패션

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1. 개요

패션은 라틴어 '팩티오'에서 유래된 단어로, 의복, 생활 양식, 유행, 관습 등 다양한 의미를 포괄하며, 사회적, 문화적 맥락 속에서 개인의 정체성을 표현하는 수단으로 정의된다. 프랑스어 'mode'에서 유래되었으며, 14세기 중반부터 유럽에서 의복 스타일의 변화가 시작되어, 기술 발전, 소셜 미디어의 영향으로 현대 패션 산업은 급격한 변화를 겪고 있다. 패션은 트렌드, 사회적 영향, 마케팅, 정치, 기술, 환경, 미디어 등 다양한 요인과 밀접하게 관련되어 있으며, 인류학적, 지적 재산권 관점에서도 연구된다.

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패션

2. 어원

'''패션'''(Fashion)은 행위나 활동하는 것(doing) 또는 만드는 것(making)을 뜻하는 라틴어의 팩티오(factio^la)에서 유래한 것으로, 사전적 의미는 '양식, 방식, 형, 유행, 관습, 습관' 등 다양하며, 실제로 모든 생활양식 그 자체가 패션이라 할 수 있다.

3. 패션의 정의

프랑스어 mode^프랑스어는 "패션"을 의미하며 1482년까지 거슬러 올라간다. 반면, "유행하는" 것을 나타내는 영어 단어는 16세기에야 등장했다.^[3] 12세기와 13세기 고대 프랑스어에서 우아함의 개념은 아름다움을 향상시키고 세련됨을 보여주는 귀족의 선호도라는 맥락에서 나타나기 시작했으며, cointerie^fro는 손질과 의복에서 스타일이나 인위적인 방법으로 자신을 다른 사람들에게 더 매력적으로 보이게 만드는 개념으로, 13세기 기욤 드 로리스의 시에서 "멋진 옷과 멋진 액세서리는 남자를 훨씬 더 멋지게 만든다"는 조언과 함께 등장한다.^[3]

패션 학자 수잔 B. 카이저는 모든 사람이 다른 사람들 앞에서 중재 없이 "외모를 강요받는다"고 말한다.^[4] 모든 사람은 자신의 복장으로 평가되며, 평가에는 색상, 소재, 실루엣, 그리고 의복이 몸에 어떻게 보이는지에 대한 고려가 포함된다. 스타일과 소재가 동일한 의복도 착용자의 체형이나 의복이 세탁, 접힘, 수선되었는지, 새것인지에 따라 다르게 보인다.

"패션"은 여러 가지 다른 방식으로 정의되며, 그 적용은 때때로 불분명할 수 있다. "이번 시즌의 새로운 유행"과 같이 "패션"이라는 용어는 차이를 의미하지만, "1960년대 유행"을 언급할 때와 같이 일반적인 획일성을 의미할 수도 있다. 패션은 최신 경향을 나타낼 수 있지만, 종종 이전 시대의 유행을 참조하여 다른 시대의 유행이 다시 나타나게 할 수 있다. 패션 하우스와 오뜨 꾸뛰르 디자이너와 같이 독점적이고, 존경받으며, 종종 부유한 미적 엘리트에 의해 유행하는 것이 정의될 수 있지만, 이러한 '스타일'은 종종 엘리트로 간주되지 않고, 따라서 스스로 무엇이 패션인지 구분하는 것을 배제당하는 하위 문화와 사회 집단의 참고 자료를 끌어와 디자인된다.

"트렌드"는 종종 독특한 미적 표현을 의미하며, 종종 한 시즌보다 짧게 지속되고 시각적인 극단으로 식별될 수 있는 반면, 패션은 전통적으로 패션 시즌과 컬렉션과 관련된 독특하고 산업적으로 지원되는 표현이다.^[5] "스타일"은 여러 시즌 동안 지속되는 표현이며, 종종 문화 운동과 사회적 표지(예: 바로크 및 로코코) , 상징, 계급 및 문화와 관련이 있다. 사회학자 피에르 부르디외에 따르면 패션은 "최신 차이"를 의미한다.^[6]

"패션", "의류" 및 "의상"이라는 용어는 종종 함께 사용되지만, 패션은 이 두 가지와 다릅니다. "의류"는 어떤 사회적 의미나 연관성도 없는 재료와 기술적인 의복을 설명한다. "의상"은 가면 무도회 또는 가면 무도회 의상을 의미하게 되었다. 반대로 패션은 특정 시간과 맥락에서 사회적 표지로서 의복에 영향을 미치고 "활성화"하는 사회적이고 시간적인 시스템을 설명한다. 철학자 조르조 아감벤은 패션을 질적인 고대 그리스 개념인 ( "적절한, 중요한 또는 적절한 순간"을 의미)와 의류를 양적인 개념인 (시간의 의인화)에 연결한다.^[7]

일부 독점 브랜드는 "오뜨 꾸뛰르"라는 라벨을 주장할 수 있지만, 프랑스에서는 이 용어는 파리의 Chambre Syndicale de la Haute Couture^프랑스어 회원으로 기술적으로 제한된다.^[8] ^[5] 오뜨 꾸뛰르는 예술과 문화에서 영감을 받고 대부분의 경우 경제적 엘리트에게만 제공되는 더욱 이상적인 것이다. 그러나 뉴욕의 패션 일정은 보다 공정하고 포괄적인 미션을 추구하는 꾸뛰르 패션 위크를 주최한다.^[9]

패션은 또한 사람들이 자신만의 독특한 취향, 감성 및 스타일을 보여줄 수 있도록 하는 예술의 원천이기도 하다.^[10] 다른 패션 디자인가들은 외부 자극의 영향을 받아 자신의 작품에 이러한 영감을 반영한다. 예를 들어, 구찌(Gucci)의 '얼룩진 녹색' 청바지는^[11] 잔디 얼룩처럼 보일 수 있지만, 다른 사람들에게는 순수함, 신선함, 여름을 보여준다.^[12]

패션은 독특하고 자기 충족적이며 누군가의 정체성의 핵심 부분일 수 있다. 예술과 마찬가지로 사람의 패션 선택 목표는 반드시 모든 사람에게 좋아지는 것이 아니라 개인 취향의 표현이 되는 것이다.^[10] 한 사람의 개인적인 스타일은 "항상 두 가지 상반되는 원리를 결합하는 사회적 형성" 역할을 한다. 이는 다른 사람들과 자신을 구별하는 사회적으로 허용되고 안전한 방법이며, 동시에 개인의 사회적 적응과 모방에 대한 욕구를 충족시킨다.^[13] 철학자 이마누엘 칸트는 패션이 "진정한 취향 판단과는 아무런 관련이 없다"고 믿었고, 대신 "무반성적이고 '맹목적인' 모방의 경우"였지만,^[13] 사회학자 게오르크 지멜^[14]은 패션을 "개인과 사회 사이의 거리를 극복하는 데 도움이 되는 것"으로 생각했다.^[13] 미국의 사회학자 다이애나 크레인도 자신의 책에서 패션은 문화적, 사회적, 정치적 연관성을 표현하는 수단으로서 개인 및 집단 정체성과 밀접하게 관련되어 있다고 언급했다.^[15]

4. 패션의 역사

의복의 변화는 고대 로마와 중세 칼리파 제국에서처럼 경제적 또는 사회적 변화의 시기에 자주 발생했으며, 그 후 상당한 변화 없이 긴 기간이 이어졌다.^[16]^[17] 8세기 무어인 스페인에서는 음악가 지리아브가 그의 고향 바그다드의 계절과 일상 패션을 바탕으로 세련된 의복 스타일을 코르도바에 소개했다. 그의 영감을 받아 수정되었다. 중앙아시아와 극동의 의복 스타일을 도입한 튀르크인의 도착 이후 11세기 중동에서도 유사한 패션 변화가 발생했다.^[18]

1617년부터 1898년까지의 《누보 라루스 일러스트레이티드(New Larousse Illustrated)》에 나오는 프랑스 패션

유럽에서 의복 스타일의 지속적이고 가속화되는 변화가 시작된 시점은 중세 후기로, 제임스 레이버와 페르낭 브로델을 포함한 역사가들은 서구 의복 패션의 시작을 14세기 중반으로 보고 있다.^[19]^[28] 패션에서 가장 극적인 초기 변화는 남성의 외투가 종아리 길이에서 엉덩이를 간신히 가리는 길이로 갑자기 짧고 꽉 끼는 스타일로 바뀐 것이었다.^[31] 때로는 가슴에 덧대어 더 크게 보이도록 하기도 했다. 이는 레깅스나 바지 위에 입는 맞춤 상의의 독특한 서구적 실루엣을 만들어냈다.

다음 세기에는 변화의 속도가 훨씬 빨라졌고, 특히 머리 손질과 장식 면에서 여성과 남성의 패션이 모두 복잡해졌다. 따라서 미술사가들은 15세기 이미지의 경우 특히 5년 이내의 정확도로 이미지의 연대를 확인하는 데 패션을 자신 있고 정확하게 사용할 수 있다. 처음에는 패션의 변화로 인해 이전에는 매우 유사했던 의복 스타일이 유럽 상류층에서 분열되고 이후 독특한 국가별 스타일이 발전하게 되었다. 이러한 국가별 스타일은 17세기에서 18세기에 걸쳐 유사한 스타일을 다시 부과하는 역운동이 일어날 때까지 매우 달랐는데, 이는 주로 앙시앵 레짐 프랑스에서 유래했다.^[19] 부유한 사람들이 패션을 주도하는 경우가 많았지만, 근세 초기 유럽의 부의 증가로 인해 부르주아와 심지어 농민들까지도 거리를 두고 유행을 따르게 되었지만, 엘리트들에게는 여전히 불편할 정도로 가까웠다. 페르낭 브로델은 이를 패션 변화의 주요 동인 중 하나로 본다.^[19]

알브레히트 뒤러의 그림은 잘 차려입은 뉘른베르크의 부르주아 여성(왼쪽)과 베네치아의 부르주아 여성을 대조적으로 보여준다. 베네치아 여성의 높은 초핀은 그녀를 더 키가 커 보이게 한다.

16세기에는 국가별 차이가 가장 두드러졌다. 16세기 독일이나 이탈리아 신사의 초상화 10점을 보면 10개의 완전히 다른 모자가 보일 수 있다. 알브레히트 뒤러는 15세기 말 뉘른베르크와 베네치아 패션의 실제(또는 복합) 대조를 통해 이러한 차이점을 보여주었다. 16세기 후반의 "스페인 스타일"은 상류층 유럽인들 사이의 동시성으로의 이동을 시작했고, 17세기 중반의 갈등 이후 프랑스 스타일이 결정적으로 주도권을 잡았고, 18세기에 완료되었다.^[19]

해마다 다른 직물의 색상과 패턴이 바뀌었지만,^[32] 신사의 코트 형태와 조끼 길이, 또는 여성 드레스의 패턴은 더 느리게 바뀌었다. 남성 패션은 주로 군복 모델에서 유래했으며, 유럽 전쟁터에서 신사 장교들이 "스테인키르크" 크라바트 또는 넥타이와 같은 다른 스타일을 기록할 기회를 가짐에 따라 유럽 남성 실루엣의 변화가 활기를 띠었다. 양쪽 모두 옷 아래에 셔츠를 입었는데, 셔츠의 형태와 스타일은 수세기 동안 거의 변하지 않았다.

16세기부터 프랑스에서 인형이 유통되고 아브라함 보세가 1620년대에 패션의 판화를 제작했지만, 1780년대에는 최신 파리 스타일을 보여주는 프랑스 판화의 출판이 증가하면서 변화의 속도가 빨라졌다. 1800년까지 모든 서구 유럽인들은 똑같이 옷을 입고 있었거나(또는 그렇게 생각했다) 지역적 변화는 먼저 지방 문화의 표지가 되고 나중에는 보수적인 농민의 표식이 되었다.^[19]^[28]

재봉사와 의상 제작자들이 많은 혁신을 담당했고, 섬유 산업이 많은 유행을 주도했지만, 패션 디자인의 역사는 일반적으로 1858년 영국 태생의 찰스 프레더릭 워스가 파리에 최초의 진정한 ''오뜨 꾸뛰르'' 하우스를 개설한 때부터 시작되었다고 이해된다. 오뜨 꾸뛰르 하우스는 업계 표준을 충족하는 패션 하우스에 정부가 부여한 이름이었다. 이러한 패션 하우스는 의류 제작에 최소 20명의 직원을 고용하고, 패션쇼에서 연 2회 컬렉션을 선보이며, 고객에게 특정 수의 패턴을 제공하는 등의 표준을 계속 준수하고 있다.^[33] 그 이후로 자신의 권리로 유명인이 된 패션 디자이너의 개념이 점점 더 중요해졌다.^[34]

패션은 여성적이거나 남성적일 수 있지만, 추가적인 유행은 양성적이다.^[35] 유니섹스 의류의 개념은 1960년대에 피에르 가르댕과 루디 게른라이히와 같은 디자이너들이 남녀 모두가 입을 수 있는 스트레치 저지 튜닉이나 레깅스와 같은 의류를 만들면서 시작되었다. 유니섹스 착용 가능성의 영향은 양성애, 대량 시장 소매 및 개념 의류를 포함한 패션의 다양한 주제를 포괄하도록 더 광범위하게 확장되었다.^[36] 양가죽 재킷, 파일럿 재킷, 더플 코트, 구조적이지 않은 의류와 같은 1970년대 패션 트렌드는 남성들이 디너 재킷 없이 사교 모임에 참석하고 새로운 방식으로 액세서리를 사용하도록 영향을 주었다. 일부 남성 스타일은 관능과 표현력을 결합했고, 커지는 동성애자 권리 운동과 청년에 대한 강조는 이전에는 여성 의류와 관련이 있었던 울 크레페와 같은 원단으로 스타일을 실험할 수 있는 새로운 자유를 허용했다.^[37]

현대 서구인들은 의류 선택에 있어 광범위한 선택권을 가지고 있다. 사람들이 무엇을 입을지 선택하는 것은 그들의 성격이나 관심사를 반영할 수 있다. 높은 문화적 지위를 가진 사람들이 새롭거나 다른 스타일을 입기 시작하면 새로운 패션 트렌드를 불러일으킬 수 있다. 이러한 사람들을 좋아하거나 존경하는 사람들은 그들의 스타일에 영향을 받아 비슷한 스타일의 옷을 입기 시작한다.

패션은 연령, 사회 계급, 세대, 직업, 지리에 따라 사회 내에서 상당히 다를 수 있으며 시간이 지남에 따라 변할 수도 있다. ''패셔니스타''와 ''패션 피해자''라는 용어는 현재 유행을 충실히 따르는 사람을 가리킨다.

''Gensei Kajin Shu'' by Yoshu Chikanobu, 1890. 다양한 스타일의 일본 전통 의복과 서구 스타일.

힌두교 여성이 사리를 입고 있다. 사리는 인도 아대륙에서 가장 오래되고 인기 있는 의복 중 하나이다.

2000년대 초반, 아시아 패션은 국내외 시장에서 점차 중요해졌다. 중국, 일본, 인도, 파키스탄과 같은 국가들은 전통적으로 풍부한 전통을 지닌 대규모 섬유 산업을 보유하고 있었지만, 이는 종종 서구 디자이너들이 활용했고, 아시아 의류 스타일은 2000년대 초중반 상당한 영향력을 얻었다.^[39]

일본의 경우, 메이지 시대(1868~1912) 사람들은 서구 스타일을 일본 패션에 광범위하게 도입했는데, 이는 일본 유행에 있어 주목할 만한 변화로 여겨진다.^[43] 일본에서는 1927년 9월 21일 당시 긴자 미쓰코시 백화점에서 일본 국내 최초의 패션쇼가 개최되었다.^[186] 1953년에는 당시 유럽에서 전성기를 누렸던 패션 디자이너 크리스찬 디올(Christian Dior)이 일본을 방문하여 해외 패션의 도입이 시작되었다.^[187] 1958년에는 피에르 가르뎅(Pierre Cardin)이 일본을 방문하여, 양산 프레타포르테 시대의 도래를 알렸다. 1975년경부터 뉴트로가 전국적으로 유행^[188]하였다. 2000년대에 들어 고급 브랜드가 쇠퇴하는 경향을 보이는 한편^[190], 해외 패스트패션 기업이 잇따라 진출하여 저가격화가 진행되었다.^[191]

4. 1. 고대와 중세

의복의 변화는 고대 로마와 중세 칼리파 제국에서처럼 경제적 또는 사회적 변화의 시기에 자주 발생했으며, 그 후 상당한 변화 없이 긴 기간이 이어졌다.^[16]^[17] 8세기 무어인 스페인에서는 음악가 지리아브가 그의 고향 바그다드의 계절과 일상 패션을 바탕으로 세련된 의복 스타일을 코르도바에 소개했다. 그의 영감을 받아 수정되었다. 중앙아시아와 극동의 의복 스타일을 도입한 튀르크인의 도착 이후 11세기 중동에서도 유사한 패션 변화가 발생했다.^[18]

잦은 변화를 보이는 서양의 패션 현상은 일반적으로 고대에는 나타나지 않았으며, 다른 주요 문명에서도 수십 년 전까지는 거의 유례가 없었다. 페르시아, 터키, 일본, 중국 등을 여행한 초기 서양 여행자들은 현지 패션의 변화가 거의 없다는 것을 자주 보고했고, 반대로 이러한 다른 문화권에서 서양으로 온 관찰자들은 서양 패션의 눈부신 변화 속도를 서양 문화의 불안정과 무질서의 표현이라고 보고했다. 일본 쇼군의 는 1609년 스페인 방문객에게 일본 의복은 1000년 이상 변하지 않았다고 말했다.^[141] 그러나 예를 들어 중국의 명나라에서는 한복에 잦은 변화를 보이는 패션이 존재했다는 주목할 만한 증거가 있다.^[142]

4. 2. 근대 유럽

의복의 변화는 고대 로마와 중세 칼리파제국에서처럼 경제적 또는 사회적 변화의 시기에 자주 발생했으며, 그 후 상당한 변화 없이 긴 기간이 이어졌다. 8세기 무어인 스페인에서는 음악가 지리아브(Ziryab)가 그의 고향 바그다드의 계절과 일상 패션을 바탕으로 세련된 의복 스타일을 코르도바에 소개했다.^[16]^[17] 그의 영감을 받아 수정되었다. 중앙아시아와 극동의 의복 스타일을 도입한 튀르크인의 도착 이후 11세기 중동에서도 유사한 패션 변화가 발생했다.^[18]

유럽에서 의복 스타일의 지속적이고 가속화되는 변화가 시작된 시점은 중세 후기로, 제임스 레이버와 페르낭 브로델을 포함한 역사가들은 서구 의복 패션의 시작을 14세기 중반으로 보고 있다.^[19]^[28] 패션에서 가장 극적인 초기 변화는 남성의 외투가 종아리 길이에서 엉덩이를 간신히 가리는 길이로 갑자기 짧고 꽉 끼는 스타일로 바뀐 것이었다.^[31] 때로는 가슴에 덧대어 더 크게 보이도록 하기도 했다. 이는 레깅스나 바지 위에 입는 맞춤 상의의 독특한 서구적 실루엣을 만들어냈다.

다음 세기에는 변화의 속도가 훨씬 빨라졌고, 특히 머리 손질과 장식 면에서 여성과 남성의 패션이 모두 복잡해졌다. 따라서 미술사가들은 15세기 이미지의 경우 특히 5년 이내의 정확도로 이미지의 연대를 확인하는 데 패션을 자신 있고 정확하게 사용할 수 있다. 처음에는 패션의 변화로 인해 이전에는 매우 유사했던 의복 스타일이 유럽 상류층에서 분열되고 이후 독특한 국가별 스타일이 발전하게 되었다. 이러한 국가별 스타일은 17세기에서 18세기에 걸쳐 유사한 스타일을 다시 부과하는 역운동이 일어날 때까지 매우 달랐는데, 이는 주로 앙시앵 레짐 프랑스에서 유래했다.^[19] 부유한 사람들이 패션을 주도하는 경우가 많았지만, 근세 초기 유럽의 부의 증가로 인해 부르주아와 심지어 농민들까지도 거리를 두고 유행을 따르게 되었지만, 엘리트들에게는 여전히 불편할 정도로 가까웠다. 페르낭 브로델은 이를 패션 변화의 주요 동인 중 하나로 본다.^[19]

16세기에는 국가별 차이가 가장 두드러졌다. 16세기 독일이나 이탈리아 신사의 초상화 10점을 보면 10개의 완전히 다른 모자가 보일 수 있다. 알브레히트 뒤러는 15세기 말 뉘른베르크와 베네치아 패션의 실제(또는 복합) 대조를 통해 이러한 차이점을 보여주었다. 16세기 후반의 "스페인 스타일"은 상류층 유럽인들 사이의 동시성으로의 이동을 시작했고, 17세기 중반의 갈등 이후 프랑스 스타일이 결정적으로 주도권을 잡았고, 18세기에 완료되었다.^[19]

해마다 다른 직물의 색상과 패턴이 바뀌었지만,^[32] 신사의 코트 형태와 조끼 길이, 또는 여성 드레스의 패턴은 더 느리게 바뀌었다. 남성 패션은 주로 군복 모델에서 유래했으며, 유럽 전쟁터에서 신사 장교들이 "스테인키르크" 크라바트 또는 넥타이와 같은 다른 스타일을 기록할 기회를 가짐에 따라 유럽 남성 실루엣의 변화가 활기를 띠었다. 양쪽 모두 옷 아래에 셔츠를 입었는데, 셔츠의 형태와 스타일은 수세기 동안 거의 변하지 않았다.

16세기부터 프랑스에서 인형이 유통되고 아브라함 보세가 1620년대에 패션의 판화를 제작했지만, 1780년대에는 최신 파리 스타일을 보여주는 프랑스 판화의 출판이 증가하면서 변화의 속도가 빨라졌다. 1800년까지 모든 서구 유럽인들은 똑같이 옷을 입고 있었거나(또는 그렇게 생각했다) 지역적 변화는 먼저 지방 문화의 표지가 되고 나중에는 보수적인 농민의 표식이 되었다.^[19]^[28]

재봉사와 의상 제작자들이 많은 혁신을 담당했고, 섬유 산업이 많은 유행을 주도했지만, 패션 디자인의 역사는 일반적으로 1858년 영국 태생의 찰스 프레더릭 워스가 파리에 최초의 진정한 ''오뜨 꾸뛰르'' 하우스를 개설한 때부터 시작되었다고 이해된다. 오뜨 꾸뛰르 하우스는 업계 표준을 충족하는 패션 하우스에 정부가 부여한 이름이었다. 이러한 패션 하우스는 의류 제작에 최소 20명의 직원을 고용하고, 패션쇼에서 연 2회 컬렉션을 선보이며, 고객에게 특정 수의 패턴을 제공하는 등의 표준을 계속 준수하고 있다.^[33] 그 이후로 자신의 권리로 유명인이 된 패션 디자이너의 개념이 점점 더 중요해졌다.^[34]

패션은 여성적이거나 남성적일 수 있지만, 추가적인 유행은 양성적이다.^[35] 유니섹스 의류의 개념은 1960년대에 피에르 가르댕과 루디 게른라이히와 같은 디자이너들이 남녀 모두가 입을 수 있는 스트레치 저지 튜닉이나 레깅스와 같은 의류를 만들면서 시작되었다. 유니섹스 착용 가능성의 영향은 양성애, 대량 시장 소매 및 개념 의류를 포함한 패션의 다양한 주제를 포괄하도록 더 광범위하게 확장되었다.^[36] 양가죽 재킷, 파일럿 재킷, 더플 코트, 구조적이지 않은 의류와 같은 1970년대 패션 트렌드는 남성들이 디너 재킷 없이 사교 모임에 참석하고 새로운 방식으로 액세서리를 사용하도록 영향을 주었다. 일부 남성 스타일은 관능과 표현력을 결합했고, 커지는 동성애자 권리 운동과 청년에 대한 강조는 이전에는 여성 의류와 관련이 있었던 울 크레페와 같은 원단으로 스타일을 실험할 수 있는 새로운 자유를 허용했다.^[37]

현대 서구인들은 의류 선택에 있어 광범위한 선택권을 가지고 있다. 사람들이 무엇을 입을지 선택하는 것은 그들의 성격이나 관심사를 반영할 수 있다. 높은 문화적 지위를 가진 사람들이 새롭거나 다른 스타일을 입기 시작하면 새로운 패션 트렌드를 불러일으킬 수 있다. 이러한 사람들을 좋아하거나 존경하는 사람들은 그들의 스타일에 영향을 받아 비슷한 스타일의 옷을 입기 시작한다.

패션은 연령, 사회 계급, 세대, 직업, 지리에 따라 사회 내에서 상당히 다를 수 있으며 시간이 지남에 따라 변할 수도 있다. ''패셔니스타''와 ''패션 피해자''라는 용어는 현재 유행을 충실히 따르는 사람을 가리킨다.

4. 3. 근대 이후

의복의 변화는 고대 로마와 중세 칼리파 제국에서처럼 경제적 또는 사회적 변화의 시기에 자주 발생했으며, 그 후 상당한 변화 없이 긴 기간이 이어졌다. 8세기 무어인 스페인에서는 음악가 지리아브(Ziryab)가 그의 고향 바그다드의 계절과 일상 패션을 바탕으로 세련된 의복 스타일을 코르도바에 소개했다.^[16]^[17] 11세기 중동에서도 튀르크인의 도착 이후 중앙아시아와 극동의 의복 스타일을 도입하면서 유사한 패션 변화가 발생했다.^[18]

초기 서구 여행자들은 인도, 페르시아, 튀르키예, 중국을 방문하여 이들 국가의 패션 변화 부재를 자주 언급했다. 1609년 일본 쇼군]]/도쿠가와 막부^일본어의 서기는 스페인 방문객에게 일본 의복이 천 년 이상 변하지 않았다고 자랑했지만,이는 사실이 아니었다.^[19] 예를 들어, 명나라 시대 중국에서는 중국 의복의 빠른 변화하는 유행에 대한 상당한 증거가 있다.^[20] 중국 황실에서는 의복이 자유와 편안함의 구현체일 뿐만 아니라 신체를 덮거나 추위로부터 보호하거나 장식적인 목적으로 사용되었을 뿐만 아니라, 엄격한 사회 계층 제도와 중국 사회의 의례 제도를 기반으로 한 강력한 사치품 규제법에 의해 규제되기도 했다.^[21] 사람들은 자신의 성별, 사회적 지위, 직업에 따라 적절하게 복장을 갖추는 것이 기대되었으며, 중국 의복 시스템은 역사의 각 시대에 외관이 다양하게 진화했다.^[21] 그러나 다른 문화와 마찬가지로 고대 중국 패션은 인구의 사회경제적 조건을 나타내는 지표였다. 그러나 유교 학자들에게는 변화하는 유행은 빠른 상업화로 인한 사회 혼란과 종종 관련이 있었다.^[22] 고대 중국에서 빠르게 변화하는 유행을 경험한 의복은 고대 중국 문헌에 기록되어 있는데, 때로는 shiyang^중국어, "현대 스타일"이라고 불리며 fuyao/

겐로쿠 시대와 그 이후의 에도 시대(1603~1867) 사이의 일본 의복에서 의복 유행은 화려하고 값비싼 부의 과시에서 절제되고 반항적인 것으로 바뀌었다.^[23] 동양으로 간주되었던 지역의 패션 부족에 대한 신화는 서구 제국주의와 관련이 있으며, 종종 오리엔탈리즘을 수반했고, 유럽 제국주의는 특히 19세기에 절정에 달했다.^[24] 19세기 유럽인들은 중국을 유럽과 이분법적으로 대조하여 중국을 "패션이 부족하다"고 묘사했으며, 유럽인들은 중국인과^[24] 아시아의 다른 국가들과 자신을 비교할 때 의도적으로 자신을 우월한 위치에 두었다.^[24]

유럽에서 의복 스타일의 지속적이고 가속화되는 변화가 시작된 시점은 중세 후기로, 제임스 레이버와 페르낭 브로델을 포함한 역사가들은 서구 의복 패션의 시작을 14세기 중반으로 보고 있다.^[19]^[28] 하지만 그들은 당시의 이미지에 크게 의존하는 경향이 있다.^[29] 14세기 이전에는 삽화가 있는 사본이 흔하지 않았기 때문이다.^[30] 패션에서 가장 극적인 초기 변화는 남성의 외투가 종아리 길이에서 엉덩이를 간신히 가리는 길이로 갑자기 짧고 꽉 끼는 스타일로 바뀐 것이었다.^[31] 때로는 가슴에 덧대어 더 크게 보이도록 하기도 했다. 이는 레깅스나 바지 위에 입는 맞춤 상의의 독특한 서구적 실루엣을 만들어냈다.

다음 세기에는 변화의 속도가 훨씬 빨라졌고, 특히 머리 손질과 장식 면에서 여성과 남성의 패션이 모두 복잡해졌다. 미술사가들은 15세기 이미지의 경우 특히 5년 이내의 정확도로 이미지의 연대를 확인하는 데 패션을 사용한다. 처음에는 패션의 변화로 인해 이전에는 매우 유사했던 의복 스타일이 유럽 상류층에서 분열되고 이후 독특한 국가별 스타일이 발전하게 되었다. 이러한 국가별 스타일은 17세기에서 18세기에 걸쳐 유사한 스타일을 다시 부과하는 역운동이 일어날 때까지 매우 달랐는데, 이는 주로 앙시앵 레짐 프랑스에서 유래했다.^[19] 부유한 사람들이 패션을 주도하는 경우가 많았지만, 근세 초기 유럽의 부의 증가로 인해 부르주아와 심지어 농민들까지도 거리를 두고 유행을 따르게 되었지만, 엘리트들에게는 여전히 불편할 정도로 가까웠다. 페르낭 브로델은 이를 패션 변화의 주요 동인 중 하나로 본다.^[19]

16세기에는 국가별 차이가 가장 두드러졌다. 16세기 독일이나 이탈리아 신사의 초상화 10점을 보면 10개의 완전히 다른 모자가 보일 수 있다. 알브레히트 뒤러는 15세기 말 뉘른베르크와 베네치아 패션의 대조를 통해 이러한 차이점을 보여주었다. 16세기 후반의 "스페인 스타일"은 상류층 유럽인들 사이의 동시성으로의 이동을 시작했고, 17세기 중반의 갈등 이후 프랑스 스타일이 결정적으로 주도권을 잡았고, 18세기에 완료되었다.^[19]

해마다 다른 직물의 색상과 패턴이 바뀌었지만,^[32] 신사의 코트 형태와 조끼 길이, 또는 여성 드레스의 패턴은 더 느리게 바뀌었다. 남성 패션은 주로 군복 모델에서 유래했으며, 유럽 전쟁터에서 신사 장교들이 "스테인키르크" 크라바트 또는 넥타이와 같은 다른 스타일을 기록할 기회를 가짐에 따라 유럽 남성 실루엣의 변화가 활기를 띠었다. 양쪽 모두 옷 아래에 셔츠를 입었는데, 셔츠의 형태와 스타일은 수세기 동안 거의 변하지 않았다.

1780년대에는 최신 파리 스타일을 보여주는 프랑스 판화의 출판이 증가하면서 변화의 속도가 빨라졌다.^[152] 1800년까지 모든 서구 유럽인들은 똑같이 옷을 입고 있었고 지역적 변화는 먼저 지방 문화의 표지가 되고 나중에는 보수적인 농민의 표식이 되었다.^[19]^[28]

재봉사와 의상 제작자들이 많은 혁신을 담당했고, 섬유 산업이 많은 유행을 주도했지만, 패션 디자인의 역사는 일반적으로 1858년 영국 태생의 찰스 프레더릭 워스가 파리에 최초의 진정한 ''오뜨 꾸뛰르'' 하우스를 개설한 때부터 시작되었다고 이해된다.^[156] 오뜨 꾸뛰르 하우스는 업계 표준을 충족하는 패션 하우스에 정부가 부여한 이름이었다.^[33] 그 이후로 자신의 권리로 유명인이 된 패션 디자이너의 개념이 점점 더 중요해졌다.^[34] 워스는 디자이너가 계절별 신디자인을 제안하고, 패션 모델을 기용하여 패션쇼를 개최함으로써 현대 패션 시스템의 구축과 전문 디자이너의 주도적 지위를 가져왔다.^[156]

패션은 여성적이거나 남성적일 수 있지만, 추가적인 유행은 양성적이다.^[35] 19세기 후반부터 20세기 전반에 걸쳐 신사복의 변화는 정체된 반면, 여성복은 크게 변동했다. 19세기까지 여성 패션은 코르셋 등으로 몸을 가늘게 조이는 것이 주류였지만, 1906년에 폴 포아레가 코르셋이 필요 없는 드레스를 발표함으로써 흐름이 크게 바뀌었다.^[158] 제1차 세계 대전하의 총력전 체제로 여성의 사회 참여가 진전됨에 따라, 전후에는 코코 샤넬 등의 활동적이고 기능적인 패션이 지지를 얻어 코르셋은 완전히 사라졌다.^[160]

유니섹스 의류의 개념은 1960년대에 피에르 가르댕과 루디 게른라이히와 같은 디자이너들이 남녀 모두가 입을 수 있는 스트레치 저지 튜닉이나 레깅스와 같은 의류를 만들면서 시작되었다.^[36] 1970년대 패션 트렌드는 남성들이 디너 재킷 없이 사교 모임에 참석하고 새로운 방식으로 액세서리를 사용하도록 영향을 주었다. 일부 남성 스타일은 관능과 표현력을 결합했고, 커지는 동성애자 권리 운동과 청년에 대한 강조는 이전에는 여성 의류와 관련이 있었던 울 크레페와 같은 원단으로 스타일을 실험할 수 있는 새로운 자유를 허용했다.^[37]

1940년 나치 독일의 프랑스 점령이 일어나자 패션의 중심지였던 파리는 큰 타격을 입고, 많은 오뜨 꾸뛰르 상점은 폐점했고, 일부 디자이너는 해외로 이주했지만, 오뜨 꾸뛰르 조합은 유지되었고,^[161] 전후 다시 부활하여 번영을 맞았다.^[162]^[163]

워스 이후 패션의 중핵은 오랫동안 오뜨 꾸뛰르가 담당해 왔지만, 1960년대에 고급 기성복인 프레타포르테가 등장하고, 1975년에 파리 프레타포르테 컬렉션이 시작되는 등,^[164] 오뜨 꾸뛰르를 대신하여 패션의 중핵이 되었다.^[165] 또한 1950년대부터 1960년대에 걸쳐 청바지와 미니스커트를 대표하는 스트릿 패션이 등장하여 급속히 부상하여 하나의 큰 흐름이 되었다.^[166]

현재 4대 주요 패션 중심지는 뉴욕시(맨해튼), 파리, 밀라노, 런던으로 인정받고 있다. 패션 산업의 중심지는 18세기 이후 오랫동안 파리였지만,^[167]^[168] 1970년대 이후 오뜨 꾸뛰르가 쇠퇴함에 따라 밀라노와 뉴욕 등에서 메종 설립이 잇따랐고, 1976년에 밀라노 컬렉션이 시작되는 등^[169] 각지의 컬렉션이 힘을 갖게 되면서, 밀라노^[170]와 뉴욕도 중심지의 하나가 되었다.^[167]

현대 서구인들은 의류 선택에 있어 광범위한 선택권을 가지고 있다. 사람들이 무엇을 입을지 선택하는 것은 그들의 성격이나 관심사를 반영할 수 있다. 높은 문화적 지위를 가진 사람들이 새롭거나 다른 스타일을 입기 시작하면 새로운 패션 트렌드를 불러일으킬 수 있다.

패션은 연령, 사회 계급, 세대, 직업, 지리에 따라 사회 내에서 상당히 다를 수 있으며 시간이 지남에 따라 변할 수도 있다. ''패셔니스타''와 ''패션 피해자''라는 용어는 현재 유행을 충실히 따르는 사람을 가리킨다.

4. 4. 아시아의 패션

2000년대 초반, 아시아 패션은 국내외 시장에서 점차 중요해졌다. 중국, 일본, 인도, 파키스탄 등은 전통적으로 풍부한 전통을 지닌 대규모 섬유 산업을 보유하고 있었지만, 이는 종종 서구 디자이너들이 활용했고, 아시아 의류 스타일은 2000년대 초중반 상당한 영향력을 얻었다.^[39]

중국 패션은 수세기 동안 끊임없이 변화해왔다. 당나라(618~907) 시대 여성들은 번영을 과시하기 위해 화려한 의복을 입었고, 원나라(1279~1368)의 몽골 남성들은 느슨한 옷과 짧은 옷, 바지, 부츠를 신었다. 청나라(1644~1911)는 만주족 복식을 유지하면서 새로운 의복을 제정했고, 10세기에 처음 도입된 족쇄는 유지되지 않았지만, 이 시대의 여성들은 특정 굽이 있는 신발을 신어야 했다.^[40] 1920년대에는 치파오가 유행했는데, 이후 모피 코트와 망토, 긴 옆트임이 있는 바디 컨슈머 드레스와 같이 서구 패션으로 이동하며 치파오는 더욱 인기를 얻었다. 1950년대와 60년대에는 중국 남성들 사이에서 단추가 두 줄로 달리고 비스듬한 주머니와 벨트가 있는 '레닌 코트'가 유행했다.^[41]

인도에서는 서로 다른 종교를 가진 사람들이 해당 종교에 맞는 의복을 입는 것이 일반적이었다.^[42] 15세기에는 무슬림 여성과 힌두 여성이 현저히 다른 의복을 입었다. 빅토리아 시대에는 대부분의 여성이 사리 아래에 블라우스를 입지 않았지만, 그 후 수십 년 동안 영국과 인도 패션은 서로에게 영향을 받았다. 1920년대에는 민족주의자들이 카디 천을 저항의 상징으로 채택했고, 간디는 사람들에게 카디를 자가 생산하고 짜서 입도록 하여 저항의 얼굴이 되었다. 오늘날 샬와르 카미즈는 인도의 전통 의상으로 인정받고 있다.

일본의 경우, 메이지 시대(1868~1912) 사람들은 서구 스타일을 일본 패션에 광범위하게 도입했는데, 이는 일본 유행에 있어 주목할 만한 변화로 여겨진다.^[43] 상류층은 고급 패턴 실크와 같은 화려한 의복을 입고 화려한 띠로 장식했다. 여성들은 기모노 대신 서구식 드레스를, 관리들은 서구식 양복을 입었다. 1927년 9월 21일 긴자 미쓰코시 백화점에서 일본 최초의 패션쇼가 개최되었는데, 이는 기모노 쇼였으며 일반으로부터 디자인을 공모한 패션쇼이기도 했다.^[186] 1953년 크리스찬 디올이 일본을 방문하여 해외 패션의 도입이 시작되었고,^[187] 1958년에는 피에르 가르뎅이 일본을 방문하여 양산 프레타포르테 시대의 도래를 알렸다. 1975년경부터 뉴트로가 전국적으로 유행^[188]하였고, 해외 고급 브랜드 사용자의 대중화(저연령화)^[188] 및 셀렉트숍의 붐^[189], 패션 잡지의 모델 대량 기용 등 시대의 전환점이 되었다. 2000년대에 들어 고급 브랜드가 쇠퇴하는 경향을 보이는 한편^[190], 해외 패스트패션 기업이 잇따라 진출하여 저가격화가 진행되었다.^[191]

4. 5. 대한민국

2000년대 초반, 아시아 패션의 영향력이 국내외 시장에서 점차 중요해졌다. 중국, 일본, 인도, 파키스탄과 같은 국가들은 전통적으로 풍부한 전통을 지닌 대규모 섬유 산업을 보유하고 있었지만, 이는 종종 서구 디자이너들이 활용했고, 아시아 의류 스타일은 2000년대 초중반 상당한 영향력을 얻었다.^[39]

일본의 경우, 메이지 시대(1868~1912) 사람들은 서구 스타일을 일본 패션에 광범위하게 도입했는데, 이는 일본 유행에 있어 주목할 만한 변화로 여겨진다.^[43] 일본에서는 1927년 9월 21일 당시 긴자 미쓰코시 백화점에서 일본 국내 최초의 패션쇼가 개최되었다.^[186] 1953년에는 당시 유럽에서 전성기를 누렸던 패션 디자이너 크리스찬 디올(Christian Dior)이 일본을 방문하여 해외 패션의 도입이 시작되었다.^[187] 1958년에는 피에르 가르뎅(Pierre Cardin)이 일본을 방문하여, 양산 프레타포르테 시대의 도래를 알렸다. 1975년경부터 뉴트로가 전국적으로 유행^[188]하였다. 2000년대에 들어 고급 브랜드가 쇠퇴하는 경향을 보이는 한편^[190], 해외 패스트패션 기업이 잇따라 진출하여 저가격화가 진행되었다.^[191]

5. 현대 패션 산업

## 현대 패션 산업

### 산업 구조

패션 산업은 현대의 산물이다.^[44] 19세기 중반 이전에는 대부분의 옷이 맞춤 제작 방식으로, 개인이나 재봉사, 재단사에 의해 수작업으로 만들어졌다. 20세기 초, 미싱과 같은 새로운 기술의 발달과 세계적 자본주의 및 공장제도의 발달, 백화점의 급증으로 옷은 표준 치수로 대량 생산되고 고정 가격에 판매되기 시작했다.^[44]

패션 산업은 유럽과 미국에서 처음 발전했지만, 2015년 기준으로는 국제적이고 매우 세계화된 산업이 되었다.^[44] 의류는 한 국가에서 디자인되고 다른 국가에서 제조되어 전 세계적으로 판매되는 경우가 많다. 예를 들어, 미국의 한 패션 회사가 중국에서 천을 얻어 베트남에서 제조한 옷을 이탈리아에서 마무리하고, 다시 미국의 창고로 옮겨 국제적인 소매 판매점에 분배하기도 한다.

패션 산업은 오랫동안 미국에서 가장 큰 고용주 중 하나였으며,^[44] 21세기에도 그러하다. 하지만 생산이 해외, 특히 중국으로 이전되면서 미국의 패션 산업 고용은 상당히 감소하기 시작했다. 패션 산업 데이터는 일반적으로 국가 경제에 대해 보고되고 산업의 여러 부문별로 표현되기 때문에 세계 섬유 산업 생산과 의류 산업에 대한 총계를 얻기는 어렵다. 그럼에도 불구하고 의류 산업은 세계 경제 생산의 상당 부분을 차지한다.^[45]

패션 산업은 다음 네 가지 수준으로 구성된다.^[44]

# 가죽이나 털뿐만 아니라 주로 섬유와 직물 등의 가공되지 않은 원자재 생산

# 디자이너, 제조업자, 계약자 등에 의한 패션 상품 생산

# 소매영업

# 다양한 형태의 광고와 홍보

이 단계들은 여러 세분화된 분야로 나뉘지만 상호의존적이다. 이 분야들은 직물 디자인과 생산, 패션 디자인과 생산, 패션 소매업, 마케팅과 상업, 패션쇼, 그리고 매체와 마케팅으로 나뉜다. 각 분야는 이익에 맞게 운용되는 산업에서 참여를 가능하게 하는 조건하에 옷에 대한 소비자의 요구를 만족시키는 목표를 달성하는데 헌신한다.^[44]

2011년 파리 패션쇼에서 최신 유행을 반영한 현대적인 드레스를 입은 모델

2019년 밀라노 막스마라 패션 위크의 카이아 거버(Kaia Gerber)

### 패션 트렌드

패션 트렌드는 특정 시점과 장소에서 특정한 스타일이나 표현이 인기를 얻어 퍼지는 현상을 의미한다. 이는 패션 업계가 컬렉션을 출시하는 계절과는 관계없이, 스트릿 패션, 다양한 문화, 인플루언서 및 유명인 등으로부터 나타나는 덧없는 스타일로 간주된다.^[46]

패션 트렌드는 영화, 유명인, 기후, 창의적인 탐구, 혁신, 디자인, 정치, 경제, 사회 및 기술 등 여러 요인의 영향을 받는다. 패션 예측가들은 PEST 분석을 통해 이러한 요인들을 조사하여 특정 트렌드의 성장 또는 쇠퇴를 파악한다. 사람들의 마음과 인식, 의식은 끊임없이 변화하며, 유행은 사회적으로 낡은 것과 새로운 것 사이의 모순 속에서 진화하고 주변 사람들의 영향을 받아 모방이 이루어진다.^[46]

맥시멀리즘과 1980년대의 영향을 받은 2020년대 초의 활기찬 색상의 의류는 2023년 봄까지 미국, 프랑스, 중국, 한국, 우크라이나 여성들에게 다시 유행했다.^[47]^[48] 이 스타일은 "도파민 드레싱"이라고도 불리며, 허벅지가 갈라진 긴 스커트와 벨트를 매치한 맥시 드레스, 많은 양의 금과 진주 장신구, 오버사이즈 줄무늬 카디건, 조개나 꽃무늬가 있는 여러 색상의 실크 스커트, 스트랩 샌들, 다리에 대조되는 줄무늬가 있는 바지, 어그 부츠,^[49] 꽃무늬 맥시 스커트, Y2K 스타일의 플랫폼 슈즈, 두꺼운 빨간색 레인 부츠,^[50] 반짝이는 점프수트,^[51] 니트 드레스, 인조 모피 칼라가 있는 가죽 파일럿 재킷,^[52] 대담한 대조적인 세로 줄무늬가 있는 스커트, 부츠컷 다리가 있는 투피스 정장, 반짝이는 하트나 별 모양의 디테일이 있는 청바지, 두꺼운 흰색이나 검은색 샌들, 얼룩말 무늬 토트백 등이 특징이다.^[53]^[54] 크고 오버사이즈 의류는 반투명 소재로 만들어져 착용자의 어깨, 허벅지, 배꼽 등을 드러내는 컷아웃 디자인이 특징이며, 바지의 낮은 허리나 스트랩 목선이 있는 상의는 브래지어 없이 착용하도록 디자인되었다.^[55] 네온 그린, 수박 그린, 산호 분홍, 오렌지, 연어 분홍, 마젠타, 금색, 전기 파랑, 아쿠아마린, 청록색, 터키석, 로열 블루 등의 색상이 선호되었다.^[56]^[57]

2023년 영국, 프랑스, 미국에서는 빨강, 흰색, 파랑이 주요 색상이었다. 1970년대 중후반처럼 데님이나 밝은 마드라스 체크 소재의 웨스턴 셔츠가 다시 유행했으며, 정교한 자수가 들어간 대조적인 요크와 커프스가 특징인 경우도 있었다.^[58]^[59] 모카신, 장식적인 프린지가 있는 스톤워시 데님 조끼, 깔끔한 로퍼, 네이비 블루 정장과 스포츠 재킷, 2000년대 후반부터 2020년대 초까지 유행했던 스키니 진 대신 스트레이트 레그 진,^[60] 스테트슨, 대담한 빨강이나 파랑 핀스트라이프가 있는 흰색 야구 저지, 줄무늬 파란색 넥타이, 와이드 흰색 바지, 유니온잭 모티브, 플레어 진, 드라마 ''옐로스톤''에서처럼 착용하는 더스터 코트,^[61] 프레피 스타일 대학 스웨터, 레트로 블루와 화이트 스트라이프 축구 유니폼,^[62] 카우보이 부츠 스타일의 첼시 부츠, 빨강과 파랑 보트 스트라이프가 있는 투 버튼 블레이저, V넥 조끼, 흰색 소매가 있는 로열 블루 야구 점퍼, 하울러 브라더스 지레,^[63] 가슴을 드러내도록 열어 입는 셔츠와 정장,^[64] 박스형 가죽 리퍼 재킷이 인기를 끌었다.^[65]^[66]^[67]

### 사회적 영향

패션은 본질적으로 사회 현상이며, 한 사람이 혼자서는 패션을 가질 수 없다. 무언가가 패션으로 정의되려면 보급과 추종자가 필요하며, 이러한 보급은 상향식("트리클다운")에서 하향식("버블업/트리클업") 또는 문화 전반과 바이럴 밈 및 미디어를 통해("트리클어크로스") 여러 형태를 취할 수 있다.^[68] 브리트니 스피어스(Britney Spears)와 같은 유명인들은 속옷을 겉옷처럼 입는 개념을 대중화하기도 했다.

브리트니 스피어스(Britney Spears)는 속옷을 겉옷처럼 입는 스타일을 대중화했다.

패션은 환경의 사회적, 문화적 맥락과 관련이 있다. 패션은 단순히 미적인 것으로만 여겨지지 않으며, 사람들이 전반적인 효과를 창출하고 자신의 의견과 전반적인 예술을 표현하는 수단이기도 하다.^[69]

연례 또는 계절별 패션쇼는 패션 트렌드와 디자이너의 영감을 반영한다. 비비안 웨스트우드(Vivienne Westwood)와 같은 디자이너에게 패션쇼는 정치와 시사에 대한 그녀의 목소리를 위한 플랫폼이다. 그녀의 AW15 남성복 쇼에서 심하게 멍든 얼굴을 한 모델들이 지구를 구하기 위한 임무를 띤 환경 운동가들을 연상시켰다.^[70] 또 다른 최근의 예로는 샤넬의 SS15 쇼를 위한 연출된 페미니스트 시위 행진이 있으며, 폭동을 일으키는 모델들은 "페미니스트이지만 여성스러운"과 "숙녀 먼저"와 같은 표지판을 사용하여 권한 부여의 단어를 외쳤다. 이는 샤넬이 여성의 독립을 오랫동안 옹호해 온 역사를 활용한 것으로, 창립자 코코 샤넬은 제1차 세계 대전 이후 시대에 여성의 몸을 해방시키는 선구자였으며, 당시 유행했던 제한적인 코르셋에 맞서는 실루엣을 도입했다.^[70]

맨해튼(Manhattan)에서 열리는 연례 멧 갈라(Met Gala) 행사는 패션 디자이너와 그들의 작품이 기념되는 최고의 장소이다. 소셜 미디어는 또한 패션이 가장 자주 선보이는 곳이다. 일부 인플루언서는 제품이나 의류 아이템을 홍보하기 위해 막대한 금액을 받는데, 기업은 많은 시청자가 광고를 통해 제품을 구매하기를 바란다. 인스타그램은 광고에 가장 인기 있는 플랫폼이지만 페이스북, 스냅챗, 트위터 및 기타 플랫폼도 사용된다.^[71] 뉴욕에서는 LGBT 패션 디자인 커뮤니티가 패션 트렌드를 보급하는 데 매우 중요한 역할을 하고 있으며, 드랙 유명인은 뉴욕 패션 위크(New York Fashion Week)에 깊은 영향을 미쳤다.^[72]

소비는 필요에 의해서만 이루어지는 것이 아니라, 소비자에게 상징적인 의미 또한 중요한 요소이다. 상징적 소비에 참여하는 소비자들은 자신들의 정체성을 확립하는 과정의 일환으로 다양한 물건을 수집하면서 장기간에 걸쳐 자아의식을 발전시킬 수 있으며, 사회 집단 내에서 그 상징적 의미가 공유될 때 다른 사람들에게 자신의 정체성을 전달할 수 있다. 십대의 경우, 소비는 아동기의 자아와 성인기의 자아를 구분하는 데 중요한 역할을 한다. 연구자들은 십대들의 패션 선택이 자기 표현을 위해 사용될 뿐만 아니라 비슷한 옷을 입는 다른 십대들을 인식하는 데에도 사용된다는 것을 발견했다. 의류 품목의 상징적 연관성은 개인의 성격과 관심사를 연결할 수 있으며, 음악은 패션 결정에 영향을 미치는 중요한 요소이다.^[77]

### 마케팅

소비자 집단에 따라 다양한 욕구와 요구가 존재하며, 소비자 욕구 분석 시 주요 인구통계학적 요소가 고려된다.^[73] 패션 기업들은 시장 조사를 통해 소비자 욕구를 이해하고 패션 트렌드를 예측한다.^[74] 시장 조사 방법에는 1차 조사와 2차 조사가 있다.^[75] 2차 조사는 책이나 기사 등 기존에 수집된 정보를 활용하는 것이다. 1차 조사는 설문 조사, 면접, 관찰 및/또는 포커스 그룹을 통해 데이터를 수집하는 것으로, 대규모 표본을 대상으로 고객의 쇼핑 동기를 파악하는 데 중점을 둔다.^[76]

1차 조사는 특정 패션 브랜드의 소비자에 대한 구체적인 정보를 얻을 수 있다는 장점이 있다. 설문 조사는 개방형 또는 폐쇄형 질문을 할 수 있지만, 설문 문구나 대면 상호 작용으로 인해 응답에 편향이 생길 수 있다. 포커스 그룹은 8~12명으로 구성되어 심층적인 논의가 가능하지만, 표본 크기가 작아 일반 대중의 반응을 대표하기 어렵다.^[75] 관찰은 소비자가 실제로 원하는 것을 파악하는 데 도움이 되며, 일상적인 활동을 하는 소비자를 관찰하므로 편향이 적다. 예를 들어, 거리 스타일 사진을 통해 소비자의 평소 옷차림을 관찰하고 패턴을 파악하여 트렌드 예측에 활용할 수 있다.

소비자의 욕구를 파악하면 패션 기업의 매출과 이윤을 증가시킬 수 있다. 소비자의 삶을 연구하고 조사함으로써 고객의 욕구를 파악하고, 패션 브랜드는 소비자가 원하는 트렌드를 알 수 있다.

탈린/Tallinn^et, 에스토니아(Estonia)에서 판매되는 모피 의류

### 정치적 영향

정치 지도자들은 적어도 프랑스 국왕 루이 14세 시대 이후로 패션 발전에 중추적인 역할을 해왔다.^[78] 예를 들어, 영부인 재클린 케네디는 1960년대 초 패션 아이콘이었다. 샤넬 수트, 구조적인 지방시 시프트 드레스, 그리고 큰 단추가 달린 부드러운 색상의 카시니 코트를 착용하며 그녀는 우아한 정장 스타일과 고전적인 여성 스타일의 트렌드를 고무시켰다.^[78]

문화적 격변 또한 패션 트렌드에 영향을 미쳤다. 1960년대 미국 경제는 호황이었고, 이혼율은 증가했으며, 정부는 피임약을 승인했다. 이러한 요인들은 젊은 세대가 뿌리 깊은 사회적 규범에 반항하도록 고무시켰다.^[79] 흑인들의 사회 정의와 동등한 기회를 위한 투쟁인 시민권 운동과 여성의 동등한 권리와 기회, 더 큰 개인의 자유를 추구하는 여성 해방 운동이 한창이었다. 1964년 다리를 드러내는 미니스커트가 등장하여 엄청난 유행이 되었다. 그러자 패션 디자이너들은 옷의 형태를 실험하기 시작했다. 헐렁한 민소매 드레스, 마이크로 미니, 플레어 스커트, 트럼펫 소매 등이었다. 형광색, 프린트 패턴, 부츠컷 청바지, 프린지 베스트, 스커트는 1960년대의 필수품이 되었다.^[79]

미국의 실패한 베트남 전쟁 개입에 대한 우려와 항의 또한 패션에 영향을 미쳤다. 적군에게 잘 보이지 않도록 돕기 위해 개발된 군복의 위장 무늬는 1960년대에 스트릿웨어 디자인에 스며들었다.^[80] 위장 무늬 트렌드는 그 이후로 여러 번 사라지고 다시 등장했으며, 1990년대에는 하이패션으로 등장했다.^[80] 발렌티노, 디올, 돌체앤가바나와 같은 디자이너들은 런웨이와 기성복 컬렉션에 위장 무늬를 결합했다. 오늘날 파스텔 색조를 포함한 위장 무늬의 변형은 모든 의류 또는 액세서리에서 인기를 누리고 있다.

### 기술적 영향

오늘날 기술은 사회에서 상당한 역할을 하고 있으며, 패션 분야에서도 그 영향력이 점점 커지고 있다. 웨어러블 기술이 통합되어 태양 전지판으로 기기를 충전하는 의류와, 환경 변화에 따라 색상이나 질감이 변하여 착용자의 편안함을 향상시키는 스마트 패브릭 등이 등장했다.^[81] 3D 프린팅 기술은 이리스 반 헤르펜과 킴벌리 오비츠와 같은 디자이너들에게 영향을 미쳤다. 기술 발전으로 3D 프린터는 디자이너들과 소비자들에게 더욱 접근 가능해질 것이며, 이는 잠재적으로 패션 산업의 디자인과 생산 방식을 완전히 바꿀 수 있다.

2017년 미국 패션쇼에서 모델이 착용한 시스루 상의와 파스티. 이러한 유행은 미디어를 통해 대중화된다.

온라인 소매업체와 소셜 미디어 플랫폼의 광범위한 도달 범위를 가능하게 하는 인터넷 기술은 이전에는 상상할 수 없었던 방식으로 트렌드를 식별하고, 마케팅하고, 즉시 판매할 수 있도록 만들었다.^[82] 인스타그램이나 페이스북 게시물은 패션 트렌드에 대한 인지도를 빠르게 높여 특정 아이템이나 브랜드에 대한 높은 수요를 창출하며,^[83] 새로운 "바로 구매" 기술은 이러한 스타일을 직접 판매와 연결한다.

머신 비전 기술은 패션이 사회에 어떻게 퍼져나가는지 추적하기 위해 개발되었다. 이제 패션쇼가 스트릿 팃(street-chic) 의상에 어떤 영향을 미치는지 직접적인 상관관계를 볼 수 있다. 이러한 효과는 정량화될 수 있으며, 트렌드에 관한 귀중한 피드백을 패션 하우스, 디자이너, 소비자에게 제공한다.^[84]

### 환경적 영향

패션 산업은 환경에 상당한 영향을 미치는 것으로 알려져 있다.

### 미디어

소셜 미디어 플랫폼을 포함한 미디어는 패션 트렌드를 형성하고 트렌드의 채택과 폐기의 빠른 순환을 만드는 데 중요한 역할을 한다.^[85] 예를 들어, 패션의 중요한 부분은 패션 저널리즘이다. 편집 비평, 지침 및 논평은 텔레비전, 잡지, 신문, 패션 웹사이트, 소셜 네트워크 및 패션 블로그에서 찾아볼 수 있다. 최근 몇 년 동안 패션 블로그와 유튜브 동영상은 트렌드와 패션 팁을 전파하는 주요 통로가 되어 웹사이트나 소셜 미디어 계정(예: 인스타그램, 틱톡 또는 트위터)에서 자신의 스타일을 공유하는 온라인 문화를 만들었다. 이러한 미디어 매체를 통해 전 세계의 독자와 시청자는 패션에 대해 배우고 접근성을 높일 수 있다.^[86] 패션 저널리즘 외에도 패션 산업에서 중요한 또 다른 미디어 플랫폼은 광고이다. 광고는 대중에게 정보를 제공하고 제품 및 서비스의 판매를 촉진한다. 패션 산업은 광고를 사용하여 소비자를 유치하고 제품을 홍보하여 판매를 창출한다. 몇십 년 전 기술이 아직 발전되지 않았을 때 광고는 라디오, 잡지, 광고판 및 신문에 크게 의존했다.^[87] 요즘에는 텔레비전 광고, 인터넷 웹사이트를 사용하는 온라인 기반 광고, 소셜 미디어 플랫폼의 게시물, 동영상 및 라이브 스트리밍과 같이 다양한 광고 방법이 있다.

라틴댄스(Latin dance) 선수들이 의상(costume)을 입고 있다. 여자는 등이 파인 드레스(backless dress)에 아랫부분이 깊게 트인 옷을 입고 있고, 남자는 윗단추를 푼 셔츠를 입고 있다.

은 패션의 중요한 부분이다. 편집자의 비평과 해설이 잡지, 신문, 텔레비전, 패션 사이트, SNS, 패션 블로그 등에서 이루어지고 있다. 또한, 블로그 등을 통해 대중에게 영향력을 미치는 블로거를 인플루언서라고 부른다.

20세기 초부터 패션 잡지는 사진과 삽화를 넣기 시작하면서 이전보다 더 강한 영향력을 갖게 되었다. 전 세계 도시에서 이러한 잡지는 큰 인기를 얻었고, 일반인의 취향에 깊은 영향을 미쳤다. 최신 패션과 미용의 변화를 전달하는 출판물을 위해 재능 있는 삽화가들이 세련된 패션화를 그렸다. 이러한 잡지 중 가장 유명한 것은 아마도, 이 1912년에 창간하고, 전시 중을 제외하고 1925년까지 정기적으로 간행된 『가제트 뒤 봉 톤/La Gazette du bon ton^프랑스어』(『우아한 잡지』)일 것이다.^[192]

1892년 미국에서 창간된 『보그』는 나타났다가 사라진 수많은 패션 잡지 중에서 가장 오래 지속되고 가장 성공한 것 중 하나이다.^[193] 제2차 세계 대전 종전 후의 경제적 번영과, 무엇보다도 1960년대 저렴한 컬러 인쇄의 등장으로 보그지는 폭발적으로 부수를 늘렸고,^[194] 주류 여성 잡지에서도 패션을 크게 다루게 되었다. 1990년대에는 남성 잡지도 이에 뒤따랐다. 오뜨 꾸뛰르 디자이너는 프레타포르테와 향수를 다루기 시작함으로써 이러한 흐름에 편승했고, 이것들은 잡지에서 대대적으로 홍보되어, 현재는 본래의 의복 사업을 축소하는 결과를 초래하고 있다.

패션 편집자 섀런 맥클렐런은 이렇게 말했다――「패션계에는 텔레비전, 잡지, 블로그가 소비자에게 무엇을 입어야 하는지 명령하고 있다는 오해가 있습니다. 하지만 대부분의 트렌드는 타겟층을 조사한 후에 출시됩니다. 따라서 당신이 미디어에서 보는 것은 사람들 사이에서 인기 있는 아이디어를 조사한 결과입니다. 본질적으로 패션이란 사람들이 아이디어를 주고받는 활동입니다. 다른 예술 형식도 모두 그렇습니다.」^[195]

### 인쇄 매체

인쇄 매체 스타일에는 편집 스타일과 라이프스타일 스타일 두 가지 하위 집합이 있다. 편집 스타일은 패션 잡지에서 볼 수 있는 하이패션 스타일이며, 예술적이고 앞서가는 경향이 있다. 라이프스타일 스타일은 백화점 광고, 웹사이트 또는 패션이 판매되는 것이 아닌 모델이 사진 속 제품을 홍보하기 위해 고용되는 광고와 같이 더욱 공개적으로 상업적인 목표에 초점을 맞춘다.^[88]

20세기 초, 패션 잡지는 다양한 패션 디자인 사진을 포함하기 시작했고 과거보다 더 큰 영향력을 갖게 되었다.^[90] 전 세계 도시에서 이러한 잡지는 매우 인기가 많았고 의류에 대한 대중의 취향에 큰 영향을 미쳤다. 재능 있는 삽화가들은 패션과 미용의 최신 동향을 다룬 출판물을 위해 정교한 패션 플레이트를 그렸다. 아마도 가장 유명한 잡지 중 하나는 Lucien Vogel^프랑스어이 1912년에 창간하여 1925년까지 정기적으로 발행된 (전쟁 기간을 제외하고) 라 가제트 뒤 봉 톤(La Gazette du Bon Ton)일 것이다.^[91]

1892년 맨해튼에서 창간된 ''보그''(Vogue)는 수많은 패션 잡지 중 가장 오래 지속되고 가장 성공적인 잡지이다. 제2차 세계 대전 이후 증가한 부유함과, 무엇보다도 1960년대 저렴한 컬러 인쇄의 등장은 판매량을 크게 증가시켰고 주류 여성 잡지에서 패션을 집중적으로 다루게 되었으며, 이는 1990년대 남성 잡지에도 이어졌다. ''보그''의 인기의 한 예로, "예산이 부족한 패셔니스타"를 대상으로 하는 의류와 트렌드를 다루는 더 어린 버전인 ''틴 보그(Teen Vogue)''가 있다. 오뜨 꾸뛰르 디자이너들은 잡지에 대대적으로 광고되는 프레타포르테와 향수 라인을 시작함으로써 이러한 추세를 따랐고, 이제는 원래의 꾸뛰르 사업보다 훨씬 커졌다. 패션 인쇄 매체 내 최근 발전은 패션이 피상적이지 않다는 것을 증명하기 위해 패션 학계와 업계 간의 대화를 창출하는 것을 목표로 하는 텍스트 기반 및 비평 잡지의 부상이다. 이러한 발전의 예로는 ''패션 이론''(1997), ''패션 실무: 디자인, 창작 과정 및 패션 산업 저널''(2008), 그리고 ''베스토이(Vestoj)''(2009)가 있다.

은 패션의 중요한 부분이다. 편집자의 비평과 해설이 잡지, 신문, 텔레비전, 패션 사이트, SNS, 패션 블로그 등에서 이루어지고 있다. 또한, 블로그 등을 통해 대중에게 영향력을 미치는 블로거를 인플루언서라고 부른다.

20세기 초부터 패션 잡지는 사진과 삽화를 넣기 시작하면서 이전보다 더 강한 영향력을 갖게 되었다. 전 세계 도시에서 이러한 잡지는 큰 인기를 얻었고, 일반인의 취향에 깊은 영향을 미쳤다. 최신 패션과 미용의 변화를 전달하는 출판물을 위해 재능 있는 삽화가들이 세련된 패션화를 그렸다. 이러한 잡지 중 가장 유명한 것은 아마도, 이 1912년에 창간하고, 전시 중을 제외하고 1925년까지 정기적으로 간행된 『가제트 뒤 봉 톤/La Gazette du bon ton^프랑스어』(『우아한 잡지』)일 것이다.^[192]

1892년 미국에서 창간된 『보그』는 나타났다가 사라진 수많은 패션 잡지 중에서 가장 오래 지속되고 가장 성공한 것 중 하나이다.^[193] 제2차 세계 대전 종전 후의 경제적 번영과, 무엇보다도 1960년대 저렴한 컬러 인쇄의 등장으로 보그지는 폭발적으로 부수를 늘렸고,^[194] 주류 여성 잡지에서도 패션을 크게 다루게 되었다. 1990년대에는 남성 잡지도 이에 뒤따랐다. 오뜨 꾸뛰르 디자이너는 프레타포르테와 향수를 다루기 시작함으로써 이러한 흐름에 편승했고, 이것들은 잡지에서 대대적으로 홍보되어, 현재는 본래의 의복 사업을 축소하는 결과를 초래하고 있다.

패션 편집자 섀런 맥클렐런은 이렇게 말했다――「패션계에는 텔레비전, 잡지, 블로그가 소비자에게 무엇을 입어야 하는지 명령하고 있다는 오해가 있습니다. 하지만 대부분의 트렌드는 타겟층을 조사한 후에 출시됩니다. 따라서 당신이 미디어에서 보는 것은 사람들 사이에서 인기 있는 아이디어를 조사한 결과입니다. 본질적으로 패션이란 사람들이 아이디어를 주고받는 활동입니다. 다른 예술 형식도 모두 그렇습니다.」^[195]

### 텔레비전

텔레비전 방송에서 패션을 다룬 것은 1950년대 작은 패션 코너부터 시작되었다.^[92] 1960년대와 1970년대에는 다양한 오락 프로그램에서 패션 관련 내용이 더 자주 등장했고, 1980년대에는 패션 텔레비전과 같은 전문 패션 프로그램이 나타나기 시작했다.^[92] 패션TV(FashionTV)는 이 분야의 선구자였으며, 그 이후로 패션 텔레비전과 새로운 미디어 채널 모두에서 선두주자로 성장했다.^[92]

패션 업계는 리얼리티 쇼인 프로젝트 런웨이(Project Runway)와 드라마 시리즈 못난이 베티(Ugly Betty)를 포함한 수많은 영화와 텔레비전 프로그램의 주제가 되어 왔다.^[94]

5. 1. 산업 구조

패션 산업은 현대의 산물이다.^[44] 19세기 중반 이전에는 대부분의 옷이 주문 제작 방식으로, 개인이나 재봉사, 재단사에 의해 수작업으로 만들어졌다. 20세기 초, 미싱과 같은 새로운 기술의 발달과 세계적 자본주의 및 공장제도의 발달, 백화점의 급증으로 옷은 표준 치수로 대량생산되고 고정 가격에 판매되기 시작했다.^[44]

패션 산업은 유럽과 미국에서 처음 발전했지만, 2015년 기준으로는 국제적이고 매우 세계화된 산업이 되었다.^[44] 의류는 한 국가에서 디자인되고 다른 국가에서 제조되어 전 세계적으로 판매되는 경우가 많다. 예를 들어, 미국의 한 패션 회사가 중국에서 천을 얻어 베트남에서 제조한 옷을 이탈리아에서 마무리하고, 다시 미국의 창고로 옮겨 국제적인 소매 판매점에 분배하기도 한다.

패션 산업은 오랫동안 미국에서 가장 큰 고용주 중 하나였으며,^[44] 21세기에도 그러하다. 하지만 생산이 해외, 특히 중국으로 이전되면서 미국의 패션 산업 고용은 상당히 감소하기 시작했다. 패션 산업 데이터는 일반적으로 국가 경제에 대해 보고되고 산업의 여러 부문별로 표현되기 때문에 세계 섬유 생산과 의류에 대한 총계를 얻기는 어렵다. 그럼에도 불구하고 의류 산업은 세계 경제 생산의 상당 부분을 차지한다.^[45]

패션 산업은 다음 네 가지 수준으로 구성된다.^[44]

# 가죽이나 털뿐만 아니라 주로 섬유와 직물 등의 가공되지 않은 원자재 생산

# 디자이너, 제조업자, 계약자 등에 의한 패션 상품 생산

# 소매영업

# 다양한 형태의 광고와 홍보

이 단계들은 여러 세분화된 분야로 나뉘지만 상호의존적이다. 이 분야들은 직물 디자인과 생산, 패션 디자인과 생산, 패션 소매업, 마케팅과 상업, 패션쇼, 그리고 매체와 마케팅으로 나뉜다. 각 분야는 이익에 맞게 운용되는 산업에서 참여를 가능하게 하는 조건하에 옷에 대한 소비자의 요구를 만족시키는 목표를 달성하는데 헌신한다.^[44]

5. 2. 패션 트렌드

패션 트렌드는 특정 시점과 장소에서 특정한 스타일이나 표현이 인기를 얻어 퍼지는 현상을 의미한다. 이는 패션 업계가 컬렉션을 출시하는 계절과는 관계없이, 스트릿 패션, 다양한 문화, 인플루언서 및 유명인 등으로부터 나타나는 덧없는 스타일로 간주된다.^[46]

패션 트렌드는 영화, 유명인, 기후, 창의적인 탐구, 혁신, 디자인, 정치, 경제, 사회 및 기술 등 여러 요인의 영향을 받는다. 패션 예측가들은 PEST 분석을 통해 이러한 요인들을 조사하여 특정 트렌드의 성장 또는 쇠퇴를 파악한다. 사람들의 마음과 인식, 의식은 끊임없이 변화하며, 유행은 사회적으로 낡은 것과 새로운 것 사이의 모순 속에서 진화하고 주변 사람들의 영향을 받아 모방이 이루어진다.^[46]

맥시멀리즘과 1980년대의 영향을 받은 2020년대 초의 활기찬 색상의 의류는 2023년 봄까지 미국, 프랑스, 중국, 한국, 우크라이나 여성들에게 다시 유행했다.^[47]^[48] 이 스타일은 "도파민 드레싱"이라고도 불리며, 허벅지가 갈라진 긴 스커트와 벨트를 매치한 맥시 드레스, 많은 양의 금과 진주 장신구, 오버사이즈 줄무늬 카디건, 조개나 꽃무늬가 있는 여러 색상의 실크 스커트, 스트랩 샌들, 다리에 대조되는 줄무늬가 있는 바지, 어그 부츠,^[49] 꽃무늬 맥시 스커트, Y2K 스타일의 플랫폼 슈즈, 두꺼운 빨간색 레인 부츠,^[50] 반짝이는 점프수트,^[51] 니트 드레스, 인조 모피 칼라가 있는 가죽 파일럿 재킷,^[52] 대담한 대조적인 세로 줄무늬가 있는 스커트, 부츠컷 다리가 있는 투피스 정장, 반짝이는 하트나 별 모양의 디테일이 있는 청바지, 두꺼운 흰색이나 검은색 샌들, 얼룩말 무늬 토트백 등이 특징이다.^[53]^[54] 크고 오버사이즈 의류는 반투명 소재로 만들어져 착용자의 어깨, 허벅지, 배꼽 등을 드러내는 컷아웃 디자인이 특징이며, 바지의 낮은 허리나 스트랩 목선이 있는 상의는 브래지어 없이 착용하도록 디자인되었다.^[55] 네온 그린, 수박 그린, 산호 분홍, 오렌지, 연어 분홍, 마젠타, 금색, 전기 파랑, 아쿠아마린, 청록색, 터키석, 로열 블루 등의 색상이 선호되었다.^[56]^[57]

2023년 영국, 프랑스, 미국에서는 빨강, 흰색, 파랑이 주요 색상이었다. 1970년대 중후반처럼 데님이나 밝은 마드라스 체크 소재의 웨스턴 셔츠가 다시 유행했으며, 정교한 자수가 들어간 대조적인 요크와 커프스가 특징인 경우도 있었다.^[58]^[59] 모카신, 장식적인 프린지가 있는 스톤워시 데님 조끼, 깔끔한 로퍼, 네이비 블루 정장과 스포츠 재킷, 2000년대 후반부터 2020년대 초까지 유행했던 스키니 진 대신 스트레이트 레그 진,^[60] 스테트슨, 대담한 빨강이나 파랑 핀스트라이프가 있는 흰색 야구 저지, 줄무늬 파란색 넥타이, 와이드 흰색 바지, 유니온잭 모티브, 플레어 진, 드라마 ''옐로스톤''에서처럼 착용하는 더스터 코트,^[61] 프레피 스타일 대학 스웨터, 레트로 블루와 화이트 스트라이프 축구 유니폼,^[62] 카우보이 부츠 스타일의 첼시 부츠, 빨강과 파랑 보트 스트라이프가 있는 투 버튼 블레이저, V넥 조끼, 흰색 소매가 있는 로열 블루 야구 점퍼, 하울러 브라더스 지레,^[63] 가슴을 드러내도록 열어 입는 셔츠와 정장,^[64] 박스형 가죽 리퍼 재킷이 인기를 끌었다.^[65]^[66]^[67]

5. 3. 사회적 영향

패션은 본질적으로 사회 현상이며, 한 사람이 혼자서는 패션을 가질 수 없다. 무언가가 패션으로 정의되려면 보급과 추종자가 필요하며, 이러한 보급은 상향식("트리클다운")에서 하향식("버블업/트리클업") 또는 문화 전반과 바이럴 밈 및 미디어를 통해("트리클어크로스") 여러 형태를 취할 수 있다.^[68] 브리트니 스피어스(Britney Spears)와 같은 유명인들은 속옷을 겉옷처럼 입는 개념을 대중화하기도 했다.

패션은 환경의 사회적, 문화적 맥락과 관련이 있다. 패션은 단순히 미적인 것으로만 여겨지지 않으며, 사람들이 전반적인 효과를 창출하고 자신의 의견과 전반적인 예술을 표현하는 수단이기도 하다.^[69]

연례 또는 계절별 패션쇼는 패션 트렌드와 디자이너의 영감을 반영한다. 비비안 웨스트우드(Vivienne Westwood)와 같은 디자이너에게 패션쇼는 정치와 시사에 대한 그녀의 목소리를 위한 플랫폼이다. 그녀의 AW15 남성복 쇼에서 심하게 멍든 얼굴을 한 모델들이 지구를 구하기 위한 임무를 띤 환경 운동가들을 연상시켰다.^[70] 또 다른 최근의 예로는 샤넬의 SS15 쇼를 위한 연출된 페미니스트 시위 행진이 있으며, 폭동을 일으키는 모델들은 "페미니스트이지만 여성스러운"과 "숙녀 먼저"와 같은 표지판을 사용하여 권한 부여의 단어를 외쳤다. 이는 샤넬이 여성의 독립을 오랫동안 옹호해 온 역사를 활용한 것으로, 창립자 코코 샤넬은 제1차 세계 대전 이후 시대에 여성의 몸을 해방시키는 선구자였으며, 당시 유행했던 제한적인 코르셋에 맞서는 실루엣을 도입했다.^[70]

맨해튼(Manhattan)에서 열리는 연례 멧 갈라(Met Gala) 행사는 패션 디자이너와 그들의 작품이 기념되는 최고의 장소이다. 소셜 미디어는 또한 패션이 가장 자주 선보이는 곳이다. 일부 인플루언서는 제품이나 의류 아이템을 홍보하기 위해 막대한 금액을 받는데, 기업은 많은 시청자가 광고를 통해 제품을 구매하기를 바란다. 인스타그램은 광고에 가장 인기 있는 플랫폼이지만 페이스북, 스냅챗, 트위터 및 기타 플랫폼도 사용된다.^[71] 뉴욕에서는 LGBT 패션 디자인 커뮤니티가 패션 트렌드를 보급하는 데 매우 중요한 역할을 하고 있으며, 드랙 유명인은 뉴욕 패션 위크(New York Fashion Week)에 깊은 영향을 미쳤다.^[72]

소비는 필요에 의해서만 이루어지는 것이 아니라, 소비자에게 상징적인 의미 또한 중요한 요소이다. 상징적 소비에 참여하는 소비자들은 자신들의 정체성을 확립하는 과정의 일환으로 다양한 물건을 수집하면서 장기간에 걸쳐 자아의식을 발전시킬 수 있으며, 사회 집단 내에서 그 상징적 의미가 공유될 때 다른 사람들에게 자신의 정체성을 전달할 수 있다. 십대의 경우, 소비는 아동기의 자아와 성인기의 자아를 구분하는 데 중요한 역할을 한다. 연구자들은 십대들의 패션 선택이 자기 표현을 위해 사용될 뿐만 아니라 비슷한 옷을 입는 다른 십대들을 인식하는 데에도 사용된다는 것을 발견했다. 의류 품목의 상징적 연관성은 개인의 성격과 관심사를 연결할 수 있으며, 음악은 패션 결정에 영향을 미치는 중요한 요소이다.^[77]

5. 4. 마케팅

소비자 집단에 따라 다양한 욕구와 요구가 존재하며, 소비자 욕구 분석 시 주요 인구통계학적 요소가 고려된다.^[73] 패션 기업들은 시장 조사를 통해 소비자 욕구를 이해하고 패션 트렌드를 예측한다.^[74] 시장 조사 방법에는 1차 조사와 2차 조사가 있다.^[75] 2차 조사는 책이나 기사 등 기존에 수집된 정보를 활용하는 것이다. 1차 조사는 설문 조사, 면접, 관찰 및/또는 포커스 그룹을 통해 데이터를 수집하는 것으로, 대규모 표본을 대상으로 고객의 쇼핑 동기를 파악하는 데 중점을 둔다.^[76]

1차 조사는 특정 패션 브랜드의 소비자에 대한 구체적인 정보를 얻을 수 있다는 장점이 있다. 설문 조사는 개방형 또는 폐쇄형 질문을 할 수 있지만, 설문 문구나 대면 상호 작용으로 인해 응답에 편향이 생길 수 있다. 포커스 그룹은 8~12명으로 구성되어 심층적인 논의가 가능하지만, 표본 크기가 작아 일반 대중의 반응을 대표하기 어렵다.^[75] 관찰은 소비자가 실제로 원하는 것을 파악하는 데 도움이 되며, 일상적인 활동을 하는 소비자를 관찰하므로 편향이 적다. 예를 들어, 거리 스타일 사진을 통해 소비자의 평소 옷차림을 관찰하고 패턴을 파악하여 트렌드 예측에 활용할 수 있다.

소비자의 욕구를 파악하면 패션 기업의 매출과 이윤을 증가시킬 수 있다. 소비자의 삶을 연구하고 조사함으로써 고객의 욕구를 파악하고, 패션 브랜드는 소비자가 원하는 트렌드를 알 수 있다.

5. 5. 정치적 영향

정치 지도자들은 적어도 프랑스 국왕 루이 14세 시대 이후로 패션 발전에 중추적인 역할을 해왔다.^[78] 예를 들어, 영부인 재클린 케네디는 1960년대 초 패션 아이콘이었다. 샤넬 수트, 구조적인 지방시 시프트 드레스, 그리고 큰 단추가 달린 부드러운 색상의 카시니 코트를 착용하며 그녀는 우아한 정장 스타일과 고전적인 여성 스타일의 트렌드를 고무시켰다.^[78]

문화적 격변 또한 패션 트렌드에 영향을 미쳤다. 1960년대 미국 경제는 호황이었고, 이혼율은 증가했으며, 정부는 피임약을 승인했다. 이러한 요인들은 젊은 세대가 뿌리 깊은 사회적 규범에 반항하도록 고무시켰다.^[79] 흑인들의 사회 정의와 동등한 기회를 위한 투쟁인 시민권 운동과 여성의 동등한 권리와 기회, 더 큰 개인의 자유를 추구하는 여성 해방 운동이 한창이었다. 1964년 다리를 드러내는 미니스커트가 등장하여 엄청난 유행이 되었다. 그러자 패션 디자이너들은 옷의 형태를 실험하기 시작했다. 헐렁한 민소매 드레스, 마이크로 미니, 플레어 스커트, 트럼펫 소매 등이었다. 형광색, 프린트 패턴, 부츠컷 청바지, 프린지 베스트, 스커트는 1960년대의 필수품이 되었다.^[79]

미국의 실패한 베트남 전쟁 개입에 대한 우려와 항의 또한 패션에 영향을 미쳤다. 적군에게 잘 보이지 않도록 돕기 위해 개발된 군복의 위장 무늬는 1960년대에 스트릿웨어 디자인에 스며들었다.^[80] 위장 무늬 트렌드는 그 이후로 여러 번 사라지고 다시 등장했으며, 1990년대에는 하이패션으로 등장했다.^[80] 발렌티노, 디올, 돌체앤가바나와 같은 디자이너들은 런웨이와 기성복 컬렉션에 위장 무늬를 결합했다. 오늘날 파스텔 색조를 포함한 위장 무늬의 변형은 모든 의류 또는 액세서리에서 인기를 누리고 있다.

5. 6. 기술적 영향

오늘날 기술은 사회에서 상당한 역할을 하고 있으며, 패션 분야에서도 그 영향력이 점점 커지고 있다. 웨어러블 기술이 통합되어 태양 전지판으로 기기를 충전하는 의류와, 환경 변화에 따라 색상이나 질감이 변하여 착용자의 편안함을 향상시키는 스마트 패브릭 등이 등장했다.^[81] 3D 프린팅 기술은 이리스 반 헤르펜과 킴벌리 오비츠와 같은 디자이너들에게 영향을 미쳤다. 기술 발전으로 3D 프린터는 디자이너들과 소비자들에게 더욱 접근 가능해질 것이며, 이는 잠재적으로 패션 산업의 디자인과 생산 방식을 완전히 바꿀 수 있다.

온라인 소매업체와 소셜 미디어 플랫폼의 광범위한 도달 범위를 가능하게 하는 인터넷 기술은 이전에는 상상할 수 없었던 방식으로 트렌드를 식별하고, 마케팅하고, 즉시 판매할 수 있도록 만들었다.^[82] 인스타그램이나 페이스북 게시물은 패션 트렌드에 대한 인지도를 빠르게 높여 특정 아이템이나 브랜드에 대한 높은 수요를 창출하며,^[83] 새로운 "바로 구매" 기술은 이러한 스타일을 직접 판매와 연결한다.

머신 비전 기술은 패션이 사회에 어떻게 퍼져나가는지 추적하기 위해 개발되었다. 이제 패션쇼가 스트릿 팃(street-chic) 의상에 어떤 영향을 미치는지 직접적인 상관관계를 볼 수 있다. 이러한 효과는 정량화될 수 있으며, 트렌드에 관한 귀중한 피드백을 패션 하우스, 디자이너, 소비자에게 제공한다.^[84]

5. 7. 환경적 영향

패션 산업은 환경에 상당한 영향을 미치는 것으로 알려져 있다.

5. 8. 미디어

소셜 미디어 플랫폼을 포함한 미디어는 패션 트렌드를 형성하고 트렌드의 채택과 폐기의 빠른 순환을 만드는 데 중요한 역할을 한다.^[85] 예를 들어, 패션의 중요한 부분은 패션 저널리즘이다. 편집 비평, 지침 및 논평은 텔레비전, 잡지, 신문, 패션 웹사이트, 소셜 네트워크 및 패션 블로그에서 찾아볼 수 있다. 최근 몇 년 동안 패션 블로그와 유튜브 동영상은 트렌드와 패션 팁을 전파하는 주요 통로가 되어 웹사이트나 소셜 미디어 계정(예: 인스타그램, 틱톡 또는 트위터)에서 자신의 스타일을 공유하는 온라인 문화를 만들었다. 이러한 미디어 매체를 통해 전 세계의 독자와 시청자는 패션에 대해 배우고 접근성을 높일 수 있다.^[86] 패션 저널리즘 외에도 패션 산업에서 중요한 또 다른 미디어 플랫폼은 광고이다. 광고는 대중에게 정보를 제공하고 제품 및 서비스의 판매를 촉진한다. 패션 산업은 광고를 사용하여 소비자를 유치하고 제품을 홍보하여 판매를 창출한다. 몇십 년 전 기술이 아직 발전되지 않았을 때 광고는 라디오, 잡지, 광고판 및 신문에 크게 의존했다.^[87] 요즘에는 텔레비전 광고, 인터넷 웹사이트를 사용하는 온라인 기반 광고, 소셜 미디어 플랫폼의 게시물, 동영상 및 라이브 스트리밍과 같이 다양한 광고 방법이 있다.

은 패션의 중요한 부분이다. 편집자의 비평과 해설이 잡지, 신문, 텔레비전, 패션 사이트, SNS, 패션 블로그 등에서 이루어지고 있다. 또한, 블로그 등을 통해 대중에게 영향력을 미치는 블로거를 인플루언서라고 부른다.

20세기 초부터 패션 잡지는 사진과 삽화를 넣기 시작하면서 이전보다 더 강한 영향력을 갖게 되었다. 전 세계 도시에서 이러한 잡지는 큰 인기를 얻었고, 일반인의 취향에 깊은 영향을 미쳤다. 최신 패션과 미용의 변화를 전달하는 출판물을 위해 재능 있는 삽화가들이 세련된 패션화를 그렸다. 이러한 잡지 중 가장 유명한 것은 아마도, 이 1912년에 창간하고, 전시 중을 제외하고 1925년까지 정기적으로 간행된 『』(『우아한 잡지』)일 것이다.^[192]

1892년 미국에서 창간된 『보그』는 나타났다가 사라진 수많은 패션 잡지 중에서 가장 오래 지속되고 가장 성공한 것 중 하나이다.^[193] 제2차 세계 대전 종전 후의 경제적 번영과, 무엇보다도 1960년대 저렴한 컬러 인쇄의 등장으로 보그지는 폭발적으로 부수를 늘렸고,^[194] 주류 여성 잡지에서도 패션을 크게 다루게 되었다. 1990년대에는 남성 잡지도 이에 뒤따랐다. 오뜨 꾸뛰르 디자이너는 프레타포르테와 향수를 다루기 시작함으로써 이러한 흐름에 편승했고, 이것들은 잡지에서 대대적으로 홍보되어, 현재는 본래의 의복 사업을 축소하는 결과를 초래하고 있다.

텔레비전에서는 1950년대에 패션의 소특집이 편성되기 시작했다. 1960~70년대에는 다양한 오락 프로그램에서 패션 코너가 더 자주 방영되기 시작했고, 1980년대에는 , 패션 커뮤니케이션과 같은 패션 전문 프로그램도 등장했다. 텔레비전이나 최근의 패션 블로그 등 인터넷을 통한 노출 증가에도 불구하고, 패션 산업의 관점에서는 출판물을 통한 노출이 가장 중요한 광고 형태로 남아 있다.

패션 편집자 섀런 맥클렐런은 이렇게 말했다――「패션계에는 텔레비전, 잡지, 블로그가 소비자에게 무엇을 입어야 하는지 명령하고 있다는 오해가 있습니다. 하지만 대부분의 트렌드는 타겟층을 조사한 후에 출시됩니다. 따라서 당신이 미디어에서 보는 것은 사람들 사이에서 인기 있는 아이디어를 조사한 결과입니다. 본질적으로 패션이란 사람들이 아이디어를 주고받는 활동입니다. 다른 예술 형식도 모두 그렇습니다.」^[195]

5. 8. 1. 인쇄 매체

1921년 세인트루이스 포스트-디스패치(St. Louis Post-Dispatch)의 기사와 마거릿 마틴(Marguerite Martyn)의 그림이 실린 이 기사는 유행하는 무도회에 참석한 상류층 여성들에게 집중적으로 보도된 신문 보도를 보여준다.

인쇄 매체 스타일에는 편집 스타일과 라이프스타일 스타일 두 가지 하위 집합이 있다. 편집 스타일은 패션 잡지에서 볼 수 있는 하이패션 스타일이며, 예술적이고 앞서가는 경향이 있다. 라이프스타일 스타일은 백화점 광고, 웹사이트 또는 패션이 판매되는 것이 아닌 모델이 사진 속 제품을 홍보하기 위해 고용되는 광고와 같이 더욱 공개적으로 상업적인 목표에 초점을 맞춘다.^[88]

20세기 초, 패션 잡지는 다양한 패션 디자인 사진을 포함하기 시작했고 과거보다 더 큰 영향력을 갖게 되었다.^[90] 전 세계 도시에서 이러한 잡지는 매우 인기가 많았고 의류에 대한 대중의 취향에 큰 영향을 미쳤다. 재능 있는 삽화가들은 패션과 미용의 최신 동향을 다룬 출판물을 위해 정교한 패션 플레이트를 그렸다. 아마도 가장 유명한 잡지 중 하나는 루시앵 보겔(Lucien Vogel^프랑스어)이 1912년에 창간하여 1925년까지 정기적으로 발행된 (전쟁 기간을 제외하고) 라 가제트 뒤 봉 톤(La Gazette du Bon Ton)일 것이다.^[91]

1892년 맨해튼에서 창간된 ''보그''(Vogue)는 수많은 패션 잡지 중 가장 오래 지속되고 가장 성공적인 잡지이다. 제2차 세계 대전 이후 증가한 부유함과, 무엇보다도 1960년대 저렴한 컬러 인쇄의 등장은 판매량을 크게 증가시켰고 주류 여성 잡지에서 패션을 집중적으로 다루게 되었으며, 이는 1990년대 남성 잡지에도 이어졌다. ''보그''의 인기의 한 예로, "예산이 부족한 패셔니스타"를 대상으로 하는 의류와 트렌드를 다루는 더 어린 버전인 ''틴 보그(Teen Vogue)''가 있다. 오뜨 꾸뛰르 디자이너들은 잡지에 대대적으로 광고되는 프레타포르테와 향수 라인을 시작함으로써 이러한 추세를 따랐고, 이제는 원래의 꾸뛰르 사업보다 훨씬 커졌다. 패션 인쇄 매체 내 최근 발전은 패션이 피상적이지 않다는 것을 증명하기 위해 패션 학계와 업계 간의 대화를 창출하는 것을 목표로 하는 텍스트 기반 및 비평 잡지의 부상이다. 이러한 발전의 예로는 ''패션 이론''(1997), ''패션 실무: 디자인, 창작 과정 및 패션 산업 저널''(2008), 그리고 ''베스토이(Vestoj)''(2009)가 있다.

은 패션의 중요한 부분이다. 편집자의 비평과 해설이 잡지, 신문, 텔레비전, 패션 사이트, SNS, 패션 블로그 등에서 이루어지고 있다. 또한, 블로그 등을 통해 대중에게 영향력을 미치는 블로거를 인플루언서라고 부른다.

20세기 초부터 패션 잡지는 사진과 삽화를 넣기 시작하면서 이전보다 더 강한 영향력을 갖게 되었다. 전 세계 도시에서 이러한 잡지는 큰 인기를 얻었고, 일반인의 취향에 깊은 영향을 미쳤다. 최신 패션과 미용의 변화를 전달하는 출판물을 위해 재능 있는 삽화가들이 세련된 패션화를 그렸다. 이러한 잡지 중 가장 유명한 것은 아마도, 이 1912년에 창간하고, 전시 중을 제외하고 1925년까지 정기적으로 간행된 『』(『우아한 잡지』)일 것이다.^[192]

1892년 미국에서 창간된 『보그』는 나타났다가 사라진 수많은 패션 잡지 중에서 가장 오래 지속되고 가장 성공한 것 중 하나이다.^[193] 제2차 세계 대전 종전 후의 경제적 번영과, 무엇보다도 1960년대 저렴한 컬러 인쇄의 등장으로 보그지는 폭발적으로 부수를 늘렸고,^[194] 주류 여성 잡지에서도 패션을 크게 다루게 되었다. 1990년대에는 남성 잡지도 이에 뒤따랐다. 오뜨 꾸뛰르 디자이너는 프레타포르테와 향수를 다루기 시작함으로써 이러한 흐름에 편승했고, 이것들은 잡지에서 대대적으로 홍보되어, 현재는 본래의 의복 사업을 축소하는 결과를 초래하고 있다.

패션 편집자 섀런 맥클렐런은 이렇게 말했다――「패션계에는 텔레비전, 잡지, 블로그가 소비자에게 무엇을 입어야 하는지 명령하고 있다는 오해가 있습니다. 하지만 대부분의 트렌드는 타겟층을 조사한 후에 출시됩니다. 따라서 당신이 미디어에서 보는 것은 사람들 사이에서 인기 있는 아이디어를 조사한 결과입니다. 본질적으로 패션이란 사람들이 아이디어를 주고받는 활동입니다. 다른 예술 형식도 모두 그렇습니다.」^[195]

5. 8. 2. 텔레비전

텔레비전 방송에서 패션을 다룬 것은 1950년대 작은 패션 코너부터 시작되었다.^[92] 1960년대와 1970년대에는 다양한 오락 프로그램에서 패션 관련 내용이 더 자주 등장했고, 1980년대에는 패션 텔레비전과 같은 전문 패션 프로그램이 나타나기 시작했다.^[92] 패션TV(FashionTV)는 이 분야의 선구자였으며, 그 이후로 패션 텔레비전과 새로운 미디어 채널 모두에서 선두주자로 성장했다.^[92]

패션 업계는 리얼리티 쇼인 프로젝트 런웨이(Project Runway)와 드라마 시리즈 못난이 베티(Ugly Betty)를 포함한 수많은 영화와 텔레비전 프로그램의 주제가 되어 왔다.^[94]

5. 9. 논란이 되는 광고

5. 9. 1. 인종차별

일부 패션 광고는 인종차별 논란을 일으켜 소비자들의 불매 운동으로 이어졌다. 세계적으로 유명한 스웨덴 패션 브랜드 H&M(에이치앤엠)은 2018년 아동복 광고에서 이러한 문제를 겪었다. "정글에서 가장 멋진 원숭이"라는 문구가 적힌 후드티를 입은 흑인 아이가 광고에 등장했는데, "원숭이"는 흔히 흑인을 향한 인종차별적 욕설로 사용되기 때문에 즉각 논란이 되었다.^[95] 많은 소비자들이 브랜드 불매 운동을 벌였고, 유명인들을 포함한 많은 사람들이 소셜 미디어를 통해 H&M에 대한 분노를 표출하고 해당 브랜드 제품을 구매하지 않겠다고 밝혔다. H&M은 "이 광고로 인해 기분이 상한 분들에게 사과드립니다"라는 성명을 발표했지만, 이 또한 진정성이 부족하다는 비판을 받았다.^[95]

또 다른 인종차별적인 것으로 여겨진 패션 광고는 미국의 세계적인 의류 브랜드 갭(Gap Inc.)의 광고였다. 갭은 2016년 엘렌 드제너러스와 협업하여 광고를 제작했는데, 키가 큰 백인 소녀가 키가 작은 흑인 소녀의 머리에 팔을 얹고 있는 네 명의 어린 소녀들이 장난스럽게 나란히 서 있는 모습이 담겨 있었다. 광고가 공개되자 일부 시청자들은 이 광고가 숨겨진 수동적 인종차별을 보여준다고 강하게 비판했다. ''더 루트(The Root (magazine))''의 한 대표는 이 광고가 흑인들은 가치가 낮게 평가되고 백인들이 더 돋보이게 하기 위한 소품으로 여겨진다는 메시지를 전달한다고 언급했다.^[96] 반면, 일부는 광고에 큰 문제가 없으며 논란은 사람들이 지나치게 민감하기 때문이라고 주장했다. 갭은 광고 속 이미지를 교체하고 비판자들에게 사과했다.^[97]

5. 9. 2. 성차별

많은 패션 브랜드들이 고객의 관심을 끌기 위해 선정적이고 성적인 광고를 게재해 왔다. 영국의 하이 패션 브랜드 지미 추(Jimmy Choo)는 브랜드 부츠를 신은 영국 여성 모델을 등장시킨 광고에 성차별이 있다는 비난을 받았다. 2분짜리 이 광고에서 한 여성 모델은 빨간색 민소매 미니 드레스를 입고 거리를 걷다가 남성들에게 휘파람을 듣는 장면이 나온다. 이 광고는 성희롱 및 기타 부적절한 행위를 조장하는 것으로 여겨져 시청자들로부터 많은 비판과 비난을 받았다.^[98] 많은 사람들이 소셜 미디어 게시물을 통해 불만을 표출했고, 결국 지미 추는 소셜 미디어 플랫폼에서 해당 광고를 삭제했다.^[98]

프랑스 럭셔리 패션 브랜드 이브 생 로랑(Yves Saint Laurent)도 2017년 파리에서 공개된 인쇄 광고로 인해 이와 유사한 문제에 직면했다. 해당 광고는 피쉬넷 스타킹과 롤러 스케이트 힐을 신은 여성 모델이 카메라 앞에서 다리를 벌리고 누워 있는 모습을 담았다. 이 광고는 "품위와 존엄성에 대한 존중, 복종, 폭력 또는 의존성을 금지하고 고정관념을 사용하는 것을 금지하는" 광고 규정을 위반했다는 이유로 시청자와 프랑스 광고 기관 관계자들로부터 강한 비판을 받았으며, "청소년에게 정신적 피해를 준다"는 지적도 받았다.^[99] 부정적인 여론 때문에 해당 포스터는 도시에서 철거되었다.

6. 홍보 및 소셜 미디어

패션 홍보는 기업의 고객들과 소통하고 강력한 관계를 구축하며, 미디어에 다가가고 기업의 긍정적인 이미지를 보여주는 메시지를 전달하는 것을 포함한다.^[100] 소셜 미디어는 현대 패션 홍보에서 중요한 역할을 하는데, 실무자들이 다양한 플랫폼을 통해 광범위한 소비자들에게 다가갈 수 있게 해주기 때문이다.^[101]

브랜드 인지도와 신뢰도를 구축하는 것은 효과적인 홍보의 핵심이다. 경우에 따라 실무자들이 만들어낸 막대한 노출 때문에 새로운 디자이너의 컬렉션이 시장에 출시되기 전에 과대 광고가 만들어지기도 한다.^[102] 블로그, 마이크로블로그, 팟캐스트, 사진 및 비디오 공유 사이트와 같은 소셜 미디어는 패션 홍보에서 점점 더 중요해지고 있다.^[103] 이러한 플랫폼의 상호 작용적인 특성을 통해 실무자는 대중과 실시간으로 소통하고, 고객의 브랜드 또는 캠페인 메시지를 표적 고객에게 맞출 수 있다. 인스타그램, 텀블러, 워드프레스, 스퀘어스페이스와 같은 블로그 플랫폼과 기타 공유 사이트를 통해 블로거들은 전문적인 패션 평론가로 등장하여 브랜드를 형성하고 '유행'에 큰 영향을 미치고 있다.^[104] 스웨티 베티 PR 설립자 록시 자센코(Roxy Jacenko)와 오스카 드 라 렌타의 홍보 담당 에리카 비어먼과 같은 패션 홍보 업계의 여성들은 자신이 일하는 회사의 브랜드 정체성과 비하인드 스토리를 제공함으로써 소셜 미디어 사이트에서 수많은 팔로워를 확보했다.

소셜 미디어는 실무자들이 메시지를 전달하는 방식을 변화시키고 있으며,^[31] 그들은 미디어와 고객 관계 구축에 모두 관심을 기울인다.^[105] 홍보 담당자는 온라인 쇼핑을 통해 사회적으로 연결된 업계에서 패션 대중과 소통하기 위해 모든 플랫폼 간의 효과적인 커뮤니케이션을 제공해야 한다.^[106] 소비자는 (페이스북, 트위터, 인스타그램 등) 개인 소셜 미디어 페이지에 구매 내용을 공유할 수 있으며, 실무자가 브랜드 메시지를 효과적으로 전달하고 대중의 요구를 충족하면 입소문 홍보가 생성되어 디자이너와 그들의 제품에 대한 광범위한 도달 범위를 제공할 수 있다.

멕시코 스포츠 기자 이네스 사인즈(Inés Sainz)가 미니 블랙 드레스와 니하이 부츠를 착용한 모습

7. 패션과 정치적 행동주의

존 F. 케네디 대통령의 부인인 재클린 케네디는 핑크색을 인기 있는 하이패션 색상으로 만들었다.

패션은 사람들과 관련이 있으며 사회적 계층을 나타내므로 정치와 사회의 사회적 조직과 밀접하게 연관되어 있다.^[107]^[108]^[109]^[110] 오뜨 꾸뛰르와 정장은 권력 있는 사람들과 관련이 있지만, 정치 질서에 도전하려는 집단도 자신의 입장을 알리기 위해 의복을 사용한다. 패션을 행동주의의 한 형태로 명시적으로 사용하는 것을 일반적으로 "패션 행동주의"라고 한다.

패션과 페미니즘 사이에는 복잡한 관계가 있다. 일부 페미니스트들은 여성들이 여성스러운 패션에 참여함으로써 여성 억압의 일부인 성차별을 유지하는 데 기여한다고 주장했다.^[107] 다른 사람들은 여성들이 유행을 따라 계절적으로 옷을 갈아입도록 요구하는 패션 시스템 자체가 억압적이라고 믿는다.^[108] 1960년대 많은 시위는 사회주의, 인종 및 환경적 이유와 함께 이러한 계절 패션의 거부로 이어졌다.^[110] 그러나 시위 패션과 패션 창조 사이의 관계는 시위에서 사용된 언어와 스타일이 패션 자체의 일부가 되었기 때문에 역동적이다.^[110]

패션 디자이너와 브랜드는 전통적으로 정치적 갈등에서 자신을 벗어나 있었지만, 업계에서는 정치적 스펙트럼 전반에 걸쳐 더 명확한 입장을 취하는 움직임이 있었다.^[111] 2016년 미국 대통령 선거 전후 몇 달 동안 미국의 정치적 분위기를 고려하여 2017년 런던 패션 위크, 밀라노 패션 위크, 뉴욕 패션 위크, 파리 패션 위크, 상파울루 패션 위크 등 여러 패션 위크에서 많은 디자이너들이 자신의 플랫폼과 영향력을 활용하여 정치적 입장을 취했다.^[112]^[113]

명시적인 정치적 입장을 취할 때 디자이너들은 일반적으로 덕이 있는 뉘앙스를 가진 명확한 언어로 식별할 수 있는 문제를 선호한다. 예를 들어, 디자이너 마라 호프만은 ''워싱턴 여성 행진'' 창립자들을 초대하여 "현대 전사를 위한 옷"이라고 묘사된 쇼를 열었다.^[114] 프라발 구룽은 "미래는 여성이다"와 같은 슬로건이 새겨진 티셔츠 컬렉션을 선보였으며, 수익금은 미국 시민 자유 연맹(ACLU), 계획된 부모(Planned Parenthood) 및 구룽의 자선 단체에 기부되었다.^[111] ''The Business of Fashion''은 소셜 미디어에서 ''#TiedTogether'' 운동을 시작하여 업계 관계자들이 "단결, 연대 및 포용성"을 옹호하는 흰색 반다나를 착용하도록 장려했다.^[115]

패션은 건강한 행동을 장려하거나,^[116] 암 치료를 위한 기금을 모으는^[117] 등 특정 목적을 홍보하는 데 사용될 수 있다.^[118] 한 가지 패션 운동은 쓰레기를 사용하여 옷, 보석 및 기타 패션 아이템을 만들어 오염에 대한 인식을 높이는 트래시온이다. 마리나 드 브리스와 같은 많은 현대 트래시온 아티스트가 있다.^[121] 다른 디자이너들은 펑크 운동의 전통에 따라 DIY 패션을 사용하여 업계의 엘리트주의를 다루고 더 많은 포용성과 다양성을 홍보했다.^[123]

8. 인류학적 관점

학문적인 관점에서 다양한 패션의 착용은 패션 언어의 한 형태, 즉 패션 문법을 사용하여 다양한 패션 성명을 만들어내는 의사소통 방식으로 여겨져 왔다.^[124] 이는 프랑스의 철학자이자 기호학자인 롤랑 바르트의 저서에서 제시된 관점이다.

인류학은 문화와 인간 사회에 대한 연구로, 특정 스타일이 사회적으로 적절하다고 여겨지는 이유와 다른 스타일은 그렇지 않은 이유를 질문함으로써 패션을 조사한다. 상호작용론 이론에 따르면, 특정 관행이나 표현은 공동체의 권력자들에 의해 선택되며, 그것은 권력자들의 영향을 받는 사람들에 의해 특정 시점에 정의된 "유행"이 된다. 특정 스타일이 이미 존재하는 신념들의 집합에서 의미를 갖는다면, 그 스타일은 유행이 될 가능성이 더 클 것이다.^[125]

2018년 카를라 페르난데스(Carla Fernández)와 페드로 레이예스가 Taller Flora를 위해 디자인한 아메리카 원주민 지도 튜닉

문화 이론가 테드 폴헤머스와 린 프로크터에 따르면, 패션을 장식으로 묘사할 수 있으며, 그에는 패션과 반패션의 두 가지 유형이 있다. 의류, 액세서리, 신발 등의 자본화와 상품화를 통해, 한때 반패션을 구성했던 것이 패션의 일부가 되고 패션과 반패션의 경계가 모호해짐에 따라, 한때 패션의 변화 밖에 있었던 표현들이 새로운 의미를 나타내는 트렌드와 함께 휩쓸려 간다.^[126]

문화 이론가 말콤 버나드에 따르면, 패션과 반패션은 극과 극으로 다르다. 반패션은 고정되어 있으며 시간이 지남에 따라 거의 변하지 않는다.^[127] 이는 개인이 속한 문화적 또는 사회적 집단이나 거주 지역에 따라 다르지만, 그 집단이나 지역 내에서는 스타일이 거의 변하지 않는다. 반면 패션은 매우 빠르게 변화(진화)할 수 있으며,^[128] 특정 집단이나 지역에 국한되지 않고 사람들이 서로 쉽게 소통할 수 있는 곳이면 어디든 전 세계로 퍼져 나간다. 반패션의 예로는 특정 의복과 디자인이 충실하게 재현되고 전통의 현상 유지를 목적으로 하는 의례용 또는 전통 의복이 있다.

반패션은 현상 유지를 중시하는 반면, 패션은 사회적 이동성을 중시한다. 시간은 반패션에서는 연속성으로, 패션에서는 변화로 표현된다. 패션은 변화하는 장식 방식을 가지고 있는 반면, 반패션은 고정된 장식 방식을 가지고 있다.

이러한 이론적 관점에서 패션의 변화는 더 큰 산업 시스템의 일부이며, 이 시스템의 강력한 행위자들에 의해 스타일의 의도적인 변화가 되도록 구조화되어 있으며, 산업의 영향을 받는 채널(예: 유료 광고)을 통해 홍보된다.^[129]

9. 지적 재산권

패션 산업에서 지적재산권은 영화 산업이나 음악 산업만큼 엄격하게 시행되지 않는다.^[130] 다른 사람들의 디자인에서 "영감을 받는다"는 행위는 패션 산업이 의류 유행을 만들어내는 능력에 기여하고 있다. 새로운 유행을 만들어 소비자로 하여금 옷을 사도록 유도하는 것은 이 산업의 성공의 핵심 요소이다. 유행을 만들어내는 과정을 방해하는 지적재산권은 이러한 관점에서 비생산적인 것이 된다.^[130] 반면에, 새로운 아이디어나 독창적인 디자인, 디자인 디테일 등을 대기업이 공공연하게 표절하는 것은 많은 소규모 독립 디자인 회사를 파산으로 몰아넣는 원인이라고 자주 논의된다.^[130]

짝퉁은 품질이 떨어진다는 점에서 구별 가능하기 때문에 여전히 명품에 대한 수요가 있으며, 상표 또는 로고만 저작권으로 보호받을 수 있기 때문에 많은 패션 브랜드는 이를 의류 또는 액세서리에서 가장 눈에 띄는 부분 중 하나로 만든다. 특히 핸드백의 경우 디자이너의 브랜드가 가방을 만드는 데 사용되는 직물(또는 안감 직물)에 짜여져 브랜드가 가방의 본질적인 요소가 된다.

디자인성이 높은 패션 아이템을 저렴하게 구입할 수 있는 것은 소비자에게는 바람직해 보이지만, 트렌드 발신자인 디자이너에게 충분한 보상이 돌아가지 않아 결과적으로 패션 산업이 쇠퇴할 우려가 있다. 뉴욕주에서는 미국 패션 디자이너 협의회 등이 패스트패션 기업의 행위를 막고 디자인 보호가 인정되도록 주 정부에 압력을 가하고 있다. 현재 패션 산업에서 법과 패션의 연관성이 높아지고 있다.^[196]

2005년 세계지식재산권기구(WIPO)는 회의를 열고 중소기업을 보호하고 섬유·의류 산업 내 경쟁을 촉진하기 위해 패션 산업에서 지적재산권의 보다 엄격한 시행을 요구했다.^[197]^[198]^[199]^[131]^[132]

10. 대한민국의 패션 관련 주요 상 및 콩쿠르

대한민국에서는 다음과 같은 패션 관련 주요 상 및 콩쿠르가 있다.

패션대상(신인 디자이너 패션대상): 온워드가시야마 주식회사가 1984년부터 2003년까지 주최했다. 2004년부터는 재단법인 일본패션협회가 주최하고 있다. 2006년부터는 유한책임중간법인 일본패션위크추진기구 신인디자이너패션대상 실행위원회가 주최하고 있다.
패션고시엔(전국고등학교패션디자인선수권대회): 패션고시엔 실행위원회가 2001년부터 주최하고 있다.
기모노 작품 콘테스트: 사단법인 일본화재사회가 1990년부터 주최하고 있으며, 고등학생 이상의 학생을 대상으로 한다.
패션 크리에이터 신인상 국제콩쿠르: 재단법인 일본패션교육진흥협회가 2006년부터 주최하고 있다.
마이니치 패션대상: 주식회사 마이니치신문사가 1983년부터 주최하고 있다.
베스트 드레서상: 사단법인 일본멘즈패션협회가 1972년부터 주최하고 있다.
베스트 진스토어 어워드: 일본진스협의회가 1984년부터 주최하고 있다.

참조

_[1] 보고서 Fixing fashion: clothing consumption and sustainability https://publications[...] UK Parliament 2019-02-19
_[2] 서적 Fashion & sustainability: design for change Laurence King Pub 2012
_[3] 서적 Fashion in Medieval France D.S. Brewer
_[4] 서적 Fashion and Cultural Studies Berg
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