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팝 아트

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목차

1. 개요

팝 아트는 1950년대 영국과 미국에서 시작된 미술 운동으로, 대량 생산과 소비 사회의 대중문화를 예술의 소재로 활용했다. 팝 아트는 추상표현주의에 반발하여 TV, 잡지, 광고 등 대중적인 이미지를 작품에 도입했으며, 간결하고 평면적인 색면과 원색을 사용했다. 팝 아트는 영국에서는 독립 그룹(IG)을 중심으로, 미국에서는 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인 등을 중심으로 발전했으며, 광고 미술과 대중문화에 큰 영향을 미쳤다.

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팝 아트

2. 역사적 배경

미국과 영국에서는 대량 생산과 대량 소비가 최고조에 달했다. 사람들은 자연, 환경보다는 광고판, 대중 매체와 더 친숙해졌다. 이에 추상 표현주의에 식상함을 느낀 화가들이 TV나 잡지, 광고에 등장하는 이미지를 작품의 재료로 삼기 시작했다.

찰스 데무스의 1928년 작품 ''I Saw the Figure 5 in Gold''. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 소장.


북미에서의 팝 아트는 영국과는 다르게, 하드 에지 페인팅 구성과 구상 미술로 회귀하려는 예술가들의 반응이었다.[3] 이들은 추상 표현주의의 "회화적 느슨함"을 "무력화"하기 위해 비개인적이고 평범한 현실, 아이러니와 패러디를 사용했다.[7][5] 래리 리버스, 알렉스 카츠, 만 레이 등의 작품이 미국의 팝 아트를 예고했다.[6]

제2차 세계 대전 이후 영국에서의 팝 아트는 아이러니와 패러디를 사용하면서도 더 학문적이었다. 영국 예술가들은 미국 대중 문화의 역동적이고 역설적인 이미지를 주목하며, 이것이 삶의 패턴에 영향을 미치고 사회 번영을 향상시키는 강력한 상징적 장치라고 보았다.[5] 영국의 초기 팝 아트는 "멀리서 바라본" 미국 대중 문화에 의해 촉진된 아이디어의 문제였다.[7] 팝 아트는 다다이즘의 연장이자 거부였다.[7] 팝 아트와 다다이즘은 동일한 주제를 탐구했지만, 팝 아트는 다다 운동의 파괴적이고 풍자적이며 무정부주의적인 충동을 대중 문화에 대한 긍정으로 대체했다.[7] 파블로 피카소, 마르셀 뒤샹, 쿠르트 슈비터스 등은 팝 아트에 앞서 작품을 제작한 유럽 예술가로 여겨진다.

제2차 세계 대전 이후 선진국에서는 누구나 대량 생산된 제품에 둘러싸여 소비하고, 텔레비전이나 잡지에서 광고에 노출되는 생활을 했다. 팝 아트 운동 중에는 이러한 속된 제품이나 서브컬처, 생활 양식을 비판하는 의도를 담은 것도 있었지만, 오히려 대량 생산·대량 소비 사회의 풍경을 새로운 "풍경"으로 간주하여 친숙한 상품이나 광고를 담담하게 또는 아름답게 "풍경화"로 그리려는 시도도 있었다.

2. 1. 영국에서의 시작 (1950년대)

1952년부터 런던의 ICA라는 갤러리에서 에두아르도 파올로치 등 젊은 미술가들과 Lawrence Alloway|로렌스 앨러웨이영어 등 평론가들이 모여 인디펜던트 그룹을 결성하여 예술과 대중문화의 관계를 연구했다.[2][10] 제2차 세계 대전 후 쇠퇴한 영국에 풍요로운 미국으로부터 빠르게 스며들어 젊은이들을 열광하게 했던 광고나 SF, 만화, 대중음악 등 미국의 대중문화에 대한 풍자적인 객관적인 시각도 있었지만, 이를 적으로 보기보다는 오히려 현대를 재검토하는 새로운 소재를 제공하는 것으로 보고 적극적으로 활용하려는 발상도 있었다.[5] "팝 아트"라는 단어는 이 연구 중에 로렌스 앨러웨이가 1956년에 상업 디자인 등을 가리켜 "대중적인 예술"이라는 의미로 사용하면서 탄생했다.[16][17]

같은 해, 이 성과를 바탕으로 런던에서 『이것이 내일이다』 전시회가 개최되었다. 여기서 발표된 리처드 해밀턴의 작품 『오늘날의 가정을 그토록 다르고 매력적으로 만드는 것은 무엇인가?』는 잡지나 광고의 매력적인 상품이나 화려한 모델 사진을 오려 붙인 콜라주로, 팝 아트의 선구적인 작품으로 꼽힌다.[15] 특히 보디빌더 남성이 들고 있는 롤리팝 캔디 포장지의 "POP" 글자가 강한 인상을 주었다.

리처드 해밀턴의 콜라주 작품 ''오늘날의 가정을 그토록 다르고 매력적으로 만드는 것은 무엇인가?''(1956)는 "팝 아트"로 간주되는 초기 작품 중 하나이다.


해밀턴은 이듬해 이 전시회를 되돌아보며 "팝"(대중문화)을 다음과 같이 정의했다.

영국의 팝 아트는 1961년 데이비드 호크니 등 많은 젊은 미술가들이 출품한 『영 컨템포러리즈』 전시회에서 전성기를 맞이했다.[18]

2. 2. 미국의 발전 (1960년대)

미국에서 팝 아트는 하드 에지 페인팅 구성과 구상 미술로의 회귀를 의미하는 예술가들의 반응이었다.[7][5] 이들은 개인적인 상징주의와 추상 표현주의의 "회화적 느슨함"을 "무력화"하기 위해 비개인적이고 평범한 현실, 아이러니와 패러디를 사용했다.[7][5] 래리 리버스, 알렉스 카츠, 만 레이 등의 작품이 팝 아트를 예고했다.[6]

마르셀 뒤샹과 프랜시스 피카비아, 만 레이와 같은 유럽의 예술가들은 이 운동보다 앞섰다. 또한, "발견된" 문화적 대상을 활용한 미국의 초기 "프로토 팝" 기원이 있었다.[7] 1920년대에 미국의 예술가 패트릭 헨리 브루스, 제럴드 머피, 찰스 데머스와 스튜어트 데이비스는 팝 문화 이미지(미국 상업 제품 및 광고 디자인에서 수집한 일상적인 물체)를 담은 그림을 제작하여 팝 아트 운동을 거의 "예시"했다.[8][9]

미국에서 1960년대에 가장 큰 추진력을 얻은 팝 아트는[19] 1962년 12월 뉴욕 현대 미술관(Museum of Modern Art)이 주최한 "팝 아트 심포지엄"에서 "팝 아트"라는 용어가 공식적으로 도입되었다.[19] 당시 미국의 광고는 현대 미술의 많은 요소를 수용하여 매우 정교한 수준으로 기능했다. 결과적으로 미국의 예술가들은 미술을 잘 설계되고 영리한 상업 자료와 차별화할 수 있는 극적인 스타일을 더 깊이 탐구해야 했다.[5] 매일 대량 생산된 다양한 이미지에 휩싸인 미국의 예술가들은 일반적으로 더 대담하고 공격적인 작품을 생산했다.[10]

재스퍼 존스와 로버트 라우센버그는 미국의 팝 아트 어휘를 확립하는 데 중요한 역할을 한 예술가였다.[10] 제2차 세계 대전 이후 노스캐롤라이나의 블랙 마운틴 칼리지에서 수학한 라우센버그는[24] 버려진 기성품 (컴바인)과 팝 문화 이미지 (실크스크린 회화)를 사용하여 자신의 작품을 매일의 미국에서 일어나는 시사적인 사건들과 연결시켰다.[10][25][26] 1962-64년의 실크스크린 회화는 표현적인 붓놀림과 ''라이프, 뉴스위크,'' 및 ''내셔널 지오그래픽''의 잡지 클리핑을 결합했다. 존스의 깃발, 과녁, 숫자, 미국의 지도 그림, 맥주 캔의 3차원적 묘사는 예술에서의 재현 문제에 대한 관심을 끌었다.[27] 1950년대 존스와 라우센버그의 작품은 종종 네오 다다라고 불리며, 1960년대 초에 폭발적으로 나타난 전형적인 미국의 팝 아트와는 시각적으로 구별된다.[28][29]

로이 리히텐슈타인은 미국의 팝 아트에 동등한 중요성을 가진다. 그의 작품과 패러디의 사용은 다른 어떤 것보다 팝 아트의 기본 전제를 잘 정의한다.[10] 리히텐슈타인은 유화와 마그나 페인트를 사용했으며, DC 코믹스의 ''Secret Hearts'' #83의 주요 이야기를 차용한 ''익사하는 소녀''(1963)가 대표적이다. (''익사하는 소녀''는 뉴욕 현대 미술관 소장품의 일부이다.)[30] 그의 작품은 굵은 윤곽선, 대담한 색상, 벤데이 점을 사용하여 특정 색상을 표현하며, 마치 사진 복제본으로 만들어진 것처럼 보인다. 팝 아트는 대중 문화와 대중 문화를 순수 예술과 융합시키면서 유머, 아이러니, 인식 가능한 이미지/내용을 혼합한다.

여자의 울부짖는 얼굴이 파도에 압도당하며
로이 리히텐슈타인, ''익사하는 소녀(Drowning Girl)'', 1963, 뉴욕 현대 미술관(Museum of Modern Art, New York) 전시.


리히텐슈타인의 그림은 앤디 워홀, 톰 웨셀만 등의 그림과 마찬가지로 미국의 대중 문화의 흔한 이미지와 직접적인 연관성을 가지면서도, 대량 생산의 이상화를 명확하게 보여주는 개인적인 방식으로 주제를 다룬다.[10]

앤디 워홀은 팝 아트에서 가장 유명한 인물이다. 미술 평론가 아서 단토는 워홀을 "미술사에서 배출한 철학적 천재에 가장 가까운 존재"라고 칭했다.[19] 워홀은 팝 아트를 예술적 스타일에서 라이프 스타일로 확장하려 했으며, 그의 작품은 종종 동료들의 아이러니와 패러디를 없애는 인간적 감정의 부재를 보여준다.[32][33]

앤디 워홀(Andy Warhol)의 1962년 작품, ''체다 치즈'' 캔버스, ''캠벨 수프 캔'' 중 일부


클래스 올덴버그는 1960년대에 팝 아트 운동과 연관되어 당시의 퍼포먼스 아트 관련 작품인 많은 ''해프닝''을 만들었다. 그는 자신의 작품에 "레이 건 극장"이라는 이름을 붙였다.[37] 1961년 12월, 그는 맨해튼 로어 이스트 사이드에 있는 가게를 임대하여, 마사 잭슨 갤러리에서 처음 선보였던 한 달간의 설치 미술인 ''The Store''를 마련했고, 이는 소비재 형태의 조각품으로 채워졌다.[37]

1962년에 개관한 빌렘 데 쿠닝의 뉴욕 미술 딜러인 시드니 제니스 갤러리는 획기적인 ''신 사실주의 국제전''을 개최하여 새롭게 등장한 미국, 프랑스, 스위스, 이탈리아 ''누보 레알리즘''과 영국의 팝 아트를 조망했다.

2. 3. 한국의 팝 아트

한국에서 팝 아트는 1960년대 미국에서 시작된 팝 아트의 영향을 받아 1970년대부터 나타나기 시작했다. 그러나 한국의 팝 아트는 미국의 팝 아트와는 다른 독자적인 특징을 갖는다.

1970년대 한국의 팝 아트는 민중미술의 영향을 받아 사회 비판적인 성격을 띠는 경우가 많았다. 당시 한국 사회는 박정희 정권의 유신 체제하에서 억압적인 분위기였고, 이에 대한 저항 의식이 팝 아트에 반영된 것이다.

1980년대 이후 한국 사회가 경제적으로 성장하고 민주화를 이루면서 팝 아트는 상업 미술과 융합되는 경향을 보였다. 밝고 경쾌한 색채와 대중적인 이미지를 사용하여 대중에게 친근하게 다가가는 작품들이 많이 제작되었다.

현재 한국의 팝 아트는 다양한 경향을 보이며 발전하고 있다. 일부 작가들은 여전히 사회 비판적인 메시지를 담은 작품을 제작하는 반면, 다른 작가들은 개인의 감성이나 일상의 소소한 것들을 표현하는 데 집중한다. 또한 미디어 아트와 결합하여 새로운 형태의 팝 아트를 시도하는 작가들도 있다.

한국의 대표적인 팝 아티스트로는 이동기, 최정화, 홍경택 등이 있다. 이동기는 아톰과 미키 마우스를 결합한 캐릭터인 '아토마우스'를 통해 한국 사회의 혼성 문화를 표현했다. 최정화는 플라스틱 바구니, 빗자루 등 일상적인 소재를 활용하여 화려하고 키치적인 작품을 제작했다. 홍경택은 빽빽하게 꽂힌 책장이나 연필 등을 극사실적으로 묘사하여 현대인의 강박관념을 표현했다.

3. 주요 특징 및 양식

팝 아트는 미국과 영국에서 대량 생산과 대량 소비가 정점에 달했을 때, 추상주의에 식상함을 느낀 화가들이 TV, 잡지, 광고에 등장하는 이미지를 작품에 활용하면서 시작되었다.[65] 1950년대 초 리처드 해밀턴 등 영국 작가들이 매스 미디어에 주목하면서 팝 아트가 시작되었지만,[65] 미국의 팝 아트는 도시의 정보문화가 만드는 대중적인 이미지를 적극적으로 수용하여 미술을 대중적인 영역으로 확장해 갔다.[64]

팝 아트의 주요 특징은 다음과 같다.


  • 추상주의와 달리 구상적이며, '새로운' 것을 추구했다.
  • 직접 관찰된 실제 이미지가 아닌, 인공적인 제2의 이미지를 채택했다.
  • 대중문화에 대한 비판이나 도전보다는 대중문화를 그림의 소재이자 정보로서 이용하는 중립적인 입장을 취했다.
  • 간결하고 명확하게 평면화된 색면과 원색을 사용했다.
  • 에로티시즘을 통해 도구화되고 상업화된 성을 표현했다.

3. 1. 개념 및 주제

팝 아트는 텔레비전, 잡지, 광고 등 대중문화에서 흔히 볼 수 있는 이미지를 적극적으로 차용하여 예술에 반영했다.[65] 리처드 해밀턴을 비롯한 여러 예술가들이 이러한 시도를 했다.[65]

팝 아트는 예술과 일상의 경계를 허물고자 했다. 일상적인 소재를 예술로 끌어들인 것이다. 1960년대 프랑스의 누보 레알리즘(신레알리즘)은 도시적인 현실을 "제2의 자연"으로 간주하며 팝 아트와 유사하게 접근했다.[64] 아상블라주(모아 합치기)와 정크 아트(폐품예술)는 이러한 경향을 대표하는 기법이다.[64]

팝 아트는 예술의 상업화 경향도 보여준다. 앤디 워홀은 캠벨 수프 캔과 같은 대량 생산 제품을 예술 작품으로 변형시켜, 예술과 상업의 경계를 모호하게 만들었다.

팝 아트는 대량 생산과 소비 사회에 대한 복합적인 태도를 보인다. 일부 작가들은 대중문화를 비판적으로 보기도 했지만, 대부분은 중립적인 입장에서 대중문화를 그림의 소재로 활용했다.[64]

팝 아트는 간결하고 명확한 색면과 원색을 사용하여 시각적 효과를 극대화했다. 또한, 에로티시즘을 통해 도구화되고 상업화된 성을 표현하기도 했다.

3. 2. 표현 기법

팝 아트의 표현 기법은 추상표현주의와는 다르게 구상적이며 '새로운' 것을 추구한다. 직접 관찰된 실제 이미지가 아닌, 인공적인 제2의 이미지를 채택하여 가공 과정을 거친다.[64] 대중문화에 대한 비판이나 도전보다는 대중문화를 그림의 소재이자 정보로 이용하는 중립적인 입장을 취한다.[65]

간결하고 명확하게 평면화된 색면과 원색을 사용하며, 에로티시즘의 표현에서는 도구화되고 상업화된 성을 표현한다. 리처드 해밀턴의 콜라주 작품 ''오늘날의 가정을 그토록 다르게, 그토록 매력적으로 만드는 것은 무엇인가?''(1956)는 팝 아트의 초기 작품 중 하나로 간주된다.[65]

로이 리히텐슈타인은 유화와 마그나 페인트를 사용해 굵은 윤곽선, 대담한 색상, 벤데이 점을 활용하여 특정 색상을 표현하고, 마치 사진 복제본처럼 보이게 만드는 기법을 사용했다. 그의 작품 ''익사하는 소녀''(1963)는 DC 코믹스의 ''Secret Hearts'' #83의 주요 이야기를 차용한 것이다.[30]

앤디 워홀은 캠벨 수프 통조림, 브릴로 (세제) 상자, 마릴린 먼로 등 여배우나 유명인의 사진 등 도처에 있는 이미지를 사용한 판화를 대량 생산했다.

4. 주요 팝 아티스트



클래스 올덴버그, 짐 다인, 톰 웨셀만은 1959년과 1960년에 저드슨 갤러리에서 처음 전시회를 열었고, 1960년부터 1964년까지 제임스 로젠퀴스트, 조지 시걸 등과 함께 맨해튼 57번가에 있는 그린 갤러리에서 전시회를 열었다. 1960년 마사 잭슨은 설치와 아상블라주를 전시했고, ''New Media – New Forms''에는 한스 아르프, 쿠르트 슈비터스, 재스퍼 존스, 클래스 올덴버그, 로버트 라우센버그, 짐 다인, 메이 윌슨이 참여했다. 1961년에는 마사 잭슨의 봄 전시회, ''Environments, Situations, Spaces''가 열렸다.[34][35] 앤디 워홀은 1962년 7월 로스앤젤레스 어빙 블룸의 페러스 갤러리에서 첫 개인전을 열고, 캠벨 수프 캔 그림 32점을 전시했다. 워홀은 이 그림들을 1,000달러에 팔았고, 1996년 현대 미술관이 매입했을 때 1500만달러로 평가되었다.[19]

맥스 팩터 주니어의 아들이자 예술 수집가이며 전위 예술 문학 잡지 ''노마드''의 공동 편집자인 도널드 팩터는 ''Nomad/New York''에 "4명의 예술가"라는 에세이를 썼는데, 이는 팝 아트에 대한 초기 글 중 하나였다. 이 에세이는 로이 리히텐슈타인, 제임스 로젠퀴스트, 짐 다인, 클래스 올덴버그에 초점을 맞췄다.[36]

1960년대 올덴버그는 ''해프닝''을 만들었는데, "레이 건 극장"이라 불렸다. 루카스 사마라스, 톰 웨셀만, 캐롤리 슈니먼, 외빈 팔스트룀, 리처드 아츠쉬와거, 애니나 노세이, 바바라 로즈, 루디 워리처 등이 참여했다.[37] 그의 아내 패티 무차는 초기 소프트 조각품을 많이 만들고 해프닝에서 공연했다. 1961년 12월, 그는 맨해튼 로어 이스트 사이드 가게를 임대하여 설치 미술 ''The Store''를 열고 소비재 형태 조각품을 채웠다.[37]

1962년 빌렘 데 쿠닝의 뉴욕 미술 딜러 시드니 제니스 갤러리는 ''신 사실주의 국제전''을 개최하여 미국, 프랑스, 스위스, 이탈리아 ''누보 레알리즘''과 영국 팝 아트를 조망했다. 리처드 린드너, 웨인 티보, 로이 리히텐슈타인 (''블램''), 앤디 워홀, 클래스 올덴버그, 제임스 로젠퀴스트, 짐 다인, 로버트 인디애나, 톰 웨셀만, 조지 시걸, 피터 필립스, 피터 블레이크 (''The Love Wall''), 외빈 팔스트룀, 이브 클라인, 아르망, 다니엘 스포에리, 크리스토, 밈모 로텔라가 전시되었다. 마샬 레이세, 니키 드 생팔, 장 팅겔리는 미국 미술 작품의 규모와 모습에 놀랐다. 마리솔, 마리오 시파노, 엔리코 바지, 외빈 팔스트룀도 전시되었다. 제니스는 마크 로스코, 로버트 머더웰, 아돌프 고틀리브, 필립 거스턴을 잃었지만, 다인, 올덴버그, 시걸, 웨셀만을 얻었다.[38] 수집가 버턴 트레메인이 주최한 개막 축하연에서 빌렘 데 쿠닝이 나타났지만 쫓겨났다. 로젠퀴스트는 "미술계에 변화가 일어났다"라고 회상했다.[19]

미국 서부 해안에서 로이 리히텐슈타인, 짐 다인, 앤디 워홀, 필립 헤퍼턴, 로버트 다우드, 에드워드 루셰, 조 구드, 웨인 티보가 ''일상의 새로운 그림'' 전시회에 포함되었다. 월터 홉스가 파사데나 미술관에서 기획했다.[39] 뉴욕은 1963년 구겐하임 미술관이 로렌스 앨러웨이가 기획한 ''6명의 화가와 오브제''를 전시했다. 짐 다인, 재스퍼 존스, 로이 리히텐슈타인, 로버트 라우센버그, 제임스 로젠퀴스트, 앤디 워홀이었다.[40] 1964년 비안키니 갤러리 ''The American Supermarket''은 슈퍼마켓 환경처럼 전시되었지만, 애플, 워홀, 리히텐슈타인, 웨셀만, 올덴버그, 존스 등이 제작했다. 2002년 테이트 갤러리 ''쇼핑: 예술과 소비 문화의 세기''의 일부로 재현되었다.[41]

1962년까지 팝 아티스트들은 뉴욕과 로스앤젤레스 갤러리에서 전시하기 시작했다. 페러스 갤러리는 로스앤젤레스에서 앤디 워홀(1963년 에드 루셰)을 전시했다. 뉴욕 그린 갤러리는 로젠퀴스트, 시걸, 올덴버그, 웨셀만을 전시했다. 스테이블 갤러리는 R. 인디애나와 워홀(첫 뉴욕 전시회)을 전시했다. 레오 카스텔리 갤러리는 라우센버그, 존스, 리히텐슈타인을 전시했다. 마사 잭슨은 짐 다인을, 앨런 스톤은 웨인 티보를 전시했다. 1966년까지 그린 갤러리와 페러스 갤러리가 문을 닫은 후, 레오 카스텔리 갤러리는 로젠퀴스트, 워홀, 라우센버그, 존스, 리히텐슈타인, 루셰를 대표했다. 시드니 제니스 갤러리는 올덴버그, 시걸, 다인, 웨셀만, 마리솔을, 앨런 스톤은 티보를, 마사 잭슨은 로버트 인디애나를 대표했다.[42]

1968년 ''상파울루 9 전시 – 환경 U.S.A.: 1957–1967''은 윌리엄 세이츠가 기획했으며, 에드워드 호퍼, 제임스 길, 로버트 인디애나, 재스퍼 존스, 로이 리히텐슈타인, 클래스 올덴버그, 로버트 라우센버그, 앤디 워홀, 톰 웨셀만이 참여했다.[43]


  • 빌리 애플 (1935–2021)
  • 에블린 악셀 (1935–1972)
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  • 데릭 보시어 (1937년 출생)
  • 폴린 보티 (1938–1966)
  • 패트릭 콜필드 (1936–2005)
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  • 짐 다인 (1935년 출생)
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  • 존 맥헤일 (1922–1978)
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  • 클래스 올덴버그 (1929–2022)
  • 돈 나이스 (1932–2019)
  • 줄리안 오피 (1958년 출생)
  • 에두아르도 파올로치 (1924–2005)
  • 피터 필립스 (1939년 출생)
  • 지그마르 폴케 (1941–2010)
  • 하리톤 푸슈바그너 (1940–2018)
  • 멜 라모스 (1935–2018)
  • 로버트 라우센버그 (1925–2008)
  • 래리 리버스 (1923–2002)
  • 제임스 리치 (1950–2011)
  • 제임스 로젠퀴스트 (1933–2017)
  • 니키 드 생팔 (1930–2002)
  • 피터 소울 (1934년 출생)
  • 조지 시걸 (1924–2000)
  • 콜린 셀프 (1941년 출생)
  • 마조리 스트라이더 (1931–2014)
  • 엘레인 스터테번트 (1924–2014)
  • 웨인 티보 (1920–2021)
  • 조 틸슨 (1928년 출생)
  • 앤디 워홀 (1928–1987)
  • 이델 웨버 (1932–2020)
  • 존 웨슬리 (1928–2022)
  • 톰 웨셀만 (1931–2004)

4. 1. 영국

팝 아트가 처음으로 번성한 곳은 런던을 중심으로 한 영국이었다. 에두아르도 파올로치는 종전 직후, 미군 병사들과 함께 유입된 미국의 잡지 스크랩으로 콜라주를 제작하며 이미 팝 아트의 시작이 되는 작품을 만들었다.[2][10]

1952년부터 런던의 ICA라는 갤러리에서 파올로치 등 젊은 미술가들과 Lawrence Alloway|로렌스 앨러웨이영어 등 평론가들이 모여 인디펜던트 그룹을 결성하여 예술과 대중문화의 관계를 연구했다.[2][10] 제2차 세계 대전 후 쇠퇴한 영국에 풍요로운 미국으로부터 빠르게 스며들어 젊은이들을 열광하게 했던 광고나 SF, 만화, 대중음악 등 미국의 대중문화에 대한 풍자적인 객관적인 시각도 있었지만, 이를 적으로 보기보다는 오히려 현대를 재검토하는 새로운 소재를 제공하는 것으로 보고 적극적으로 활용하려는 발상도 있었다.[5] "팝 아트"라는 단어는 1956년 로렌스 앨러웨이가 이 연구 중에 상업 디자인 등을 가리켜 "대중적인 예술"이라는 의미로 사용하면서 탄생했다.[15]

같은 해, 이 성과를 바탕으로 런던에서 『이것이 내일이다』 전시회가 개최되었다. 여기서 발표된 리처드 해밀턴의 작품 『오늘날의 가정을 그토록 다르게, 그토록 매력적으로 만드는 것은 무엇인가?』는 잡지나 광고의 매력적인 상품이나 화려한 모델 사진을 오려 붙인 콜라주로, 팝 아트의 선구적인 작품으로 꼽힌다.[2][11] 특히 보디빌더 남성이 들고 있는 롤리팝 캔디 포장지의 "POP" 글자가 강한 인상을 주었다.

해밀턴은 이듬해 이 전시회를 회고하며 "팝"(대중문화)을 다음과 같이 정의했다.

영국의 팝 아트는 1961년 데이비드 호크니 등 많은 젊은 미술가들이 출품한 『영 컨템포러리즈』 전시회에서 전성기를 맞이했다.[18]

주요 예술가
에두아르도 파올로치
리처드 해밀턴
R. B. 키타이
데이비드 호크니
Peter Blake (artist)|피터 블레이크영어
Allen Jones (sculptor)|앨런 존스영어


4. 2. 미국

미국에서 팝 아트는 하드 에지 페인팅 구성과 구상 미술로의 회귀를 의미하는 예술가들의 반응이었다.[7][5] 그들은 비개인적이고 평범한 현실, 아이러니와 패러디를 사용하여 추상 표현주의의 "회화적 느슨함"을 "무력화"했다.[7][5] 래리 리버스, 알렉스 카츠, 만 레이 등의 작품이 미국의 팝 아트를 예고했다.[6]

1960년대에 들어서 로이 리히텐슈타인과 상업 디자이너였던 앤디 워홀은 미국의 대표적인 팝 아트 작가로 손꼽힌다. 이들은 만화의 확대 모사를 통해 세상에 등장했다. 대량으로 인쇄되어 그림도 비슷한 만화는 기성 이미지 중에서도 가장 키치하고 악취미적인 것이지만, 단순하고 힘있는 선 등이 매력적이어서 "굿 디자인"을 분쇄하는 위력이 있었다. 앤디 워홀은 그 후 캠벨 수프 통조림, 브릴로 (세제) 상자, 마릴린 먼로 등 여배우나 유명인의 사진 등 도처에 있는 이미지를 사용한 판화를 대량 생산했다.

로이 리히텐슈타인은 미국의 팝 아트에 중요한 영향을 주었다. 그의 작품과 패러디의 사용은 다른 어떤 것보다 팝 아트의 기본 전제를 잘 정의한다.[10] 구식 만화 스트립을 주제로 선택한 리히텐슈타인은 부드러운 방식으로 문서화하고 패러디하는 날카롭고 정확한 구성을 만들어낸다. 리히텐슈타인은 그의 가장 유명한 작품에서 유화와 마그나 페인트를 사용했으며, 예를 들어 DC 코믹스의 ''Secret Hearts'' #83의 주요 이야기를 차용한 ''익사하는 소녀''(1963)가 있다. (''익사하는 소녀''는 뉴욕 현대 미술관 소장품의 일부이다.)[30] 그의 작품은 굵은 윤곽선, 대담한 색상, 벤데이 점을 사용하여 특정 색상을 표현하며, 마치 사진 복제본으로 만들어진 것처럼 보인다.

앤디 워홀은 팝 아트에서 가장 유명한 인물이다. 미술 평론가 아서 단토는 워홀을 "미술사에서 배출한 철학적 천재에 가장 가까운 존재"라고 칭했다.[19] 워홀은 팝 아트를 예술적 스타일에서 라이프 스타일로 확장하려 했으며, 그의 작품은 종종 동료들의 아이러니와 패러디를 없애는 인간적 감정의 부재를 보여준다.[32][33]

이 외에도, 클래스 올덴버그, 톰 웨셀만, 제임스 로젠퀴스트 등이 미국 팝 아트의 주요 작가로 활동했다.

4. 3. 한국

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4. 4. 기타 국가

누보 레알리슴은 1960년 미술 평론가 피에르 레스타니[44]와 예술가 이브 클라인에 의해 밀라노 아폴리네르 갤러리에서 열린 첫 번째 단체 전시회에서 결성된 예술 운동이다. 피에르 레스타니는 1960년 4월, "누보 레알리슴—현실을 인식하는 새로운 방식"을 선언하며, 이 그룹의 원래 선언문인 "신사실주의의 구성 선언"을 작성했다.[45] 이 공동 선언에는 이브 클라인, 아르망, 마르시알 레이스, 피에르 레스타니, 다니엘 스포에리, 장 팅겔리와 울트라-레트리스트들인 프랑수아 뒤프렌, 레이몽 앵, 자크 드 라 빌레글레 9명이 서명했다. 1961년에는 체사르, 밈모 로텔라, 니키 드 생 팔, 제라르 데샹이 합류했다. 예술가 크리스토도 이 그룹과 함께 전시했다. 이 그룹은 1970년에 해체되었다.[45]

미셸 터페리의 ''피수포 루아 아페 (콘드 비프 2000)'' (1994)


뉴질랜드에서 팝 아트는 1990년대 이후 주로 번성했으며, 종종 키위아나와 연결된다. 키위아나는 키위의 전형적인 상징을 팝적으로 이상화하여 표현한 것으로, 미트 파이, 키위, 트랙터, 쪼리, 포 스퀘어 슈퍼마켓 등이 해당된다. 이러한 특징의 캠프적인 요소는 종종 문화적 메시지를 전달하기 위해 전복되기도 한다.[48] 딕 프리젤은 현대 문화를 패러디하는 방식으로 오래된 키위아나 상징을 사용하는 것으로 유명한 뉴질랜드의 팝 아티스트이다. 예를 들어, 프리젤은 외국의 예술가들의 작품을 모방하여 뉴질랜드만의 독특한 시각이나 영향을 부여하는 것을 즐겨한다. 이는 뉴질랜드가 세계에 미치는 영향이 역사적으로 미미했음을 보여주기 위한 것으로, 순수 미술은 이러한 방식으로 아오테아로아 팝 아트와 연결된다.[49]

미셸 터프리의 ''피수포 루아 아페 (콘드 비프 2000)''처럼 거칠고 무표정하게 표현될 수 있다. 사모아인 출신인 터프리는 황소 형상을 ''피수포''라고 알려진 가공식품 캔으로 제작했다. 이는 서구 팝 아트의 독특한 작품인데, 터프리가 신식민주의와 비서구 문화에 대한 인종차별주의(작품을 구성하는 음식 캔은 서구에 의해 사모아인에게 가해진 경제적 의존성을 나타냄)라는 주제를 포함하고 있기 때문이다. 이러한 명백한 원주민적 관점은 비원주민의 팝 아트 작품과 구별된다.[50][51] 뉴질랜드의 초기 팝 아티스트 중 한 명이자 유명한 인물은 빌리 애플이다.

일본에서 팝 아트는 이 나라의 두드러진 아방가르드에서 발전했다. 1920년대 후반과 1930년대 초 코가 하루에가 제작한 포토몽타주 스타일의 회화에서 잡지에서 복사한 현대 세계의 이미지 사용은 팝 아트의 요소를 예고했다.[53] 쿠사마 야요이의 작품은 팝 아트의 발전에 기여했으며, 앤디 워홀을 비롯한 많은 다른 예술가들에게 영향을 미쳤다.[55][56] 1960년대 중반, 그래픽 디자이너 요코오 타다노리는 가장 성공적인 팝 아티스트 중 한 명이 되었고 일본 팝 아트의 국제적인 상징이 되었다. 그는 비틀즈, 마릴린 먼로, 엘리자베스 테일러 등 팝 문화 아이콘을 위한 광고와 작품 제작으로 잘 알려져 있다.[57] 당시 또 다른 주요 팝 아티스트는 타나아미 케이이치였다. 일본 만화와 애니메이션의 상징적인 캐릭터들도 스피드 레이서와 아톰과 같은 팝 아트의 상징이 되었다. 일본 만화와 애니메이션은 무라카미 다카시와 그의 슈퍼플랫 운동과 같은 후기 팝 아티스트들에게도 영향을 미쳤다.

페리 A. 킹과 알베르트 르클레르와 함께 에토레 소트사스가 디자인한 올리베티 발렌타인


이탈리아에서는 1964년까지 팝 아트가 알려졌고, 마리오 시파노, 프랑코 안젤리, 조세타 피오로니, 타노 페스타, 클라우디오 친톨리와 같은 팝 아티스트들과 피에로 만초니, 루치오 델 페초, 밈모 로텔라, 발레리오 아다미의 일부 작품들과 함께 로마의 "피아차 델 포폴로 학교"와 같은 다양한 형태로 나타났다. 이탈리아 팝 아트는 1950년대 문화에서 시작되었으며, 엔리코 바지와 밈모 로텔라의 작품은 이탈리아 팝 아트 장면의 선구자로 여겨진다.

폴 반 호이동크의 ''타락한 우주 비행사''


벨기에에서 팝 아트는 아폴로 15호 등 아폴로 계획 당시 달에 남겨진 조각상 ''Fallen Astronaut''의 제작자인 폴 반 호이동크를 비롯한 여러 저명한 팝 아티스트들에 의해 어느 정도 표현되었다. 마르셀 브로타르스, 에블린 악셀, 파나마렌코와 같은 국제적으로 인정받는 예술가들은 팝 아트 운동의 영향을 받았다. 조지 시걸의 영향을 받은 마르셀 브로타르스는 ''vous êtes doll?''라는 작품을 남겼다. 로제 라벨은 자신의 그림 중 하나에 진짜 비둘기가 들어있는 새장을 설치했다.

드미트리 브루벨의 그림 ''나의 신이여, 이 치명적인 사랑을 견디도록 도와주소서''(1990)


러시아는 팝 아트 운동에 참여하는 것이 다소 늦었으며, 팝 아트와 유사한 일부 작품은 러시아가 공산주의 국가였고 대담한 예술적 표현이 면밀히 감시받던 1970년대 초에 나타났다. 러시아만의 팝 아트 버전은 소련을 주제로 하였으며, ''소츠 아트''라고 불렸다. 1991년 이후 공산당이 권력을 잃었고, 그와 함께 표현의 자유가 찾아왔다. 러시아의 팝 아트는 1990년 드미트리 브루벨의 그림 ''나의 신이여, 이 치명적인 사랑을 견디도록 도와주소서''를 통해 전형적으로 나타나는 또 다른 형태를 띠게 되었다.

5. 영향 및 평가



제2차 세계 대전 이후, 미국과 영국에서는 대량 생산과 대량 소비가 정점에 달했다. 사람들은 자연환경보다는 광고판과 대중매체에 더 익숙해졌다. 이러한 사회적 변화에 주목하고 추상표현주의에 식상함을 느낀 화가들은 TV, 잡지, 광고에 등장하는 이미지를 작품의 재료로 사용하기 시작했다.

1952년 런던의 ICA 갤러리에서 에두아르도 파올로치를 비롯한 젊은 예술가들과 로렌스 앨러웨이 등의 평론가들이 모여 "인디펜던트 그룹"을 결성, 예술과 대중문화의 관계를 연구했다. 이들은 전후 쇠퇴한 영국에 빠르게 스며든 미국의 대중문화를 풍자적으로 바라보면서도, 이를 새로운 소재로 적극 활용하려는 시도를 했다. "팝 아트"라는 용어는 1956년 로렌스 앨러웨이가 상업 디자인 등을 "대중적인 예술"이라는 의미로 사용하면서 탄생했다.[16]

1956년 런던에서 열린 『이것이 내일이다』 전시회에서 발표된 리처드 해밀턴의 작품 『오늘날의 가정을 이토록 다르고 매력적으로 만드는 것은 무엇인가』는 팝 아트의 선구적인 작품으로 꼽힌다. 이 작품은 잡지와 광고의 상품, 모델 사진을 오려 붙인 콜라주로, 특히 보디빌더 남성이 들고 있는 롤리팝 캔디 포장지의 "POP" 글자가 강렬한 인상을 남겼다.

해밀턴은 팝(대중문화)을 "대중적, 일시적, 소모품, 저렴, 대량, 젊음, 멋짐, 섹시함, 허례허식, 매력적, 대기업"이라고 정의했다. 1961년 『영 컨템포러리즈』 전시회에서 데이비드 호크니 등 젊은 작가들이 참여하면서 영국의 팝 아트는 전성기를 맞았다.

오늘날 상품과 광고 이미지는 더욱 세련되어졌고, 광고에 의한 대량 소비는 일상생활에 깊숙이 침투했다. 순수 예술과 대중문화의 경계가 모호해지면서, 대중적인 이미지나 대량 생산 상품을 활용한 미술은 자연스러운 현상이 되었다.

1980년대 뉴욕에서 나타난 시뮬레이셔니즘은 팝 아트를 더욱 과격하게 만들었다. 한편, 소련 시대 1960년대부터 러시아에서 비밀리에 제작되었던 사회주의 리얼리즘을 차용하여 소련 체제와 러시아 사회를 비판한 작품들은 소련 말기 이후 공개되며 "소츠 아트"라고 불렸다.

5. 1. 미술사적 의의

추상표현주의 이후 현대 미술의 새로운 흐름을 제시하고, 예술의 대중화에 기여한 팝 아트는 미술사적으로 중요한 의의를 갖는다.

팝 아트는 매스 미디어에 주목한 1950년대 초 리처드 해밀턴 등의 영국 작가들에 의해 시작되었으나,[65] 미국의 팝 아트는 도시의 정보문화가 만들어내는 대중적인 이미지를 적극적으로 활용하여 미술을 대중적인 영역으로 확장해 나갔다.[64] 뉴욕의 팝 아티스트들은 반예술을 지향하며 신문의 만화, 상업 디자인, 영화 스틸, 텔레비전 등 매스미디어의 이미지를 적극적으로 주제로 삼았다.[65]

1960년 프랑스의 비평가 피에르 레스타니에 의해 결집된 누보 레알리즘(신레알리즘)은 도시적인 현실에 대응한 파퓰러(popular) 아트를 추진하였다. 아상블라주(모아 합치기)와 정크 아트(폐품예술)는 네오 다다이즘을 더한 이들 유파에 공통되는 기법이다.[64]

북미에서의 팝 아트는 영국과는 다르게 전개되었다.[3] 미국에서 팝 아트는 하드 에지 페인팅 구성과 구상 미술로의 회귀를 의미했다. 예술가들은 개인적인 상징주의와 추상 표현주의의 "회화적 느슨함"을 "무력화"하기 위해 비개인적이고 평범한 현실, 아이러니와 패러디를 사용했다.[7][5] 래리 리버스, 알렉스 카츠, 만 레이 등의 작품이 팝 아트를 예고했다.[6]

전후 영국에서의 팝 아트는 아이러니와 패러디를 사용하면서도 더 학문적이었다. 영국 예술가들은 미국 대중 문화의 역동적이고 역설적인 이미지를 주목했다.[5] 영국의 초기 팝 아트는 "멀리서 바라본" 미국 대중 문화에 의해 촉진된 아이디어의 문제였다.[7] 팝 아트는 다다이즘의 연장이자 거부였다.[7] 팝 아트는 다다 운동의 파괴적이고 풍자적이며 무정부주의적인 충동을 대중 문화의 인공물에 대한 초연한 긍정으로 대체했다.[7] 파블로 피카소, 마르셀 뒤샹, 쿠르트 슈비터스 등은 팝 아트에 앞서 작품을 제작한 것으로 여겨지는 유럽의 예술가들이다.

1952년 런던에서 결성된 독립 그룹(Independent Group, IG)은 팝 아트 운동의 전조로 여겨진다.[2][10] 그들의 그룹 토론은 대량 광고, 영화, 제품 디자인, 만화, 공상 과학 소설 및 기술과 같은 요소에서 파생된 대중 문화적 함의에 초점을 맞추었다. 1952년 첫 번째 독립 그룹 회의에서 에두아르도 파올로치는 ''Bunk!''를 사용하여 강연을 했다.[2][10] 광고, 만화 캐릭터, 잡지 표지, 다양한 대량 생산 그래픽과 같은 "파운드 오브젝트"의 이 자료는 대부분 ''미국'' 대중문화를 나타냈다. 파올로치의 ''나는 부자의 장난감이었다''(1947)에는 "팝"이라는 단어가 처음 사용되었다.[2][11]

존 맥헤일의 아들에 따르면 "팝 아트"라는 용어는 1954년 그의 아버지와 프랭크 코델의 대화에서 처음 만들어졌지만,[12] 다른 출처에서는 영국의 평론가 로렌스 앨러웨이에게 그 기원을 돌린다.[13][14] "팝 아트"는 1955년 IG의 두 번째 세션에서 IG 회원들의 토론에서 사용되었고, 1956년 Ark 잡지에 게재된 IG 회원 앨리슨과 피터 스미스슨의 "그러나 오늘날 우리는 광고를 수집한다"라는 기사에서 처음 등장했다.[15] 그러나 이 용어는 영국의 미술 평론가/큐레이터 로렌스 앨러웨이의 1958년 에세이 ''예술과 대중 매체''에 기인하며, 그가 사용하는 정확한 언어는 "대중 대량 문화"이다.[16] 앨러웨이는 1966년에 이러한 용어를 명확히 했는데, 그때 팝 아트는 이미 미술 학교와 소규모 갤러리에서 미술계의 주요 세력으로 전환되었다. 그러나 그 성공은 영국에서 이루어지지 않았다. 거의 동시에, 그리고 독립적으로, 뉴욕시는 팝 아트의 온상이 되었다.[17]

팝 아트의 특징은 다음과 같다.

  • 추상주의와는 달리 구상적이며, ‘새로운’ 것을 추구하였다.
  • 직접 관찰된 실제 이미지가 아니라 가공된 '''인공적인 제2의 이미지'''를 채택한다.
  • 대중문화를 그림의 소재이자 정보로서 이용하는 중립적 입장에 있다.
  • 간결하고 명확하게 평면화된 색면과 원색을 사용하였다.
  • 에로티시즘을 표현하며, 도구화, 상업화된 성을 다루었다.


재스퍼 존스와 로버트 라우센버그는 미국의 팝 아트 어휘를 확립하는 데 중요한 역할을 했다.[10] 라우센버그는 버려진 기성품 (컴바인)과 팝 문화 이미지 (실크스크린 회화)를 사용하여 자신의 작품을 매일의 미국에서 일어나는 시사적인 사건들과 연결시켰다.[10][25][26] 존스의 깃발, 과녁, 숫자, 미국의 지도 그림, 맥주 캔의 3차원적 묘사는 예술에서의 재현 문제에 대한 관심을 끌었다.[27] 1950년대 존스와 라우센버그의 작품은 네오 다다라고 불리며, 1960년대 초에 나타난 전형적인 미국의 팝 아트와는 시각적으로 구별된다.[28][29]

로이 리히텐슈타인은 미국의 팝 아트에서 중요한 인물이다. 그의 작품과 패러디의 사용은 팝 아트의 기본 전제를 잘 정의한다.[10] 리히텐슈타인은 유화와 마그나 페인트를 사용했으며, ''익사하는 소녀''(1963)가 대표적이다. (''익사하는 소녀''는 뉴욕 현대 미술관 소장품의 일부이다.)[30] 그의 작품은 굵은 윤곽선, 대담한 색상, 벤데이 점을 사용하여 특정 색상을 표현한다. 리히텐슈타인은 "내 스타일은 완전히 다르게 보이지만, 선을 그리는 본질은 거의 동일하다. 다만 내 것은 폴록이나 클라인처럼 서예적으로 보이지 않을 뿐이다."라고 말했다.[31] 팝 아트는 대중 문화와 대중 문화를 순수 예술과 융합시키면서 유머, 아이러니, 인식 가능한 이미지/내용을 혼합한다.

리히텐슈타인의 그림은 앤디 워홀, 톰 웨셀만 등의 그림과 마찬가지로 미국의 대중 문화의 흔한 이미지와 직접적인 연관성을 가지면서도, 대량 생산의 이상화를 명확하게 보여주는 개인적인 방식으로 주제를 다룬다.[10]

앤디 워홀은 팝 아트에서 가장 유명한 인물이다. 미술 평론가 아서 단토는 워홀을 "미술사에서 배출한 철학적 천재에 가장 가까운 존재"라고 칭했다.[19] 워홀은 팝 아트를 예술적 스타일에서 라이프 스타일로 확장하려 했으며, 그의 작품은 종종 동료들의 아이러니와 패러디를 없애는 인간적 감정의 부재를 보여준다.[32][33]

오늘날 상품과 광고의 이미지는 더욱 세련되어지고 있으며, 광고에 의한 대량 소비는 일상생활을 잠식하고 있다. 순수 예술과 대중문화 사이의 벽이 사라짐에 따라 대중적인 이미지나 대량 생산 상품을 사용한 미술은 당연한 일이 되었다.

1980년대 뉴욕에서 대중문화로부터의 도용을 적극적으로 추진한 시뮬레이셔니즘은 순수 예술의 붕괴와 자본주의의 고도화에 대해 팝 아트를 더욱 과격하게 만들었다. 소련 시대 1960년대부터 러시아에서 은밀히 제작되었던, 사회주의 리얼리즘을 유용하면서 소련 체제나 러시아 사회를 비판한 작품군은 소련 말기 이후 공개되면서 팝 아트를 흉내내어 ""라고 불렸다.

5. 2. 대중문화에 미친 영향

팝 아트는 대중 매체와 광고에서 영감을 얻어 탄생했으며, 이는 곧 대중문화 전반에 걸쳐 큰 영향을 미쳤다. 특히 미국과 영국에서 대량 생산과 대량 소비가 최고조에 달했던 시기에, 팝 아트는 광고, 디자인, 패션 등 다양한 분야에 걸쳐 그 영향력을 확장했다.

1952년 런던에서 결성된 독립 그룹(Independent Group, IG)은 팝 아트 운동의 전조로 여겨진다.[2][10] 이들은 대중 문화적 함의에 초점을 맞춘 토론을 통해 팝 아트의 기반을 다졌다. 에두아르도 파올로치는 ''나는 부자의 장난감이었다''(1947)에서 "팝"이라는 단어를 처음 사용하며, 팝 아트의 등장을 알렸다.[2][11]

1950년대 초, 리처드 해밀턴을 비롯한 영국 작가들은 매스 미디어에 주목하기 시작했다.[65] 미국의 팝 아트는 도시의 정보 문화가 만들어내는 대중적인 이미지를 적극적으로 활용하여 미술을 대중적인 영역으로 확대해 나갔다.[64] 뉴욕의 팝 아티스트들은 신문의 만화, 상업 디자인, 영화 스틸, 텔레비전 등 매스 미디어의 이미지를 적극적으로 활용하여 반예술을 지향했다.[65]

"팝 아트"라는 용어는 1954년 존 맥헤일과 프랭크 코델의 대화에서 처음 만들어졌지만,[12] 로렌스 앨러웨이가 1956년 상업 디자인 등을 "대중적인 예술"이라는 의미로 사용하면서 널리 알려지게 되었다. 1961년에는 데이비드 호크니 등 젊은 예술가들이 참여한 『영 컨템포러리즈』 전시회를 통해 영국에서 팝 아트가 전성기를 맞이했다.

1960년대 미국에서는 로이 리히텐슈타인과 앤디 워홀이 만화와 상업적 이미지를 활용한 작품을 선보이며 팝 아트의 대표적인 인물로 떠올랐다. 앤디 워홀은 캠벨 수프 통조림, 브릴로 상자, 마릴린 먼로 등 유명인의 사진을 활용한 판화를 대량 생산하며 대중에게 큰 인기를 얻었다.

팝 아트는 대중에게 친숙한 이미지를 활용하여 미술에 대한 접근성을 높였으며, 미국의 풍요로움을 상징하는 예술로 인식되었다. 그러나 팝 아트의 이면에는 대량 생산과 소비 사회의 문제점을 지적하는 시각도 존재했다.

1960년대 말, 팝 아트의 열풍은 미니멀 아트와 어스워크 등의 등장으로 점차 사그라들었다. 하지만 팝 아트가 광고 미술에 미친 영향은 매우 컸다. 팝 아트는 상품과 대중문화의 아이콘을 활용하여 자극적인 작품을 만드는 방식을 광고에 도입했고, 이는 광고를 단순한 정보 전달 수단에서 벗어나 대중의 시각 문화를 이끄는 주체로 변화시켰다.

1980년대 뉴욕에서는 시뮬레이셔니즘이 등장하여 팝 아트의 영향을 이어갔다. 또한 소련 시대 러시아에서는 "소츠 아트"가 등장하여 팝 아트의 영향을 받은 작품들을 선보였다.

오늘날, 팝 아트의 정신은 광고뿐만 아니라 다양한 예술 분야에서 여전히 이어지고 있다. 상품과 광고 이미지는 더욱 세련되어지고 있으며, 순수 예술과 대중문화의 경계는 점차 모호해지고 있다.

5. 3. 비판적 시각

팝 아트는 대중문화에 대한 비판이나 도전보다는 대중문화를 그림의 소재이자 정보로서 이용하는 중립적인 입장에 있었다. 간결하고 명확하게 평면화된 색면과 원색을 사용하였으며, 에로티시즘 표현에서는 도구화된 성과 상업화된 성을 묘사했다.

1950년대 뉴욕에서는 잭슨 폴록 등으로 대표되는 추상표현주의가 전성기를 누리고 있었다. 이들은 더 평면적이고 웅대하며 숭고한 회화를 목표로 하는 모더니즘을 신봉하였고, 대중문화를 예술에 반하는 "키치(저속화하다)"로 간주하여 배척했다.

그러나 1950년대 말, 로버트 라우센버그나 재스퍼 존스 등이 현실의 물체를 그림에 붙이거나 흔한 이미지를 그리기 시작하면서 모더니즘에 반하는 행동을 보였다. 이들은 "네오 다다"라고도 불렸으며, 다다이즘과 반예술의 영향을 받았다.

1960년대에 들어서 로이 리히텐슈타인과 상업 디자이너였던 앤디 워홀은 만화의 확대 모사를 통해 세상에 등장했다. 만화는 기성 이미지 중에서도 가장 키치하고 악취미적인 것으로 여겨졌지만, 단순하고 힘 있는 선 등이 매력적이었다. 앤디 워홀은 캠벨 수프 통조림, 브릴로 상자, 마릴린 먼로 등 유명인의 사진과 같이 도처에 있는 이미지를 사용한 판화를 대량 생산했다.

팝 아트는 영화나 만화처럼 관객의 마음을 순식간에 사로잡는 강한 매력을 지닌 이미지를 가지고 있었고, 미국의 대량 생산품과 대중문화를 주제로 삼았기에 미국의 풍요로움을 찬미하는 매력적인 예술로 환영받았다. 그러나 일각에서는 미국의 대량 생산품과 대중문화의 악취미스러움, 그리고 상품을 대량으로 소비해도 벗어날 수 없는 죽음의 그림자를 찾아내기도 했다.

앤디 워홀과 로이 리히텐슈타인 등 팝 아트 작가들은 반문화 시대의 대중 회화 작가로서도 성공했다. 대중은 개성적인 작품을 통해 지적인 자극과 현상에 대한 이의 제기를 원했고, 팝 아트는 이러한 요구를 충족시키며 젊은이들에게 열광적으로 받아들여졌다.

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