존하는 순전히 시각적인 예술이며, 지각은 색채 빛이 눈에 미치는 영향에 있다고 믿었다. 색채의 대비와 조화는 눈에 동시적인 움직임을 생성하고 자연의 움직임에 상응하며, 시각이 회화의 주제가 된다고 생각했다.
들로네는 바실리 칸딘스키, 피에트 몬드리안과 함께 추상 회화의 선구자 중 한 명이며, 프랑스 화가로서는 가장 초기부터 완전한 추상 회화를 그린 인물 중 한 명이다. 1885년 파리에서 태어난 그는 폴 고갱, 조르주 쇠라, 폴 세잔 등을 연구하며 작품 활동을 시작했다. 초기에는 미셸 외젠 슈브뢰의 색채 이론에 영향을 받아 신인상주의의 영향을 받았다. 1909년경부터 큐비즘 운동에 참여하여 「에펠탑」, 「생 세브랑 성당」 등의 연작을 제작하기 시작했다.
1910년에는 우크라이나 출신의 여성 화가 소냐 들로네와 결혼했으며, 퓌토 그룹의 화가들과 교류하였다. 파블로 피카소, 조르주 브라크 등 큐비즘 화가들의 그림이 거의 단색화에 가까웠던 것과 달리, 들로네의 그림에서는 색채가 주요한 역할을 했다. 또한 에펠탑, 비행기와 같은 현대적인 모티브를 즐겨 그렸다.
바실리 칸딘스키는 들로네에게 큰 영향을 준 화가 중 한 명이었다. 칸딘스키, 프란츠 마르크 등을 중심으로 한 화가 그룹 「청기사」가 뮌헨에서 개최한 제1회 「청기사전」(1911년)에는 들로네도 출품했다.
들로네는 1912년경에는 이미 큐비즘에서 벗어나 「창문」 연작 등 순수 추상에 가까운 작품을 제작하고 있었다. 기욤 아폴리네르는 1913년 강연에서 들로네를 대표하는 회화 양식을 「오르피즘」이라고 부르며 큐비즘과 구별했다.
들로네는 아내 소냐와 함께 제1차 세계 대전 중 수년간 스페인, 포르투갈에서 지냈고, 1921년 파리로 돌아왔다. 1920년대에는 앙드레 브르통, 트리스탕 짜라 등 초현실주의와 다다이즘과도 교류하였으며, 1930년대부터 다시 추상으로 돌아서 다양한 색채의 동심원을 조합한 「리듬」 연작 등을 제작했다. 1937년 파리 만국 박람회의 항공관과 철도관의 프레스코화 「리듬 No.1~No.3」을 제작했다. 1941년 몽펠리에에서 암으로 사망했고, 유해는 1952년 강베에 재매장되었다.
2. 1. 초기 (1903년 ~ 1909년)
로베르 들로네는 1885년 파리에서 태어났다. 1902년 최종 시험에 낙제하고 화가가 되기를 원하여, 그의 삼촌은 그를 파리의 벨빌 지역에 있는 롱생 아틀리에로 보내 장식예술을 공부하게 했다.[3]
19세에 들로네는 롱생을 떠나 그림에 전념하기 시작했고, 1904년에는 살롱 데 쟁데팡당에 여섯 작품을 출품했다.[4] 그는 브르타뉴로 여행을 갔는데, 그곳에서 퐁타방파의 영향을 받았다. 1906년에는 브르타뉴에서 그린 작품들을 제22회 살롱 데 쟁데팡당에 출품하여 앙리 루소를 만났다.[4]
이 무렵 들로네는 장 메칭제와 깊은 우정을 쌓았고, 1907년 초 베르트 베유가 운영하는 화랑에서 미술 전람회를 함께 열었다. 두 사람은 1907년 미술 비평가 루이 보셀에 의해 큰 모자이크 같은 '입방체'를 사용하여 작지만 매우 상징적인 구성을 만드는 분할주의 화가로 주목받았다.[5]
로버트 허버트는 "메칭제의 신인상주의 시기는 그의 절친 드라네보다 다소 길었다... 그의 신인상주의 작품의 절정은 1906년과 1907년으로, 그와 드라네는 눈에 띄는 색채의 직사각형으로 서로의 초상화를 그렸다 (런던 미술 시장 및 휴스턴 미술관). (1906-07년 작품인 ''쿠슈르 드 솔레이 1''의 하늘에는 나중에 드라네가 자신의 상징으로 삼게 되는 태양 원반이 있다)."라고 썼다.[6] 허버트는 메칭제의 그림, 그리고 드라네의 ''Paysage au disque'' (1906-07)에서 진동하는 태양 이미지를 "신인상주의 색채 이론의 핵심에 자리 잡고 있는 스펙트럼 광선의 분해에 대한 헌정"으로 묘사한다.[7]
들로네는 1903년경부터 화가가 되기로 결심하고 정규 미술 교육은 받지 않았지만, 폴 고갱, 조르주 쇠라, 폴 세잔 등을 연구하며 작품 활동을 시작했다. 또한 프랑스의 화학자이자 색채 이론가인 미셸 외젠 슈브뢰의 색채의 동시 대조에 관한 이론에 영향을 받아 초기에는 쇠라 등 신인상주의의 영향을 받았다.
2. 2. 입체주의 시기 (1909년 ~ 1912년)
1909년 드라네는 파리 도시와 에펠탑을 주제로 한 ''에펠탑'' 시리즈를 그리기 시작했다. 입체주의 운동에 참여하여 "에펠탑", "생 세브랑 성당" 등의 연작을 제작했다.[11] 파블로 피카소, 조르주 브라크 등 다른 입체주의 화가들과 달리 색채를 중시했다.1912년은 드라네에게 전환점이 되는 해였다. 3월 13일 파리에서 그의 첫 번째 대규모 전시회가 바르바장갤러리에서 2주간 열렸다. 프랑스 수학자이자 보험계리사인 모리스 프린세가 기획한 이 전시회는 1906-07년 초기 분할주의 시대부터 1909년부터 1912년까지의 원형 입체파와 입체파 에펠탑 그림까지 그의 작품 46점을 선보였다. 기욤 아폴리네르는 전시회 작품을 칭찬하며 드라네를 "세계를 거대한 시각으로 바라보는 예술가"라고 선언했다.
3월 23일자 풍자 잡지 ''라시에트 오 뵈르''의 제임스 버클리의 살롱 데 쟁데팡당 리뷰에는 드라네가 입체파 그룹과 결별했다는 첫 번째 언급이 나왔다. 버클리는 "단 한 방만 차지했던 '입체파'들이 늘어났습니다. 그들의 지도자 피카소와 브라크는 그들의 그룹에 참여하지 않았고, 일반적으로 입체파로 불리는 드라네는 자신을 고립시키고 싶어했으며 장 메칭제나 르 포콩니에와는 공통점이 없다고 선언했습니다."라고 썼다.[14]
2. 3. 오르피즘 시기 (1912년 ~ 1914년)
기욤 아폴리네르는 1913년 강연에서 들로네의 회화 양식을 오르피즘이라 칭하며 피카소 등의 큐비즘과는 다른 것이라고 하였다.[2] 오르피즘은 그리스 신화의 음악가 오르페우스의 이름을 따서 지은 용어로, 들로네 등의 작품을 다른 어떤 것의 영향도 받지 않은 독자적인 예술이며, 음악과 같은 순수 예술로 보았다. 들로네는 1912년경부터 큐비즘에서 벗어나 《창문》 연작 등 순수 추상에 가까운 작품을 제작하였다.2. 4. 스페인 및 포르투갈 시기 (1914년 ~ 1920년)
제1차 세계 대전이 발발한 1914년, 소니아와 로베르는 스페인 폰타라비에에 머물고 있었다. 그들은 프랑스로 돌아가지 않고 마드리드에 정착했다. 1915년 8월, 포르투갈로 이주하여 새뮤얼 할퍼트, 에두아르도 비아나와 함께 생활했다.[17] 비아나, 아마데오 드 소우자 카르도주(들로네 부부는 이미 파리에서 만났었다), 조제 드 알마다 네그레이로스와 함께 그들은 예술적 파트너십을 논의했다.[4][18] 로베르는 처음에 탈영병으로 선포되었으나, 1916년 6월 23일 비고의 프랑스 영사관에서 징병 면제 판정을 받았다.[4]1917년 러시아 혁명으로 소니아가 러시아의 가족으로부터 받던 재정적 지원이 끊기자, 새로운 수입원이 필요했다. 같은 해 들로네 부부는 마드리드에서 세르게이 디아길레프를 만났다. 로베르는 그의 작품 ''클레오파트라''(소니아 들로네가 의상 디자인 담당)의 무대를 디자인했다. 또한, 로베르 들로네는 비센테 위도브로를 위해 ''에펠탑''을 삽화했다.[4]
1920년 폴 포아레는 소니아와의 사업 제휴를 거절했는데, 그 이유 중 하나로 탈영병과의 결혼을 들었다.[19] 같은 해 베를린의 슈투름 갤러리는 포르투갈 시대의 소니아와 로베르의 작품을 전시했다.[4][20]
2. 5. 파리 귀환 및 후기 (1921년 ~ 1941년)
1921년, 제1차 세계 대전 이후 파리로 돌아온 들로네는 초현실주의에 잠시 참여하며 구상과 추상 양식 모두에서 작업을 이어갔다. 앙드레 브르통과 트리스탕 짜라를 만나 다다와 초현실주의자들과 교류하였다.[22] 1920년대에는 「에펠탑」 연작을 다시 제작하는 등 구상적인 경향을 보였으나, 1930년대부터는 다시 추상으로 복귀하여 다양한 색채의 동심원을 조합한 "리듬" 연작 등을 제작했다.
1937년 파리 만국 박람회에서 들로네는 항공관과 철도관의 프레스코화 제작에 참여했다.
제2차 세계 대전이 발발하자 들로네 부부는 나치 독일군을 피해 오베르뉴로 피난을 갔다. 암을 앓고 있던 들로네는 건강이 악화되어, 1941년 10월 25일 몽펠리에에서 56세의 나이로 사망했다. 그의 유해는 1952년 강베에 다시 매장되었다.[4]
3. 주요 작품
들로네는 오르피즘과 밀접하게 관련되어 있으며, 1912년부터 1914년까지 밝은 색상의 광학적 특징을 기반으로 비구상 회화를 그렸다. 그의 이론은 주로 색채와 빛에 관한 것이었으며, 스탠턴 맥도널드-라이트, 모건 러셀 등 많은 사람들에게 영향을 미쳤다.[2]
들로네는 색채를 표현적이고 구조적인 수단으로 여겼으며, 그의 색채 연구는 이러한 믿음을 뒷받침했다. 그는 회화가 지적인 요소에 의존하는 순전히 시각적인 예술이며, 지각은 색채 빛이 눈에 미치는 영향에 있다고 믿었다.
그의 초기 회화는 신인상주의에 깊이 뿌리를 두고 있다. 예를 들어, 《야경》은 어두운 배경에 밝은 색상으로 생생한 붓놀림을 사용하여 활기찬 활동을 보여준다.
《에펠탑》 연작은 세잔, 분석적 입체주의, 미래주의의 영향을 보여주며, 유형의 물체와 공간의 상호 침투는 입체주의 형태의 정적인 균형보다 더 역동적인 기하학적 평면의 강렬한 움직임을 동반한다.
전성기에 들로네는 다음과 같은 여러 연작을 그렸다.
- 《생세브랭》 연작 (1909-10년)
- 《도시》 연작 (1909-1911년)
- 《에펠탑》 연작 (1909-1912년)
- 《파리의 도시》 연작 (1911-12년)
- 《창문》 연작 (1912-1914년)
- 《원형 형태》 연작 (1913년)
- 《첫 번째 원반》 (1913년)
'''주요 작품 목록'''
| 작품명 | 제작 연도 | 기법 | 소장처 |
|---|---|---|---|
| -- | 1907년경 | 캔버스에 유채 | |
| -- | 1905-06년 | 캔버스에 유채 | 파리 국립 현대미술관 |
| -- | 1906년 | 캔버스에 유채 | 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 |
| -- | 1906년 | 종이에 유채 | 휴스턴 미술관 |
| -- | 1906년 | 캔버스에 유채 | |
| -- | 1907년 | ||
| -- | 1907년 | 캔버스에 유채 | 언터린덴 미술관 |
| -- | 1909-10년 | 캔버스에 유채 | 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 |
| -- | 1910-1912년 | 캔버스에 유채 | 파리 국립 현대미술관 |
| -- | 1911-12년 | 캔버스에 유채 | 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 |
| -- | 1912년 | 함부르크 쿤스트할레 | |
| -- | 1912년 | 캔버스에 유채 | 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 |
| -- | 1913년 | 캔버스에 유채 | 반 아베미술관, 아인트호벤 |
| -- | 1913년 | 캔버스에 유채 | 파리 시립 현대미술관 |
| -- | 1914년 | 캔버스에 유채 | 그르노블 미술관 |
| -- | 1915년 | 캔버스에 유채 | 파리 시립 현대미술관 |
| -- | 1916년 | 캔버스에 유채 | 콜럼버스 미술관 |
| -- | 1926-1928년 | 종이에 콩테 크레용 | 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 |
| -- | 1926년 | 캔버스에 유채 | 파리 시립 현대미술관 |
| -- | 1930년 | 캔버스에 유채 | 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 |
 | 1934년 | 캔버스에 유채 | 퐁피두센터 |
| -- | 1938년 | 캔버스에 유채 | 파리 시립 현대미술관 |
3. 1. 카디프 팀
〈카디프 팀〉(1912-1913년)은 럭비 경기 장면을 묘사한 작품으로, 역동적인 움직임과 화려한 색채가 특징이다.
3. 2. 블레리오에게 바침
Hommage à Blériot프랑스어은 1914년 작품으로, 영불 해협을 최초로 비행기로 횡단한 루이 블레리오에게 헌정한 것이다. 비행기와 하늘을 추상적인 형태로 표현하였다.[1]4. 영향
들로네는 오르피즘과 밀접하게 관련되어 있으며, 색채와 빛에 관한 그의 이론은 많은 이들에게 영향을 미쳤다. 그의 색채에 대한 집착은 그의 색채 연구를 통해 지속되었다. 전성기에 그는 《생세브랭》 연작(1909-10년), 《도시》 연작(1909-1911년), 《에펠탑》 연작(1909-1912년), 《파리의 도시》 연작(1911-12년), 《창문》 연작(1912-1914년), 《카디프 팀》 연작(1913년), 《원형 형태》 연작(1913년), 그리고 《첫 번째 원반》(1913년) 등 여러 연작을 그렸다.
과학자와 이론가들의 영향을 받은 그의 색채에 대한 글은 직관적이며, 때로는 색채가 그 자체로 표현과 형태의 힘을 가진 독립적인 존재라는 믿음에 기반한 무작위적인 진술일 수 있다.
그의 초기 회화는 신인상주의에 깊이 뿌리를 두고 있다. 예를 들어, 《야경》은 어두운 배경에 밝은 색상으로 생생한 붓놀림을 사용하여 활기찬 활동을 보여주는데, 단단한 물체를 정의하는 것이 아니라 그 주변의 영역을 정의한다. 신인상주의의 스펙트럼 색상은 나중에 버려졌다. 《에펠탑》 연작은 단단한 물체의 단편화와 공간과의 융합을 보여준다. 이 연작에는 폴 세잔, 분석적 입체주의, 미래주의의 영향이 나타난다. 《에펠탑》에서 유형의 물체와 공간의 상호 침투는 입체주의 형태의 정적인 균형보다 더 역동적인 기하학적 평면의 강렬한 움직임을 동반한다.
4. 1. 미술계에 미친 영향
들로네는 오르피즘과 가장 밀접하게 관련되어 있다. 1912년부터 1914년까지 그는 형태로 기능할 만큼 역동적인 밝은 색상의 광학적 특징을 기반으로 비구상 회화를 그렸다.[2] 그의 이론은 주로 색채와 빛에 관한 것이었으며 스탠턴 맥도널드-라이트, 모건 러셀, 패트릭 헨리 브루스, 청기마사회, 아우구스트 마케, 프란츠 마르크, 파울 클레, 라이오넬 파이닝거를 포함한 많은 사람들에게 영향을 미쳤다. 미술 비평가 기욤 아폴리네르는 들로네의 색채 이론에 큰 영향을 받았으며, 그가 명명한 오르피즘을 설명하기 위해 그의 이론을 자주 인용했다.[2] 들로네의 색채에 대한 집착, 즉 표현적이고 구조적인 수단으로서의 색채는 그의 색채 연구에 의해 지속되었다.그는 회화가 지적인 요소에 의존하는 순전히 시각적인 예술이며, 지각은 색채 빛이 눈에 미치는 영향에 있다고 믿었다. 색채의 대비와 조화는 눈에 동시적인 움직임을 생성하고 자연의 움직임에 상응한다. 시각이 회화의 주제가 된다.
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