음악

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1. 개요

음악은 소리의 높이, 길이, 세기, 음색 등을 이용하여 생각이나 감정을 표현하는 예술이며, 인류 역사와 함께 발전해왔다. 음악의 기원은 정확히 알려지지 않았으나, 주술, 마술 등과 관련되어 발생했을 것으로 추정되며, 언어, 노동, 춤 등 다양한 요소와 관련하여 발전했다는 설이 존재한다. 음악은 동양, 서양을 비롯하여 종교, 시대, 형식, 연주 형태, 장르 등 다양한 기준으로 분류되며, 악보를 통해 기록되고 연주된다. 음악 이론은 음악의 구성 원리를 연구하며, 음악의 요소, 사회적 역할, 산업, 기술 발전, 교육, 치료 등 다양한 분야에 영향을 미친다. 음악은 사회적 활동이며, 민족의 정체성을 나타내기도 하며, 음악 산업은 기술 발전에 따라 변화해왔다. 여성은 음악의 다양한 분야에서 중요한 역할을 해왔으며, 음악은 인간의 감정을 표현하고 소통하는 강력한 수단으로, 교육, 치료 등 다양한 영역에서 활용되고 있다.

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음악
정의	소리를 이용한 예술 형식
일반
분류	공연 예술
관련 분야	음향학 음악 이론 음악사 민족음악학
특징
사용 요소	음높이 리듬 다이내믹 음색
표현 방식	악기 연주 노래 작곡 즉흥 연주
역사
기원	인간의 초기 역사와 함께 시작
발달	다양한 문화권에서 고유한 형태로 발달 고대 음악, 중세 음악, 르네상스 음악, 바로크 음악, 고전주의 음악, 낭만주의 음악, 근현대 음악 등 다양한 시대별 양식 존재
문화적 역할
기능	의례 종교 오락 교육 정치 사회적 통합
영향	감정 표현 및 전달 문화적 정체성 형성 사회적 변화 유도
참고
같이 보기	음악 장르 목록 음악가 목록 음악 용어
기타	음악 교육

2. 음악의 기원과 어원

음악의 기원은 명확하지 않으나, 약 5만 년에서 1만 년쯤 전에 발생한 것으로 추정된다. 그때는 음악이 주술이나 마술 등을 위해 발달하였고 마력적이라고 생각하였다. 악기로는 뼈로 만든 피리와 딱다기 등이 있었다.

음악의 기원에 대해서는 여러 가설이 존재한다.

동물의 울음소리를 따라 하려는 시도에서 비롯되었다는 설
언어의 억양에 점차 높낮이가 뚜렷해짐으로 음악이 나왔다는 설
노동을 할 때 보조를 맞추기 위해 음악이 만들어졌다는 설
춤 동작에 맞추려고 만들어진 설

그리스 신화에서 아홉 명의 뮤즈는 예술을 포함한 많은 창작 활동의 영감의 원천이었으며, 결국에는 특히 음악과 밀접하게 관련되게 되었다.

현대 영어 단어 'music'은 1630년대에 사용되기 시작했다. 이 단어는 13세기 중반의 고대 영어 'musike^ang', 12세기의 고대 프랑스어 musique^fro, 그리고 라틴어 mūsica^la에서 유래했다.^[1] 라틴어 자체는 고대 그리스어 mousiké^grc-Latn ()— ()—에서 유래했는데, 문자 그대로 "(뮤즈의) 예술"을 의미한다.^[1] 뮤즈는 고대 그리스 신화에서 예술과 과학을 관장하는 아홉 명의 신이었다.^[141] 그들은 초기 서구 작가인 호메로스와 헤시오도스의 이야기에 등장했으며, 결국에는 특히 음악과 관련되게 되었다. 시간이 지남에 따라 폴리히므니아가 다른 뮤즈들보다 음악을 더 두드러지게 관장하게 되었다.

독일 가이센클뢰스터레(Geissenklösterle) 출토, 약 43,150–39,370년 전의 뼈 피리.

음악의 기원이 어느 정도까지 이해될 수 있을지는 종종 논쟁의 대상이 되며, 이를 설명하려는 경쟁적인 이론들이 존재한다. 많은 학자들은 음악의 기원과 언어의 기원 사이의 관계를 강조하며, 음악이 언어보다 먼저, 나중에, 또는 동시에 발달했는지에 대한 의견이 분분하다. 음악이 자연선택의 의도적인 결과였는지, 아니면 진화의 부산물인 돌출부(spandrel)였는지에 대한 논쟁도 비슷하다. 가장 초기의 영향력 있는 이론은 1871년 찰스 다윈이 제안한 것으로, 음악은 아마도 구애의 소리를 통해 성적 선택의 한 형태로 발생했다는 것이다. 다른 이론으로는 노동 조직화 지원, 장거리 의사소통 개선, 신과의 의사소통 향상, 공동체 결속력 향상 또는 포식자를 겁주기 위한 방어 수단으로서 음악이 발생했다는 이론이 있다.

선사시대 음악은 구석기 시대 고고학 유적지에서 발견된 자료를 바탕으로 이론화될 수 있을 뿐이다. 논란이 되고 있는 디브예 바베 피리는 구멍이 뚫린 동굴곰의 대퇴골로, 적어도 4만 년 전 것이지만, 그것이 진정한 악기인지, 아니면 동물에 의해 형성된 물체인지에 대한 상당한 논쟁이 있다. 악기로서의 지위가 널리 받아들여지는 가장 오래된 유물은 독일 슈바벤 주라의 뼈 피리이며, 특히 가이센클뢰스터레, 호흘레 펠스, 포겔헤르트 동굴에서 발견되었다. 오리냐크 문화(구석기 시대 후기)로 거슬러 올라가는 이 피리들은 초기 유럽 현생 인류에 의해 사용되었으며, 세 동굴 모두에서 8개의 예시가 발견되었는데, 4개는 조류의 날개뼈로, 4개는 매머드 상아로 만들어졌다. 가이센클뢰스터레 출토 피리 3개는 가장 오래된 것으로, 약 43,150–39,370년 전 것으로 추정된다.

『呂氏春秋』(기원전 239년 완성)에 이미 “음악”이라는 표현이 보인다.

:'''음악'''의 유래는 멀고, 도량(度量)에서 생겨나고, 태일(太一)에서 근본을 둔다(『呂氏春秋』대악).

3. 음악의 역사

전 세계를 통하여 오늘날과 같이 음악이 보편화된 시기는 없다. 세계 각지에서 개최되고 있는 각종 음악 연주회는 말할 것도 없고 방송, 레코드, 텔레비전 등의 대중 전달을 통하여 언제 어디서나 음악을 들을 수 있다. 그런데 이러한 음악을 이해하고 더욱 잘 감상하려면 무엇보다도 음악사를 알아야 한다^[183].

== 고대 음악 ==

고대 이집트에서 음악은 프리디나스틱 시대부터 존재했지만, 고왕국 시대에 이르러 하프, 플루트, 더블 클라리넷과 같은 악기들이 사용되었다는 증거가 확실하게 확인된다.^[2] 중왕국 시대에는 타악기, 리라, 류트가 오케스트라에 추가되었다.^[2] 징은^[3] 오늘날 이집트에서처럼 음악과 춤에 자주 사용되었다. 이집트 민속 음악은 고대 이집트 음악과 가장 가까운 현대 음악 장르로, 많은 특징, 리듬 및 악기를 보존하고 있다.^[4]^[5]

고대 시리아 도시 우가리트에서 발견된 점토판에 기록된 "니칼에게 바치는 후리아노 찬가"는 기원전 1400년경에 만들어진 가장 오래된 악보로 기록된 음악 작품이다.^[6]^[7]

고대 그리스에서 음악은 사회 및 문화 생활의 중요한 부분이었으며, 어린이들에게 가르치는 주요 과목 중 하나였다.^[8] 음악가와 가수는 고대 그리스 연극에서 중요한 역할을 했다.^[8] 혼성 합창단은 오락, 축하 및 종교 의식을 위해 공연했다.^[9] 악기에는 이중 리드 아울로스^grc와 현악기인 리라, 특히 키타라^grc라고 불리는 특별한 종류가 포함되었다.^[9] 그리스 음악 이론에는 그리스 음계가 포함되어 있으며, 이는 서양 종교 음악 및 유럽 고전 음악의 기반이 되었다. 세이킬로스 비문은 전 세계에서 발견된, 악보를 포함한 완전한 음악 작품의 가장 오래된 사례이다.^[10] 음악 이론에 관해 쓰여진 가장 오래된 작품은 아리스토크세누스의 ''하르모니카''이다.^[11]

서양에서는 고대 그리스 시대에 피타고라스와 플라톤에 의해 음악 이론과 음악에 관한 철학이 시작되었으며, 고대 그리스 음악은 그리스 비극이나 시를 수반하는 음악이 주였다.^[144]

동양에서는 에도 시대까지 총검교 하나와 호키이치 등에 의해 옹고당에서 강담된 화학이 있었다. 중국 신화에 따르면, 가무는 걸천씨, 금금(악기)은 복희, 생 관은 여와가 발명했다고 한다.

== 중세 및 르네상스 음악 ==

중세 음악 시대(500년~1400년)는 단선율 그레고리오 성가가 가톨릭 교회 예배에 도입되면서 시작되었다.^[20]^[21]^[22]^[23] 악보는 고대 그리스에서부터 사용되었지만, 중세에는 가톨릭 교회에서 처음으로 악보가 도입되어 성가 선율을 기록, 가톨릭 제국 전역의 종교 음악에 동일한 선율을 사용할 수 있도록 하였다. 800년 이전에 필사본으로 발견된 유일한 유럽 중세 레퍼토리는 가톨릭 교회의 단선율 전례적 평성가 성가이며, 그 중심 전통은 그레고리오 성가라고 불린다. 이러한 종교 음악과 교회 음악의 전통과 함께 세속 음악 전통도 존재했다. 이 시대 작곡가로는 레오닌, 페로탱, 기욤 드 마쇼, 발터 폰 데어 포겔바이데 등이 있다.

르네상스 음악(년~1600년)은 궁정 연애와 같은 세속적 주제에 더 중점을 두었다. 1450년경 인쇄술이 발명되어 인쇄된 악보가 훨씬 저렴해지고 대량 생산이 용이해졌다. 악보의 이용 가능성 증가는 음악 스타일을 더 빠르게 그리고 더 넓은 지역에 전파했다. 음악가와 가수들은 종종 교회, 궁정, 마을에서 일했다. 교회 합창단의 규모가 커졌고, 교회는 음악의 중요한 후원자로 남아있었다. 15세기 중반까지 작곡가들은 서로 다른 선율이 동시에 얽혀 있는 풍부한 다성 음악을 작곡했다. 이 시대의 저명한 작곡가로는 기욤 뒤파이, 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나, 토마스 몰리, 오를란도 디 라소, 조스캥 데 프레 등이 있다. 음악 활동이 교회에서 귀족 궁정으로 옮겨감에 따라 국왕, 여왕, 왕자들은 최고의 작곡가를 두고 경쟁했다. 많은 주요 작곡가들이 네덜란드, 벨기에, 프랑스 출신이었는데, 그들은 프랑코 플랑드르 작곡가라고 불린다.^[24] 그들은 특히 이탈리아에서 유럽 전역에서 중요한 지위를 차지했다. 활기찬 음악 활동을 보인 다른 국가로는 독일, 영국, 스페인이 있다.

== 바로크, 고전주의, 낭만주의 음악 ==

16세기에는 본격적인 기악 음악이 발달하고, 오페라가 탄생했으며, 궁정 음악이 번영했다(바로크 음악).^[146]^[147] 18세기 중반이 되면서 음악이 민중에게도 널리 퍼지고, “형식”과 “화성”에 중점을 둔 고전파 음악으로 발전했다. 19세기에는 “표현”에 중점을 둔 낭만파 음악으로 이행되었고,^[148] 각국의 민요 등을 도입한 민족주의 음악도 탄생했다.^[149]

== 현대 음악 ==

20세기에는 라디오 방송과 축음기의 보급으로 대중이 음악을 접하는 방식이 변화했다.^[32] 이전에는 악보를 통해 음악을 접했다면, 이제는 소리 녹음을 통해 누구나 쉽게 음악을 들을 수 있게 되었다.^[33] 이는 음악 스타일의 확산에 크게 기여했다.

예술 음악 분야에서는 제1차 세계 대전의 영향으로 이전보다 어둡고 가혹한 사운드를 탐구하는 경향이 나타났다.^[34] 이고르 스트라빈스키, 아놀드 쇤베르크, 존 케이지와 같은 작곡가들은 전통 음악 스타일을 차용하면서도, 무조음악과 같은 새로운 시도를 통해 20세기 예술 음악에 큰 영향을 미쳤다. 소리 녹음의 발명은 뮤직 콩크레트 등의 새로운 장르를 탄생시켰다.^[35]

대중 음악 분야에서는 재즈가 20세기 초 미국 남부의 아프리카계 미국인 공동체에서 아프리카 음악과 유럽 음악 전통의 융합으로 시작되어 발전했다. 블루 노트, 즉흥 연주 등이 재즈의 특징이다.^[37]

록 음악은 1950년대에 록 앤 롤, 블루스 등에서 발전한 장르로, 전기 기타를 중심으로 강한 리듬 섹션을 사용한다.^[38] 1990년대에는 뉴 메탈 밴드들이 DJ를 영입하여 DJ 믹서로 음악을 제작하기도 했다.^[40]^[41]

== 한국 음악의 역사 ==

한국 음악은 고대부터 독자적인 발전을 이루어왔다. 삼국시대에는 가야금, 거문고 등 현악기가 사용되었고, 고려 시대에는 아악과 당악이 유입되었다.^[150] 조선 시대에는 종묘 제례악, 판소리, 산조 등 다양한 장르가 발전하였다. 일제강점기에는 민족의 애환을 담은 노래들이 불렸다.^[151] 해방 이후, 특히 6.25 전쟁 이후에는 서양 음악의 영향을 받아 다양한 장르가 발전했으며, 특히 군사정권 시절에는 민주화 운동과 관련된 노래들이 많이 불렸다. 1990년대 이후, 특히 2010년대 이후에는 K-POP이 세계적인 인기를 얻으며 한국 음악의 위상을 높이고 있다.^[152]

3. 1. 고대 음악

고대 이집트에서 음악은 프리디나스틱 시대부터 존재했지만, 고왕국 시대에 이르러 하프, 플루트, 더블 클라리넷과 같은 악기들이 사용되었다는 증거가 확실하게 확인된다.^[2] 중왕국 시대에는 타악기, 리라, 류트가 오케스트라에 추가되었다.^[2] 징은^[3] 오늘날 이집트에서처럼 음악과 춤에 자주 사용되었다. 이집트 민속 음악은 고대 이집트 음악과 가장 가까운 현대 음악 장르로, 많은 특징, 리듬 및 악기를 보존하고 있다.^[4]^[5]

고대 시리아 도시 우가리트에서 발견된 점토판에 기록된 "니칼에게 바치는 후리아노 찬가"는 기원전 1400년경에 만들어진 가장 오래된 악보로 기록된 음악 작품이다.^[6]^[7]

고대 그리스에서 음악은 사회 및 문화 생활의 중요한 부분이었으며, 어린이들에게 가르치는 주요 과목 중 하나였다.^[8] 음악가와 가수는 고대 그리스 연극에서 중요한 역할을 했다.^[8] 혼성 합창단은 오락, 축하 및 종교 의식을 위해 공연했다.^[9] 악기에는 이중 리드 아울로스^grc와 현악기인 리라, 특히 키타라^grc라고 불리는 특별한 종류가 포함되었다.^[9] 그리스 음악 이론에는 그리스 음계가 포함되어 있으며, 이는 서양 종교 음악 및 유럽 고전 음악의 기반이 되었다. 세이킬로스 비문은 전 세계에서 발견된, 악보를 포함한 완전한 음악 작품의 가장 오래된 사례이다.^[10] 음악 이론에 관해 쓰여진 가장 오래된 작품은 아리스토크세누스의 ''하르모니카''이다.^[11]

서양에서는 고대 그리스 시대에 피타고라스와 플라톤에 의해 음악 이론과 음악에 관한 철학이 시작되었으며, 고대 그리스 음악은 그리스 비극이나 시를 수반하는 음악이 주였다.^[144]

동양에서는 에도 시대까지 총검교 하나와 호키이치 등에 의해 옹고당에서 강담된 화학이 있었다. 중국 신화에 따르면, 가무는 걸천씨, 금금(악기)은 복희, 생 관은 여와가 발명했다고 한다.

3. 2. 중세 및 르네상스 음악

중세 음악 시대(500년~1400년)는 단선율 그레고리오 성가가 가톨릭 교회 예배에 도입되면서 시작되었다.^[20]^[21]^[22]^[23] 악보는 고대 그리스에서부터 사용되었지만, 중세에는 가톨릭 교회에서 처음으로 악보가 도입되어 성가 선율을 기록, 가톨릭 제국 전역의 종교 음악에 동일한 선율을 사용할 수 있도록 하였다. 800년 이전에 필사본으로 발견된 유일한 유럽 중세 레퍼토리는 가톨릭 교회의 단선율 전례적 평성가 성가이며, 그 중심 전통은 그레고리오 성가라고 불린다. 이러한 종교 음악과 교회 음악의 전통과 함께 세속 음악 전통도 존재했다. 이 시대 작곡가로는 레오닌, 페로탱, 기욤 드 마쇼, 발터 폰 데어 포겔바이데 등이 있다.

르네상스 음악(년~1600년)은 궁정 연애와 같은 세속적 주제에 더 중점을 두었다. 1450년경 인쇄술이 발명되어 인쇄된 악보가 훨씬 저렴해지고 대량 생산이 용이해졌다. 악보의 이용 가능성 증가는 음악 스타일을 더 빠르게 그리고 더 넓은 지역에 전파했다. 음악가와 가수들은 종종 교회, 궁정, 마을에서 일했다. 교회 합창단의 규모가 커졌고, 교회는 음악의 중요한 후원자로 남아있었다. 15세기 중반까지 작곡가들은 서로 다른 선율이 동시에 얽혀 있는 풍부한 다성 음악을 작곡했다. 이 시대의 저명한 작곡가로는 기욤 뒤파이, 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나, 토마스 몰리, 오를란도 디 라소, 조스캥 데 프레 등이 있다. 음악 활동이 교회에서 귀족 궁정으로 옮겨감에 따라 국왕, 여왕, 왕자들은 최고의 작곡가를 두고 경쟁했다. 많은 주요 작곡가들이 네덜란드, 벨기에, 프랑스 출신이었는데, 그들은 프랑코 플랑드르 작곡가라고 불린다.^[24] 그들은 특히 이탈리아에서 유럽 전역에서 중요한 지위를 차지했다. 활기찬 음악 활동을 보인 다른 국가로는 독일, 영국, 스페인이 있다.

3. 3. 바로크, 고전주의, 낭만주의 음악

16세기에는 본격적인 기악 음악이 발달하고, 오페라가 탄생했으며, 궁정 음악이 번영했다(바로크 음악).^[146]^[147] 18세기 중반이 되면서 음악이 민중에게도 널리 퍼지고, “형식”과 “화성”에 중점을 둔 고전파 음악으로 발전했다. 19세기에는 “표현”에 중점을 둔 낭만파 음악으로 이행되었고,^[148] 각국의 민요 등을 도입한 민족주의 음악도 탄생했다.^[149]

3. 4. 현대 음악

20세기에는 라디오 방송과 축음기의 보급으로 대중이 음악을 접하는 방식이 변화했다.^[32] 이전에는 악보를 통해 음악을 접했다면, 이제는 소리 녹음을 통해 누구나 쉽게 음악을 들을 수 있게 되었다.^[33] 이는 음악 스타일의 확산에 크게 기여했다.

예술 음악 분야에서는 제1차 세계 대전의 영향으로 이전보다 어둡고 가혹한 사운드를 탐구하는 경향이 나타났다.^[34] 이고르 스트라빈스키, 아놀드 쇤베르크, 존 케이지와 같은 작곡가들은 전통 음악 스타일을 차용하면서도, 무조음악과 같은 새로운 시도를 통해 20세기 예술 음악에 큰 영향을 미쳤다. 소리 녹음의 발명은 뮤직 콩크레트 등의 새로운 장르를 탄생시켰다.^[35]

대중 음악 분야에서는 재즈가 20세기 초 미국 남부의 아프리카계 미국인 공동체에서 아프리카 음악과 유럽 음악 전통의 융합으로 시작되어 발전했다. 블루 노트, 즉흥 연주 등이 재즈의 특징이다.^[37] 록 음악은 1950년대에 록 앤 롤, 블루스 등에서 발전한 장르로, 전기 기타를 중심으로 강한 리듬 섹션을 사용한다.^[38] 1990년대에는 뉴 메탈 밴드들이 DJ를 영입하여 DJ 믹서로 음악을 제작하기도 했다.^[40]^[41]

3. 5. 한국 음악의 역사

한국 음악은 고대부터 독자적인 발전을 이루어왔다. 삼국시대에는 가야금, 거문고 등 현악기가 사용되었고, 고려 시대에는 아악과 당악이 유입되었다.^[150] 조선 시대에는 종묘 제례악, 판소리, 산조 등 다양한 장르가 발전하였다. 일제강점기에는 민족의 애환을 담은 노래들이 불렸다.^[151] 해방 이후, 특히 6.25 전쟁 이후에는 서양 음악의 영향을 받아 다양한 장르가 발전했으며, 특히 군사정권 시절에는 민주화 운동과 관련된 노래들이 많이 불렸다. 1990년대 이후, 특히 2010년대 이후에는 K-POP이 세계적인 인기를 얻으며 한국 음악의 위상을 높이고 있다.^[152]

4. 음악의 분류 및 장르

4. 1. 지역별 구분

동양 음악은 한국 음악, 중국 음악, 일본 음악 등 아시아 지역의 음악을 포괄한다. 아시아 음악의 여러 전통은 고대까지 거슬러 올라간다.^[12] 인도 고전 음악은 세계에서 가장 오래된 음악 전통 중 하나이며,^[12] 인더스 문명의 조각상은 춤^[13]과 오래된 악기를 보여준다.^[14] 중국 고전 음악은 중국의 전통 예술 또는 궁중 음악으로, 약 3,000년의 역사를 가지고 있다. 중국 음악은 독자적인 음악 기보 시스템, 음악 조율 및 음높이, 악기 및 스타일 또는 장르를 가지고 있다.^[19]

인도네시아 음악은 기원전 2-3세기에 인도네시아 제도로 이주한 청동기 시대 문화 이후로 형성되었다. 인도네시아 전통 음악은 타악기, 특히 켄당과 꽹가리를 사용한다.^[17]^[18]

서양 음악은 유럽과 아메리카 대륙의 음악을 지칭한다. 여기에는 POP, 로큰롤, 컨트리 음악, 재즈, 블루스, R&B, 힙합 등이 포함된다.

4. 2. 종교적 구분

종교 음악은 종교의식에 사용되거나 종교적인 내용을 담은 음악을 말한다.

기독교에서는 찬송가, 칸타타, 그레고리안 성가, 일반 미사곡, 레퀴엠 등이 있다. 불교에서는 찬불가로 범패, 예사소리 등이 있다.

4. 3. 시대별 구분

음악은 시대별로 고대, 중세, 르네상스, 바로크, 고전주의, 낭만주의, 현대로 구분된다. 성가, 모테트, 민네장, 세속가곡 등이 중세 및 르네상스 시대에 나타났다. 무조음악, 컴퓨터음악, 음렬음악, 우연성음악, 인용음악, 색채음악, 신낭만주의음악 등은 현대 음악에 속한다.

4. 4. 형식에 따른 분류

음악은 크게 사람의 목소리로 연주하는 성악과 악기를 사용하여 연주하는 기악으로 나뉜다. 성악은 소프라노, 알토, 테너, 베이스 등으로 구분된다. 기악은 교향곡, 협주곡, 소나타 등으로 구분된다.

성악의 경우 여성의 목소리는 음역에 따라 소프라노, 메조 소프라노, 알토 등으로 구분된다. 소프라노는 다시 콜로라투라 소프라노, 리릭 소프라노, 드라마틱 소프라노 등으로 세분화된다. 남성의 목소리는 테너, 바리톤, 베이스 등으로 구분된다.

기악은 연주 형태에 따라 교향곡 또는 관현악 합주, 현악 합주, 관악 합주 등으로 나눌 수 있다.

4. 5. 연주 형태에 따른 분류

연주 형태는 독주, 중주, 합주, 오케스트라 등으로 분류된다.^[47] 독주는 한 명의 가수 또는 연주자가 공연하는 형태이다.^[47] 인도 고전 음악과 서양 예술 음악에서 독주 공연의 전통이 강하다.^[47]

주르나(zurna)와 다불(Davul) 악기를 연주하는 아시리아인(Assyrian people)

중주는 2명 이상의 연주자가 함께 연주하는 형태이다. 3중주, 4중주, 5중주 등이 있다.

합주는 여러 연주자가 모여 각자의 파트를 연주하며 조화를 이루는 형태이다. 앙상블과 오케스트라가 대표적이다.^[46] 실내악은 소규모 합주를 위한 음악으로, 대규모 심포니 작품보다 더 친밀한 것으로 여겨진다.^[47]

오케스트라는 현악기, 목관악기, 금관악기, 타악기 등 다양한 악기로 구성된 대규모 편성이다. 일반적인 "2관 편성"은 35명~70명 정도이며, "5관 편성"은 120명 정도로 더욱 풍성한 음색을 낸다.

악기 편성은 연주하는 음악의 장르와 관련이 깊다. 클래식 음악에서는 오케스트라, 실내 오케스트라, 앙상블, 사중주, 삼중주, 이중주 등의 편성이 있다. 재즈에서는 콤보, 빅밴드 등의 편성이 일반적이다. 록 음악에서는 기타 트리오, 기타 트리오+보컬, 2명의 기타리스트+베이시스트+드러머, 기타리스트+베이시스트+드러머+일렉트릭 키보드 등의 편성이 일반적이며, 다양한 변칙적인 편성도 많다. 취주악에서는 마칭밴드, 영국식 브라스밴드 등의 편성이 있다. 국악에서는 향악, 가악, 타악, 삼현육각 등의 편성이 있다.

4. 6. 장르별 분류

음악의 장르는 음악의 양식이나 형식을 말한다. 고대부터 음악은 많은 사회에서 오락, 종교, 의식 등을 통해 생활과 밀접한 관계를 맺어 왔으며, 많은 특징적인 형식과 양식을 만들어 왔다.^[142]

음악의 장르는 현재 들을 수 있는 음악의 양식·형식인 동시에, 발생한 근원, 역사의 실마리가 되고 있다.^[142] 현대 음악은 다양한 장르의 복잡한 합성인 경우가 많다.^[142]

5. 악전

악전(樂典)은 음악의 구성 요소인 소리의 세기, 빠르기, 높이와 길이 등을 표기하는 약속이다.

악보는 음악을 기록한 표현이다. 전통적인 "어메이징 그레이스"의 동음절(즉, 찬송가 스타일) 편곡은 혼성 성부를 위한 표준 2단 악보 형식이다. 재생

악보는 일반적으로 기호를 사용하여 종이에 음표와 리듬을 적어 표현하는 것을 의미한다. 음악을 적어 놓으면, 멜로디의 음표와 같은 음높이와 리듬이 표기된다. 악보는 종종 음악을 연주하는 방법에 대한 지시 사항을 제공한다. 예를 들어, 노래의 악보에는 노래가 "느린 블루스" 또는 "빠른 스윙"이라고 명시되어 있어, 템포와 장르를 나타낸다. 악보를 읽으려면, 사람은 특정 노래 또는 곡의 장르와 관련된 음악 이론, 화성 및 연주 관행을 이해해야 한다.

악보는 음악의 스타일과 시대에 따라 다르다. 오늘날 악보는 악보로 제작되거나, 컴퓨터 작곡 프로그램을 사용하는 개인의 경우 컴퓨터 화면의 이미지로 제작된다. 고대에는 악보가 돌이나 점토판에 적혀 있었다.^[7] 악보에서 음악을 연주하려면, 가수나 연주자는 기호에 담긴 리듬과 음높이 요소와 음악이나 장르와 관련된 연주 관행을 이해해야 한다. 즉흥 연주가 필요한 장르에서는, 연주자는 노래의 화성 진행과 형태만 적힌 악보를 연주하는 경우가 많으며, 이 경우 연주자는 음악의 구조, 화성 및 특정 장르(예: 재즈 또는 컨트리 음악)의 스타일을 잘 이해해야 한다.

서양 예술 음악에서 가장 일반적인 악보 유형은 앙상블 곡의 모든 음악 파트를 포함하는 악보와 개별 연주자 또는 가수의 음악 악보인 파트이다. 대중 음악, 재즈 및 블루스에서는 표준 악보가 리드 시트이며, 이는 멜로디, 코드, 가사(보컬 곡인 경우) 및 음악의 구조를 표기한다. 재즈에서는 가짜 악보도 사용되며, 리드 시트 또는 단순한 코드 차트로 구성되어 리듬 섹션 구성원이 재즈 노래에 반주 파트를 즉흥적으로 연주할 수 있도록 한다. 악보와 파트는 특히 재즈 "빅 밴드"와 같은 대규모 앙상블에서 대중 음악과 재즈에도 사용된다. 대중 음악에서 기타리스트와 일렉트릭 베이스 연주자는 종종 탭(흔히 "탭"으로 약칭)으로 표기된 음악을 읽는데, 이는 기타 또는 베이스 프렛보드의 다이어그램을 사용하여 연주할 음표의 위치를 나타낸다. 탭은 바로크 시대에 류트(현악, 프렛이 있는 악기)의 음악을 표기하는 데 사용되었다.^[51]

5. 1. 서양 음악

서양 음악에서는 셈여림표(p, f)와 빠르기말(안단테, 알레그로) 등의 기호를 사용하며, 음표를 통해 음의 높이와 길이를 나타낸다.^[7] 악보는 음악을 기록하는 표현 방식으로, 음악 이론, 화성, 연주 관행에 대한 이해가 필요하다.^[7]

악보는 시대와 스타일에 따라 다양한 형태로 나타난다. 현대에는 악보나 컴퓨터 작곡 프로그램을 통해 제작되지만, 고대에는 돌이나 점토판에 기록되기도 했다.^[7] 즉흥 연주가 필요한 장르에서는 화성 진행과 형태만 적힌 악보를 사용하기도 한다. 서양 예술 음악에서는 전체 악보와 개별 파트 악보가 주로 사용되며, 대중 음악, 재즈, 블루스에서는 리드 시트가 표준 악보로 사용된다.^[51] 재즈에서는 리듬 섹션의 반주 파트 즉흥 연주를 위해 리드 시트나 코드 차트로 구성된 가짜 악보를 사용하기도 한다.^[51] 대중 음악에서는 기타리스트와 일렉트릭 베이스 연주자들이 탭 악보를 읽기도 한다.^[51]

5. 2. 한국 음악

한국 음악은 악전으로 정간보를 이용한다.^[7] 정간보는 한 박을 하나의 사각형으로 표기하고 그 안에 음의 높이와 길이 등을 표기하는 방식이다.^[7]

6. 음악 이론

음악 이론은 음악의 구성과 원리를 연구하는 학문으로, 작곡법, 화성학, 대위법, 악식론 등을 포함한다.^[124] 음악 이론은 조성 음악을 비롯한 다양한 형태로 나타날 수 있다.^[124] 음악 집합 이론은 수학적 집합 이론을 음악에 적용한 것으로, 처음에는 무조 음악에 적용되었다.^[125] 음악학은 음악을 연구하는 학문이며,^[171] 음악사학은 기초 인문학의 영역에 속한다.^[171] 음악 이론과 관련된 학문으로는 음악철학, 음악미학, 음악사, 음악교육학, 음악심리학, 음악음향학 등이 있다.^[171] 비교음악학은 인류학의 영향을 받아 민족음악학으로 변화했다.^[171]

7. 음악의 요소

음악에는 여러 가지 기본적인 요소 또는 구성 요소가 있다.^[53]^[54]^[55] "요소"의 정의에 따라 음높이, 박자 또는 맥박, 속도, 리듬, 선율, 화성, 질감, 스타일, 음성 배분, 음색 또는 색깔, 다이내믹, 표현, 발음, 형식, 구조 등이 포함될 수 있다. 음악의 요소는 오스트레일리아, 영국, 미국의 음악 교육 과정에서 중요한 부분을 차지한다.^[53]^[54]^[55] 세 교육 과정 모두 음높이, 다이내믹, 음색, 질감을 요소로 지정하지만, 다른 음악 요소들은 보편적으로 동의된 바가 없다.

영국 교육 과정과 관련하여, 2013년에 "적절한 악보"라는 용어가 요소 목록에 추가되었고, 목록의 제목이 "음악의 요소"에서 "음악의 상호 연관된 차원"으로 변경되었다.^[56] 음악의 상호 연관된 차원은 음높이, 지속 시간, 다이내믹, 속도, 음색, 질감, 구조 및 적절한 악보로 나열된다.

"음악의 요소"라는 구절은 "음악의 기본 요소"와 "음악의 지각 요소"등 여러 가지 다른 맥락에서 사용된다.^[57]^[58]^[59]^[60]

음에는 기본 주파수(음의 높이, 음고), 포함된 주파수(음색, 화음 등), 크기(음량), 주기성(리듬), 음원의 방향 등의 요소가 있다. 소위 서양 음악 세계에서는 일반적으로 음악은 '''리듬''', '''멜로디''', '''하모니'''의 삼요소로 이루어진다고 생각되지만, 실제 악곡에서는 각각이 밀접하게 연결되어 있어 하나만을 명확하게 뽑아낼 수는 없다.

선율(멜로디)는 특히 화음의 구성에 의해 이루어져 있으며, 화음은 주파수의 대략 정수비율에 의해 발생한다.

음을 발생하는 방법에는 소리, 휘파람, 손뼉, 악기 등이 있다. 서양의 전통적인 분류법에서는 악기는 숨을 불어넣는 관악기^[158], 현을 진동시켜 소리를 내는 현악기^[159], 그리고 악기 자체를 치거나 흔들어 소리를 내는 타악기(북 등)의 세 가지로 분류된다.^[160]

8. 음악과 사회

민족지학적 연구는 음악이 참여적이고 공동체 기반 활동임을 보여준다.^[103]^[104] 음악은 혼자 있는 것부터 대규모 콘서트 참석까지 다양한 사회적 환경에서 개인에 의해 경험되며, 음악 공동체를 형성하는데, 이는 개인의 의지나 우연의 함수로 이해될 수 없다. 여기에는 공통된 가치관을 공유하는 상업적 참여자와 비상업적 참여자가 모두 포함된다. 음악 공연은 서로 다른 문화와 사회경제적 환경에서 다양한 형태를 취한다.

유럽과 북미에서는 어떤 유형의 음악이 "고급 문화"와 "저급 문화"로 간주되는지에 대한 구분이 있었다. "고급 문화"에는 바로크, 고전, 낭만, 현대 음악 시대의 교향곡, 협주곡, 독주곡이 포함되며, 일반적으로 콘서트홀과 교회의 공식 콘서트에서 청중이 조용히 앉아서 감상한다. 재즈, 블루스, 소울, 컨트리를 포함한 다른 유형의 음악은 종종 술집, 나이트클럽, 극장에서 공연되며, 청중은 술을 마시고, 춤을 추고, 환호할 수 있다. 20세기까지 "고급"과 "저급" 음악 형태 사이의 구분은 "예술 음악"을 술집과 무도장에서 들리는 대중음악과 구분하는 타당한 구분으로 받아들여졌다. 데이비드 브래킷과 같은 음악학자들은 20세기에 "고급-저급 문화-미학적 경계의 재구성"을 지적한다.^[105] 그리고 "산업과 대중 담론이 음악의 범주를 사람들의 범주와 연결할 때, 그들은 고정관념을 실제 청취 공동체와 혼동하는 경향이 있습니다."^[105] 고정관념은 서로 다른 유형의 음악의 연주자 또는 청중의 사회경제적 지위 또는 사회 계급에 기반할 수 있다.

송나라(960~1279) 시대 그림, ''한희재 야연도'', 10세기 가정에서 중국 음악가들이 손님들을 위한 연주를 하는 모습

작곡가들이 관례를 깨는 음악 스타일을 도입할 때, 학계와 다른 사람들로부터 강한 저항이 있을 수 있다. 후기 베토벤 현악 사중주곡, 스트라빈스키 발레 악보, 음렬주의, 비밥, 힙합, 펑크 록, 일렉트로니카는 처음 소개되었을 때 논란이 되고 비판을 받았다. 이러한 주제는 사회학과, 미디어 연구과 또는 음악과에서 연구되는 음악 사회학, 때로는 사회음악학이라고 불리는 분야에서 조사되며, 민족음악학과 밀접한 관련이 있다.

문화적 발전 수준에 관계없이 음악은 모든 민족에게 보편적으로 존재하며 다양하게 활용되어 왔다. 군대의 행군이나 지휘에는 음악이 필수적이며^[172], 현대에도 많은 국가의 군대는 군악대를 보유하고 있다. 일상의 노동에 리듬을 더해 효율을 높이기 위한 노동요 또한 많은 민족에게 전해 내려오고 있으며, 한국에서도 논농사 노래나 목가락 등이 이에 해당한다. 가무악처럼 구애를 위해 음악을 사용하는 것도 전 세계적으로 널리 볼 수 있다.^[173]

마술적·주술적 용도, 나아가 종교적 용도로 음악을 사용하는 것도 많은 민족에게 공통적이며, 예를 들어 유럽에서는 18세기경까지 교회가 음악의 중요한 담당자 중 하나였다.^[174] 반면, 1990년대 아프가니스탄에서 정권을 세운 탈레반은 공공장소의 음악은 이슬람의 기준에 부합하지 않는다고 해석하여 철저한 탄압을 가했다. 2021년 탈레반이 복권했을 때는 유명 가수가 즉시 살해되는 등의 사건이 발생했고,^[175] 탄압을 두려워한 아프가니스탄 국립음악원 교사와 학생 100명 이상이 해외로 탈출했다.^[176]

유럽의 중세 대학교육에서 자유칠과 중 하나에 음악이 포함되어 있었던 것처럼, 음악은 교양으로서도 중요시되는 경우가 많았으며,^[177] 19세기에 들어 근대 교육이 시작되면서 음악도 초등 교육의 커리큘럼에 포함되었다. 메이지 유신 이후 일본도 이러한 사상을 계승했지만, 서양 음악을 다룰 수 있는 인재가 거의 없었기 때문에 즉시 도입할 수 없었고, 메이지 15년 「소학교가창집」 발행을 시작으로 점차 가창이 도입되었다.^[178] 이러한 일반 교양으로서의 음악 교육 외에도 음악 전문가를 육성하는 음악학교가 전 세계에 존재하며, 다양한 음악가를 육성하고 있다.

음악은 종종 민족의 정체성과 결부되어 민족주의의 발로를 가져온다.^[179] 세계의 대부분의 독립국이 국가를 제정하고 있는 것도 이러한 용도 때문이다.^[180] 국가뿐만 아니라 일반 음악에서도 이러한 연관성은 드물지 않다. 19세기에는 민족주의의 물결 속에서 당시 음악의 중심지였던 독일, 프랑스, 이탈리아를 제외한 유럽 여러 나라에서 자국 민족 음악의 요소를 도입한 클래식 음악의 확립을 목표로 하는 민족주의 음악이 나타나 많은 명곡 작곡가가 등장했다.^[181] 민족 음악에서도 민족주의와의 연관성은 일반적으로 강하며, 또한 대중음악에서도 민족을 초월하여 국가 내에서 애창될 경우, 국민의 통합을 가져오는 경우가 있다.^[182]

8. 1. 음악 산업

16세기 활판 인쇄 발명으로 악보가 출판되기 시작했다. 인쇄된 악보는 필사 악보보다 대량 생산성, 정확성, 가격 면에서 우수했으며, 음악 보급에 큰 역할을 했다.^[155] 악보 출판은 19세기에 상업 모델로 확립되어 음악 산업의 선구자가 되었다.^[156] 19세기에는 악보 출판을 시작으로, 20세기에는 토마스 에디슨이 발명한 축음기와^[157] 에밀 베를리너가 이를 개량한 레코드의 등장으로 음악 산업이 본격적으로 발전하기 시작했다.

1887년 레코드의 등장은 음악 자체를 개인이 소유하고 가정에서 즐길 수 있게 하였다.^[157] 1920년대에는 라디오 방송이 시작되어 음악 프로그램이 불특정 다수에게 전달되면서 음악의 대중문화화가 진행되었다. 레코드 회사는 이러한 기반 위에 음악 제작, 유통, 광고를 하며 대규모 음악 산업을 성립시켰다. 이후 텔레비전 등 새로운 미디어와 카세트테이프, 1980년대 콤팩트 디스크(CD)같은 새로운 매체, 그리고 1979년 출시된 워크맨과 같은 휴대용 음악 플레이어의 등장은 음악 애호가를 증가시키고 음악 산업을 더욱 발전시켰다. 1920년대 후반 토키의 등장은 미리 녹음된 음악 트랙을 포함하여 많은 영화관 오케스트라 연주자들을 실직하게 만들었다.^[114] 미국 음악가 연맹(AFM)은 기계식 연주 장치로 라이브 연주자를 대체하는 것에 대해 항의하는 광고를 냈다.^[116]

1990년대 후반 인터넷 보급은 음악 산업에 변화를 가져왔다. 인터넷을 통한 음악 공급은 물리적 매체의 필요성을 감소시켰고, 음악을 소유하려는 수요는 줄었다. 반면, 음악제나 라이브는 계속 융성하며 음악 산업 환경을 변화시켰다.^[157] 인터넷과 광대역 고속 인터넷 접속의 보급은 스트리밍 비디오를 통한 음악 접근성 증가와 소비자 선택의 폭 확대를 가져왔다. 온라인 공동체 및 소셜 미디어 웹사이트(소셜 네트워크 서비스)의 등장은 아마추어 음악가들이 자신의 노래를 배포하고, 다른 음악가와 연결하며, 청중의 관심을 얻기 쉽게 만들었다. 전문 음악가들도 YouTube를 홍보 자료로 사용한다. 돈 탭스콧과 앤서니 D. 윌리엄스가 저술한 ''위키노믹스''에 따르면, 전통적인 소비자 역할에서 콘텐츠를 생성하고 소비하는 "프로슈머" 역할로 변화했다.^[117]

8. 2. 음악과 기술

20세기 이후 라이브 음악은 라디오, 텔레비전 또는 인터넷을 통해 방송되거나 녹음되어 CD 플레이어 또는 MP3 플레이어로 들을 수 있게 되었다.^[113] 20세기 초(1920년대 후반)에 토키가 등장하면서 미리 녹음된 음악 트랙이 포함되자 많은 영화관 오케스트라 연주자들이 실직했다.^[114] 미국 음악가 연맹(AFM)은 기계식 연주 장치로 라이브 연주자를 대체하는 것에 대해 항의했다.^[116]

때때로 라이브 공연에는 미리 녹음된 사운드가 포함된다. 예를 들어, 디스크 자키는 디스크 레코드를 스크래칭에 사용하고, 20세기의 일부 작품에는 테이프에 미리 녹음된 음악과 함께 연주되는 악기 또는 목소리의 독주가 있다. 컴퓨터와 많은 키보드는 악기 디지털 인터페이스(MIDI) 음악을 생성하고 재생하도록 프로그래밍할 수 있다.

2000년대의 음악 제작. 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)을 사용한다.

인터넷의 보급은 스트리밍 비디오를 통한 음악 녹음 접근의 용이성 증가와 소비자를 위한 음악 선택의 폭 증가를 통해 음악 경험을 변화시켰다. 돈 탭스콧과 앤서니 D. 윌리엄스가 저술한 책 ''위키노믹스''에 따르면, 전통적인 소비자 역할에서 콘텐츠를 생성하고 소비하는 "프로슈머" 역할로의 변화가 있었다.^[117]

음악의 기록 및 전달 방법으로 가장 오래된 것은 구전이지만, 곧 여러 민족들이 음악을 기호로 표기하는, 이른바 악보를 발명하여 사용하기 시작했다. 11세기 초 이탈리아의 구이도 다레초가 5선을 이용한 악보법을 개발했고,^[162] 이것이 점차 개량되어 17세기에 들어서 유럽에서 오선보가 발명되었다.^[163]

1877년 토마스 에디슨이 납관 녹음기(납관을 사용하는 축음기의 초기 형태)를 발명하면서 음악 자체의 기록이 가능해졌다.^[164] 녹음 기술은 그 후에도 계속 발전했다. 에디슨의 축음기 이후 음악의 기록과 전달에는 다양한 매체가 사용되어 왔으며, 디지털 방식의 녹음이 가능해진 이후에는 CD(1982년-)등이 사용되었다. 2000년대부터는 매체를 가지지 않고 인터넷을 통한 배포를 이용하는 사람도 늘었다.

|thumb|right|200px|라디오 방송을 듣는 사람]]

음악을 사람들에게 전달하는 경로(채널)로는 AM 방송(1920년대경-), FM 방송(1933년-) 등의 라디오 방송과 텔레비전 방송(1930년대와 40년대경부터. 영상과 음향을 전달)이 사용되었고, 21세기에는 데이터 압축 기술을 활용하여 인터넷을 통한 음악 배포가 활발해지고 있다.^[164]

|thumb|100px|소니의 하이레졸루션 워크맨 NW-ZX300]]

8. 3. 음악과 교육

북미와 유럽에서는 유치원부터 대학교까지 일반 교육 과정에 음악을 통합하는 것이 일반적이다.^[118] 음악 연주와 노래에 참여하는 것은 집중력, 수 세기, 경청 및 협력과 같은 기본적인 기술을 가르치고, 언어 이해를 증진하며 정보를 회상하는 능력을 향상시킨다.^[118] 초등학교에서는 리코더 같은 악기를 배우고, 소규모 합창단에서 노래하며, 서양 예술 음악과 전통 음악의 역사에 대해 배운다. 종교 학교에서는 찬송가와 기타 종교 음악을 부른다. 중등학교에서는 합창단(가수 그룹), 마칭 밴드, 콘서트 밴드, 재즈 밴드 또는 오케스트라와 같은 음악 앙상블에서 공연할 기회를 가질 수 있다.

대학에서는 대부분의 예술 및 인문학 프로그램 학생들이 음악사 개관 과정이나 음악 감상 과정을 수강하여 학점을 취득한다. 또한, 합창단, 마칭 밴드, 콘서트 밴드 또는 오케스트라와 같은 음악 앙상블이 운영된다. 서양 예술 음악 연구는 인도네시아 예술원 ( 요기야카르타, 인도네시아) 또는 한국, 일본, 중국과 같은 아시아 국가에서도 제공된다. 서양 대학들은 아프리카 음악이나 발리 (가믈란 음악)와 같은 비서구 문화의 음악을 포함하도록 커리큘럼을 확장하고 있다.

맨해튼 음악학교(Manhattan School of Music) 교수이자 프로 더블베이스 연주자인 티모시 코브(Timothy Cobb)가 2000년대 후반 베이스 레슨을 하는 모습.

전문 음악인, 작곡가, 음악 교사 등을 목표로 하는 사람들은 대학, 대학교 및 음악원에서 제공하는 전문적인 고등 교육 프로그램을 통해 교육을 받는다. 일부 기관은 음악 연주, 음악사, 음악 이론, 작곡, 음악 교육 등 광범위한 분야의 학위를 제공한다. 반면, 일부 소규모 대학에서는 사운드 레코딩과 같이 단일 직종에 대한 교육만 제공하기도 한다. 대부분의 대학 및 음악원 음악 프로그램은 클래식 음악 교육에 중점을 두지만, 재즈 또는 대중음악 교육을 제공하는 대학도 있다. 미국에서는 맨해튼 음악학교와 버클리 음악대학, 캐나다에서는 맥길 대학교와 험버 대학이 대표적인 예이다. 헤비메탈, 컨트리 또는 블루스와 같은 특정 음악 분야는 밴드 활동, DVD와 인터넷 학습, 비공식적인 멘토링이나 음악 레슨을 통해 배우는 것이 일반적이다.^[119]^[120]

8. 4. 음악 치료

음악 치료는 훈련받은 치료사가 음악과 그 모든 측면(신체적, 정서적, 정신적, 사회적, 미적, 영적)을 사용하여 고객의 건강을 개선하거나 유지하도록 돕는 대인 관계 과정이다. 어떤 경우에는 고객의 요구가 음악을 통해 직접 해결되고, 다른 경우에는 고객과 치료사 사이에 발전하는 관계를 통해 해결된다. 음악 치료는 모든 연령대의 개인과 다양한 질환(정신 질환, 의학적 문제, 신체적 장애, 감각 장애, 발달 장애, 약물 남용 문제, 의사소통 장애, 대인 관계 문제, 노화 등)에 사용된다. 또한 학습 향상, 자존감 향상, 스트레스 감소, 신체 운동 지원, 그리고 기타 여러 건강 관련 활동을 촉진하는 데에도 사용된다. 음악 치료사는 고객이 노래를 부르거나 악기를 연주하거나 노래를 만들거나 다른 음악 활동을 하도록 장려할 수 있다.

미 해군 치료 센터에서 "Blues in the Schools" 프로그램의 음악 치료사가 미 해군 병사와 하모니카를 연주하고 있다.

10세기에는 철학자 알 파라비가 성악이 청취자의 감정과 영혼을 자극하는 방법을 설명했다. 음악은 오랫동안 사람들이 자신의 감정을 다루는 데 도움이 되도록 사용되어 왔다. 17세기에는 학자 로버트 버튼의 저서 ''우울증의 해부''에서 음악과 춤이 특히 정신 질환(특히 우울증) 치료에 중요하다고 주장했다. 그는 음악이 "다른 많은 질병을 몰아낼 수 있는 뛰어난 힘"을 가지고 있으며 "절망과 우울증에 대한 최고의 치료법"이라고 불렀다. 그는 고대에 로도스의 바이올린 연주자 카누스가 음악을 사용하여 "우울한 사람을 즐겁게 하고, … 연인을 더욱 열정적으로 만들고, 종교적인 사람을 더욱 경건하게 만들었다"고 지적했다. 오스만 제국에서는 정신 질환을 음악으로 치료했다. 2006년 11월, Michael J. Crawford와 그의 동료들은 음악 치료가 정신분열증 환자에게 도움이 된다는 사실도 발견했다.

마음을 달래고 활력을 북돋는 음악은 심혈관 건강에 대한 다양한 이점을 포함한 광범위한 건강상의 이점을 제공한다. 적절한 상황에서 적절한 종류의 음악을 사용하면 필요에 따라 정서적 상태와 전반적인 건강 상태를 개선할 수 있다.

8. 5. 음악에서의 여성의 역할

여성들은 작곡가, 작사가, 연주자, 가수, 지휘자, 음악 학자, 음악 교육자, 음악 평론가/음악 저널리스트 등 음악의 여러 분야에서 중요한 역할을 해왔다.^[106] 2010년대에는 대중음악과 클래식 음악 가수의 상당 부분을 여성이 차지하고 있으며, 싱어송라이터를 포함한 많은 여성 작사가들이 활동하고 있다. 하지만 여성 음반 프로듀서, 록 평론가, 록 연주자는 상대적으로 적다.^[106]

중세부터 현재까지 클래식 음악에는 수많은 여성 작곡가가 있었지만, 여성 작곡가들은 일반적으로 연주되는 클래식 음악 레퍼토리, 음악사 교과서 및 음악 백과사전에서 과소 대표되는 경향이 있다.^[106] 예를 들어, ''Concise Oxford History of Music''에서 클라라 슈만은 언급되는 몇 안 되는 여성 작곡가 중 한 명이다.

클래식 음악에서 여성들은 독주자의 상당 부분을 차지하며, 오케스트라에서 여성의 비율은 증가하고 있다. 그러나 2015년 주요 캐나다 오케스트라의 협주곡 독주자에 대한 기사에서는 몬트리올 심포니 오케스트라 독주자의 84%가 남성이었다. 2012년에는 여성이 최고 순위의 빈 필하모닉 오케스트라의 6%에 불과했다.

헤비메탈과 같은 대중음악 장르에서 여성은 악기 연주자로서 덜 흔하지만, 주목할 만한 여성 연주자와 여성만으로 구성된 밴드들이 있었다. 특히 익스트림 메탈 장르에서 여성은 과소 대표된다.^[106] 1960년대 팝 음악계에서는 작곡 분야가 남성 중심적이었고, 여성들은 주로 소비자로 여겨졌다.^[107] 젊은 여성들은 음악을 창작하는 사람으로 자신을 인식하도록 사회화되지 않았다.^[107]

여성들은 오케스트라 지휘, 음악 평론/음악 저널리즘, 음악 제작, 사운드 엔지니어링 분야에서도 과소 대표되는 경향이 있다. 19세기에는 여성이 작곡을 하지 못하도록 억압받았고, 음악학자인 여성은 거의 없었지만, 음악 교육 분야에서는 19세기 후반과 20세기 초반까지 여성이 지배적인 역할을 했다.^[108]

런던의 ''인디펜던트''의 음악 작가 제시카 듀셤에 따르면, 클래식 음악의 여성 음악가들은 재능보다는 외모로 평가받고 무대와 사진에서 섹시해 보이도록 압력을 받는 경우가 많다.^[109] 영국의 라디오 3 편집장인 에드위나 울스턴크로프트는 음악 산업이 오랫동안 공연이나 오락 역할에 여성을 받아들였지만, 여성이 오케스트라 지휘자와 같이 권위 있는 직책을 맡을 가능성은 훨씬 적다고 지적한다.^[110] 대중음악에서는 여성 가수가 많지만, 오디오 콘솔 뒤에서 녹음 과정을 지휘하고 관리하는 음악 프로듀서로 일하는 여성은 거의 없다.^[111] 가장 많이 녹음된 아티스트 중 한 명은 힌디어 영화의 플레이백 가수로 가장 잘 알려진 인도 가수 아샤 보슬레이다.^[112]

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