근대 무용
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1. 개요
근대 무용은 20세기 초 발레의 쇠퇴와 사회 변화를 배경으로 등장한 새로운 무용 예술이다. 고전 발레의 기교와 형식에 대한 반발로 시작되었으며, 자유로운 표현과 개인의 개성을 중시하는 부정형 기법을 특징으로 한다. 근대 무용은 이사도라 덩컨과 같은 선구자들을 통해 시작되었으며, 미국과 독일에서 각각 독자적인 방식으로 발전했다. 미국은 발레를 포용하는 절충주의적 경향을 보였고, 독일은 표현주의 무용을 통해 내면의 감정을 강조했다. 근대 무용은 다양한 기법과 스타일을 포괄하며, 아프리카계 미국인의 기여를 통해 더욱 풍성해졌다. 현대 무용, 컨템퍼러리 댄스, 포스트모던 무용으로 이어지며 20세기 공연 무용의 중요한 유산으로 자리 잡았다.
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| 근대 무용 | |
|---|---|
| 현대 무용 개요 | |
 | |
| 다른 이름 | 현대 무용 |
| 스타일 기원 | 20세기 초 미국 독일 |
| 문화적 기원 | 발레에 대한 반발 빅토리아 시대의 코르셋에 대한 반발 |
| 일반적인 특징 | 지면에 더 가까운 움직임 체중의 사용 유연성 개인적인 표현 비전통적인 의상 비발레 움직임 어휘 |
| 파생 형태 | 컨템포러리 댄스 재즈 댄스 포스트모던 댄스 |
| 관련 형태 | 발레 즉흥 무용 포크 댄스 세계 무용 |
| 역사적 배경 | |
| 기원 | 19세기 후반 ~ 20세기 초 |
| 주요 선구자 | 이사도라 던컨 로이 풀러 루스 세인트 데니스 테드 숀 |
| 주요 인물 | |
| 창시자 | 이사도라 던컨 로이 풀러 루스 세인트 데니스 테드 숀 |
| 기타 주요 인물 | 마사 그레이엄 도리스 험프리 찰스 와이드먼 레스터 호턴 펄 프리머스 탈리 비티 에릭 호킨스 안나 소콜로프 폴 테일러 엘레오노어 킹 |
| 기법 | |
| 주요 기법 | 그레이엄 기법 호턴 기법 험프리-와이드먼 기법 릴리즈 기법 |
2. 근대 무용의 성립과 배경
무용(舞踊,댄스)의 역사는 오래되었으나, 근대 무용은 그 역사가 짧다. 왜냐하면 그것은 20세기의 소산이기 때문이다. 19세기 말까지 유럽의 무용을 주도했던 것은 발레였다. 그때까지의 발레는 다만 하나의 무용예술이었던 것이다. 그러나 그 발레는 파리를 중심으로 19세기 전반의 로맨틱 발레 전성시대를 절정으로 하여, 이윽고 매너리즘에 빠져 차차 쇠퇴하기 시작했다. 그리하여 이를 대신해서 러시아가 주도권을 장악하게 되어 고전 발레를 완성시켰으나 그 고전 발레가 고도화함과 동시에 기교의 편중을 초래하고 무용의 참된 예술성은 상실되는 듯한 느낌이 있었다. 거기에 무용의 커다란 전기(轉機)가 필요해졌음은 당연한 귀추였다.
더구나 20세기는 모든 의미에서, 즉 사상적으로는 인간해방, 예술적으로는 창조의 시대로 돌입했다. 이렇게 되자 인간성을 억압했던 기교의 편중, 일정한 형(型)에 사로잡혀 어쩔 수 없게 된 발레에 대해 욕구불만이 일어나는 것은 당연했다. 그 국면을 타파하는 운동이 발레계 자체에 일어나 디아길레프의 화려한 발레 뤼스(Ballet Russe)의 활약이 있었음은 이미 상술한대로이다. 그러나 한편에서는 이미 발레의 낡은 구각에서 탈피하여 그것과는 전혀 새로운 입장에서 참된 무용정신을 회복하고 독자적인 무용예술을 확립하려는 운동이 20세기에 일어났다. 그것이 곧 근대 무용이다.
근대 무용은 종종 고전 발레에 대한 거부 또는 반항으로 간주되지만, 역사가들은 미국과 유럽 모두의 사회 경제적 변화가 무용계의 변화를 시작하는 데 기여했다고 주장한다. 미국에서는 산업화의 증가, 중산층의 부상(더 많은 가처분 소득과 여가 시간을 갖게 됨), 그리고 빅토리아 시대 사회 규범의 쇠퇴가 다른 변화와 함께 건강과 신체적 건강에 대한 새로운 관심을 이끌었다.[6] "이러한 분위기 속에서 '새로운 무용'은 발레에 대한 불만족만큼이나 사회 구조에 대한 거부에서 비롯되어 나타났다."[7] 같은 기간 동안, "체육 옹호자들은 근대 무용의 길을 닦았고, 체조 운동은 춤을 추고 싶어하는 젊은 여성들에게 기술적인 출발점을 제공했다."[8] 여자 대학교들은 1880년대 말에 "미학적 무용" 강좌를 제공하기 시작했다.[9] 당시 이 새로운 예술 형태에 대해 장문의 글을 쓴 에밀 라스는 다음과 같이 말했다.
"음악과 리듬감 있는 신체 움직임은 예술의 쌍둥이 자매이며, 동시에 존재하게 되었다... 오늘날 우리는 이사도라 덩컨, 모드 앨런 등의 예술 작품에서 음악가가 그의 작곡에서 표현하는 것을 움직임으로 묘사하려는 춤의 형태, 즉 해석 무용의 사용을 볼 수 있다."[10]
이사도라 던컨(1877년 출생)은 근대 무용의 선구자로, 몸통을 중심으로 맨발, 헐렁한 머리, 자유로운 의상, 유머를 감정 표현에 통합하는 것을 강조하였다.[1][2][3][11] 그녀는 고대 그리스 예술, 민속 무용, 사교 무용, 자연, 자연력, 그리고 건너뛰기, 달리기, 점프, 도약, 갑작스러운 움직임과 같은 새로운 미국의 운동 능력에서 영감을 받았다.[1][2][3][11] 발레가 보기 흉하고 무의미한 체조라고 생각했던[1][2][3][11] 그녀는 인생의 여러 시점에 미국으로 돌아갔지만, 그녀의 작품은 그곳에서 좋은 평가를 받지 못했다. 그녀는 유럽으로 돌아가 1927년 니스에서 사망했다.[1][2][3][11]
1891년, 로이 풀러는 실크 의상에 가스 조명이 미치는 영향을 실험하기 시작했다. 1905년, 루스 세인트 데니는 인도 문화와 신화를 각색하여 공연하였다.
2. 1. 이사도라 던컨
이사도라 던컨(1877년 출생)은 근대 무용의 선구자로, 몸통을 중심으로 맨발, 헐렁한 머리, 자유로운 의상, 유머를 감정 표현에 통합하는 것을 강조하였다.[1][2][3][11] 그녀는 고대 그리스 예술, 민속 무용, 사교 무용, 자연, 자연력, 그리고 건너뛰기, 달리기, 점프, 도약, 갑작스러운 움직임과 같은 새로운 미국의 운동 능력에서 영감을 받았다.[1][2][3][11] 발레가 보기 흉하고 무의미한 체조라고 생각했던[1][2][3][11] 그녀는 인생의 여러 시점에 미국으로 돌아갔지만, 그녀의 작품은 그곳에서 좋은 평가를 받지 못했다. 그녀는 유럽으로 돌아가 1927년 니스에서 사망했다.[1][2][3][11]
1891년, 로이 풀러는 실크 의상에 가스 조명이 미치는 영향을 실험하기 시작했다. 1905년, 루스 세인트 데니는 인도 문화와 신화를 각색하여 공연하였다.
3. 독일의 근대 무용
독일의 근대 무용은, 요컨대 세계대전에 패한 독일인의 고뇌에서 생긴 예술이었다. 그것 자체는 무용예술에 전신적인 발자취를 남긴 것이다. 또한 뛰어난 무용가도 배출시켰는데, 결국 그 전성기는 그다지 오래 계속되지는 않았다.
유럽에서는 독일의 마리 비그만, 프랑수아 델사르트, 에밀 자크-달크로즈(리듬 체조), 루돌프 라반이 인간의 움직임과 표현에 대한 이론, 그리고 유럽 현대 무용과 표현주의 무용의 발전을 이끈 교육 방법을 개발했다. 다른 선구자로는 쿠르트 조스(아우스드루크스탄츠)와 하랄트 크로이츠베르크가 있다.
모던 댄스는 표현주의 무용이나 노이에 탄츠라고도 불렸다[42]。 이는 제1차 세계 대전 이후 독일에서 고전적인 형식 기술을 배제하고 내면적인 표현을 중시하는 움직임이다[42]。 2022년 "독일의 모던 댄스 관습"은 유네스코의 무형 문화 유산에 등록되었다[42]。
3. 1. 육체문화운동
20세기를 맞이할 때까지 독일은 무용면에서는 빈곤한 나라였다. 발레가 전성기를 구가하던 시대에도 독일은 방관자에 지나지 않았다. 그 이유 중 하나는 발레가 라틴 민족의 예술이었으므로 게르만 민족인 독일인으로서는 무연(無緣)의 예술로서 반발했다는 점을 들 수 있다. 그러나 독일에서는 19세기 이후 프리드리히 얀(1778-1852)과 루츠 무츠(1759-1839)가 제창한 육체문화운동이 국민 전반에 보급되었다. 이후 독일의 각 도시에서는 노동자나 학생, 그 밖의 근로계급을 포함한 수많은 일반인이 육체문화운동에 참가하고 덩컨식의 신무용을 향해 활발한 활동을 전개했다. 이것을 라이엔탄츠(일반인 무용)라고 한다. 그러나 그것은 아직 무용의 영역까지는 미치지 못한 것이었다. 왜냐하면 발레의 기교적인 부자연스러움은 없다 해도, 그 자연운동은 통제가 없고 이른바 무용의 법칙조차 갖지 못한 단계에 지나지 않는 무용적인 보건운동의 영역에서 벗어나지 못하고 있었기 때문이다.3. 2. 에밀 달크로즈
주네브의 음악 교사였던 '''에밀 달크로즈'''(Emile Dalcroze, 1865-1950)가 리듬 교육을 창도하기 시작했다. 달크로즈의 본명은 자크 달크로즈(Jaques Dalcroze)이다. 달크로즈는 오스트리아의 빈 태생으로, 주네브의 음악학교에서 작곡법을 가르치던 중 기존 음악교육의 근본적인 결함을 인지하였다. 그는 음악적 감각은 리듬적인 것이며, 전신을 통해 지각되는 것이므로, 귀에만 의존하는 기존 교육은 불완전하다고 주장했다. 그는 새로운 리듬교육인 '유리드믹스'를 창안했다. 1910년, 달크로즈는 독일 헬레라우 교외에 리드믹 학교를 설립하여 리듬교육을 시작했다.달크로즈의 리드믹 이론과 교육법은 음악 및 무용 교육에 효과적이라고 알려져 세계 각지에서 무용가들이 입학했다. 이들은 발레나 모던 댄스 등에서 활약하며 리드믹의 중요성을 알리고 무용 발전에 기여했다. 달크로즈는 리드믹 자체가 음악 교육법이자 무용 교육법이며, 기초적인 예술 표현 수단으로서 리듬 감각의 중요성을 강조했다. 그는 육체 전체의 리드미컬한 운동을 통해 올바른 리듬 감각을 기를 수 있다고 보았다.
3. 3. 루돌프 폰 라반
이사도라 덩컨이나 에밀 달크로즈의 영향을 받아 독일이 독자적인 새로운 무용을 창조하고자 그 실천에 착수하기 시작할 무렵, 독일 신무용의 창조적 개척자로 등장한 사람이 '''루돌프 폰 라반'''(Rudolf von Laban, 1879-1958)이었다. 그리고 이 라반의 출현으로 독일 신무용은 영광의 자리에 오를 수 있었던 것이다.독일의 마리 비그만, 프랑수아 델사르트영어, 에밀 자크-달크로즈(리듬체조), 루돌프 폰 라반은 인간의 움직임과 표현의 이론과 지도법을 탐구하여 '''모던 댄스'''와 label=표현주의 댄스/표현주의 댄스영어의 발전을 촉진했다. 개척자로는 쿠르트 요스영어나 하랄트 크로이츠베르크영어 등이 있다.
모던 댄스는 표현주의 무용이나 노이에 탄츠라고도 불렸다[42]。 이는 제1차 세계 대전 이후 독일에서 고전적인 형식 기술을 배제하고 내면적인 표현을 중시하는 움직임이다[42]。 2022년 "독일의 모던 댄스 관습"은 유네스코의 무형 문화 유산에 등록되었다.[42]
3. 4. 마리 비그만
독일의 마리 비그만, 프랑수아 델사르트영어, 에밀 자크-달크로즈(리듬체조), 루돌프 폰 라반은 인간의 움직임과 표현의 이론과 지도법을 탐구하여 '''모던 댄스'''와 label=표현주의 댄스/표현주의 댄스영어의 발전을 촉진했다. 개척자로는 쿠르트 요스영어나 하랄트 크로이츠베르크영어 등이 있다.
모던 댄스는 표현주의 무용이나 노이에 탄츠라고도 불렸다. 이는 제1차 세계 대전 이후 독일에서 고전적인 형식 기술을 배제하고 내면적인 표현을 중시하는 움직임이다. 2022년 "독일의 모던 댄스 관습"은 유네스코의 무형 문화 유산에 등록되었다[42]。
4. 미국의 근대 무용
독일의 근대 무용이 그 지도성을 잃자, 이를 대신하여 주도권을 장악한 것은 미국이었다. 현재도 전 세계에서 근대 무용에 가장 열중하며 활발한 움직임을 보이고 있는 나라는 미국일 것이다. 미국은 문화의 신흥국이었고 댄스의 전통이 없는 나라이기에, 바로 모던 발레가 발전한 이유가 된다. 때문에 미국은 근대 무용에 무용문화의 운명을 걸고 그 육성 발전에 힘을 기울였던 것이다. 그 결과 아메리칸 댄스라고 불리는 한 장르를 쌓아올릴 수 있었던 것이다.
그러한 미국의 근대 무용에 영향을 끼친 사람이 곧 이사도라 덩컨과 마리 비그만이었다. 그리고 특히 비그만에게 배운 하냐 홀름(Hanya Holm)이 있다. 그는 1931년에 뉴욕에서 비그만 무용학교를 세우고, 1936년부터는 그 자신의 이름으로 학교이름을 고치고서 독일식 근대 무용을 미국에 이식했다. 또한 루스 세인트데니스와 그의 문하생인 마더 그레이엄, 도리스 험프리, 찰스 와이드먼 등 수많은 뛰어난 준재(俊才)들이 미국 근대 무용을 근대의 융성으로 쌓아올렸다.
미국 근대 무용은 제2차 대전 후에 급속한 활약으로 바로 오늘날의 융성과 발전을 이룩했으며, 독일의 근대 무용이 발레의 요소를 철저히 거부했었던 것과는 달리 미국은 엄격하게 거부적인 태도를 취하지 않고, 말하자면 절충주의에 의해 폭넓게 근대 무용의 활로를 발견하고 있는 점이 특징이라 하겠다.
대공황과 유럽에서의 파시즘의 위협이 고조되는 것에 대한 인식에서, 급진적인 무용가들은 동시대의 경제적, 사회적, 민족적, 정치적 위기를 극적으로 표현함으로써 경종을 울렸다.
- Hanya Holm영어은 마리 위그만의 제자이자, 드레스덴의 위그만 학교의 교사였다. 1931년에 뉴욕 위그만 학교를 설립(1936년에 하냐 홀름 스튜디오로 변경)하고, 위그만 테크닉, 라반의 공간 역학 이론, 그리고 이후에는 그녀만의 댄스 테크닉을 미국의 모던 댄스에 도입했다. 숙련된 안무가였으며, 베닝턴에서 열린 최초의 (1934년)의 창립 예술가였다. 홀름의 댄스 작품 ''Metropolitan Daily''는 NBC에서 방영된 최초의 모던 댄스 작품이며, 『''키스 미 케이트』'' (1948년)의 라바노테이션영어·악보는 미국에서 처음으로 안무에 저작권이 인정된 사례이다. 홀름은 극무용영어이나 뮤지컬 분야에서 폭넓게 안무를 했다.[43]
- Anna Sokolow영어는 마사 그레이엄과 루이스 호르스트영어의 제자이며, 1930년경에 자신의 무용단을 설립했다. 극적인 동시대적 이미지를 제시하는 소콜로의 작품은 대체로 추상적이며, 시간의 긴장과 소외, 인간의 움직임에 깃든 진실을 비추면서 인간 경험의 모든 측면을 드러낸다.
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- 머스 커닝햄은 마사 그레이엄 밑에서 활동하며 발레를 배운 후, 1944년에 존 케이지와 함께 뉴욕에서 첫 솔로 공연을 했다. 케이지의 영향을 받아, 포스트모던적인 프로세스를 사용하면서 모더니즘의 생각을 도입한 ''커닝햄''은, ''우연성에 기반한 절차''와 ''순수한 형식적 신체 운동''을 안무에 도입하는 동시에, 그 ''커닝햄 테크닉은'' 20''세기의 댄스 테크닉의 규범 중 하나가 되었다''. 커닝햄은 그 비선형적, 비클라이맥스적, 비심리적인 추상 작품을 통해 포스트모던 댄스의 씨앗을 뿌렸다. 이러한 작품에서는, 각각의 구성 요소가 그 자체로 표현성을 지니며, 그것들이 무엇을 전달해 올지는 관객 스스로가 (대체로) 결정한다.
- 에릭 호킨스는 조지 발란신에게 사사받은 후, 마사 그레이엄의 무용단에서 최초의 남성 무용수이자 솔리스트가 되었다. 1951년, 새로운 운동생리학 분야에 관심을 가졌던 호킨스는 자신의 학교를 설립하고, 독자적인 테크닉(호킨스 테크닉)을 발전시켜, 소마틱한 댄스 테크닉의 선구자가 되었다.
- Paul Taylor (choreographer)영어는 줄리아드 학교와 코네티컷 대학교 무용 학부에서 공부했다. 1952년, 아메리칸 댄스 페스티벌에 출연했을 때 중요한 안무가들로부터 주목을 받았다. 먼저 머스 커닝햄의 무용단, 이어서 마사 그레이엄, 그리고 조지 발란신의 무용단을 거쳐, 1954년에 Paul Taylor Dance Company영어를 설립했다. 일상 동작과 모더니즘적인 발상의 공존이 안무의 특징이다. 트와일라 서프, 로라 딘, 던 왜고너, 젠타 드라이버가 재적했다.
- 알윈 니콜라이영어는 하냐 홀름에게 사사받았다. ''Masks, Props, and Mobiles'' (1953년), ''Totem'' (1960년), ''Count Down'' (1979년) 등에 대표되는, 그 멀티미디어적인 표현은 유례를 찾을 수 없다. 많은 경우, 공간과 의상 면에서 무용수의 자유도를 제한하고, 복잡한 음향과 무대 장치와 함께 상연하는 작풍이며, 그러한 장애를 극복한다는 물리적인 과제에 무용수의 의식을 집중시켰다. 니콜라이는 무용수를 자기 표현하는 예술가로서가 아니라, 물리적인 공간과 움직임의 특성을 탐구하는 존재로 간주했다.
1915년, 루스 세인트 데니스는 남편 테드 숀과 함께 데니숀 학교 및 무용단을 설립했다.[45] 세인트 데니스는 창작 부문을, 숀은 테크닉과 구성 지도를 담당했다. 마사 그레이엄, 도리스 험프리, 찰스 와이드먼은 모두 이 학교의 학생이었고, 무용단 멤버였다. 던컨, 풀러, 세인트 데니스는 자신들의 작품을 더 받아들여 줄 관객을 찾아 유럽을 순회했다. 풀러의 작품은 유럽 외에서는 거의 지원을 받지 못했다. 세인트 데니스는 미국으로 돌아와 활동을 계속했다.
마사 그레이엄은 종종 현대 20세기 극장 무용의 창시자로 여겨진다.[46] 그레이엄은 발레가 너무 편향되어 있으며, 즉 유럽적이고, 제국주의적이며, 비 미국적이라고 생각했다.[47] 그녀는 1916년에 데니숀 학교의 학생이 되었고, 1923년에는 뉴욕으로 이주하여 뮤지컬 코미디, 뮤직홀 등에 출연했으며, 또한 스스로 안무에도 참여했다.[48] 그레이엄은 수축과 해방(컨트랙션 앤드 릴리즈)의 개념에 기초한 독자적인 댄스 테크닉 「Graham technique영어」을 개발했다. 그레이엄의 가르침에서는 '느끼는' 것이 요구되었다. '느끼는' 것은 바닥에 접촉하는 것에 대한 의식을 높이는 동시에, 몸 전체에 걸쳐 에너지를 느끼고 그것을 관객에게 전달하는 것을 의미한다.[49] 댄스에서 그레이엄이 개척한 점은 몸의 '중심' 강조(사지를 중시하는 발레와 대조적), 호흡과 움직임의 연계, 댄서와 바닥의 관계이다.
- 1923년: 그레이엄이 데니숀을 떠나 그리니치 빌리지 폴리즈에서 솔로 아티스트로 활동을 시작한다.
- 1928년: 험프리와 와이드먼이 데니숀을 떠나 독자적으로 학교와 무용단을 설립한다.
- 1933년: 숀이, Becket, Massachusetts영어에 있는 그의 농장 '제이콥스 필로우'를 거점으로 남성만의 무용단 '테드 숀 앤 히즈 멘 댄서스'를 설립한다.
초기 모던 댄서들은, 교사에게 배운 테크닉과 구성 기법을 버리고, 독자적인 기법과 생각 및 댄스 테크닉을 창안했다. 이것이 모던 댄스의 기초가 되었다.
- Lester Horton영어
- 마사 그레이엄과 Louis Horst영어
- 도리스 험프리와 Charles Weidman영어
- Helen Tamiris영어는, 자유 운동(Irene Lewisohn영어)과 발레(미하일 포킨)의 훈련을 받은 후, 이사도라 던컨 밑에서 잠시 배우지만, 개인적인 표현과 서정적인 움직임에 중점을 두는 것이 받아들여지지 않았다. 타미리스는, 댄스마다 독자적인 표현 수단을 창조할 필요가 있다고 생각했고, 그러므로 개인으로서의 양식이나 테크닉을 만들어내지 않았다. 안무가로서의 타미리스는 극장 무용과 뮤지컬 시어터 모두에서 활동하며, 미국적인 테마의 작품을 창작했다.
- 레스터 호턴은, 모던 댄스의 중심지인 뉴욕에서 3,000마일 떨어진 캘리포니아에서 활동하기로 결정했고, 네이티브 아메리칸의 댄스나 모던 재즈 등 다양한 요소를 받아들인 독자적인 접근 방식을 개발했다. 호턴의 댄스 테크닉 '레스터 호턴 테크닉'은, 표현의 자유를 가능하게 하는 유연성, 강인함, 연계, 신체에 대한 의식을 포함한 전신적인 접근을 중시하고 있다.
1927년, 신문 각 신문은 무용 평론가와 계약을 맺게 되었고, 월터 테리나 에드윈 덴비는 음악이나 연극 평론가가 아닌, 움직임 전문가의 관점에서 댄스 공연에 접근했다. 교육 분야에서도 처음에는 체육의 일부로, 다음에는 무대 예술로서 모던 댄스가 대학의 커리큘럼에 도입되었다. 1934년에 Bennington College영어에 설립된 베닝턴 무용 하계 학교에서는 많은 대학 교사들이 훈련을 받았다.
베닝턴 프로그램에 대해 아그네스 드 밀은 다음과 같이 적고 있다. "...모든 종류의 아티스트, 음악가, 디자이너가 잘 어울렸다. 게다가 전국의 대학에서 공연 기획 담당자들도 모여들었다. 유럽 관객의 취향에 치우친, 3개의 거대한 독점적 매니지먼트의 속박으로부터도 자유로웠다. 그 결과, 처음으로 미국의 댄서가 미국의 전국 투어 계약을 얻을 수 있었고, 이것으로 그들의 비즈니스의 시작을 알렸다"(de Mille, 1991, pp.20-30).
모던 댄스의 발전 과정에는 아프리카계 미국인의 활약도 있다. "순수한" 모던 댄스 작품을 만드는 경향과 African dance영어나 카리브해 댄스와 모던 댄스를 혼합하는 경향이 있다.
- 캐서린 던햄은 아프리카계 미국인 댄서이자 인류학자이다. 원래 발레를 췄지만, 1936년에 최초의 무용단 ''발레 네그르''를 설립했다. 이후 일리노이주 시카고에 거점을 둔 ''캐서린 던햄 무용단''을 ''설립''했다. 1945년, 던햄은 뉴욕에 학교를 열고, 아프리카와 카리브해의 움직임(유연한 몸통과 척추, 잘 움직이는 골반, 사지의 아이솔레이션, 폴리리듬 움직임)과 발레 및 모던 댄스의 테크닉을 융합한 ''캐서린 던햄 테크닉''을 가르쳤다.
- Pearl Primus영어는 댄서, 안무가, 인류학자이며, 아프리카와 카리브해의 춤을 사용하여, 크게 공중을 가로지르는 강력하고 극적인 작품을 만들었다. 작품에서는 인종 문제나 아프리카계 미국인의 문제를 다루는 흑인 작가의 저작을 종종 다루고 있다. 랭스턴 휴즈의 ''『The Negro Speaks of Rivers영어』''(1944년)나 Abel Meeropol영어의 『''기묘한 열매''』(1945년) 등이다. 그녀의 무용단은 ''펄 프리머스 무용 언어 연구소로'' 발전하여, 아프리카계 미국인, 카리브해, 아프리카의 영향을 모던 댄스나 발레의 테크닉과 융합하는 수법을 가르치고 있다.
- Alvin Ailey영어는 먼저 Lester Horton영어, 벨라 루비츠키, 이어서 마사 그레이엄에게 사사했고, 극장 무용 분야에서 수년간 활동했다. 1958년, 에일리와 젊은 아프리카계 미국인 댄서 그룹은 뉴욕에서 Alvin Ailey American Dance Theater영어로 창단 공연을 했다. 에일리의 발상의 원천은, 텍사스 시대의 자신의 "피의 기억", 블루스, 흑인 영가, 가스펠 등이었다. 가장 인기 있고, 비평가들에게도 평가받는 대표작이 ''Revelations''(1960년)이다.
4. 1. 루스 세인트데니스
1915년, 루스 세인트 데니는 남편 테드 숀과 함께 데니숀 학교와 무용단을 설립했다.[19][45] 세인트 데니스는 창작 부문을, 숀은 테크닉과 구성 지도를 담당했다. 마사 그레이엄, 도리스 험프리, 찰스 와이드먼은 이 학교의 학생이자 무용단의 단원이었다.[19] 던컨, 풀러, 세인트 데니스는 그들의 작품에 더 넓고 수용적인 관객을 찾기 위해 유럽을 순회했다. 세인트 데니스는 미국으로 돌아와 활동을 계속했다.4. 2. 마사 그레이엄
마사 그레이엄(Martha Graham, 1895-?)은 1916년에 데니숀 무용학교에서 무용을 배우고, 1923년까지 그 무용단에서 활동했다.[19] 1926년에는 독립하여 뉴욕에서 데뷔하였고, 이후 미국의 무용계를 주도하며 백수십 편의 작품을 남겼다. 해외에서도 활동하며 "미국에 있어서의 마리 비그만"이라는 칭송을 받았다.[19]1915년 루스 세인트 데니는 남편 테드 숀과 함께 데니숀 학교와 무용단을 설립하였고,[19] 마사 그레이엄은 이 학교의 학생이자 무용단의 단원이었다. 그레이엄은 발레가 유럽적이고 제국주의적이며, 비(非) 미국적이라고 생각하여[21] 근육 수축과 이완을 기반으로 하는 그레이엄 테크닉이라는 자신만의 무용 기법을 개발했다.[20] 그녀는 제자들에게 "느끼는" 법, 즉 바닥에 굳건히 서 있는 동시에 온몸에 에너지를 느끼고 이를 관객에게 전달하는 고조된 자각을 갖는 것을 가르치고자 했다.[23] 그레이엄이 무용에 기여한 주요 사항은 신체의 '중심'에 대한 강조, 호흡과 움직임의 조화, 그리고 무용수와 바닥의 관계이다.[22]
4. 3. 도리스 험프리
도리스 험프리(Doris Humphrey, 1895-1958)는 1915년에 데니숀 무용학교 창립과 함께 중요 멤버로 참가했다.[45] 1928년에는 동료인 찰스 와이드먼과 독립하여 험프리·와이드먼 무용단 및 그 부속 무용학교를 설립했다. 제2차 세계 대전 후는 무대에서 물러나, 안무와 제자 육성에 전념했으며, 이론가로서도 미국의 무용계에 큰 공헌을 했다.4. 4. 찰스 와이드먼
찰스 와이드먼(Charles Weidman, 1901-75)은 추상적인 근대 무용에 대해 드라마틱한 작품을 주장했다.[45] 1915년 루스 세인트 데니스와 테드 숀이 설립한 데니숀 학교에서 마사 그레이엄, 도리스 험프리와 함께 무용을 배웠고, 무용단 멤버로 활동했다. 1928년 험프리와 함께 데니숀을 떠나 독자적인 학교와 무용단을 설립했다.[48]5. 근대 무용의 기법: 부정형과 독자성
근대 무용은 고전 발레의 정형화된 기법에 대한 반발, 즉 레지스탕스로서 발생했다. 고전 발레는 기법이 극도로 발달하면서 정해진 패턴에 의존하게 되었고, 이는 표현의 자유를 제한한다고 여겨졌다. 이에 근대 무용은 개성을 존중하고 독창적인 표현을 추구하며, 공통된 기법 대신 각자 고유의 표현 방식을 발전시키는 부정형(不定型) 기법을 추구하게 되었다.
근대 무용가들은 스스로 필요하다고 생각하는 기법을 창안하고 시스템을 확립하여 독자성을 강조한다. 즉, 기법 자체가 예술적 표현과 연결되기에 각자 독자적인 기법을 창안하고, 이는 부정형으로 나타날 수밖에 없다. 이러한 이유로, 근대 무용은 육체의 단련을 중요시하며, 단련된 육체를 통해 자유로운 표현을 추구한다.
1927년, 월터 테리, 에드윈 덴비와 같은 무용 평론가들이 정기적으로 신문에 글을 기고하기 시작하면서, 움직임 전문가의 관점에서 공연을 평가하는 새로운 시각이 나타났다.[24] 교육자들은 현대 무용을 대학 교육 과정에 포함시켰고, 처음에는 체육의 일부로, 나중에는 공연 예술로 자리 잡았다.[24] 많은 대학 강사들은 벤닝턴 칼리지에서 1934년에 설립된 벤닝턴 여름 무용 학교에서 훈련을 받았다.[24]
애그니스 드 밀은 벤닝턴 프로그램에 대해 다양한 예술가, 음악가, 디자이너들이 훌륭하게 어우러졌고, 전국의 대학 콘서트 시리즈를 예약하는 사람들이 모였다고 평가했다.[24] 또한, 이는 미국 무용수들이 미국 전역을 순회하며 재정적 자립을 시작하는 계기가 되었다고 언급했다.[24]
근대 무용의 주요 계보는 다음과 같다.
- 로이 풀러
- 이사도라 던컨 - ''던컨 테크닉''
- 루스 세인트 데니
- 테드 숀 - ''숀 기본기''
- 데니쇼운(학교 및 무용단)
- 도리스 험프리와 찰스 와이드먼 - ''춤 제작의 기술''(험프리)
- 험프리-와이드먼 학교 - ''험프리-와이드먼 테크닉 (넘어짐과 회복)''
- 호세 리몬 - ''리몬 테크닉''
- 마사 그레이엄 - ''그레이엄 테크닉'' (및 루이스 호르스트)
- 에릭 호킨스 (조지 발란신을 거쳐) - 호킨스 테크닉
- 안나 소콜로프
- 메이 오도넬
- 머스 커닝햄 - ''커닝햄 테크닉'' (또한 포스트모던 댄스 참조)
- 이본느 라이너
- 마가렛 젠킨스
- 스티브 팍스턴
- 리처드 알스톤
- 폴 테일러
- 트윌라 타르프
- 트리샤 브라운
- 오하드 나하린
- 레스터 호턴 - "호턴 테크닉"
- 벨라 레비츠키
- 앨빈 에일리
- 루돌프 폰 라반
- 쿠르트 횬스 (표현 무용)
- 피나 바우쉬 (탄츠테아터)
- 메리 위그만 (표현주의 무용)
- 우르술라 케인
- 하이케 헤닝 (''시간과 함께 춤을'' 참조)
- 한야 홀름
- 발레리 베티스
- 앨프리드 브룩스
- 맥신 문트
- 알윈 니콜라이 - ''분산화''
- 머레이 루이스
- 베벌리 슈미트 블로섬
- 에밀 자크-달크로즈
- 메리 위그만
- 마리 람베르
- 캐서린 던햄 - ''캐서린 던햄 테크닉''
- 펄 프리머스
- 가스 파간
- 헬렌 타미리스
- 다니엘 나그린
6. 근대 무용의 다양성과 타협성
근대 무용은 그 표현 방식이 다양하여, 독일파의 신무용처럼 고전 발레의 기법을 절대적으로 거부하는 경우가 있는가 하면, 아메리칸 댄스처럼 필요에 따라 고전 발레뿐만 아니라 다양한 무용 기법을 채택하여 표현을 풍부하게 하려는 경우도 있다. 이러한 점에서 모던 댄스의 기법은 부정형(不定型)이며, 고전 발레의 기본을 바탕으로 독자적인 기법을 전개하는 경우도 있다. 이처럼 근대 무용은 기법에서 독자성을 주장하며 기존 기법을 배제하는 경우와 고전 발레와 타협하는 경우가 공존하여 그 양상이 매우 다양하다. 독일파 신무용처럼 독자성과 순수성을 강조하는 입장은 타협적인 근대 무용을 부정하며, 근대 무용의 의미 해석에 따라 그 양상이 달라지는 것이 오늘날의 현상이다.
1927년, 신문들은 월터 테리, 에드윈 덴비와 같은 무용 평론가를 정기적으로 배정하기 시작했는데, 이들은 움직임 전문가의 관점에서 공연에 접근했다.[24] 교육자들은 현대 무용을 대학 교육 과정에 받아들였고, 처음에는 체육의 일부로, 그 다음에는 공연 예술로 자리 잡았다.[24] 많은 대학 강사들은 1934년 벤닝턴 칼리지에 설립된 벤닝턴 여름 무용 학교에서 훈련을 받았다.[24]
애그니스 드 밀은 벤닝턴 프로그램에 대해 다양한 예술가, 음악가, 디자이너들이 훌륭하게 어우러졌고, 전국의 대학 콘서트 시리즈를 예약하는 사람들이 모였다고 평가했다.[24] 또한, 세 개의 큰 독점적 매니지먼트의 제한적인 규제에서 벗어나 미국 무용수들이 미국 전역을 투어하도록 고용되었고, 이는 그들의 재정적 자립의 시작을 알렸다고 언급했다.[24]
모던 댄스의 발전 과정에는 아프리카계 미국인의 활약도 있었다. 캐서린 던햄은 인류학자이자 무용가로, 1936년에 최초의 무용단 ''발레 네그르''를 설립하고, 이후 ''캐서린 던햄 무용단''을 설립했다.[24] 1945년에는 뉴욕에 학교를 열고 아프리카와 카리브해의 움직임을 발레 및 모던 댄스와 융합한 ''캐서린 던햄 테크닉''을 가르쳤다.[24] 펄 프리머스는 댄서이자 안무가, 인류학자로, 아프리카와 카리브해의 춤을 사용하여 극적인 작품을 만들었으며, 랭스턴 휴즈의 ''『The Negro Speaks of Rivers』''(1944년), Abel Meeropol의 ''기묘한 열매''(1945년) 등 흑인 작가의 저작을 다루었다.[24] 앨빈 에일리는 레스터 호턴, 벨라 루비츠키, 마사 그레이엄에게 사사했고, 1958년 Alvin Ailey American Dance Theater를 창단하여 공연했다.[24] 그의 대표작 ''Revelations''(1960년)는 텍사스 시대의 자신의 "피의 기억", 블루스, 흑인 영가, 가스펠 등을 발상의 원천으로 한다.[24]
7. 한국 근대 무용의 수용과 발전
7. 1. 최승희
7. 2. 조택원
7. 3. 신무용 운동
8. 현대 무용으로의 계승
근대 무용의 유산은 20세기 공연 무용 형식의 계보에서 찾아볼 수 있으며, 많은 중요한 무용 예술가들은 자유 무용으로 거슬러 올라가는 공통된 유산을 공유한다.[20]
포스트모던 무용은 1960년대 미국에서 사회가 정치와 예술의 진실과 이데올로기에 의문을 제기했던 시기에 발전했다. 이 시기는 예술 분야에서 사회적이고 문화적인 실험이 활발하게 일어났으며, 안무가들은 특정 '학교'나 '스타일'을 만들지 않았다. 다양한 무용 시대의 영향은 더욱 모호하고 단편적으로 되었다.[20][50]
컨템퍼러리 댄스는 1950년대에 모던 댄스 요소와 고전 발레 요소를 결합하여 등장한 무용 형식이다.[31] 이는 무릎을 굽히는 특징을 가진 아프리카 댄스와 1950년대에 발전한 일본의 현대 무용인 부토와 같은 비서구 무용 문화의 요소를 사용할 수 있다.[20][32] 또한 이사도라 던컨과 같은 선구자들의 작업을 통해 현대 유럽의 영향을 통합한다.[33]
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